Bandas sonoras míticas del cine (CCXXVI)

Como decía ayer, Renato Di Maria dirige este biopic sobre la figura del compositor, cantante, productor y creador inclasificable, Franco Battiatio, el artista siciliano que revolucionó la música italiana gracias a una mezcla única de experimentación, filosofía, espiritualidad y cultura popular. Dario Aita da vida al mítico artista en una actuación realmente impresionante, donde se mimetiza absolutamente con el personaje, al que sabe dar en los momentos clave de su vida personal y profesional un enfoque muy acertado.

El film comienza con un Franco de niño en Sicilia, que sufre un golpe en la nariz jugando al fútbol, y al no poder reparársela se le queda una prominente nariz ya para siempre, para luego ya crecer y convertirse en un icono de la música italiana cuando se traslada a Milán, primero introducido en la vanguardia de la época con unos primeros discos experimentales y muy poco comerciales con sintetizadores, para luego ir cambiando y haciendo temas más comerciales, además de reflejar su espiritualidad y filosofía, que transforman su forma de crear y mirar el mundo.

Battiato fue un niño autodidacta, algo muy bien reflejado en la película, al que su padre nunca comprendió y fue cruel con él, quitándole un piano que le había conseguido su madre, cosa que hizo que Franco desde que dejó Sicilia, no quisiera saber nada de su progenitor, en cambio siempre estuvo muy unido a su madre, la cual murió en 1994, y es ahí hasta donde llega la cinta.

La película nos ofrece pinceladas por los múltiples estilos musicales en los que el artista estuvo implicado, el lado romántico, los inicios experimentales con música electrónica, el rock progrsivo de la década de los 70, el pop filosófico, la música culta o la música étnica.

La banda sonora son sus temas obviamente, a los que Vittorio Cosma con la ayuda de Giuvazza Maggiore han ayudado a seleccionar dentro del film.

Hoy me quedo con el tema Cuccurucucú de su mítico disco de 1981 La voce del padrone.

Franco Battiato: Il lungo viaggio (2026)

Renato Di Maria dirige este biopic sobre la figura del compositor, cantante, productor y creador inclasificable, Franco Battiato, el artista siciliano que revolucionó la música italiana gracias a una mezcla única de experimentación, filosofía, espiritualidad y cultura popular. Dario Aita da vida al mítico artista en una actuación realmente impresionante, donde se mimetiza absolutamente con el personaje, al que sabe dar en los momentos clave de su vida personal y profesional un enfoque muy acertado.

El film comienza con un Franco de niño en Sicilia, que sufre un golpe en la nariz jugando al fútbol, y al no poder reparársela se le queda una prominente nariz ya para siempre, para luego ya crecer y convertirse en un icono de la música italiana cuando se traslada a Milán, primero introducido en la vanguardia de la época con unos primeros discos experimentales y muy poco comerciales con sintetizadores, para luego ir cambiando y haciendo temas más comerciales, además de reflejar su espiritualidad y filosofía, que transforman su forma de crear y mirar el mundo.

Battiato fue un niño autodidacta, algo muy bien reflejado en la película, al que su padre nunca comprendió y fue cruel con él, quitándole un piano que le había conseguido su madre, cosa que hizo que Franco desde que dejó Sicilia, no quisiera saber nada de su progenitor, en cambio siempre estuvo muy unido a su madre, la cual murió en 1994, y es ahí hasta donde llega la cinta.

La película nos ofrece pinceladas por los múltiples estilos musicales en los que el artista estuvo implicado, el lado romántico, los inicios experimentales con música electrónica, el rock progrsivo de la década de los 70, el pop filosófico, la música culta o la música étnica.

Pero otro punto importante del film recae en la singular personalidad del artista que tiene una búsqueda interior en la que se pregunta constantemente ¿quién soy yo?, ese viaje interior solitario sobrevuela toda la duración y en el que se añade que teniendo relaciones nunca estuvo atado a ninguna pareja. La cinta pone el acento en su dimensión espiritual, que se reflejaba mucho en la música que hacía, su constante tensión entre el éxito popular y su propia búsqueda interior, y las relaciones personales del artista, que curiosamente tenía más conexión con las personas que entendían su forma de ver la vida, como una amiga suya casada con otro hombre, que era la que mejor le comprendía. Pero se relata que Battiato tenía muchos amigos y amigas, no era un ser introvertido que vivía alejado del mundo, ni mucho menos.

Os dejo con el tráiler de este muy buen film.

Escenas míticas del cine (DXII)

Dunkerque, dirigida por Christopher Nolan en 2017, y elegida aquí en este espacio mejor película internacional, sigue sobrevolando mi cabeza con escenas imborrables. Se trata de un momento crucial en la Segunda Guerra Mundial en mayo-junio de 1940, donde la Alemania Nazi había invadido Francia y antes Holanda y Bélgica, echando al ejército británico y francés hasta Dunkerque. Allí tuvo lugar uno de los episodios más difíciles de la historia de la Guerra, al tratar de evacuar a esa gran cantidad de soldados, que se encontraban allí acorralados y en una ratonera. La idea de Wiston Churchill de mandar a todas las naves civiles disponibles para ayudar, resultó todo un acierto en un momento donde todo eran problemas. Pero claro, esto podría ser una película bélica sin más si no tuviera de director a Nolan, que además de hacerlo a su manera, por tierra, mar y aire (en tres historias paralelas), lo hace manteniendo el suspense y sin dejar de mostrar el horror, acompañado además por una acertadísima, como casi siempre, banda sonora de Hans Zimmer.

En otra escena mítica mientras intentan seguir saliendo barcos salvando a los soldados, el Comandante Bolton (Kenneth Branagh) divisa a lo lejos unas pequeñas embarcaciones, usa los prismáticos y se emociona, es la ayuda civil pedida por Wiston Churchill y que habían salido de los puertos británicos para ayudar a sacar soldados de Dunquerke, mientras son vitoreados por los solados.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (DXI)

Quentin Tarantino dirigió su sexta película en 2009 llamada Malditos Bastardos, si juntamos las dos partes de Kill Bill en una sola, realmente es un film dividido en dos partes. En el film se nos cuenta una historia en la Francia ocupada por los nazis en la II Guerra Mundial, donde confluyen varios personajes, una joven judía llamada Shosanna Dreyfus (a la que da vida Mélanie Laurent) que al principio presencia la ejecución de su familia por orden del coronel Hans Landa (Christoph Waltz) y que escondida huye a París, donde regentará un cine, la llegada de otro joven soldado alemán convertido en un héroe gracias al mismo cine, espías británicos, americanos, etc., y en medio de ellos, Los Bastardos, un grupo de judíos al servicio de los Aliados, que comanda un norteamericano llamado Aldo Raine (Brad Pitt), cuya única misión es sembrar el pánico, la muerte y la destrucción en las filas del ejército alemán. Los hombres de Raine y una actriz alemana Bridget von Hammersmark (Diane Kruger), que trabaja para los aliados, deben llevar a cabo una misión para hacer caer a los jefes del Tercer Reich. 

El guion es otra locura perpetrada por Quentin Tarantino, capaz de cambiar la misma historia de la guerra, al tiempo que intercala reflexiones en forma de largos diálogos en escenas de acción rápidas y brutales y con un humor negro en muchas ocasiones muy destacado.

En otra escena mítica de este film (que tiene muchas) que se produce en una taberna llamada la Lousiane, en la imaginaria localidad francesa de Nadine, donde la actriz alemana Bridget Von Hammersmark que trabaja para los británicos, pretende entrevistarse con el teniente británico Archie Hicox (Michael Fassbender), acompañada por los Bastardos Hugo Stiglitz (Til Schweiger) y Wilhelm Wicki (Gedeon Burkhard), todos con uniformes de oficiales alemanes, y donde ella pasaría información a los tres hombres. Pero un grupo de soldados alemanes de permiso están de celebración de la paternidad de uno de ellos, y hay un inquisitivo oficial de las SS, Dieter Hellstrom (August Diehl) desbaratarán la cita con resultados nefastos para todos, ya que este oficial alemán descubre la trampa y se da un tiroteo a varias bandas en el que mueren todos los alemanes, el teniente y los dos Bastardos, siendo herida la actriz en la pierna.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (DX)

Mel Gisbson dirige Apocalypto en 2006, su cuarta película como director. Se trata de un film impresionante de principio a fin, en una historia ambientada en la época del Imperio Maya. En unos años en los que los efectos especiales dentro del celuloide eran dominantes ya, el australiano hace una película extraordinaria y de una calidad soberbia, de esas que te hacen vibrar en el patio de butacas y te estremecen, hasta tal punto de identificarte con el protagonista, interpretado de manera tremenda por un hasta entonces desconocido Rudy Youngblood, y su angustiosa escapada de la muerte constante. Pero contando una historia, que no necesita de los adelantos técnicos de última generación para despuntar.

Otro detalle muy importante, es que el dialecto original de los mayas es el que se escucha en la película, cosa que también hizo dos años atrás con el arameo en La Pasión de Cristo la estrella australiana.
Estamos hablando de una época, donde se trataba de sobrevivir y el director nos recuerda que este mundo era muy distinto al nuestro, y los conceptos de crueldad y vivir al límite aquí no tienen el mismo significado que ahora. La violencia es implícita a la vida, y no se concibe la una sin la otra.

Otra escena mítica es la final, donde el protagonista sigue perseguido por dos de sus perseguidores hasta que llegan a la playa y se detienen, cuando ven unas carabelas que han fondeado, son los españoles, que estaban llegando a un nuevo mundo... una escena sin palabras porque no las necesita.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (DIX)

En el año 2001 David Lynch dirige Mulholland drive donde Betty a la que da vida Naomi Watts, es una joven aspirante a actriz, que llega a la ciudad de los Ángeles con la ilusión de convertirse en una estrella. Al alojarse en la casa que le ha dejado su tía, se encuentra en la ducha con la presencia de Rita (Laura Harring), una chica amnésica que ha sufrido un accidente de tráfico en Mulholland Drive (nombre de la famosa carretera que lleva al cartel de Hollywood) y a la que intenta ayudar a descubrir su identidad. Ambas se hacen amigas y hallan en el bolso de Rita una gran suma de dinero y una mistriosa llave azul, dándonos a entender que ese bolso era de los sicarios que intentaron asesinarla y que luego murieron en el accidente.

Este film fue concebido en 1999 como un episodio piloto de una serie de televisión por lo que mucha parte de las escenas fueron grabadas en ese año, ante el rechazo de los ejecutivos de televisión el director decidió dejar un final abierto por si la serie salía adelante y otro para el largometraje. Este thriller psicológico fue muy elogiado por la crítica obteniendo el premio al mejor director en Cannes en 2001, así como su nominación al Óscar a mejor director.

En una escena mítica el director de cine Adam Kesher, al que da vida Justin Theroux, tiene problemas económicos graves y es presionado por mafiosos para que contrate a una actriz rubia desconocida, Camila Rhodes, él es arrogante y renuncia a continuar con la producción por lo que sus cuentas son congeladas. Es entonces cuando es obligado a encontrarse con un personaje llamado El Cowboy (Monty Montgomery), un personaje que me lleva inevitablemente al hombre misterioso de Lost Highway, quien lo insta a elegir a Camila Rhodes por su propio bien.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (DVIII)

Como dije hace ya un tiempo, en 1997 David Lynch dirige Carretera perdida (Lost Highway) dentro de la búsqueda del director de proyectar en la pantalla los recovecos y laberintos del espacio mental. Los films de este director no son fáciles de asimilar ya que requieren de un esfuerzo por parte del espectador, que obliga a desplazarse de su zona de comfort, algo que el espectador no siempre está dispuesto a hacer, ese acomodamiento de quien vive en el cine más convencional es el responsable de que muchas de las obras del director sean tachadas de incomprensibles, chaladuras e incluso tomaduras de pelo he llegado a oír, pero pienso en este caso que es una película tenebrosa y perturbadora a la vez.

Pero vamos con el film que nos cuenta la historia de Fred Madison, al que da vida Bill Pullman que es un músico de free jazz que sospecha que su esposa Renée (Patricia Arquette) le está siendo infiel. A partir de una mañana, el matrimonio comienza a recibir sobres sin remitente que contienen cintas de vídeo en las que su casa aparece filmada, tanto desde fuera como desde dentro, y se ve a ambos, por lo que deciden poner el asunto en manos de la policía.

Cuando Fred estaba encarcelado, el guardia de seguridad descubre que él no está y en su lugar hay otra persona Pete Dayton (Balthazar Getty), un joven mecánico de automóviles desaparecido hace tiempo. Como Pete no ha cometido crimen alguno es liberado y entregado a sus padres. Vuelve a hacer su vida aunque es vigilado por un par de detectives, esa noche sale con amigos y su novia Sheila y al día siguente regresa al taller mecánico en el que había trabajado hasta antes de desaparecer, donde Arnie (Richard Pryor) el dueño y un compañero de trabajo Phil (Jack Nance) le dan la bienvenida. También reciben la visita de un viejo cliente Mr. Eddy (Robert Loggia) un gángster de trato agradable, aunque un temperamento volátil, sobre todo si le tocan las narices. En otra escena mítica Pete recibe la llamada de Mr. Eddy que se centra mucho en preguntarle si está bien, cosa que le pregunta varias veces, alegrándose por su bienestar, hasta que le pone al teléfono al hombre misterioso que dice haberse conocido en su casa, y le cuenta que le sucede a los condenados a muerte en el lejano oriente...

Os dejo con la mítica escena (dar a Youtube y se ve el vídeo).

Escenas míticas del cine (DVII)

Christopher Nolan, después del tremendo éxito de El Caballero Oscuro hizo Origen en 2010, una película cuya idea primigenia databa por lo menos de 2001, pero que el mismo director tuvo que madurar para darle una forma más entretenida con la acumulación de experiencia. Aquí nos cuenta la historia de Dom Cobb (Leonardo Di Caprio) que es un experto en el arte de apropiarse, durante el sueño, de los secretos del subconsciente ajeno. Esa curiosa, pero extraña habilidad, le convierte en un hombre muy cotizado en el mundo del espionaje, pero le condena a ser un fugitivo, y por tanto a llevar una vida normal, siempre escapando. Su única oportunidad para cambiar de vida será hacer lo contrario de lo que ha hecho siempre, "la incepción", que consiste en implantar una idea en el subconsciente, en lugar de extraerla. Como es lógico no todo el plan sale bien, desde el momento en que alguien interviene y predice cada uno de sus movimientos, alguien a quien sólo Cobb puede descubrir. El reparto es excepcional, pero hay un personaje en concreto que me resultó muy inquietante por su bipolaridad, el de Mal a la que da vida Marion Cotillard que oscila entre femme fatale y sufrida esposa de Cobb que solo quiere estar con él. El resto del reparto es una consecuencia de la necesidad de entrar en sueños ajenos, por lo que Cobb necesita un equipo integrado por otro personaje muy interesante que es Arthur, al que da vida Joseph Gordon-Levitt que quizás merece más presencia, aunque tiene momentos de mucho lucimiento en el film, y Eames que interpreta un Tom Hardy lleno de carisma (sobre todo en sus críticas a Arthur) y mucho encanto.

Como casi todas las películas de Nolan, esta generó debate sobre el desenlace e incluso sobre la posibilidad de que el director nos hubiera estado tomando el pelo, disfrazando la película de una cosa cuando realmente era otra, habilidad del director que ha practicado más veces y que a mí me pasa constantemente con sus films.

En otra escena mítica Ariadne (Elliot Page), la arquitecta, que es una estudiante graduada de la Universidad y que construye los espacios físicos en el mundo de los sueños, es eneñada por Cobb de cómo funcionan realmente los sueños...

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CCXXV)

En 1980 Irvin Kershner (algo olvidado, por cierto) dirige el Episodio V de Star Wars, titulado El Imperio Contraataca, mi película favorita de la saga. Esta segunda parte de la primera trilogía comienza tres años después de que la Alianza Rebelde destruyera la Estrella de la Muerte, y el Imperio Galáctico comienza su contraofensiva desmantelando varias bases rebeldes a lo largo y ancho de la galaxia, obligando a los Rebeldes a huir a rincones más alejados del espacio exterior para poder reorganizarse. En ese punto, la Alianza Rebelde ha establecido una nueva base secreta en el remoto planeta helado de Hoth. Darth Vader está obsesionado con encontrar a Luke Skywalker, y para ello ha enviado miles de sondas espaciales por toda la galaxia. Palpatine ordena matar al hijo de Anakin Skywalker, pero Darth Vader prefiere intentar pasarlo al lado oscuro y unir sus fuerzas.

Obviamente John Williams volvió a componer la banda sonora original con su habitual maestría, y hay una pieza reconocida por todo el mundo que es La Marcha Imperial (Tema de Darth Vader), esa atronadora melodía que suena cada vez que el villano más malvado de la galaxia aparece en escena, inolvidable.

Os dejo con The Imperial March (Darth Vader's Theme).

Escenas míticas del cine (DVI)

Como decía hace unos días, en 1997 David Lynch dirige Carretera perdida (Lost Highway) dentro de la búsqueda del director de proyectar en la pantalla los recovecos y laberintos del espacio mental. Los films de este director no son fáciles de asimilar ya que requieren de un esfuerzo por parte del espectador, que obliga a desplazarse de su zona de comfort, algo que el espectador no siempre está dispuesto a hacer, ese acomodamiento de quien vive en el cine más convencional es el responsable de que muchas de las obras del director sean tachadas de incomprensibles, chaladuras e incluso tomaduras de pelo he llegado a oír, pero pienso en este caso que es una película tenebrosa y perturbadora a la vez.

Pero vamos con el film que nos cuenta la historia de Fred Madison, al que da vida Bill Pullman que es un músico de free jazz que sospecha que su esposa Renée (Patricia Arquette) le está siendo infiel. A partir de una mañana, el matrimonio comienza a recibir sobres sin remitente que contienen cintas de vídeo en las que su casa aparece filmada, tanto desde fuera como desde dentro, y se ve a ambos, por lo que deciden poner el asunto en manos de la policía.

Cuando Fred estaba encarcelado, el guardia de seguridad descubre que él no está y en su lugar hay otra persona Pete Dayton (Balthazar Getty), un joven mecánico de automóviles desaparecido hace tiempo. Como Pete no ha cometido crimen alguno es liberado y entregado a sus padres. Vuelve a hacer su vida aunque es vigilado por un par de detectives, esa noche sale con amigos y su novia Sheila y al día siguente regresa al taller mecánico en el que había trabajado hasta antes de desaparecer, donde Arnie (Richard Pryor) el dueño y un compañero de trabajo Phil (Jack Nance) le dan la bienvenida. También reciben la visita de un viejo cliente Mr. Eddy (Robert Loggia) un gángster de trato agradable, aunque un temperamento volátil, sobre todo si le tocan las narices. Pete repara el Mercedes de Mr. Eddy y es ahí donde se produce una escena mítica, van en el coche de Mr. Eddy ya que quiere darle un paseo a Pete, con dos esbirros en la parte trasera, entonces se acerca un coche antes de rebasarlo pero se pega demasiado, pero el gángster que va tranquilo le dice que pase, el conductor al pasar le hace una peineta, lo que enfurece a Mr. Eddy, aumenta la velocidad (los esbrirros se aprietan el cinturón de seguridad), le persigue, le empuja y le tira fuera de la carretera, le da una paliza a su conductor y le recrimina su forma imprudente de conducir, la frase "quiero que te compres un cógido de circulación y quiero que te estudies ese maldito libro" me parece antológica.

Os dejo con la mítica escena (dar a Youtube y se ve el vídeo).

Bandas sonoras míticas del cine (CCXXIV)

Como decía ayer, en 1997 David Lynch dirige Carretera perdida (Lost Highway) dentro de la búsqueda del director de proyectar en la pantalla los recovecos y laberintos del espacio mental. Los films de este director no son fáciles de asimilar ya que requieren de un esfuerzo por parte del espectador, que obliga a desplazarse de su zona de comfort, algo que el espectador no siempre está dispuesto a hacer, ese acomodamiento de quien vive en el cine más convencional es el responsable de que muchas de las obras del director sean tachadas de incomprensibles, chaladuras e incluso tomaduras de pelo he llegado a oír, pero pienso en este caso que es una película tenebrosa y perturbadora a la vez.

Pero vamos con el film que nos cuenta la historia de Fred Madison, al que da vida Bill Pullman que es un músico de free jazz que sospecha que su esposa Renée (Patricia Arquette) le está siendo infiel. A partir de una mañana, el matrimonio comienza a recibir sobres sin remitente que contienen cintas de vídeo en las que su casa aparece filmada tanto desde fuera como desde dentro, y se ve a ambos, por lo que deciden poner el asunto en manos de la policía.

La banda sonora es una mezcla de piezas de Angelo Badalamenti y una selección de extraordinarios temas por parte del director de Lou Reed, The Smashing Punpkins, Nine Inch Nails, Rammstein o David Bowie.

Os dejo con dos temas, primero el Red bats with teeth de Angelo Badalamenti.

Y por otro lado el Eye de The Smashing Pumpkins, single de ese año.

Escenas míticas del cine (DV)

En 1997 David Lynch dirige Carretera perdida (Lost Highway) dentro de la búsqueda del director de proyectar en la pantalla los recovecos y laberintos del espacio mental. Los films de este director no son fáciles de asimilar ya que requieren de un esfuerzo por parte del espectador, que obliga a desplazarse de su zona de comfort, algo que el espectador no siempre está dispuesto a hacer, ese acomodamiento de quien vive en el cine más convencional es el responsable de que muchas de las obras del director sean tachadas de incomprensibles, chaladuras e incluso tomaduras de pelo he llegado a oír, pero pienso en este caso que es una película tenebrosa y perturbadora a la vez.

Pero vamos con el film que nos cuenta la historia de Fred Madison, al que da vida Bill Pullman que es un músico de free jazz que sospecha que su esposa Renée (Patricia Arquette) le está siendo infiel. A partir de una mañana, el matrimonio comienza a recibir sobres sin remitente que contienen cintas de vídeo en las que su casa aparece filmada tanto desde fuera como desde dentro, y se ve a ambos, por lo que deciden poner el asunto en manos de la policía.

En una escena mítica, poco después durante una fiesta, un misterioso hombre al que interpreta Robert Blake le dice a Fred que está precisamente en su casa en ese instante, y le da un móvil para que llame a su casa y lo compruebe y así es...

Os dejo con la mítica escena (teclear a ver en youtube y se ve).

Escenas míticas del cine (DIV)

Trainspotting, la ya célebre película dirigida por Danny Boyle en 1996, y que tuvo su secuela en el año 2017, es un film realmente impactante y que para su época, en mitad de los 90, era totalmente transgresor. Basada en la novela de Irvin Welsh y muy bien guionizada por John Hodge, cuenta las peripecias en Edimburgo de cuatro amigos, realmente cinco si contamos al más noble de todos, Tommy, y sus correrías por aquella ciudad.

Se trata de Mark Renton (Ewan McGregor) y sus colegas que son adictos a la heroína, lo que les hace estar siempre fuera de la realidad, pero la pandilla no tiene desperdicio, están un psicópata alcohólico y violento, Begbie (Robert Carlyle), un joven desesperado, Spud (Ewen Bremmer), un mujeriego con un conocimiento enciclopédico sobre Sean Connery, Sick Boy (Jonny Lee Miller) y un entusiasta de las caminatas y de Iggy Pop, Tommy (Kevin McKidd).

En otra escena mítica Renton está en casa y le visita Diane (Kelly MacDonald) vestida de colegiala, que le pregunta si se ha desenganchado de las drogas, aunque ella huele a hachís y quiere entrar y quiere probar. Al final acaba entrando... hay lío obviamente y en el después cigarrito de por medio ella le dice... "el mundo está cambiando, la música está cambiando, hasta las drogas están cambiando... no puedes quedarte aquítodo el día soñando con la heroína y con Iggy Pop... la cuestión es que tienes que encontrar algo nuevo..." efectivamente ese algo nuevo era Londres y entonces sale un resumen muy alentador de la capital británica.

Os dejo con la escena.

Escenas míticas del cine (DIII)

Dunkerque, dirigida por Christopher Nolan en 2017, y elegida aquí en este espacio mejor película internacional, sigue sobrevolando mi cabeza con escenas imborrables. Se trata de un momento crucial en la Segunda Guerra Mundial en mayo-junio de 1940, donde la Alemania Nazi había invadido Francia y antes Holanda y Bélgica, echando al ejército británico y francés hasta Dunkerque. Allí tuvo lugar uno de los episodios más difíciles de la historia de la Guerra, al tratar de evacuar a esa gran cantidad de soldados, que se encontraban allí acorralados y en una ratonera. La idea de Wiston Churchill de mandar a todas las naves civiles disponibles para ayudar, resultó todo un acierto en un momento donde todo eran problemas. Pero claro, esto podría ser una película bélica sin más si no tuviera de director a Nolan, que además de hacerlo a su manera, por tierra, mar y aire (en tres historias paralelas), lo hace manteniendo el suspense y sin dejar de mostrar el horror, acompañado además por una acertadísima, como casi siempre, banda sonora de Hans Zimmer.

En otra escena mítica disfrutamos de la lucha de los spitfire y los stuka en el aire, Fortis 1 y Fortis 2 son los spitfire, el primero pilotado por Farrier (Tom Hardy) y el segundo por Collins (Jack Lowden) que actuando en dúo de combate consigue derribar a uno de los aviones alemanes.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (DII)

En el año 2001 Jean-Jacques Annaud dirige Enemigo a las puertas, centrada en plena II Guerra Mundial, en concreto en 1942, en plena lucha de los ejércitos de Alemania y Rusia (Unión Soviética entonces), desde la entrada alemana en territorio ruso, y la encarnizada lucha que mantienen en la famosa batalla de Stalingrado, donde se combate calle a calle y cuyo desenlace todo el mundo espera. Hay un francotirador ruso llamado Vassili Zaitsev al que da vida Jude Law, que persevera en la empresa de eliminar a sus enemigos uno por uno, siendo un tirador superlativo. El Comisario Danilov (oficial encargado de la propaganda soviética) al que da vida Joseph Fiennes, lo convierte en un héroe nacional (después de salvarle la vida) que debe servir de ejemplo para animar a las tropas a proseguir la lucha contra el ejército alemán, a pesar del gran número de bajas. Para contrarrestar al tirador soviético, los alemanes mandan a su mejor francotirador, el Mayor König (Ed Harris), lo que acabará convirtiendo el film en un duelo entre ambos a vida o muerte.

En la tremenda escena inicial un tren llega a Stalingrado, a la orilla del Río Volga, a la otra orilla está la ciudad, la primera visión que tienen los soldados (entre ellos Vassili que va a bordo) es aterradora, toda una ciudad envuelta en humo y llamas, tienen que obligarles a salir del tren. Empieza la odisea de tener que cruzar el ancho del río, una travesía que es un anticipo de lo que vendrá después, ya que las barcazas son contínuamente bombardeadas por la artillería alemana y por si fuera poco los aviones alemanes Stukas les lanzan sus bombas y los ametrallan, muchos de ellos no llegan a Stalingrado. Una vez en los muelles son obligados a desembarcar y entonces les entregan armas y munición, como no hay suficiente para todos solo un soldado de cada dos recibe un fusil y el otro un peine con cinco cartuchos. Los comisarios políticos dan sus instrucciones que rezan así: "El que lleva el fusil dispara, cuando este muera el que le sigue coge el fusil y dispara", un panorama para echarse a temblar...

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (DI)

En el año 2015 Matthew Leutwyler dirige Uncanny donde se centra en Adam (David Clayton Rogers), la primera Inteligencia Artificial con aspecto humano denominada como "perfecta" en la historia de la humanidad. Mientras tanto una periodista especializada Joy Andrews (Lucy Griffiths) consigue en exclusiva una semana de acceso a Adam. La reportera comienza entonces una relación con David Kressen (Mark Webber) que está entusiasmado con los progresos de su "máquina", pero entonces Adam comienza a mostrar un comportamiento emergente, sorprendente y desconcertante. Lo que empieza siendo una película de ciencia ficción se acaba convirtiendo en un thriller.

En una buena escena, David le explica a Joy que la robótica es un arte equiparable a la pintura de Van Gogh, y le explica lo que quiere hacer con su máquina, y es que esté con los humanos sin la necesidad de competir, a la vez se ve a Adam jugando al pin-pon...

Os dejo con la escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CCXXIII)

Sam Mendes, antes de meterse a dirigir a 007, y después de haber debutado con un éxito arrollador en 1999 con American Beauty, hace Road to Perdition, mal traducido aquí, ya que Perdición es el pequeño pueblo de destino de los dos Michael Sullivan. En inglés se juega con el doble sentido del título, pero aquí directamente pasaron en canoa. Mientras que la perdición a la que alude el título, viene originada por una rivalidad entre el hijo de un poderoso mafioso irlandés y su chico preferido, todo proviniente del cómic de Max Allan Collins y Richard Piers Rayner, del que sale el guión adaptado por David Self.

La historia está narrada por Michael Sullivan Jr. (Tyler Hoechlin), el chaval protagonista, sobre la serie de circunstancias que acabaron con la vida de su padre Michael Sullivan (Tom Hanks), un temido matón a sueldo cuyo jefe, John Rooney (un brutal Paul Newman) era casi un padre para él. Tenemos en realidad la historia de dos padres y sus hijos, y esa eterna dificultad de la comunicación entre las personas que más se quieren. Daniel Craig hace de Connor Rooney, el hijo de John. Pero claro aquí la labor de Mendes, que es un gran director de actores, supongo que sería una gozada para él ver al Paul Newman mayor, con ya 77 años, uno de los grandes, despachar una actuación memorable, en un personaje que aúna ser entrañable y temible al mismo tiempo, cariñoso y a la vez oscuro y tenebroso. 

Por contra y aunque siempre me ha parecido un enorme actor, Tom Hanks está bien, pero tengo un problema con él en esta película, y es que me parece poco creíble, quizás me puede que se me vaya la cabeza a sus anteriores papeles y no me cuadre, pero aquí hace de un asesino implacable y la verdad me cuesta creerlo, este buen chico americano como un frío ejecutor irlandés. Sin embargo Daniel Craig está espléndido, te crees completamente su mirada que te clava de auténtico psicópata. Y luego está Harlen Maguire (Jude Law), el más malo de todos, que se crea, haciéndose el feo, un personaje que es un asesino silencioso pero memorable. Lo único que falla es que no hay un enfrentamiento entre ambos "hijos", pero hubiera sido glorioso. Jennifer Jason Leigh, hace de Annie Sullivan, la mujer de Michael, simplemente está fantástica.

Todo está ambientado en 1931, los años oscuros de La Gran Depresión, tiempos duros donde la mafia irlandesa domina en Rock Island. La Ley Seca sigue vigente y los gánsters siguen, especialmente Al Capone en Chicago, en la cima del poder.

La banda sonora corre a cargo de Thomas Newman, una auténtica delicia que describe perfectamente cada momento del film.

Os dejo con el tema que daba título al film, ese Road to Perdition.

Bandas sonoras míticas del cine (CCXXII)

Robert Zemeckis dirige Náufrago en el año 2000, una obra de arte de película, en la que Chuck Noland (Tom Hanks), un ejecutivo de la empresa multinacional de mensajería FedEx sufre un accidente de avión y se ve apartado de su vida y su prometida, quedando aislado completamente en una isla tropical en medio del Océano Pacífico. Durante cuatro años lucha por su supervivencia, absolutamente solo, aprendiendo técnicas de subsistencia, mientras la dura soledad le va torturando. La actuación es portentosa, a la vez que el director demuestra un virtuosismo detrás de la cámara realmente asombroso.

Cuando Chuck va recogiendo paquetes de FedEx del avión siniestrado, que llegan a la orilla de los que se va sirviendo para curarse heridas, pescar o incluso poder hablar, los utiliza para todo. Una de ellas es una pelota de la marca Wilson, a la que mancha de sangre de una de sus heridas con la mano, y luego le dibuja una cara, y se la pone para acompañarle. Es tal la compañía que le hace que le llama como a una persona y le dice "Wilson". 

La banda sonora fue compuesta por Alan Silvestri, habitual colaborador del director, realmente brillante, adecuada a cada escena del film.

Os dejo con el tema Cast away que daba título al film.

Bandas sonoras míticas del cine (CCXXI)

Como decía anteayer, Christopher Nolan ha hecho una película llamada La Odisea, en la que realmente ha sido valiente haciendo su propia adaptación de una de las historias más conocidas del mundo, La Odisea, un poema de Homero de hace 29 siglos, que se dice pronto. Y francamente después del viosionado de casi tres horas, he de decir que se me ha hecho corta, te mantiene atento durante toda su duración y visualmente me parece un portento. Creo que esta película va a reconciliar a los detractores de este director, con los que son admiradores, entiendo que los pondrá de acuerdo.

Y vuelve a hacer una cosa que es habitual en este director, hacer varias líneas temporales y sin dejar que esto afecte a la narrativa, contando la historia de Odiseo de forma no lineal. 

Tras la guerra de Troya, el legendario Odiseo, también conocido como Ulises (al que da vida un extraordinario Matt Damon) emprende el largo y peligroso regreso a su hogar en Ítaca, donde su esposa Penélope (Anne Hathaway) y su hijo Telémaco (Tom Holland) lo esperan desde hace mucho tiempo mientras resguardan el reino de los numerosos pretendientes que acechan el trono, muchos con planes perversos. Sin embargo, ese camino de vuelta se convertirá en una epopeya legendaria en la que deberá enfrentarse a dioses hostiles y criaturas mitológicas que pondrán a prueba no sólo su ingenio y valentía, si no también su propia humanidad.

Pero nadie se pierde en la manera de contar la historia y como digo, nadie puede dejar de mirar la pantalla, ya que se te cuenta una película de aventuras clásica con monstruos, violencia salvaje, magas y acción continua que solo pide de disfrutes en un butaca y desde luego que lo consigue, recuperando el cine épico de antes y siendo realmente abrumador.

La labor de una tirada de actores extraordinarios es fenomenal, encabezada por un enorme Matt Damon, Anne Hathaway, Robert Pattison (muy bien de villano cobarde), quizás Tom Holland le cuesta un poco, pero está digno, Charlixe Theron, Jon Bernthal y luego la sorpresa de que en ningún momento sale un plano claro del actor que hace de Agamenón, Iddo Goldberg.

En cuanto a la banda sonora Nolan ha vuelto a contar con Ludwig Göransson que ya hizo Oppenheimer con él, y el resultado es de gran nivel, musicando cada momento del film de manera adecuada.

Os dejo con el tema Telemachus.

The Odyssey (2026)

Christopher Nolan ha hecho una película llamada La Odisea, en la que realmente ha sido valiente haciendo su propia adaptación de una de las historias más conocidas del mundo, La Odisea, un poema de Homero de hace 29 siglos, que se dice pronto. Y francamente después del viosionado de casi tres horas, he de decir que se me ha hecho corta, te mantiene atento durante toda su duración y visualmente me parece un portento. Creo que esta película va a reconciliar a los detractores de este director, con los que son admiradores, entiendo que los pondrá de acuerdo.

Y vuelve a hacer una cosa que es habitual en este director, hacer varias líneas temporales y sin dejar que esto afecte a la narrativa, contando la historia de Odiseo de forma no lineal. 

Tras la guerra de Troya, el legendario Odiseo, también conocido como Ulises (al que da vida un extraordinario Matt Damon) emprende el largo y peligroso regreso a su hogar en Ítaca, donde su esposa Penélope (Anne Hathaway) y su hijo Telémaco (Tom Holland) lo esperan desde hace mucho tiempo mientras resguardan el reino de los numerosos pretendientes que acechan el trono, muchos con planes perversos. Sin embargo, ese camino de vuelta se convertirá en una epopeya legendaria en la que deberá enfrentarse a dioses hostiles y criaturas mitológicas que pondrán a prueba no sólo su ingenio y valentía, si no también su propia humanidad.

Pero nadie se pierde en la manera de contar la historia y como digo, nadie puede dejar de mirar la pantalla, ya que se te cuenta una película de aventuras clásica con monstruos, violencia salvaje, magas y acción continua que solo pide de disfrutes en un butaca y desde luego que lo consigue, recuperando el cine épico de antes y siendo realmente abrumador.

La labor de una tirada de actores extraordinarios es fenomenal, encabezada por un enorme Matt Damon, Anne Hathaway, Robert Pattison (muy bien de villano cobarde), quizás Tom Holland le cuesta un poco, pero está digno, Charlixe Theron, Jon Bernthal y luego la sorpresa de que en ningún momento sale un plano claro del actor que hace de Agamenón, Iddo Goldberg.

Nolan es un director que es capaz de lo mejor, aunque a veces ha pecado de pretencioso (en Tenet me volvió un poco tarumba la verdad, demasiado complicada). Pero aquí con un presupuesto amplio, ha hecho lo que era habitual en los años 50, una magna obra que recupera las epopeyas clásicas de antaño tipo Ben-Hur o Espartaco, por poner ejemplos. Pero como toda adaptación es parcial y se toma sus licencias como meter a Helena de Troya con una actriz de color como Lupita Nyong'o, y alguna que otra más.

Pero lo que es innegable es que el presupuesto de este film (se habla de 250 millones de dólares) está muy bien invertido y rentabilizado porque en la pantalla luce y es realmente disfrutable, cosa que se nota desde la primera escena.

 Os dejo con el tráiler de esta gran película.

Escenas míticas del cine (D)

Como llevo diciendo estos días, Bernardo Bertolucci dirige El Último Emperador en 1987, una obra maestra que recibió 9 Óscars de Hollywood. Nos narra como en Pekín, durante 1908, nace una nueva era para la China Imperial, ya que este gran país empieza a sufrir un desmoronamiento. Pu Yi (al que da vida ya de adulto un buen John Lone y de pequeñito Richard Vuu), es un niño de tres años que es arrancado de los brazos de su madre en medio de la noche y conducido hasta la Ciudad Prohibida. Así, sin ser consciente de nada y a una edad muy temprana, Pu Yi es coronado como el último emperador de la legendaria China Imperial, teniendo que vivir recluido dentro del recinto, inaccesible para casi el resto de los mortales. Aquí Bernardo su director, utiliza el género histórico para camuflar una historia personal y subjetiva. 

El guión estaba basado en la propia autobiografía de Pu Yi, que subió al trono a los tres años en noviembre de 1908 y que gobernó en la Ciudad Prohibida hasta abdicar en 1912 con siete años, debido al acoso de las fuerzas republicanas. Por tanto el film narra la convulsionada historia de este último emperador de China, su forma de vida, sus costumbres, su servidumbre y todo el estilo que se llevaba hasta antes de que el imperialismo llegara a su fin. Su vida, sin embargo, estuvo llena de azares, privilegios y transformaciones, que fueron especiales porque hasta 1949 estuvo considerado emperador aún sin realmente ostentar poder alguno, salvo de 1934 a 1945 en Manchuria, conocida por los japoneses como Manchukuo, territorio chino cercano a la frontera con Rusia, que invadieron y en que lo colocaron como regente, pero solamente en apariencia porque las decisiones finales eran tomadas por los nipones. Al perder el dominio verdadero de China continuó viviendo en un lugar conocido como la ciudad prohibida, el palacio imperial, rodeado de muchos súbditos, abundantes eunucos a su mando y un regimiento armado que le protegía. Tuvo de instructor al inglés Reginald Johnson (Peter O'Toole) que le descubrió el mundo occidental al que acabaría adorando.

La historia se cuenta desde dos tiempos que van avanzando progresivamente, en uno estamos en 1949 en la prisión de Fushun, en la que estaría por orden de las autoridades comunistas diez años hasta 1959. En una escena mítica en 1950 en Machuria, se baja del tren junto a muchas más personas, varios le rinden pleitesía, y al sentirse descubierto va al baño a intentar sucidiarse cortándose las muñecas.

Os dejo con la mítica escena.