viernes, 31 de julio de 2020

Bandas sonoras míticas de películas (XL)


Como ya he dicho estos días, como decía ayer, en 1998 Steven Spielberg dirige Salvar al Soldado Ryan, para un servidor una de las mejores películas de este director, y que pasa el tiempo de una manera excelente. No voy a negar que se trata de una superproducción bélica, sobre hechos fundamentales de la II Guerra Mundial que cambiaron el curso de la misma, pero que en manos de un tipo como Spielberg se convierte en oro puro. Dejo claro una cuestión, sin llegar a ser una grandiosa obra maestra, es un film donde el director arriesga y sale victorioso, y además elige por primera vez a Tom Hanks para un papel clave en toda la cinta, el del Capitán John Miller.
La primera media hora de película se centra en el desembarco aliado en la playa de Omaha, Normandía, en el que los alemanes les están esperando y el número de bajas es alto, a pesar de ello y centrado en un grupo concreto que sale de una de las barcazas, consiguen doblegar al ejército alemán. Pero su verdadera misión cambiará a partir de una orden del alto mando, salvar y llevar a casa a un soldado que ha perdido a tres hermanos en combate.
La película tiene muchos momentos dramáticos y otros de llorar a lágrima tendida (sobre todo al final), pero Spielberg elegió para la banda sonora a su gran colaborador John Williams, y la verdad es que acertó de pleno. El himno a los caídos de esa banda sonora, sigue poniendo la carne de gallina.


Os dejo con Hymn to the fallen de la banda sonora original.

jueves, 30 de julio de 2020

Escenas míticas del cine (CXLIII)


Como decía ayer, en 1998 Steven Spielberg dirige Salvar al Soldado Ryan, para un servidor una de las mejores películas de este director, y que pasa el tiempo de una manera excelente. No voy a negar que se trata de una superproducción bélica, sobre hechos fundamentales de la II Guerra Mundial que cambiaron el curso de la misma, pero que en manos de un tipo como Spielberg se convierte en oro puro. Dejo claro una cuestión, sin llegar a ser una grandiosa obra maestra, es un film donde el director arriesga y sale victorioso, y además elige por primera vez a Tom Hanks para un papel clave en toda la cinta, el del Capitán John Miller.
La primera media hora de película se centra en el desembarco aliado en la playa de Omaha, Normandía, en el que los alemanes les están esperando y el número de bajas es alto, a pesar de ello y centrado en un grupo concreto que sale de una de las barcazas, consiguen doblegar al ejército alemán. Pero su verdadera misión cambiará a partir de una orden del alto mando, salvar y llevar a casa a un soldado que ha perdido a tres hermanos en combate. De ese soldado apellidado Ryan (Matt Damon) poco se sabe, solo que se lanzó con su escuadrón de paracaidistas detrás de las líneas enemigas en Francia. Desde entonces, los hombres de la patrulla del Capitán John Miller arriesgan sus vidas para encontrar a ese soldado, y no son pocas los inconvenientes que se van encontrando.
La escena en la que por fin le encuentran, supone un punto de inflexión, ya que Ryan no quiere abandonar su puesto, y además es importante salvar un puente de que caiga en manos enemigas, por lo que todos deberán unir fuerzas e inventiva.


Os dejo con esa gran escena.

miércoles, 29 de julio de 2020

Escenas míticas del cine (CXLII)


En 1998 Steven Spielberg dirige Salvar al Soldado Ryan, para un servidor una de las mejores películas de este director, y que pasa el tiempo de una manera excelente. No voy a negar que se trata de una superproducción bélica, sobre hechos fundamentales de la II Guerra Mundial que cambiaron el curso de la misma, pero que en manos de un tipo como Spielberg se convierte en oro puro. Dejo claro una cuestión, sin llegar a ser una grandiosa obra maestra, es un film donde el director arriesga y sale victorioso, y además elige por primera vez a Tom Hanks para un papel clave en toda la cinta, el del Capitán John Miller.
La primera media hora de película se centra en el desembarco aliado en la playa de Omaha, Normandía, en el que los alemanes les están esperando y el número de bajas es alto, a pesar de ello y centrado en un grupo concreto que sale de una de las barcazas, consiguen doblegar al ejército alemán. Pero su verdadera misión cambiará a partir de una orden del alto mando, salvar y llevar a casa a un soldado que ha perdido a tres hermanos en combate.
Esa escena inicial en la que los colores grises, marrones y oscuros, se mezclan con el rojo de la mucha sangre que allí se perdió, y donde las balas silban sin parar ante el fusilamiento indiscriminado de los que tienen todo a favor, es inolvidable.


Os dejo con esos momentos iniciales, realmente portentosos de cine de alto copete.

martes, 28 de julio de 2020

Bandas sonoras míticas de películas (XXXIX)


En 1982 John Carpenter dirigió La Cosa (The Thing), con un guión de Bill Lancaster (hijo de Burt Lancaster, por cierto) basado en la novela de John W. Campbell, que realmente es un remake de la película de 1951 El enigma de otro mundo. Nos cuenta la historia que sucede en una estación experimental en La Antártida, donde un equipo de investigadores descubren a un ente extraño venido del espacio, que según todos los indicios ha permanecido enterrado en la nieve durante más de 100.000 años. Al descongelarse experimenta una metamorfosis increíble y sorprendente, que el director nos muestra de manera brutal, enseñando los sucesos con tranquilidad y sin alharacas, y que provoca una losa anímica en el espectador, que queda conmocionado por el tono pesimista y siniestro de una historia que no da ningún rincón a la esperanza. Una película de terror como dios manda y a la que puso banda sonora Ennio Morricone que se ajusta perfectamente a la historia y encaja de maravilla.


Os dejo con el tema principal del film.

lunes, 27 de julio de 2020

Escenas míticas del cine (CXLI)


En 1949 William Wyler dirige La Heredera, basada en la novela Washington Square de Henry James. La historia se desarrolla en 1849 en New York, donde Catherine Sloper (Olivia de Havilland), es una rica heredera, tímida, algo inocente, poco agraciada y no muy joven, que es pretendida por un apuesto joven llamado Morris Townsen (Montgomery Clift). Ella se enamora de él apasionadamente, pero su padre muy reticente, cree que Townsen solo busca el dinero de su hija. El padre se opondrá a la boda con la amenaza de desheredarla.
La cinta hace confluir y a la vez crear confusión acerca del egoísmo con la protección, la manipulación con la traición o la venganza con la determinación, en un progreso extraordinario de personaje vilipendiado y que busca dignidad. Una película donde el director maneja excepcionalmente la tensión psicológica, sin llegar a la histeria.
Olivia de Havilland recibió el Oscar por esta interpretación, el segundo después de La vida íntima de Julia Norris tres años antes.
Sirva de homenaje a la actriz esta entrada, que falleció ayer a los 104 años en París, la última del Hollywood de oro.


Os dejo con una escena del film realmente gloriosa, en la que él le pide que le escuche y ella que ha cambiado bastante de la ingenua inicial, está muy madura y cruel.

domingo, 26 de julio de 2020

In time (2011)


En el año 2011 Andrew Niccol guioniza y dirige In time, donde dibuja un escenario futuro a finales del siglo XXI en el que la humanidad ha logrado alcanzar la juventud eterna, nadie envejece más allá de los 25 años, es por esto que nadie debería morir a no ser por un accidente o un crimen. Los seres humanos siempre ambicionan amor, salud, pero sobre todo dinero desgraciadamente, es decir, elementos que a lo largo de una vida se pueden ganar o perder en condiciones normales, sin embargo hay un elemento del que poco nos acordamos, y que es el más importante, el tiempo. En esta película, y esa es su gran apuesta de guión que está muy bien llevada hasta más o menos más de la mitad de la cinta, es que el dinero ya no existe, y todo se paga con tiempo de vida. A partir de los 25 años, quien tiene tiempo tiene riquezas y poder, quien no lo tiene (la gran mayoría), trabaja para sobrevivir o muere cuando su cronómetro se queda sin tiempo. El argumento es muy impactante, a la vez que sus mensajes subliminales e incluso ocultos también lo son.


La historia nos cuenta las andanzas de Will Salas (Justin Timberlake), un joven obrero que conoce a un hombre llamado Henry Hamilton (Matt Bomer) que tiene siglos de vida de tiempo, después de salvarle de unos ladrones, el propio Henry decide dejarle todo su tiempo a Will y suicidarse en un puente. Esto hará que Salas sea perseguido por unos policías corruptos llamados "los guardianes del tiempo". Pero cuando consigue librarse de ellos, toma como rehén a una joven llamada Sylvia Weis (Amanda Seyfried), hija de un multimillonario al que Salas ganó en el casino. Pero como siempre ha pasado, el reparto de la riqueza es muy desigual, unos pocos tienen mucho y la mayoría de los mortales muy poco. Los privilegiados, al tener tanto tiempo son casi inmortales, y los demás sufren para vivir un día y otro, es la manera de mantener el sistema (como en la vida actual). Aquí el héroe es Will, íntegro, infalible, que tiene cosas de James Bond en el juego, sabe buscarse la vida y robar y es listo por lo que decide reventar el sistema.


Pero es ahí justo, cuando la pareja (que por supuesto se ha enamorado) deciden empezar a robar bancos al estilo Bonnie & Clyde, y es entonces cuando el cuento ya nos lo sabemos, y el guión deja de tener la originalidad que ha tenido hasta ese momento. De hecho la parte inicial del film, establece una clara comparación con la crisis económica muy bien traída, pero luego cae por un lado por las torpezas del director, otro por las exageradas escenas de acción (cuando algunas del principio estaban muy bien) y deja de currarse a los personajes que bajan tanto que se quedan en simples, en fin, una serie de disparates finales que hacen que anulen la buena primera mitad.


Os dejo con el tráiler del film.

miércoles, 22 de julio de 2020

Escenas míticas del cine (CXL)


En 1987 Barry Levinson dirige Good Morning, Vietnam, que se desarrolla en 1965 en pleno conflicto. Adrian Cronauer (Robin Williams) es un pinchadiscos y locutor de radio que es enviado a Saigón, procedente de Creta, para trabajar en la emisora del ejército americano. Él es muy diferente a sus aburridos antecesores, que aceptaban la censura militar sin pestañear y no hacían gracia. Pero Cronauer es dinamita pura, sus chistes, sus comentarios irreverentes pero ingeniosos, los tacos, y sus críticas al vicepresidente, le hacen ganarse el aprecio de los soldados que le escuchan con atención. Pero, como es evidente, sus superiores el teniente Steven Hauk (Bruno Kirby) y el Sargento Mayor Dickerson (J.T. Walsh) no opinan igual.
En una escena genial, Cronauer hace su primera locución y revoluciona todo, Hauk que le está escuchando critica que ponga "música moderna"... mientras él juega con la velocidad de los temas... algo delirante...


Os dejo con la gran escena.


jueves, 16 de julio de 2020

Cadillac Records (2008)



En el año 2008 Darnell Martin, realizadora de carrera hasta entonces televisiva, dirige Cadillac Records, que cuenta a historia del fundador de la discográfica que dio a conocer a Muddy Waters, Leonard Chess, en tiempos turbulentos en Chicago en los 50. A esta compañía se le apodaba Cadillac Records porque el dueño les comparaba este lujoso coche a todos los representados cuando las ventas iban muy bien. Jeffrey Wright da vida de manera soberbia a Muddy Waters y Adrien Brody hace lo mismo con Leonard Chess. En esos mismos estudios, sacados adelante a partir de muchos sin sabores y muchas dificultades, también grabaron gente de la talla de Little Walter, Howlin' Wolf (menudo carácter), Etta James (otro carácter muy fuerte e inestable), etc., aunque la figura más importante que salió de la firma fue un joven Chuck Berry. Willie Dixon colaboró con ellos como autor de muchos de los temas que surgieron de la compañía.


La película es una reivindicación de una herencia musical, y pone sobre la pantalla a aquellos que son los padres del blues, que luego influyeron a gente como The Rolling Stones (salen en un momento del film), Led Zeppelin o The Doors. Está claro que una persona con tablas en el tema, sabe ya un poco la historia, y para los menos avezados sirve de conocimiento de un germen musical muy importante, y de figuras imprescindibles, sobre todo de la gente de color, tanto masculina como femenina de color, aunque es curioso que en la parte final de la película comienza a salir en televisión la figura de Elvis haciendo versiones de varios de ellos, y empezando a menear las caderas para quedarse con todo el mundo en segundos.


Otro detalle que me parece importante es como en la película se trata el tema racial, ya que aquí se empieza en los años 40 y se sigue por los 50, una época no tan remota y donde la segregación racial era muy fuerte todavía, llegando a extremos fuertes, y el film llega a transmitir indignación en varios momentos. En los años 40 los negros sufrían trato de apestados y los blancos tenían casi libertad para agredirlos. De hecho el protagonista del film Muddy Waters, fue captado como recolector en los campos de algodón y se le hacen sus primeras grabaciones allí, para luego posteriormente conseguir fama como guitarrista y cantante.


Por otro lado estaba la fuerte rivalidad que había entre los músicos, entre Muddy Waters y Howlin' Wolf era terrible, cuando Muddy había fichado a uno de los guitarras de Wolf a sus espaldas, algo que indignó mucho a este último y que hacía que sus encuentros fueran bastante violentos. Y por otro lado también está muy bien reflejado como Leonard Chess tenía que lidiar con todas esas personalidades, muy diversas y díscolas muchas de ellas, y en muchos casos tenía casi que hacer de padre o hermano para reconducirles y salvarles casi la vida. Los casos de Little Walter (que buscaba morir joven y lo consiguió) y sobre todo el de Etta James a la que da vida Beyoncé Knowles, son muy significativos, esta última con adicción a las drogas fuerte.
Un dato muy llamativo es la irrupción de Chuck Berry, al que da vida Mos Def (muy tardía en la película) y como se pone a Waters de rival, cuando realmente lo que pasó es la irrupción del rock and roll, que dejó a los bluesman en segundo plano.


La estructura de la película es claramente la de un biopic, pero en este caso con personajes corales y aunque hay uno principal, todos tienen importancia. Es por esto que no hay una trama lineal que se va desarrollando, sino que hay momentos, anécdotas y pasajes que se van sucediendo y van hilando la historia, teniendo algunos de ellos más importancia que otros, por lo que la película no acaba de alcanzar una regularidad pretendida, además de que hay personajes que despiertan más atención que otros.
Sea como fuere, la temática es tan interesante, que un fan de la música como yo, agradece en líneas generales una película de este estilo.


Os dejo con el tráiler del film.

sábado, 11 de julio de 2020

Bandas sonoras míticas de películas (XXXVIII)


En 1990 Phil Joanou dirige a un reparto joven pero de lujo en El Clan de los Irlandeses, y llama poderosamente la atención el poco reconocimiento de este film, o quizás mejor decir desconocimiento por parte del público en general, aunque la crítica cinematográfica siempre la ha tratado muy bien a los largo de los años. Esta película sirvió de trampolín, para su exitoso futuro en Hollywood, a gente como Gary Oldman, Sean Penn, John Turturro, etc., pero sin embargo su director apenas ha realizado media docena de películas en los últimos 20 años, la mayoría de ellas para televisión, quizás la muerte de su guionista Dennis McInttyre, justo después del rodaje, algo que pudiera afectarle. Hablamos de un film que no aporta nada nuevo sobre el cine de gangsters, eso si, la historia está bien construida sobre lugares comunes y plagada de tópicos sobre todo de los irlandeses, ya se sabe, bebedores, juerguistas y violentos, pero eso no ensombrece a una película muy bien realizada y donde el trabajo de los actores es soberbio, ahí está el gran valor para mi, sobre unos personajes bien construidos y coherentes.
La historia nos cuenta que tras diez años de ausencia, Terry Noonan (Sean Penn) regresa al conflictivo barrio de Hell's Kitchen en New York, e ingresa en un grupo mafioso irlandés. El jefe de esa banda es Frankie Flannery (Ed Harris) para el que trabajan algunos amigos de la infancia de Terry y de Jackie (Gary Oldman), el exaltado hermano de Frankie. Al entrar en la banda, Noonan se enamora de Kathleen (Robin Wright), la hermana de los Flannery.
La banda sonora corre a cargo de Ennio Morricone, que lo vuelve a bordar, como siempre.
Sirva esta entrada de homenaje al gran Ennio Morricone que se nos fue el lunes pasado.


Os dejo con el tema final de los créditos del film.

domingo, 5 de julio de 2020

Escenas míticas del cine (CXXXIX)


Días extraños es una película de 1995 dirigida por Kathryn Bigelow y con guión del que fue su marido James Cameron. Los hechos que se relatan ocurren a falta de dos días para la llegada del año 2000 y las calles de Los Ángeles están abarrotadas de gente, ante un cambio de siglo que está anunciado por todos lados como algo que cambiará el mundo.
Lenny (Ralph Fiennes) es un policía que fue expulsado de la Brigada Antivicio, y su nuevo trabajo es la captación de clientes para venderles clips que les hacen tener unas experiencias increíbles, ya que en esos vídeos se reproducen vivencias reales de otras personas, y al conectarte y verlo pareces ser tu la persona protagonista, experimentando las mismas sensaciones mientras estás "conectado".
El principio de la película es precisamente el visionado de una de esas cintas, en concreto un robo de un restaurante oriental, que no acaba saliendo muy bien para los ladrones...


Os dejo con la escena inicial del film.