Doctor Sleep (2019)

Doctor sueño es un film dirigido por Mike Flanagan, que es una secuela del film El resplandor de 1980 que en su día dirigió Stanley Kubrick basado en la famosa novela de Stephen King, de 1977, tercer libro del creador de It, y la que le consolidó como líder en el género de terror. La secuela de ese libro se publicó en 2013, en la que el hijo de Jack Torrance (al que daba vida Jack Nicholson en la vieja cinta de Kubrick), Danny, ahora adulto (que ahora interpreta Ewan McGregor), usa su resplandor en un hospicio de personas moribundas, a los que él ayuda a morir plácidamente. Pero Danny, es un hombre al que le persigue su pasado, ya que sigue traumatizado, tiene problemas de ira y alcoholismo, asuntos heredados de su padre. El resurgimiento de sus habilidades psíquicas en la ciudad que le acoge, hará que una niña contacte con él, Abra Stone, de una potencia sensorial brutal, que está perseguida por un grupo de vampiros casi inmortales, que se alimentan del vapor liberado por personas que poseen el resplandor, mientras son torturados hasta la muerte.

Aquí lo que se produce, aún habiendo escuchado a su director que el centro de este película es el personaje de Danny cuando ya es mayor, es la unión de varias películas en una sola, la adaptación de King, la de Kubrick, su secuela y la propia del director Flanagan. La película en si, y esto es innegable, es un remake de la de 1980, de hecho la historia parte en su primera escena en ese año, con la presentación de los vampiros y sus fechorías. Pero aquí no sólo hay un homenaje a aquel film de Kubrick, sino que hay elementos de los que se ha apropiado y a otros (incluidos los actores) les han puesto otras caras, eso si, sin perder la fidelidad a la novela de King. No quiero decir con esto que este film se apodere de cosas de la cinta de Kubrick, pero desde luego hay algunas evidencias notables.

Pero cierto es que la atmósfera que invade esta película, partiendo de la base que es la misma, es bastante diferente, y los caminos a los que quiere llegar también. Que esta película esté dentro del género de terror es bastante lógico, Kubrick hizo una película de miedo sin ser un director encasillado en ese género, pero su pericia le hacía estar a gusto en cualquier estilo.

Lo que si es innegable es el respeto y las continuas reverencias a ese mítico film, con esos flashbacks y esa reinterpretación de momentos escogidos que te llevan de manera clara 39 años atrás. La parte psicodélica de la secta funesta y terrible de los vampiros, es la parte más novedosa y currada del film, aunque también la que atesora las secuencias más duras. Gran papel de Rebecca Ferguson como la líder de los vampiros.

Una de las mejores cosas de esta cinta está en su banda sonora de The Newton Brothers (y que abría la película de Kubrick), que se convierte en una presencia constante, incrementando las sensaciones y actualizando la seña de identidad musical que ya tenía la otra obra en su día. Es ahí, donde hay otro punto de paralelismo y conexión entre ambas películas, y sinceramente algunas de ellas son aportaciones que hubieran mejorado aún más a la antigua, pero que le da aún más valor a aquella por tener todas esas ideas ya en aquel momento, cosas de los genios como Stanley, un adelantado a su tiempo y un perfeccionista absoluto.

Es evidente que la vida de Danny Torrance ya de mayor merecía una película, y si había novela de por medio casi mejor, pero también es cierto que las referencias a la película de 1980 son muchas, tanto en escenarios utilizados, como en personajes y escenas recurrentes, quizás una adaptación más libre y con menos conexiones hubiera evitado comparaciones, pero más allá de todo eso, la cinta se me hizo larga, una tijera de veinte minutos no hubiera venido mal.

Os dejo con el tráiler.

Escenas míticas del cine (CIX)

Mel Gibson dirige Apocalypto en 2006, su cuarta película como director. Se trata de un film impresionante de principio a fin, en una historia ambientada en la época del Imperio Maya. En unos años en los que los efectos especiales dentro del celuloide eran dominantes ya, el australiano hace una película extraordinaria y de una calidad soberbia, de esas que te hacen vibrar en el patio de butacas y te estremecen, hasta tal punto de identificarte con el protagonista, interpretado de manera tremenda por un hasta entonces desconocido Rudy Youngblood, y su angustiosa escapada de la muerte constante. Pero contando una historia, que no necesita de los adelantos técnicos de última generación para despuntar.

Otro detalle muy importante, es que el dialecto original de los mayas es el que se escucha en la película, cosa que también hizo dos años atrás con el arameo en La Pasión de Cristo la estrella australiana.

Estamos hablando de una época, donde se trataba de sobrevivir y el director nos recuerda que este mundo era muy distinto al nuestro, y los conceptos de crueldad y vivir al límite aquí no tienen el mismo significado que ahora. La violencia es implícita a la vida, y no se concibe la una sin la otra.

Tras un inicio en el que conocemos al protagonista y su entorno, una primitiva y humilde aldea en medio de la selva, pronto llega el conflicto, cuando una salvaje tribu rival y violenta asalta el poblado diezmando a sus habitantes y capturando al resto, salvo a los niños que quedan abandonados a su propia suerte. Los cautivos son vendidos como esclavos o directamente ofrecidos a sacrificios humanos al dios Kukulkan. Pero a unos les dan la "oportunidad" de escapar mientras corren y les lanzan flechas, piedras o lanzas. Todos van cayendo y los que quedan heridos son rematados. El protagonista, más inteligente, va en zig zag y consigue esquivar la muerte, aunque es herido, cuando le quieren rematar se revuelve y mata. Empieza su huída, que será su vida hasta el final del film. Esta escena me parece brutal.

Os dejo con la mítica escena.

Match! (2019)

Sergio Córdoba dirige este mini-corto titulado Match! Hoy en día las redes sociales se utilizan sobre todo para ligar, y más en concreto aquellas redes específicas de contactos. En este pequeño corto, se nos muestra un chat entre Kike y Mari Puri. Kike le habla, rompe el hielo, la piropea, pero ella contesta todo el rato con el mismo emoticono, incluso cuando el chaval se enciende y cree que va a triunfar, está claro que algo no va bien...

Os dejo con el divertido mini-corto.

Espronceda (2019)

Espronceda, es un corto dirigido por Christopher Cartagena y que nos sitúa en el final de una clase de literatura, donde una generación de chicos y chicas andan distraídos, mientras la profesora, a la que da vida Elisa Matilla, intenta captar la atención de los adolescentes hacia unos versos míticos del gran escritor José de Espronceda. Pero sus explicaciones no consiguen atraer la atención de los muchachos, que siguen a sus historias de gente de su edad. Sólo cuando la profesora cambia la manera de explicar, utilizando métodos de lo más sencillos, logra captar la atención de todos...

Os dejo con este interesantísimo corto.

Escenas míticas del cine (CVIII)

En 1946 Charles Vidor dirigió Gilda, una película que sin ser nada del otro mundo, con un guión más bien normal y una historia algo rocanbolesca, ha pasado a la historia tanto por la soberbia actuación de Rita Hayworth y Glenn Ford y su química brutal, como por una escena que es de esas imborrables. Hoy en día, la sonora bofetada que Johnny Farrell le suelta a Gilda sería interpretado como maltrato, y su carrera se hubiera ido a pique, pero es curioso que gracias a esa escena fue mitificado, en todas las cabezas de amantes al cine. Quizás Glenn fue eclipsado por otros actores, que cautivaban a la audiencia con presencia física o atractivo, mientras que él no dejaba de dar la imagen de hombre bueno, al que no le iba demasiado hacer de malvado (lo mismo que a James Stewart).

La escena en sí, se compone de una actuación de ella, un guante, una canción y el mítico bofetón (dentro de un drama pasional convertido en icono de la historia del cine), que proviene de una provocación de ella al acabar...

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas de películas (XXV)

Como decía ayer, tras su prometedor debut en la dirección con la modesta y de buenas intenciones "El hombre sin rostro" de 1993, Mel Gibson, se arriesga con una superproducción poco frecuente en los 90. Dirige en 1995 un drama histórico y épico de 3 horas, dónde la fuerza, el ritmo y el romanticismo son su bandera acerca de un héroe independiente escocés de principios del siglo XIV, William Wallace. Su relato de gloria y libertad, sus grandes escenas de acción, y la gran actuación de los actores elegidos, le hicieron llevarse varios Óscars (mejor película, director, fotografía, sonido y maquillaje) y arrasar en taquilla.

Por si fuera poco, a esta gran película contribuye también una enorme banda sonora de James Horner, donde recrea los pueblos celtas y la vida escocesa de finales del S.XIII y principios del S.XV con un encanto y realismo fabulosos.

Os dejo con la canción que suena varias veces en el film, con gaitas y demás.

Escenas míticas del cine (CVII)

Tras su prometedor debut en la dirección con la modesta y de buenas intenciones "El hombre sin rostro" de 1993, Mel Gibson, se arriesga con una superproducción poco frecuente en los 90.

Dirige en 1995 un drama histórico y épico de 3 horas, dónde la fuerza, el ritmo y el romanticismo son su bandera acerca de un héroe independiente escocés de principios del siglo XIV, William Wallace. Su relato de gloria y libertad, sus grandes escenas de acción, y la gran actuación de los actores elegidos, le hicieron llevarse varios Óscars (mejor película, director, fotografía, sonido y maquillaje) y arrasar en taquilla.

Hoy quiero destacar la escena de la venganza, que proviene cuando Wallace se enamora de Murron (una estupenda y algo desaprovechada Catherine McCormack) y ambos viven una historia de amor casi mística, con cruel asesinato de ella incluido. El inglés que regenta la zona al matarla, no intuye lo que se le viene encima, ya que a partir de ahí este escocés se comprometerá en la lucha contra esa opresión inglesa en favor de un estado escocés libre. Y lo empieza con esa venganza, barriendo el destacamento de su zona y practicando lo mismo a su jefe, que le hizo a su novia, ojo por ojo.

Os dejo con esa escena mítica partida en dos vídeos.

Escenas míticas del cine (CVI)

En 1995 Michael Caton-Jones dirige Rob Roy, la pasión de un rebelde, protagonizada en los principales papeles por Liam Neeson, que encarna a Robert McGregor (Rob Roy) y Mary su mujer a la que da vida Jessica Lange. Rob fue un héroe escocés del Siglo XVIII y sus problemas económicos, le obligan a pedir dinero prestado al Marqués de Montrose (John Hurt), a la vez que le suceden un cúmulo de adversidades provocadas por Cunningham (Tim Roth) un tipo sin escrúpulos que trabaja para Montrose.

Realmente haciendo un resumen, después del éxito de Braveheart, este film trata de una Escocia con gente muy enojada pero cuatro siglos después a lo sucedido con William Wallace. Hablamos de una Escocia paupérrima y acaudillada por Inglaterra, en un contexto marcado por el fin del antiguo sistema de clanes y los cambios que ello provocaba en la sociedad, que parece sacrificar el honor y los viejos ideales, en favor de una nobleza intrigante, decadente, ladrona e inmoral.

En una escena brutal, Cunningham se reúne con Montrose, con Killearn (Brian Cox) de testigo, donde este acusa a McGregor de haberle robado dinero, cuando salen de la reunión Betty, una mujer con la que Cunningham tuvo relaciones, le pide ayuda ya que ha sido despedida del servicio por estar en cinta, a lo que él le contesta: "El amor es estiercol, y yo soy un gallo que trepa a él para cacarear".

Os dejo con la mítica escena.

Séptimo Aniversario de My Kingdom for a film

Hace ya 7 años, tal día como hoy, inauguré este blog en el que hablo sobre cine, películas, cortos, series, escenas míticas, escenas cómicas, estrenos de cine, bandas sonoras, noticias, etc...

Es cierto que cuando inicié esta aventura, con expectativas muy modestas, la cosa era complicada, pero con el paso del tiempo, el trabajo, los posts realizados y demás, la respuesta es bastante sentida.

Quiero dar las gracias a todos, a blogeros que son seguidores, comentaristas y lectores, a los no blogeros que también comentan y leen, a los blogeros que sólo leen, a los que sin ser blogeros se hicieron seguidores, a los que no son ni blogeros ni seguidores, pero se pasan a leer o comentar, a aquellos que sólo leen aunque no digan nada, e incluso a aquellos que sólo se pasan a criticar.

Benny Hill siempre es un seguidor constante de My Kingdom for a film, y la devoción es mutua, a sus órdenes jefe. Otro año  más y parece increíble, hablando de estrenos fulgurantes, noticias, películas, cortos, manteniendo mis viejas secciones de escenas cómicas y escenas míticas, y alguna seminueva como las bandas sonoras míticas, en definitiva un trabajo constante del que estoy muy orgulloso y quería compartir con todos. Además sigue vivo mi viejo blog de música, aún más veterano.

Aún recuerdo el primer post hablando de la película Drive, que me impulsó de manera definitiva a hablar de cine a día de hoy, una de tantas películas que me dejó huella.

Como celebración voy a recordar una escena cómica de la película El hotel de los líos de los Hermanos Marx (ya reducidos a trío) de 1938, dirigida por William A. Seiter. Gordon Miller (Groucho Marx) es un productor de teatro de tres al cuarto, que quiere estrenar la obra de un joven actor novel, pero necesita dinero y un capitalista que la financie, antes de hacer los preparativos de la función. En ese impás, se instala con 22 personas de su compañía, en el hotel que regenta su cuñado. Cuando se descubre que debe una alta suma al hotel, lo amenazan con desalojarlo, pero Miller junto a sus fieles Harry Binelli (Chico) y Faker Englund (Harpo) se las ingenia para evitarlo e incluso estrenar la obra.

No es que sea mi film favorito de ellos, pero sigue teniendo momentos deliciosos de humor delirante, como esta escena donde Harpo se hace el muerto ante Gregory Wagner (Donald McBride).

Os dejo con la escena cómica.

Blue Jasmine (2013)

Woody Allen dirige en 2013 Blue Jasmine, una cinta que no pude ver en su momento y que ahora he recuperado, y desde luego he de decir que es una de las mejores películas de sus últimos años. Aquí hace una cosa sorprendente, en cierto modo, ya que Allen siempre nos ha hablado de los pijos de New York y de que los ricos molan, pero en este caso, parece haberse pasado al otro lado, o por decirlo de otra manera, los ve desde otra perspectiva, quizás del bando de los pobres, y disfruta con el sufrimiento de la protagonista, una maravillosa e impresionante Cate Blanchett. Junto a ella una tirada de actores que lo bordan, Alec Baldwin, Sally Hawkins o Peter Sarsgaard.

Aquí nos cuenta la historia de Jasmine French a la que da vida Cate Blanchett, una mujer que siempre ha disfrutado de la buena vida y de los lujos de la clase alta neoyorkina. Pero su vida dará un vuelco, cuando empieza a descubrir las infidelidades de su marido Hal (como siempre es la última en enterarse) que interpreta Alec Baldwin, y en una rabieta llama al FBI y cuenta todas las estafas que tenía en su trabajo aparentemente maravilloso. Ahí lo pierde todo, él es encarcelado por estafa, y ella pasa a tener graves problemas económicos, al borde de la bancarrota. Jasmine en una situación tan difícil, recurre a su hermana, Ginger, que interpreta otra estupenda Sally Hawkins, con la que no tiene una relación muy estrecha, y a la que su marido también estafó, cuando estaba con su anterior pareja. Trata así de salir adelante a base de antidepresivos y trabajando de secretaria. Su incapacidad para adaptarse a esta nueva situación, complicará mucho a todos los que están a su lado.

Que el dinero es lo que mueve el mundo, es una frase lapidaria que aquí queda muy patente, porque cuando has disfrutado de él a lo grande y de repente no lo tienes, has de ser humilde y poner zapatos a quien antes invitabas a tus fiestas, y eso puede ser algo desesperante, deprimente y autodestructivo. Y es ahí donde Allen lo borda, creando situaciones de lo más cómicas, con mucho humor negro y algo de mala leche. 

El director nos muestra dos mundos completamente diferentes, el de las dos hermanas, mientras una sólo concibe el mundo con dinero, que te da belleza, elegancia y buenos modales, en el otro lado está Ginger, una joven humilde, algo choni e inculta, que vive en un barrio modesto de San Francisco y que sale con un tipo que lleva camisas hawaianas y camisetas de tirantes, un personaje de lo más chanante y con el que Jasmine no conecta en ningún momento.

Las situaciones que se van creando y los giros de guión extraordinarios, hacen de este film una joya, y que pases todo el metraje disfrutando y riendo. Pero es el personaje de Jasmine una obra maestra en si misma, donde Cate Blanchett consigue mostrar de manera brutal todas las personalidades que tiene, como si de una montaña rusa se tratara, la depresiva, la que habla sola en un banco, la que se vuelve a enamorar cuando conoce a un rico atractivo, la que sigue mirando por encima del hombro a la gente pobre, la desesperada, la de la maldición, etc... Esa manera de zarandearla por parte del director, me parece sublime y la actriz lo da todo, para redondear una actuación soberbia.

Os dejo con el tráiler del film.

Joker (2019)

Una de las películas más esperadas del año era, sin duda, Joker, el spin-off dirigido por Todd Phillips, y protagonizado por Joaquin Phoenix. Antes de nada, decir que el actor se ha dedicado en cuerpo y alma al personaje, adelgazando y cambiando su fisonomía de manera bestial. Debía interpretar a un villano trastornado y loco, de risa enfermiza, y todo eso lo hace de manera sublime, pero además y por si fuera poco, aquí se explica la génesis de este personaje, y le ha dado una personalidad tan brutal, que en el recuerdo quedan Jack Nicholson, Heath Ledger o Jared Leto, a los que ha superado, cosa que no era nada sencilla, sobre todo en el caso de los dos primeros. La mimetización de Phoenix con el personaje es tal, que no se te ocurre en ningún momento separarlos.

La historia nos narra la vida de Arthur Fleck, que vive en Gotham (muy neoyorkina por cierto) y cuya única motivación, según dice, es hacer reír a la gente. Trabaja haciendo de payaso en varios trabajos, pero sus problemas mentales y sus actitudes raras hacen que la gente le vea como un bicho raro, así acaba despedido y repudiado por la sociedad, e incluso se le niega la ayuda social por recortes del ayuntamiento, y por tanto su tratamiento médico. Pero su gran sueño es actuar como cómico ante el público, aunque todo se va complicando con una serie de trágicos acontecimientos, lo que hará que su violencia interior y su ira salga y aflore contra la sociedad que le repudia.

Una de las cualidades más impresionantes del film es que es clásico y moderno a la vez, por un lado nos aporta cosas del cine antiguo, detalles clásicos como el cine donde proyectan a Chaplin, la viola que suena en la banda sonora, muy barroco, o las letras de los títulos, clásicas. Pero por otro lado, las modernidades de una ciudad despiadada y fría como Gotham, que intenta ser más humana, están perfectamente reflejadas. En otro orden, el director sabe utilizar los recursos del flasback o los sueños mentales del protagonista para inventar escenas realmente impactantes. Pero lo mejor de todo, es la libertad que la cinta posee, en la que acaba reinando la anarquía que el propio protagonista propugna. Pero no quiero llevar a engaños, Joker es una película difícil, no resulta cómoda, por así decirlo, y esa es otra de sus grandes virtudes.

Ni que decir tiene que Joaquin Phoenix está de Oscar y en su mejor momento profesional, dando rienda suelta a su genial improvisación, dejando imágenes y fotogramas de difícil olvido. Otra cuestión es que esta película dista bastante de la factoría Hollywood, no prima el espectáculo, y eso es algo que hoy en día se agradece por los que amamos el cine. La cuestión está en si Joker es tan atrayente, que puede provocar, y de hecho hace que mucha gente le siga y lo considere un revolucionario antisistema y un líder que lucha contra todo tipo de injusticias, sin olvidarnos de que está muy tocado mentalmente y es un peligro constante. En ese sentido la manera de tratar la violencia en el film, me parece muy importante, teniendo escenas salvajes.

Por supuesto hay actores de reparto de un nivel extraordinario, está un tremendo Robert de Niro, que da vida a un presentador cómico de televisión, Frances Conroy que es Penny Fleck, la madre de Arthur o Brett Cullen haciendo de Thomas Wayne, padre del futuro Batman.

Un film que hacía falta, llevamos mucho tiempo admirando a superhéroes perfectos y sus aventuras adecentadas de lujo, ya era hora de un puñetazo cinéfilo de este calibre.

Os dejo con el tráiler.

Mejores escenas cómicas del cine (LXXIV)

Mi película favorita cómica, sin duda es El Jovencito Frankestein, dirigida por Mel Brooks en 1974. Una de las comedias más disparatadas, delirantes, ingeniosas y divertidas de la historia del cine. Se trata de una de esas conjunciones donde todo funciona, y no sólo eso, sino que lo hace con un encanto especial, algo tocado con una varita mágica e irrepetible. Además y por si fuera poco, tiene la capacidad curativa de hacer olvidar problemas de la vida cotidiana, y te sientes completamente absorbido por la pantalla, en su hora y tres cuartos de duración.

Rodada en blanco y negro aposta, en ella, el joven doctor Frederick Frankestein (Gene Wilder), un neurocirujano norteamericano, ha huído siempre del estigma legado por su abuelo, quien creó años más tarde un monstruo. Ahí, es donde el guión perpetrado por Brooks y Wilder hace un desprejuiciado homenaje, que a la vez es parodia, y como no revisión del mito cinematográfico, cuya creación era de Mary Shelley.
En una escena magnífica, el Doctor se da cuenta de que el monstruo hace cosas muy raras dirigidas por un raro cerebro, es entonces cuando pregunta a Igor (Marty Feldman) sobre el cerebro que él le mando coger, y Igor responde que era de un A... Normal...

Os dejo con la graciosísima escena.

Ad Astra (2019)

James Gray dirige esta odisea espacial llamada Ad Astra y que tiene a Brad Pitt como absoluto protagonista principal. Pitt da vida a Roy McBride, un astronauta que recibe una misión muy difícil y particular, la de localizar a su padre en los confines remotos del sistema solar, allá por Neptuno, quien lleva varias décadas desaparecido, pero del que tienen sospechas de que está detrás de una amenaza que podría acabar con la destrucción de la Tierra. Su padre, Clifford McBride, al que interpreta Tommy Lee Jones, es un héroe para todos los astronautas, un descubridor del espacio, un auténtico referente, pero cuya vida personal no cuidó o no se interesó de cuidar. Hay muchas escenas del espacio cuidadas especialmente y eso se agradece, pero siendo esa la temática, a día de hoy, ya se da por hecho.

Pero ese viaje que Roy hace, en un principio tiene a Thomas Pruitt (Donald Sutherland), un compañero de juventud de su padre, como compañero de viaje y asesor, aunque también con la labor de la empresa (la Nasa no se cita, tiene otro nombre) de vigilar a Roy, cuyas cualidades son extraordinarias. El viaje va primero a la Luna, donde hay una ciudad montada literalmente (se supone que estamos hablando dentro de muchos años), y donde sufren un ataque sobre ruedas que elimina a todos sus acompañantes, de ahí a Marte, donde será obligado por la empresa a mandar mensajes a su padre, sin recibir respuesta.

Pero es a partir de ahí, cuando Roy decide ir por libre, y se montará en una nave que le lleva al Proyecto Lima ubicado cerca de Neptuno, última posición referida de Clifford.

Pero Roy sufre un trauma interno, y es que la desaparición de su padre le ha dejado una huella mucho más profunda de lo que en un principio pudiera parecer. Esto es algo que al principio se lleva con soltura y naturalidad, primero con la idea clara de que su padre ya no está vivo, pero según va transcurriendo la cinta y los indicios de que su progenitor sigue vivo se acrecentan, y no tarda en quedarse varado en el plano emocional.

Todo esto está empaquetado de maravilla visualmente, es indudable, pero la cinta no busca la aventura exterior, sino la odisea interior del protagonista y es ahí donde el film se acaba resintiendo, teniendo un final, que de tanto esperarlo te decepciona porque está mal acabado y se vuelve una y otra vez sobre el mismo trauma sin resolver ni aportar nada nuevo. Brad Pitt está excelente, pero el director no le ha sabido sacar más partido a su personaje.

Os dejo con el tráiler del film.

Escenas míticas del cine (CV)

La primera película de Steven Spielberg fue El diablo sobre ruedas (Duel) en el año 1971, cuya idea original era una producción originalmente concebida para televisión. Una ópera prima donde estaban las bases de un director que cuatro años más tarde, puso patas arriba el mundo del cine a través de un gigantesco escualo blanco.

La historia narra como David Mann, al que da vida Dennis Weaver, conduce su Plymouth rojo y decide adelantar a un camión cisterna, sin ser consciente de que eso será como una ofensa al conductor, que a partir de ese instante perseguirá dando bocinazos y golpes en la parte trasera a David sin descanso. Podría parecer que el guión fuera aburrido, pero para nada, ahí está la grandeza de un Spielberg que no repite encuadres ni posiciones de la cámara y que mantiene la tensión en la hora y media de la cinta. Un film de pocos diálogos, muy pocos, pero tampoco los necesita.

Os dejo con la mítica escena de la persecución, que provoca que David se salga de la carretera.

Amazing Grace (2018)

En enero de 1972 la gran Aretha Franklin actuó durante dos días dando un concierto de gospel en la Iglesia Bautista Misionera New Temple en Watss, Los Ángeles, grabando así el álbum más vendido de su carrera, el Amazing Grace. Las sesiones fueron filmadas por un equipo liderado por el director Sydney Pollack, pero el material de archivo sufrió problemas técnicos, quedando en una bóveda durante 40 años, un tesoro cinematográfico perdido, que antes de su muerte en 2008, Pollack dijo que quería que esa película se completara, y ha sido el productor Alan Elliot quien lo ha hecho, acompañado con una serie de gente apasionada con el proyecto. 

El Reverendo James Cleveland es el que hace de presentador del evento, músico, cuidador de Aretha, etc., y también apoyada por el Southern California Community Choir.

Aretha empezó de pequeña cantando en la iglesia temas gospel, y es más que evidente que la influencia de su padre, también reverendo (y que sale en este documental hablando) fue indudable. Con esa música creció, pero el diamante que era ella se extendió a más estilos, y en el soul se encontraba como pez en el agua, aunque soul y gospel navegan muy cercanos siempre. Pero aquí se juntan por un lado la tremenda voz de Aretha en un momento cúspide de su carrera, y por otro el oficio religioso expresado a través de la música. Casi todos los allí congregados eran de la comunidad negra, y celebran ese oficio como una fiesta, bailan, se vuelven locos de felicidad y exaltan la figura de Jesús, a través de la música angelical de una voz como la de reina del soul. Entre el público, algo infiltrados estaban Mick Jagger y Charlie Watts de los Rolling Stones.

Suenan el espiritual Mary, don't you weep, el medley precious Lord/take my hand/You've got a friend, Old Landmark, Give yourself to Jesus, How I got over, What a friend we have in Jesus, Amazing Grace, Wholy Holy de Marvin Gaye (una pieza colosal en su voz), You'll never walk alone, Precious memories, Climbing higher mountains, God will take care of you, etc... Todas ellas con un sentimiento sublime y con una diva que incluso se emociona y llora. En algún momento del documental podemos ver como se mezclan imágenes del ensayo, con lo que fue la actuación, estando perfectamente enlazadas.

Os dejo con el traíler de esta joya de documental.

Escenas míticas del cine (CIV)

EL Cid, dirigida por Anthony Mann en 1961, es una de las grandes superproducciones que se rodó en España en varias localizaciones. Es un film que se toma bastantes licencias en cuanto a la historia real del personaje histórico español, pero es innegable que Charlton Heston (El Cid) y Sophia Loren (Jimena) que estaban en la cúspide de su carrera están soberbios.

En una escena rodada en Torrelobatón (Valladolid), El Cid decide dar libertad a presos, que venían a ser reclamados por el Rey Alfonso VI mediante su enviado el Conde García Ordoñez (Raf Vallone), situación que le llevaría al destierro de Castilla, por parte del Rey al que defendía y por el que luchaba en la Reconquista contra los musulmanes. Ordoñez le acusa de traición. Esa misericordia que mostraba con los rivales, siempre le engrandeció pero al noble le sentó fatal.  Esta escena está rodada con una calidad soberbia.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CIII)

En el año 2002 Steven Spielberg rodó Atrápame si puedes, el biopic sobre Frank Abagnale Jr., un estafador de los más grandes de la historia, un tipo que admitió haber asumido al menos ocho personalidades distintas en los años en que cometió dichos fraudes. Es sin duda, una de las películas más distintas y variadas de la filmografía de Spielberg, y donde hay aventura, drama, intringa y cómo no comedia y romance también.

El personaje de Abagnale es interpretado por Leonardo Dicaprio, un joven y escurridizo delincuente de los años 60 que pasó por copiloto de la Panam, médico, abogado, etc., mientras Carl Hanratty (al que da vida Tom Hanks) es el agente del FBI, algo torpón todo hay que decirlo, el que le persigue sin descanso siguiendo su pista para detenerlo y llevarlo ante la justicia, aunque siempre Frank se las ingenia para ir delante de Carl.

En una escena memorable, Carl llega a la habitación de hotel donde está Frank, pero no le conoce aún y consigue eludirle haciéndose pasar por un agente del servicio secreto.

Os dejo con la mítica escena.