sábado, 29 de febrero de 2020

Just Mercy (2019)


Como siempre suele suceder, y lo digo en las listas de mejores films que hago al finalizar el año en curso, es que hay cintas que son estrenadas en Estados Unidos en 2019 y aquí se estrenan en 2020. Este es el caso de Cuestión de Justicia, dirigida por Destin Cretton, que cuenta la historia real de un joven abogado de raza negra Bryan Stevenson, al que da vida Michael B. Jordan (al que conocí en Creed) y de su histórica batalla por la justicia. Después de licenciarse en Harvard, Bryan recibe ofertas de trabajo lucrativas, pero él pone rumbo a Alabama, para defender a personas que han sido condenadas erróneamente o que carecían de recursos para tener una representación legal adecuada. Para ello cuenta con el apoyo de la activista local (de piel blanca) Eva Ansley (Brie Larson).


La película muestra especial atención a uno de sus primeros y más turbulentos casos, el de Walter McMillian, al que da vida un extraordinario Jamie Foxx, que en 1987 fue sentenciado a la pena de muerte por ser el supuesto asesino de una chica de 18 años, a pesar de que las pruebas contra él eran más que dudosas y basadas en el testimonio de un convicto. Cuando decide involucrarse a fondo, Bryan se ve envuelto en un laberinto de maniobras legales y políticas tanto del sheriff del condado, como del Fiscal del Estado que demuestran un racismo abierto y descarado. Bryan lucha por Walter y otros como él que se encuentran en el corredor de la muerte, a pesar de que tiene todo en contra, incluido el sistema legal.


Cierto es, que este drama judicial, tiene sus antecesores en otras míticas cintas como Matar a un ruiseñor, Legítima defensa o 12 hombres sin piedad, incluso Pena de Muerte si se me apura. Pero aquí el componente racial es una base muy importante, que sirve de cimiento para edificar una gran película, aunque en algún momento tiene algún bajón de ritmo, y se hace lenta, pero que cala hondo en el patio de butacas y pone emociones a flor de piel.
El director hawaiano ha hecho un ejercicio conciso y contenido, a pesar del potente músculo que la propia historia tenía y deja en mano de los intérpretes (todos excepcionales) que el film fluya.


Como digo, los actores están soberbios, tanto las estrellas de primera línea como Foxx o Jordan, cuya química entre ellos es brutal y la propia Larson, pero los secundarios están también a una altura tremenda. Aunque hay pasajes algo previsibles, dentro del desarrollo del drama, si que es cierto que el director ha optado por causar impacto emocional para compensarlo y eso favorece el resultado.
Pero es la lucha contra la injusticia, la que mueve todo el film, nadar a contracorriente, a finales de los años 80 en un estado donde tanto policía como autoridades políticas y judiciales tienen montada una trama que este abogado tuvo el atrevimiento de desafiar, consiguiendo sacar del corredor de la muerte a McMillian, que a pesar de ellos, sus años vividos allí le dejarían una huella imborrable hasta sus últimos días.


Os dejo con el tráiler del film.

viernes, 28 de febrero de 2020

Bandas sonoras míticas de películas (XXVIII)


Una de las mejores bandas sonoras de la historia es sin duda la del film dirigido en 1957 por Davie Lean, El puente sobre el río Kwai. La película describe como durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de prisioneros británicos son obligados por los japoneses, a construir un puente. Los oficiales, capitaneados por su flemático coronel, se oponen a toda orden que viole la Convención de Ginebra sobre los derechos y las condiciones de vida de los prisioneros de guerra.
Malcom Arnold fue el encargado de hacer esta banda sonora del film bélico, que ganó siete Oscars de la Academia, entre ellos a la mejor banda sonora, que deleita los tímpanos, durante más de dos horas y media de metraje con un compendio de marchas militares, entre ellas la eterna reinterpretación silbada de la Marcha del Coronel Bogey.


Os dejo con esa marcha silbada mítica.

miércoles, 26 de febrero de 2020

Escenas míticas del cine (CXIX)



Stanley Kubrick, el cineasta norteamericano, tenía en mente hacer una película sobre la figura de Napoléon, que nunca se pudo llevar a cabo. En la labor de investigación y documentación sobre la fallida película, se encontró con la novela "La Suerte de Barry Lyndon" de William Makepeace Thackeray, de 1844, con la que quedó prendado y que finalmente lograría llevar a la pantalla como su primera película de época, contando para ello en los principales papeles con Ryan O'Neal, Marisa Berenson, Patrick Magee y Hardy Krüger. Ryan O'Neal, de ascendencia irlandesa, era ideal para el papel, a pesar de no ser un actorazo para mi, pero aquí lo borda.
La película narra las aventuras ficticias en el S. XVIII de Barry Lyndon (Ryan O'Neal), un joven irlandés ambicioso y sin escrúpulos, que se ve obligado a emigrar a causa de un duelo orquestado por su familia. Su vida es errante a partir de ese momento, y su sueño es alcanzar una elevada posición social, cosa que consigue enamorando a una noble inglesa y rica viuda, Lady Honoria Lyndon (Marisa Berenson), con la que logra casarse. Barry no la quiere, y tampoco a su hijo Lord Bullingdon. Aunque tienen un hijo, Brian, muere al tener una caída de caballo. Barry tiene un duelo con Lord Bullingdon (quien le había calado) y pierde una pierna. Vuelve a su tierra y luego vuelve a ir por Europa.
A diferencia del libro, que está narrado en primera persona, en el film y con clara intención de Kubrick, se decide utilizar una voz en off omnisciente, que aleja al espectador de la historia.
En la escena final Lady Lyndon, de mirada casi fúnebre y de eterno silencio, muestra esa parte sin vida de la nobleza, de dolor interior, pero todo soterrado, firma papeles, entre ellos dinero para el que fuera su marido.


Os dejo con la mítica escena.

martes, 25 de febrero de 2020

Bandas sonoras míticas de películas (XXVII)


Como explicaba ayer en 1968 Franklin J. Schaffner dirige El Planeta de los Simios, justo el mismo año que la ciencia ficción veía el estreno de otra joya como 2001, Odisea en el Espacio de Stanley Kubrick. Con un caldo de cultivo como la situación mundial que se vivía en aquel año, aquello fue una espoleta tremenda para poder ver por fin películas maduras y de altísimo nivel de este género.
Basado en la novela homónima de Pierre Boulle, donde un astronauta llamado George Taylor (Charlton Heston) forma parte de una tripulación de una nave espacial (en misión de larga duración) que se estrellas en un planeta desconocido, en el que a primera vista no hay vida inteligente. Pronto se dará cuenta que está gobernado por una raza de simios muy desarrollados mentalmente que esclavizan a seres humanos que no tienen la facultad de hablar. Cuando el doctor Zaius (Maurice Evans) descubre que Taylor posee el habla, intentará eliminarlo de todas formas.
Pero encima posee una banda sonora fuera de serie de Jerry Goldsmith, aclamada en su día desde el comienzo como una fusión de lo más atrevida y original de música y película, entrelazándose de manera perfecta en un conjunto soberbio.


Os dejo con el Main Title del film.

lunes, 24 de febrero de 2020

Escenas míticas del cine (CXVIII)


En 1968 Franklin J. Schaffner dirige El Planeta de los Simios, justo el mismo año que la ciencia ficción veía el estreno de otra joya como 2001, Odisea en el Espacio de Stanley Kubrick. Con un caldo de cultivo como la situación mundial que se vivía en aquel año, aquello fue una espoleta tremenda para poder ver por fin películas maduras y de altísimo nivel de este género.
Basado en la novela homónima de Pierre Boulle, donde un astronauta llamado George Taylor (Charlton Heston) forma parte de una tripulación de una nave espacial (en misión de larga duración) que se estrellas en un planeta desconocido, en el que a primera vista no hay vida inteligente. Pronto se dará cuenta que está gobernado por una raza de simios muy desarrollados mentalmente que esclavizan a seres humanos que no tienen la facultad de hablar. Cuando el doctor Zaius (Maurice Evans) descubre que Taylor posee el habla, intentará eliminarlo de todas formas.
En una escena mítica Taylor bordea con Nova la orilla del mar a caballo, y poco después, cuando dirige su mirada al frente descubre la trágica respuesta a sus preguntas sobre el origen de esa civilización en revés, exclamando todo tipo de odio...


Os dejo con la mítica escena.

sábado, 22 de febrero de 2020

Gisaengchung (Parasite) (2019)


Cuando una película de habla no inglesa hace historia en los Óscars, siendo la primera en conseguir mejor película, mejor guion y mejor director, además claro está, de mejor película de habla no inglesa, es porque tiene algo especial, y la surcoreana Parásitos, dirigida por Bong Joon-ho está claro que lo tiene. Mucha era mi inquietud por verla y saber todas las claves por las que esta cinta ha logrado no sólo esos éxitos, sino Globos de Oro, Palma de oro del Festival de Cannes, Premios Bafta, y otros tantos premios, todos ellos justificados. Es precisamente el genio del director, el que con maestría nos presenta a la familia protagonista, una puesta en escena magistral y utilizando las movimientos de cámara y los pequeños espacios de manera soberbia. Admito que es la primera película que veo de este director, pero aseguro que no será la última.


Pero no sólo deslumbra visualmente, en la manera de colocar a los personajes, de mostrarlos, sino también por la forma de mostrar el conjunto, todo ello a partir de un guion realmente fastuoso, en el que bien es cierto, hay momentos donde se adivina el siguiente paso, pero cuyos giros mediada la película te dejan con la boca abierta. No hay que dejar pasar, de que se trata de un film dramático con una gran carga de crítica social, pero donde las emociones y las sensaciones están a flor de piel. Ante todo es un trabajo coral, que es como una sinfonía, donde todos los actores bailan al son de un jefe, que les maneja como un gran director de orquesta, que produce un laberinto de sorpresas, de giros sorprendentes y su estratificación en bloques, provocando en el espectador un impacto tremendo.


Digamos, por así decirlo, que la película tiene una serie de bloques o actos, en el primero se nos presenta a los protagonistas, una familia de cuatro miembros, cuyas penurias para salir adelante en un piso diminuto son enormes. En el segundo acto estarían todas las soluciones que se proponen para salir del atolladero, y se ve que la que toman es la más fructífera, pero con sus riesgos. Será en el tercer acto donde empiecen los problemas y en el cuarto donde todos exploten por el sitio más insospechado. Una mezcla de dulzura al inicio con un amargor brutal al final, una mezcla de sabores y tonalidades espectacular, esa fusión de drama y thriller de un alto voltaje.


Es difícil de explicar el cúmulo de sensaciones que experimenté al ver el film, una amalgama de sentimientos, estímulos y pensamientos de tal calibre, que hace sumergirse en la historia de tal forma que sientas muchas de las situaciones que les pasan a los protagonistas, aunque luego con otras te quieres separar y tomar distancia.
Esa relación entre dos familias, una pobre y otra rica, aparentemente diferentes en todo, realmente tienen mucho más en común de lo que parece y su extraña convivencia tiene un final absolutamente inesperado.


Os dejo con el tráiler de este gran film.

domingo, 16 de febrero de 2020

Los Óscars 2020


La gala de este año de los Óscars, edición número 92, ha sido la segunda gala seguida sin presentador y se ciñeron estrictamente a lo cinéfilo y se apoyaron en lo musical, especialmente con la anunciada actuación de Billie Eilish (que homenajeó a Kirk Douglas y Kobe Bryant) y la inesperada del rapero Eminem.
Esta gala vio el triunfo inesperado y glorioso de la película surcoreana "Parasite" que hizo historia, para destacar como un espectáculo musical rendido al pop, con dosis de humor, pero con pocos discursos memorables por parte de los ganadores y menos consignas políticas que de costumbre. Parece que los Óscars se tomaron en serio la petición de Ricky Gervais, que hizo en el arranque de la temporada de premios cuando la gala de los Globos de Oro y recomendó a sus colegas de profesión no dar lecciones de vida y en su lugar "recibir el galardón, agradecerlo y bajarse del escenario".

Bon Joon-ho y su equipo

Sin duda la sorpresa y gran revelación fue Parásitos, la cinta surcoreana que acumuló las siguientes estatuillas, a saber, Mejor película, mejor director, mejor película internacional, y mejor guión original, dejando a la gran favorita para película y director 1917 sin ningún premio importante, sólo menores. Es la primera película de habla no inglesa que consigue tantos galardones importantes. Joker con el Óscar merecidísimo a Joaquin Phoenix salvó la honra, y lo mismo Judy con el Óscar de Renée Zellweger. En cuanto a los actores premiados de reparto les tocó a Brad Pitt por Érase una vez en... Hollywood y Laura Dern por Historia de un matrimonio.

Joaquin Phoenix

En el lado español, muchas eran las esperanzas de Dolor y Gloria de Pedro Almodóvar, que quedó también dinamitada por Parásitos, lo de Antonio Banderas era casi imposible con Phoenix de rival y se quedó vacío también, mientras que la cinta de animación Klaus que partía como favorita se quedó sin premio, que recayó en Toy Story 4.
En cuanto a los premios menores ha estado todo bastante repartido y han sido consuelos para aquellas películas que no han ganado los gordos.

Renée Zellweger & Brad Pitt



Ésta fue la lista de ganadores:


*Mejor Película: PARÁSITOS

*Mejor Actor:  JOAQUIN PHOENIX por Joker

*Mejor Director: BON JOON-HO por Parásitos

*Mejor Actriz:  RENÉE ZELLWEGER por Judy

*Mejor Guión original:  PARÁSITOS de Bon Joon-ho y Han Jin Won

*Mejor Guión adaptado: JOJO RABBIT de Taike Waititi

*Mejor Actor de reparto:  BRAD PITT por Érase una vez en... Hollywood

*Mejor Actriz de reparto:  LAURA DERN por Historia de un matrimonio

*Mejor Diseño de vestuario: JAQUELINE DURRAN de Mujercitas

*Mejor Diseño de producción: ÉRASE UNA VEZ EN... HOLLYWOOD de Barbara Ling

*Mejor Maquillaje y peluquería: EL ESCÁNDALO de Kazu Hiro, Anne Morgan y Vivian Baker

*Mejor Fotografía: 1917 de Roger Deakins

*Mejor Montaje: LE MANS '66 de Michael McCusker y Andrew Buckland

*Mejor Montaje de sonido: LE MANS '66 de Donald Sylvester

*Mejor Mezcla de sonido: 1917 de Mark Taylor y Stuart Wilson

*Mejor Banda sonora: JOKER de Hidur Gudnadottir

*Mejor canción original: (I'M GONNA) LOVE ME AGAIN de Rocketman

*Mejores Efectos visuales: 1917

*Mejor Corto de animación: HAIR LOVE de Matthew A. Cherry

*Mejor Película animada: TOY STORY 4 de Josh Cooley

*Mejor Corto documental: LEARNING TO SKATEBOARD IN A WARZONE (IF YOU'RE A GIRL), de Carol Dysinger

*Mejor Largometraje documental: AMERICAN FACTORY, de Julia Reichert y Steven Bognar

*Mejor Cortometraje de ficción: THE NEIGHBOR'S WINDOW de Marshall Curry

*Mejor Película de habla no inglesa: PARÁSITOS de Corea del Sur


Os dejo con el discurso de Joaquin Phoenix, después de recoger el Óscar a mejor actor principal.

sábado, 8 de febrero de 2020

Judy (2019)


Rupert Goold dirige Judy, un biopic de Judy Garland centrado curiosamente en su época de ocaso, hasta poco antes de su muerte. Renée Zellweger da vida a la mítica actriz y cantante, en una de esas interpretaciones que huele a Oscar desde el minuto uno. A pesar de lo que acabo de decir, el film comienza en el set de rodaje de El Mago de Oz (1938), donde una Judy adolescente (Darci Shaw) es obligada y condicionada a acatar unas normas, durante dicho rodaje por parte de Louis B. Mayer (Richard Cordery). Durante el invierno de 1968, 30 años después del estreno de la película que le dio fama mundial, la leyenda de Garland llega a Londres para dar una serie de conciertos con las entradas agotadas en poco tiempo, a pesar de que su voz y sus fuerzas están bajo mínimos. Es ahí, cuando se sube al escenario, donde salen a la luz sus fantasmas del pasado, que la atormentaron en su época de Hollywood.


Pero hay bastante desconexión entre esos hechos relatados del inicio de su carrera y su final, con los problemas de sus múltiples matrimonios, sus hijos y demás, no demasiado bien hilados ni cohesionados. Esas veces que la película regresa a la adolescencia de la protagonista, sí nos queda claro, que allí surgieron por culpa del estudio su adicción a las píldoras, los trastornos alimentarios, la disfunción sexual e incluso la posible violación de Mayer que queda como muy posible, sin llegar a dar detalles concretos.
Lo que si es cierto, es que la descripción de la vida de la artista es bastante fiel y da una idea de lo complicada que era su día a día, desde la adicción a las pastillas, su eterna inseguridad, la falta de amigos y de una residencia fija (siempre estaba de hotel en hotel) y ese momento que marcó sus años posteriores, donde pasó de ser una pre-adolescente con futuro a una adulta sin transición de por medio.


Pero la película, que tiene un ritmo lento en todo momento, va languideciendo, a la vez que la vida de la protagonista. Eso sí, lo mejor de la película de largo es la interpretación de la Zellweger, que tiene mil detalles y borda el papel. Su ex-marido, al que da vida Rufus Sewell, quiere demostrar que no es una madre apta para sus hijos, por lo que quiere reunir algo de dinero aceptando los conciertos de Londres, donde es tratada de lujo desde el principio en su llegada. Es este el asunto principal del film, y sus recaídas, bien en el alcohol o en la ingesta de pastillas en exceso, lo que hace que algunas de esas actuaciones sean un fracaso.
Ella busca el cariño y comprensión del público, pero solo lo encuentra en una pareja de gays fanáticos, que le ayudarán.


Sea como fuere, este es el típico personaje con muchos problemas, de vida más bien desastrosa, que si es interpretada de vicio, y en este caso es así, por mucho que el film no sea genial, tiene muchas posibilidades de que se lleve la estatuilla a esa interpretación. El problema principal de esta película es que es fría, gris y desoladora.

Os dejo con el tráiler.

jueves, 6 de febrero de 2020

Se nos fue Kirk Douglas.


Con 103 años nos ha dejado el 5 de febrero, este descendiente de familia judía bielorusa, residente en New York, cuyo nombre artístico es Kirk Douglas y cuyo nombre real era Issur Danielovitch Demsky. Desde pequeño destacó en deportes como la lucha libre y en lides actorales, dónde le gustaba dirigir y actuar. Lauren Bacall le introdujo en Broadway, situación que se vio interrumpida por su llamada al ejército en plena Segunda Guerra Mundial. Luego regresó, después de su licenciatura con honores a Broadway, dónde se hizo un nombre importante.
En 1946 actúa en su primer film, "El extraño amor de Martha Ivers" dónde ya deja su sello.
A partir de ahí su carrera es imparable El ídolo de barro (1949), El gran carnaval (1951), 20.000 Leguas de viaje submarino (1954), El loco del pelo rojo (1956), Senderos de Gloria (1957), Los Vikingos (1958), Espartaco (1960), Los héroes de Telemark (1965), El día de los tramposos (1970), La Furia (1978), Saturno 3 (1980), etc., y tantos más jalonan una carrera inolvidable. Nominado en tres ocasiones al Óscar, no fue hasta 1996 cuando subió al escenario para recogerlo, eso si, honorífico a su trayectoria profesional.


El último gran icono masculino de la edad de oro de Hollywood nos ha dejado ya muy mayor y realmente de su generación casi no queda nadie, Olivia de Havilland debe ser la única que sigue viva a día de hoy. Hablamos de un tipo de sólidas convicciones, todo un carácter, actor de mil matices, productor arrebatado, y en definitiva un carisma auténtico del séptimo arte. También ha sido padre de cuatro hijos, uno de ellos Michael, de un nivel extraordinario, dos de ellos, los mayores Michael y Joel de su primer esposa Diana Dill y los otros dos Peter y Eric (este falleció en 2004 de una sobredosis) de su segunda mujer Anne Buydens.


Como una de las situaciones más curiosas, una de sus famosas y grandes actuaciones, por la que recibió su tercera nominación al Oscar como actor principal (pero no fue premiado), fue por El Loco del Pelo Rojo (1956), dirigida por Vincent Minelli, donde interpretaba maravillosamente al mítico pintor holandés Vincent Van Gogh, al lado de Anthony Quinn, quien si ganó la estatuilla como mejor actor secundario, por hacer de Paul Gaughin, teniendo muchos menos minutos de actuación.

Os dejo con una mítica escena donde Vincent escribe a su hermano Theo (James Donald), y le cuenta que en la casa paterna ha encontrado la tranquilidad pintando a la gente del campo y sus paisajes, y se siente en su salsa.

miércoles, 5 de febrero de 2020

Muere José Luis Cuerda.


Este martes 4 de febrero nos ha dejado José Luis Cuerda, un director y productor español muy importante, se ha ido a los 72 años, al sufrir una embolia en el hospital La Princesa de Madrid. Este albaceteño de nacimiento fue generador de un humor muy especial y mezclaba surrealismo con el mundo rural de una manera muy particular. Antonio Resines, actor que ha trabajado mucho con él, lo definió perfectamente: "Cuerda era un cineasta de Champions League, y un enorme escritor, que no se nos olvide".
Como director destacan La lengua de las mariposas (1999), adaptación de un relato de Manuel Rivas, El bosque animado (1987) o la trilogía denominada del "surruralismo" por él mismo y que componían Total (1983, hecha para televisión), Amanece que no es poco (1989, comedia cumbre del cine español) y Así en el cielo como en la tierra (1995). Según él decía era un "retorcimiento de la realidad que sigue siendo realidad".
Yo destaco particularmente también La marrana de 1992 o Los girasoles ciegos de 2008. Su último film de 2018 fue Tiempo después, basado en su propia novela. Comenzó allá por 1982 con Pares y Nones, después de dos trabajos para televisión en 1977. Así mismo para televisión dirigió también la segunda parte de Makinavaja (1997).
Como productor, lo hizo en tres de los primeros films de Alejandro Amenábar, a quien por decirlo así apadrinó, sobre todo en sus tres primeros trabajos, Tésis, Abre los ojos y Los Otros.



Amanece, que no es poco tiene entre sus muchas peculiaridades que es el primer largometraje que rodó en su tierra, así pueblos como Aýna, Liétor y Molinicos acogieron el rodaje, formado parte del itinerario cuyas callejuelas quedaron retratadas en el guión, además de cientos de extras que participaron en la película, que eran de las propias poblaciones.

Os dejo con una escena en la que Ngé Ndomo (Samuel Claxton) intenta hacer entender a Álvarez (Chus Lampreave) la necesidad de tener las llaves para no despertarla cada vez que entraba a la casa, cuando baja, su tío se lo encuentra en las escaleras... y sigue sin acostumbrarse...