Bandas sonoras míticas del cine (CLXXIX)

En 1985 se estrenó la tercera parte de la saga de Mad Max, Más allá de la Cúpula del Trueno, y sinceramente sólo recordaba la parte de la batalla en la jaula entre Max Rockatansky (Mel Gibson) y el Maestro-Golpeador (Angelo Rossitto-Paul Larsson), hasta que la revisé recientemente. Esta tercera parte la dirigen a pachas George Miller y George Ogilvie.

La historia de Max continúa en ambientes desérticos, sin restos de la antigua civilización, y recorre el vasto páramo por medio de una carroza arrastrada por camellos, la cual es robada por un aviador loco llamado Jedediah (Bruce Spence) que vuela con su hijo. Sigue su pista hasta un emporio comercial llamado Negociudad, pero antes, el mono de la carroza le habrá arrojado sus botas, armas y un silbato, pertenencias que le ayudarán.

En Negociudad los ladrones entran a hacer negocio, para en teoría, construir un nuevo mundo, donde ingresa a sus puertas Max, mientras es estrictamente observada por los guardias de su fundadora, Tía Ama (Aunty Entity) interpretada por una muy digna Tina Turner. 

En el camino hay comerciantes, que antes fueron ladrones, y Max ingresa en la cola de nuevos ciudadanos de Negociudad, e inicialmente no es admitido, por no tener bienes con los que comerciar, pero sorprende al encargado llamado El Colector (Frank Thring) apuntándole con un arma. Entonces se produce una negociación, en la que Max termina comerciando o intercambiando sus habilidades para la lucha, y se le lleva desarmado ante Tía Ama. Allí en su salón es puesto a prueba al sobrevivir a los ataques de sus guardias. Negocian, y ella le muestra el funcionamiento de la ciudad y al dúo que le maneja la planta, El Maestro Golpeador (Master-Blaster). La energía de Negociudad y sus aparatos consumen energía del metano, que proviene de las heces de cerdo (no me quiero ni imaginar como olía aquello en el rodaje porque hay cerdos de verdad).

La clave es tumbar a Golpeador en el Thunderdome (donde existe la ley de que dos hombres entran y uno sale) para dominar el cerebro del Maestro, para ello Max llega a un acuerdo con Tía Ama, que rompe al no querer dar muerte al Golpeador cuando lo tiene rendido. Esto supone su expulsión de Negociudad, va a la ruleta de la fortuna y allí entre las varias opciones sale Gulag, por lo que es desterrado hacia el desierto.

La banda sonora estaba dividida en dos caras, la primer con tres temas de Tina Turner, y la segunda con otros tres instrumentales de Maurice Jarre interpretados por la Royal Philarmonic Orchestra, y congeniaban a la perfección.

Os dejo con el We don't need another hero de Tina Turner.

De Maurice Jarre os dejo con la composición Bartertown.

Bandas sonoras míticas del cine (CLXXVIII)

Como decía ayer, en 1970 David Lean dirige La hija de Ryan, ambientada en 1916 en Irlanda. Robert Mitchum da vida a Charles, un maestro rural viudo que regresa a Dublín a su aldea natal. Rosy, a la que da vida Sarah Miles, es una muchacha impulsiva, que se encapricha de él y no para hasta que consigue casarse con el maestro. Pero ese matrimonio algo forzado fracasa, ya que Charles es un hombre maduro y sosegado, mientras que ella es una mujer joven muy apasionada y romántica, que no se ve correspondida en lo que busca, por lo que acaba enamorándose de un oficial inglés con el que se ve en secreto. La hija de Ryan es una obra que refleja la que es una de las más grandes virtudes de David Lean, su capacidad de pasar del pequeño detalle a lo majestuoso (como por ejemplo el famoso plano de la cerilla de Lawrence de Arabia), el contraste entre las pequeñas historias personales y la Historia. Película a la que se criticó hasta la exageración en su día, cuando es una gran película y que tenía banda sonora además de Maurice Jarre, siempre genial. Jarre, que es un genio, domina como pocos los instantes más pausados asociados con la narración de los pasajes. Banda sonora minusvalorada, siempre puesta por detrás de Lawrence de Arabia u otras, pero que tiene una calidad soberbia.

Os dejo con el tema principal (Main title).

Escenas míticas del cine (CCCXLVI)

En 1970 David Lean dirige La hija de Ryan, ambientada en 1916 en Irlanda. Robert Mitchum da vida a Charles, un maestro rural viudo que regresa a Dublín a su aldea natal. Rosy, a la que da vida Sarah Miles, es una muchacha impulsiva, que se encapricha de él y no para hasta que consigue casarse con el maestro. Pero ese matrimonio algo forzado fracasa, ya que Charles es un hombre maduro y sosegado, mientras que ella es una mujer joven muy apasionada y romántica, que no se ve correspondida en lo que busca, por lo que acaba enamorándose de un oficial inglés con el que se ve en secreto. La hija de Ryan es una obra que refleja la que es una de las más grandes virtudes de David Lean, su capacidad de pasar del pequeño detalle a lo majestuoso (como por ejemplo el famoso plano de la cerilla de Lawrence de Arabia), el contraste entre las pequeñas historias personales y la Historia. Película a la que se criticó hasta la exageración en su día, cuando es una gran película y que tenía banda sonora además de Maurice Jarre, siempre genial.

En una escena mítica tremenda, Charles y Rosy tienen una conversación en la que se escenifica la ruptura, por las cuestiones citadas anteriormente.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CLXXVII)

Como decía ayer, muchas eran las expectativas por mi parte de la segunda parte de Dune, que salió este año en cines allá por el 1 de marzo y dirigida de nuevo por el director francocanadiense Denis Villeneuve donde revisa de manera bestial la novela de Frank Herbert, y francamente ha superado todo lo esperado, un auténtico disfrute visual, actoral y de conjunto que paso a desgranar. Ya en la primera parte tres años atrás, el director y su tratamiento que hacía del conjunto y de los personajes, me parecieron de un acierto total. Denis, anteriormente, ya me dejó un buen sabor de boca con La Llegada, más tarde con la notable Blade Runner 2049, pero se coronó tres años atrás y ahora ha subido a la gloria. La dirección de arte, los efectos y la puesta en escena visual son de una calidad soberbia, además de contar con Hans Zimmer en la banda sonora del film, al igual que en la primera parte. Quizás en esta segunda parte la música no destaca tan abrumadora como en la cinta anterior, pero desde luego está presente en cada una de las escenas importantes dando la consistencia perfecta.

Os dejo con el tema Beginnings are such delicate times.

Dune: Part Two (2024)

Muchas eran las expectativas por mi parte de la segunda parte de Dune, que salió este año en cines allá por el 1 de marzo y dirigida de nuevo por el director francocanadiense Denis Villeneuve donde revisa de manera bestial la novela de Frank Herbert, y francamente ha superado todo lo esperado, un auténtico disfrute visual, actoral y de conjunto que paso a desgranar. Ya en la primera parte tres años atrás, el director y su tratamiento que hacía del conjunto y de los personajes, me parecieron de un acierto total. Denis, anteriormente, ya me dejó un buen sabor de boca con La Llegada, más tarde con la notable Blade Runner 2049, pero se coronó tres años atrás y ahora ha subido a la gloria. La dirección de arte, los efectos y la puesta en escena visual son de una calidad soberbia, además de contar con Hans Zimmer en la banda sonora del film, al igual que en la primera parte.

Arrakis, el planeta del desierto, es el feudo de la familia Harkonnen desde hace generaciones, pero queda en manos de la Casa de los Atreides, después de que el emperador ceda a ésta explotación de las reservas de especia, una de las materias primas más valiosas de la galaxia y también una droga capaz de amplificar la conciencia y extender la vida. En la primer parte El duque Leto (Oscar Isaac), la dama Jessica (Rebeca Ferguson) y el hijo de ambos, Paul Atreides (Timothée Chalamet), llegaban al planeta con la esperanza de recuperar el nombre de la casa, pero pronto se verían envueltos dentro de una trama de traiciones y engaños que hizo que desconfiaran de sus más allegados y a valorar a los lugareños, los Fremen, una tribu de habitantes del desierto, que tienen estrecha relación con la especia. Pero Paul decide unirse a la tribu de los Fremen y empezar un viaje espiritual y marcial para convertirse en el mesías, mientras intenta evitar el horrible pero inevitable futuro que se ha presenciado, una Guerra Santa en su nombre, que se extiende por todo el universo conocido. A destacar la escena del coliseo en blanco y negro, llevando la decadencia de la Casa Harkonnen a lo más oscuro me parece sublime.

Denis Villeneuve hace un cosa especial en este film, ya que deconstruye el camino del héroe más clásico, para poner todo en clave bíblica y en un fantástico paralelismo con Moisés que también hacía una visita al desierto y vagaba por él para liberar a un pueblo al que pertenecía por adopción, cambia el abrir las aguas del Mar Rojo, por montar a lomos de un gusano gigante para demostrar que es el elegido, por cierto una escena absolutamente deslumbrante. De hecho, una cosa muy importante, es que Paul Atreides no es precisamente el modelo de salvador al que industrias como Hollywood nos tiene acostumbrados. 

En el plano actoral, a la brillante actuación de Timothée Chalamet como Paul Atreides, hay que añadir a Zendaya que interpreta a Chani, la Fremen enamorada de Paul, Javier Bardem da vida a Stiglar líder de los Fremen, Rebeca Fergusson como Jessica la madre de Paul, Charlotte Rampling como la Reverenda Madre Mohiam, Stellan Skarsgârd sigue haciendo del Barón Vladimir Harkonnen, Christopher Walken es el Emperador (excelente), Dave Bautista como Rabban Harkonnen, que es sustituido al mando del ejército por el sobrino del Barón Feyd-Rahuta interpretado por un asombroso Austin Butler (si, si, el mismo que hizo de Elvis) que es una locura de película de terror.

En definitiva, una epopeya de arena y sol y donde hay una mezcla de asuntos religiosos, supersticiones, tradiciones y manera de manejar la geopolítica muy interesantes.

Os dejo con el tráiler de esta tremenda película.

Bandas sonoras míticas del cine (CLXXVI)

Alfred Hitchcock dirigió Topaz en 1969, quizás una de las películas menos logradas del genio, ya que su ritmo lento agota, y por si fuera poco la historia en sí es poco emocionante, un guión adaptado de la novela de Leon Uris acerca de espías con el marco de la crisis de los misiles soviéticos en Cuba como telón de fondo. La verdad es que ni parece un film de Hitchcock ya que no logra involucrar al espectador de lleno, pero después del fiasco de Cortina Rasgada tres años antes, Alfred se metió en el proyecto casi de manera desesperada con una historia anticomunista, cuando él nunca había tenido ni roces con la política en su filmografía.

La película nos cuenta el viaje de Boris Kusenov (Per-Axel Arosenius) con su esposa e hija, de origen ruso que están en Copenhague de turistas, pero allí deciden buscar ayuda en la embajada estadounidense para exiliarse a ese país. Kusenov es un alto oficial ruso, al que los servicios de inteligencia le cobrarán el favor de acogerle, para que les confiese todo lo que sabe acerca de los misiles soviéticos en Cuba y sobre el significado de la palabra Topaz en la situación. Para aclarar el embrollo, contrata al agente francés André Devereaux (Frederick Stafford) quien tiene relaciones muy cercanas en Cuba. 

En resumen, el film posee un buen puñado de instantes meritorios e imágenes poderosas, pero acusa la falta de un reparto demasiado heterogéneo en un argumento que resulta disperso y deslavazado que no permite ningún típico de química que impide chispa interpretativa.

Sin embargo la banda sonora de Maurice Jarre es una maravilla, adecuada al relato en todo momento.

Os dejo con el tema Topaz 'March' (Main Title), una marcha militar brutal.

Bandas sonoras míticas del cine (CLXXV)

En 1988 Michael Apted dirige Gorilas en la niebla, protagonizada por Sigourney Weaver que da vida a Dian Fossey, que es una inexperta zoóloga que llega a África para confeccionar un censo sobre una especie en peligro de extinción, el gorila de montaña. Acompañada de un rastreador nativo comienza su trabajo, quedando fascinada por la vida de dichos animales, a los que no tiene miedo en acercarse para estudiar su comportamiento. Entre Dian y los gorilas se establece una extraña relación afectiva. En su afán por defender la especie, la Doctora tiene serios problemas con las autoridades y cazadores furtivos, que venden las crías a zoológicos y matan a los adultos para la fabricación de souvenirs. Está basado en hechos reales, y sería lo que ahora se denomina un biopic, un film desgarrador y muy conmovedor.

La banda sonora corrió a cargo de Maurice Jarre y vuelve a dar en el clavo musicando las mejores partes del film con mucha delicadeza.

Os dejo con el tema Gorillas in the mist.

Escenas míticas del cine (CCCXLV)

Clint Eastwood protagonizó la tercera entrega de Harry, esta vez El Ejecutor en 1976, interpretando al inspector de homicidios de San Francisco Harry Callahan, dirigido por James Fargo y Robert Daley, en esta ocasión. En este caso, un grupo de terroristas autodenominados Acción revolucionaria del pueblo, amenazan con hacerlo volar todo después de robar en una fábrica de armas mucha munición, si no se cumplen sus demandas. Harry, sigue poniendo de los nervios a sus superiores por sus métodos poco ortodoxos pero efectivos, será quien los persiga, más después de que su compañero muera a manos de los violentos. Pone toda la carne en el asador y remueve toda la ciudad hasta encontrarlos, iglesias de por medio, y tendrá de compañera a Kate Moore (Tyne Daly), una mujer recién salida de la escuela de oficiales.

En una escena mítica, al final del film, el villano (hecho un Rambo) sigue disparando con su metralleta, pero Harry le apunta con un bazoca, hasta que le dispara y desaparece.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCXLIV)

Antoine Fuqua y Denzel Washington entregan la tercera y última película de la saga que comenzó en 2014 con The Equalizer (El protector), que a su vez está basada en una serie que se emitió entre 1985 y 1989. Siguen haciendo el guión Richard Wenk, como en las dos primeras partes, Fuqua dirige y Denzel es productor ejecutivo y actor principal. Desde que renunció a su vida como asesino del gobierno, Robert McCall (Denzel Washington) ha luchado para reconciliarse con las cosas horribles que ha hecho en su pasado y así encuentra un extraño consuelo para hacer justicia en nombre de los oprimidos. Mientras está en Sicilia, en el Sur de Italia, descubre que sus nuevos amigos de un pueblo están bajo el control de los jefes del crimen local (mafia). A medida que los acontecimientos empiezan a complicarse, McCall entiende lo que tiene que hacer, es decir, proteger a sus amigos enfrentándose él solo si es necesario a la temida mafia. 

En una escena espectacular, lanza un aviso a uno de los mafiosos que había quemado el negocio del pescadero, y lo hace en un restaurante.

Os dejo con la brutal escena.

Escenas míticas del cine (CCCXLIII)

Como decía ayer, en 1973 llega la segunda película de la saga de Harry Callahan, Harry, El Fuerte, donde los principales asesinos de la ciudad de San Francisco están siendo asesinados. Quizás en varios aspectos este film sea superior a la primera parte, ya que mientras Don Siegel había creado un entretenido thriller policial en Harry, El Sucio, además de dar a conocer al protagonista y sus métodos, el film de Ted Post es cinematográficamente superior, hablo no sólo por su enérgica dirección, sino por un guión que contiene unas muy interesantes reflexiones dramáticas y políticas gracias a dos guionistas de lujo como fueron John Milius y Michael Cimino.

En esta cinta Harry Callahan se enfrenta no a un psicópata malo porque sí, sino a un escuadrón de la muerte formado por un grupo de policías que ha decidido ejercer de juez, jurado y especialmente verdugo. Para ello se dedican a pasearse por la ciudad ejecutando a cualquier criminal rico que se les ponga a tiro y de manera premeditada. Y al comando de todos ellos está el Teniente Briggs (Hal Holbrook). Su manera de pensar queda muy bien reflejada en una frase que dice en la película: "Odio el maldito sistema, pero mientras no venga alguien con una idea mejor que tenga sentido, lo respetaré".

Pero al principio del film, Harry tendrá que lidiar con unos locos que han secuestrado un avión, él se hace pasar por un capitán de vuelo, y entra en el avión para supuestamente despegar, pero evidentemente no tiene ni idea de manejar el aparato (algo que le pregunta el copiloto extrañado por su actitud), y empieza a desembarazarse de los secuestradores, uno a uno. 

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCXLII)

En 1973 llega la segunda película de la saga de Harry Callahan, Harry, El Fuerte, donde los principales asesinos de la ciudad de San Francisco están siendo asesinados. Quizás en varios aspectos este film sea superior a la primera parte, ya que mientras Don Siegel había creado un entretenido thriller policial en Harry, El Sucio, además de dar a conocer al protagonista y sus métodos, el film de Ted Post es cinematográficamente superior, hablo no sólo por su enérgica dirección, sino por un guión que contiene unas muy interesantes reflexiones dramáticas y políticas gracias a dos guionistas de lujo como fueron John Milius y Michael Cimino.

En esta cinta Harry Callahan se enfrenta no a un psicópata malo porque sí, sino a un escuadrón de la muerte formado por un grupo de policías que ha decidido ejercer de juez, jurado y especialmente verdugo. Para ello se dedican a pasearse por la ciudad ejecutando a cualquier criminal rico que se les ponga a tiro y de manera premeditada. Y al comando de todos ellos está el Teniente Briggs (Hal Holbrook).

En la escena final, después de haberse cargado a todos los agentes del escuadrón, solo queda Briggs, que tiene encañonado a Harry, pero él deja la bomba en su coche, al irse este explota, a lo que Harry sentencia: "el hombre debe conocer sus limitaciones".

Os dejo con la mítica escena final.

Escenas míticas del cine (CCCXLI)

Como decía días atrás, en 1971 Don Siegel dirige a Clint Eastwood en Harry el Sucio. Harry Callahan es un duro policía criado en las calles de San Francisco, cuyo apelativo de "El Sucio" se lo ha ganado gracias a sus particulares métodos de lucha en contra de criminales, además de tener siempre que encargarse de los trabajos más desagradables. Cuando un francotirador que se hace llamar "Scorpio" asesina a una mujer desde una azotea y promete matar a más personas si la ciudad no le paga 100.000 dólares, el inspector Callahan será el encargado de intentar resolver el caso y dar caza al asesino. Nada se interpone entre su sentido del deber y su Magnum 44. Su personalidad y sus métodos quedan reflejados desde el inicio del film.

En una escena mítica su nuevo compañero Chico (Reni Santoni) le pregunta a Harry porqué le apodan "El sucio", atento el detective De Georgio (Robert Mitchum) le dice que Harry tiene algo en su favor y es que no siente favoritismo por nadie ya que odia a todo el mundo... ingleses, irlandeses, judíos, negros, indios, chinos... a lo que Chico pregunta cual es su opinión de los mexicanos, a lo que Harry contesta que les tiene un odio especial guiñando el ojo al de Georgio.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCXL)

Clint Eastwood protagonizó la tercera entrega de Harry, esta vez El Ejecutor en 1976, interpretando al inspector de homicidios de San Francisco Harry Callahan, dirigido por James Fargo y Robert Daley, en esta ocasión. En este caso, un grupo de terroristas autodenominados Acción revolucionaria del pueblo, amenazan con hacerlo volar todo después de robar en una fábrica de armas mucha munición, si no se cumplen sus demandas. Harry, sigue poniendo de los nervios a sus superiores por sus métodos poco ortodoxos pero efectivos, será quien los persiga, más después de que su compañero muera a manos de los violentos. Pone toda la carne en el asador y remueve toda la ciudad hasta encontrarlos, iglesias de por medio, y tendrá de compañera a Kate Moore (Tyne Daly), una mujer recién salida de la escuela de oficiales.

En una escena mítica, hay unos ladrones que tienen rehenes en una tienda y piden un coche, a lo que Harry, accede a sus peticiones a su manera, entra con su coche policial en la tienda y se carga a los delincuentes.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCXXXIX)

Como decía días atrás, en 1971 Don Siegel dirige a Clint Eastwood en Harry el Sucio. Harry Callahan es un duro policía criado en las calles de San Francisco, cuyo apelativo de "El Sucio" se lo ha ganado gracias a sus particulares métodos de lucha en contra de criminales, además de tener siempre que encargarse de los trabajos más desagradables. Cuando un francotirador que se hace llamar "Scorpio" asesina a una mujer desde una azotea y promete matar a más personas si la ciudad no le paga 100.000 dólares, el inspector Callahan será el encargado de intentar resolver el caso y dar caza al asesino. Nada se interpone entre su sentido del deber y su Magnum 44. Su personalidad y sus métodos quedan reflejados al inicio del film, cuando al entrar a comer un perrito caliente en el bar de siempre, se percata de que es posible de que se esté perpretando un atraco a un banco ya que ha visto un coche sospechoso justo enfrente, y sin perder la calma requiere al propietario a que llame a la policía para advertirlo. Pero lo vuelve a repetir, algo parecido en la escena final, cuando después de disparar a Scorpio (Andrew Robinson) que tiene retenido a un niño que pescaba, le dice: "Sé lo que estás pensando, si he disparado seis tiros o solo cinco. La verdad es que he perdido la cuenta. Pero siendo este un Magnum 44, el arma más poderosa del mundo, capaz de volarte los sesos de un solo disparo, ¿no crees que deberías pensar que eres afortunado hijo de perra?". A lo que el asesino intenta coger el arma y es disparado por Harry.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCXXXVIII)

En 1976 Clint Eastwood dirige y protagoniza un western realmente espectacular, traducido aquí como El Fuera de la Ley, que cuenta la historia, dentro de la Guerra de secesión americana (1861-1865), de Josey Wales, quien tras el asesinato de su familia por soldados yanquis (algunos botas rojas incluidos) decidirá cobrar venganza y se convertirá en perseguido fugitivo, al ser el último hombre que se ha negado a firmar un acuerdo de paz con los vencedores de la Guerra. Este granjero de Missouri se une a guerrilleros confederados que siguen luchando contra La Unión, incluso después de haber finalizado la Guerra.

Este film es la adaptación cinematográfica de la excelente novela de Forrest Carter (1925-1978) titulada Huido a Texas (Gone to Texas, 1973) y que guionizó Philip Kaufman al principio y de cuya labor fue sustituido por el propio Eastwood, después de unos días de rodaje.

Pero éste film, dentro de los westerns hechos por Eastwood se diferencia de los otros en su lado oscuro (en su fotografía), sucio, con su parte psicodélica, algo pesimista en su mensaje central, pero con unos toques de humor realmente impresionantes y acertados.

Es un personaje, el de Wales, marcado por la tragedia y el odio, y que se mete en una guerra que ni le iba ni le venía, sólo por conseguir vengar la muerte de su familia. Pero al finalizar la guerra, él no los encuentra y encima está en el bando perdedor. Pero Josey, inicia una huida hacia adelante que deja un reguero de sangre a su paso. En ese camino conocerá, asaltados por comancheros a Lone Watie (Chief Dan George), un indio mayorcete que le refugiará, como favor por salvarles la vida, en las Naciones Indias. También formarán parte de la troupe la abuela Sarah (Paula Trueman) y Laura Lee (Sondra Locke) por la que Josey se interesará.

En una escena mítica, Josey entra en una tienda por provisiones, y ve a dos tipos que abusan de una mujer india, uno de ellos le reconoce y le pide entregar sus revólveres, cuando se los va a dar, los gira y les dispara. Después le dice al tendero que esos caballos de fuera... ya no tienen dueño.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCXXXVII)

Como decía ayer, en 1971 Don Siegel dirige a Clint Eastwood en Harry el Sucio. Harry Callahan es un duro policía criado en las calles de San Francisco, cuyo apelativo de "El Sucio" se lo ha ganado gracias a sus particulares métodos de lucha en contra de criminales, además de tener siempre que encargarse de los trabajos más desagradables. Cuando un francotirador que se hace llamar "Scorpio" asesina a una mujer desde una azotea y promete matar a más personas si la ciudad no le paga 100.000 dólares, el inspector Callahan será el encargado de intentar resolver el caso y dar caza al asesino. Nada se interpone entre su sentido del deber y su Magnum 44. Su personalidad y sus métodos quedan reflejados al inicio del film, cuando al entrar a comer un perrito caliente en el bar de siempre, se percata de que es posible de que se esté perpretando un atraco a un banco ya que ha visto un coche sospechoso justo enfrente, y sin perder la calma requiere al propietario a que llame a la policía para advertirlo. Pero no hay tiempo a que "llegue la caballería" como dice el propio Callahan. Suena la alarma, y todo se desata, de forma pausada, sin perder ni por asomo la compostura, Harry sale a la calle mientras da los últimos bocados al perrito, en dirección al banco con su Magnum 44 desenfundada y se enfrenta a los atracadores, abatiendo a dos de ellos que huyen en el coche y encarándose con el tercero que llevaba un rifle y le ha dejado herido y con el rifle a su alcance, es entonces cuando pronuncia una frase mítica y lapidaria: "Sé lo que te estás preguntando, si he disparado seis tiros o solo cinco. La verdad es que con todo este ajetreo he perdido la cuenta. Pero siendo este un Magnum 44, el arma más poderosa del mundo, capaz de volarte los sesos de un solo disparo, deberías preguntarte ¿es mi día de suerte? ¿verdad que sí, vago? A lo que el ladrón le dice que necesita saberlo...

Os dejo con la ultramítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCXXXVI)

En 1971 Don Siegel dirige a Clint Eastwood en Harry el Sucio. Harry Callahan es un duro policía criado en las calles de San Francisco, cuyo apelativo de "El Sucio" se lo ha ganado gracias a sus particulares métodos de lucha en contra de criminales, además de tener siempre que encargarse de los trabajos más desagradables. Cuando un francotirador que se hace llamar "Scorpio" asesina a una mujer desde una azotea y promete matar a más personas si la ciudad no le paga 100.000 dólares, el inspector Callahan será el encargado de intentar resolver el caso y dar caza al asesino.

John Vernon hace el papel de El Alcalde de San Francisco, y tiene una conversación con Harry acerca de que no quiere más dificultades como las que tuvo en el distrito Fillmore un año antes diciendo que esa es su política, a lo que Harry le contesta que: "cuando un hombre acosa a una mujer con la intención de violarla, yo mato al hombre, esa es mi política".

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CLXXIV)

Moustapha Akkad dirigió en 1976 esta película libia de título The Message, traducida aquí como "Mahoma, el mensajero de Dios". Ambientada en el Siglo VII, donde Mohammad está firmemente decidido a terminar con las injusticias de los líderes de la Meca, a partir de una visión que dice haber tenido del ángel Gabriel, y les persuade para que abandonen la adoración de los 300 ídolos de Kaaba en favor de uno sólo. Además de no escuchar sus ruegos, las reuniones de Mohammad y sus partidarios son respondidas con persecuciones y crueles torturas. Su expulsión de la Meca desencadena la sed de justicia de éstos hasta que Mohammad accede a tomar las armas y luchar para instaurar el monoteísmo. El film tiene como protagonistas principales a Anthony Quinn en el papel de Hamza, Irene Papas en el de Hind o Michael Ansara en el de Abu Sofyan.

La banda sonora corrió a cargo de Maurice Jarre, que supo musicar de manera perfecta todo lo descrito en el film.

Os dejo con el tema The message de la banda sonora.

Anatomie d'une chute (2023)

Justine Triet dirige su séptima película titulada Anatomía de una caída, un film que desde su estreno en Cannes tuvo multitud de premios (ganó la Palma de Oro), elogios, parabienes, etc., y que ha sido considerada una de las mejores películas del año pasado, que es un drama judicial interesante donde no importa realmente la verdad, si no la disección de la vida de una pareja descuartizada y que tuvo en el accidente de su hijo que le dejó sin visión, un punto de inflexión.

Sandra Voyter (Sandra Hüller) es una escritora alemana que vive junto a su marido Samuel Maleski (Samuel Theis) y su hijo ciego Daniel (Milo Machado Graner) en una casa en mitad de los Alpes franceses. El inicio del film es que Daniel sale a dar un paseo con su perro, mientras su madre, que es escritora tiene una charla con una mujer que vino a entrevistarla. Cuando Daniel vuelve se encuentra a su padre muerto en extrañas circunstancias, iniciándose el proceso judicial para determinar las causas del fallecimiento y discernir si fue un homicidio o un suicidio.

La premisa de la película, es que partimos de que no sabemos si la persona a la que se juzga es culpable o no, manteniendo esa tensión a lo largo de toda la cinta, teniendo para mí la traba de que tiene un ritmo bastante lento. A lo largo del juicio, el fiscal trata de demostrar continuamente la culpabilidad de Sandra en cuanto tiene la mínima oportunidad y salen a la luz discusiones de la pareja, su vida íntima, la bisexuealidad de ella y el asunto de su hijo, que cuando sucedió el accidente estaba a cargo del padre esos días, cosa por la que siempre se fustigó Samuel.

Se hacen muchas reconstrucciones de lo sucedido para tratar de aclarar que pasó y siempre Sandra se mantiene firme en su inocencia, apoyada en su abogado y viejo amigo Vincent Renzi (Swann Arlaud).

Para el espectador en todo momento es una situación peculiar, ya que teniendo acceso a datos íntimos, conversaciones que el propio Samuel grababa para un proyecto de un libro (aunque era profesor) y donde se escuchan peleas entre la pareja, conversaciones entre la protagonista y su hijo, entre ella y su abogado, etc., hace que tengamos una visión sesgada quizás, lo que al final nos convierte en parte del jurado popular sin poder de decisión. Pero los personajes y la situación son muy ambiguos y cada pista que se da en el juicio nos complica todo en mayor medida, tantos matices lo hace algo inabarcable.

La declaración de Daniel será al final decisiva en el juicio y su perro Messi, un protagonista secundario pero crucial.

Os dejo con el tráiler del film.

Bandas sonoras míticas del cine (CLXXIII)

Richard Brooks dirige en 1966 Los Profesionales, un clásico del western colocado por derecho propio entre los mejores de la historia del cine. Este director tenía ya joyas en su bagaje como La gata sobre el tejado de zinc (1958) y Dulce pájaro de juventud (1958) entre otras. 

Con un reparto actoral de lujo, la música de Maurice Jarre y un excelente guión basado en la novela A mule for the Marquesa de Frank O'Rourke, Brooks firma un western crepuscular sobre unos paisajes desolados, desérticos, de sol abrasador, por los que se mueven unos personajes que son algo así, como los representantes de una raza de hombres acostumbrados a vivir a salto de mata, de un lado para otro de la frontera, unas veces de lado de unos supuestos buenos y otras de su propio lado, en una delgada línea frágil.

En el año 1917 cuatro expertos mercenarios son reclutados por un multimillonario llamado Joe Grant (Ralph Bellamy) con la misión de recuperar a su esposa (Claudia Cardinale) de las manos de un rebelde mexicano llamado Jesús Raza (Jack Palance). Raza había sido compañero de los profesionales contratados, Henry Rico Fardan (Lee Marvin) y Bill Dorworth (Burt Lancaster), cuando estos dos últimos se habían unido a la causa de la revolución mexicana.
Pero la historia tendrá un giro inesperado cuando ellos vayan al rescate de la mujer, ya que no era lo que les había contado Mr. Grant...

La música de Maurice Jarre es excelente, acompaña las escenas de manera perfecta.

Os dejo con el tema que abre la banda sonora, el Proposition for the Professionals-Main title.

Bandas sonoras míticas del cine (CLXXII)

En 1961 Richard Fleischer dirigió la producción italiana Barrabás, que era una adaptación del libro "Barabbas" del escritor sueco y ganador del Premio Nóbel de literatura de 1951 Pär Lagerkvist, que narra la ficticia vida del criminal, ladrón y pendenciero a cambio de Cristo. Revisada en estos días es un perfecto spin-off de lo sucedido con Cristo, que sería lo visto en muchas películas como el tema central, siendo esta magnífica obra la que trata sobre cómo le fue la vida a Barrabás después de ser indultado. Se trata de una cinta tramada sobre las interrogantes, las que hierven en las tinieblas a las que se ve condenado a vivir, alguien que fue elegido para vivir en detrimento de aquel que supuestamente representaba "la luz", osea Jesucristo, la misma luz que deslumbraba a Barrabás. El film tiene muchas cosas a su favor, un director ya en ese momento curtido, de amplia filmografía y que era capaz de abordar múltiples géneros, un trabajo de fotografía excelso para la época de Aldo Tonti, que emula las luces de Rembrandt, esos claro-oscuros, por supuesto la labor actoral encabezada por un soberbio Anthony Quinn en el papel de Barrabás, Arthur Kennedy como Poncio Pilatos, un joven Vittorio Gassman como Sahak (compañero de trabajos forzados y como gladiador de Barrabás), Silvia Mangano como Raquel (cristiana y querida de Barrabás), Ernest Borgnine como Lucius o el magnífico Jack Palance como Torvald jefe de los gladiadores (con una semejanza al Messala de Ben-Hur) que está sensacional. Por si fuera poco la banda sonora corre a cargo de Mario Nascimbene que logra generar esa portentosa ambientación místico-religiosa.

Os dejo con el Main theme de inicio de la banda sonora.

Bandas sonoras míticas del cine (CLXXI)

En 1980 Moustapha Akkad dirige El león del desierto, una co-producción norteamericana y libia que nos narra como a punto de entrar en el Siglo XX, las naciones que se habían quedado atrás en el reparto de colonias auspiciado por la conferencia de Berlín de 1884, buscan una pequeña tajada entre las migajas que van dejando las grandes potencias. Italia se fija en Libia, que había quedado fuera del reparto colonial de África y a la que los italianos llamaban "Quarta Sponda" (la cuarta costa italiana), al haber sido una provincia del antiguo Imperio Romano, siendo objeto de una invasión militar italiana en toda regla el 3 de octubre de 1911. Casi veinte años después, harto de que el territorio estuviera sin pacificar y siguiera habiendo enfrentamientos entre el ejército de ocupación y las tropas regulares de beduinos, Benito Mussolini, al que daba vida Rod Steiger, envía al general Rodolfo Graziani (Oliver Reed) con el encargo de acabar definitivamente con la insurgencia nativa y capturar al líder de los rebeldes Omar Mukhtar (Anthony Quinn). La arrogancia del general fascista que mandaba en Italia choca claramente con el idealismo del líder libio. Tras una grave derrota de las tropas italianas, comenzó el reinado del terror, ya que la venganza de los soldados italianos es terrible, reciben órdenes de atacar no solo a la guerrilla, sino también a la población civil. A pesar de las duras represalias, la voluntad de los beduinos no flaquea, pero todo se recrudece con la obsesión de victoria y aprobación por Mussolini de Graziani, que ordena sitiar a la población e impedir que sea abastecida (¿a qué me suena esto hoy en día...?).

La música corrió a cargo de Maurice Jarre, otra maravilla compositiva del francés.

Os dejo con el tema Omar the teacher.

Bandas sonoras míticas del cine (CLXX)

En 1986 Peter Weir dirige La costa de los mosquitos, basado en la gran novela de Paul Theroux de 1981. Nos cuenta la historia de un brillante inventor Allie Fox, al que da vida Harrison Ford (actor fetiche del director), que está hastiado del consumismo de la sociedad moderna en su país Estados Unidos, por lo que decide alejarse de la civilización con su familia, su mujer la Señora Fox que interpreta Helen Mirren y sus cuatro hijos Charlie (River Phoenix), Jerry (Jadrien Steele) y las gemelas April (Hilary Gordon) y Clover (Rebecca Gordon) y emprender una nueva vida en plena jungla en Belize, America Central, más concretamente en una zona selvática conocida como "la costa de los mosquitos". Allie compra la propiedad de un miserable poblacho local, Jerónimo, y se convierte así en el alcalde y principal impulsor de una comunidad que pretende ser ideal, libre delos defectos que tiene la sociedad capitalista en general y norteamericana en particular, edificada alrededor de una versión corregida y aumentada de la máquina de fabricación de hielo. Bajo su guía, este soñador convierte el nuevo hogar en un paraíso gracias a sus inventos, pero pronto su mente comienza a desmoronarse.

La banda sonora corrió a cargo, de nuevo, de Maurice Jarre, que vuelve a hacer una gran música que acompaña a la perfección cada momento del film.

Os dejo con el tema principal de la banda sonora.