Escenas míticas del cine (DXXV)

En 1986 el director británico Roland Joffé dirige La Misión, una film ambientado en la hispanoamérica del siglo XVIII, en plena jungla tropical junto a las cataratas de Iguazú. Allí, un padre Jesuita, el padre Gabriel (Jeremy Irons), sigue el ejemplo de un jesuita crucificado, sin más armas que su fe y su flauta. Es entonces cuando es aceptado por los Indios Guaraníes, y crea la Misión de San Carlos. Entre sus seguidores está Rodrigo Mendoza (Robert de Niro), un ex-traficante de esclavos, mercenario y asesino, que busca el perdón para lo que se hace jesuita, y encuentra la redención entre los que fueron sus víctimas. Rodrigo es un cruel y brutal mercenario que vive rodeado de lujos gracias al tráfico de esclavos de las tribus de la selva al que se dedica. Un día en un ataque de ira, asesina a su propio hermano y para redimirse se une al padre Gabriel en su misión.

Pero claro, cuando la cosa se pone fea y los nativos quieren su independencia, Gabriel reza y Rodrigo coge la espada. Pero en una escena mítica Gabriel y Rodrigo discuten, y Gabriel le dice que si piensa seguir así a Rodrigo, mientras que él le contesta que no hay penitencia suficiente para él.

La banda sonora es un escándalo, de las mejores hechas jamás, y su autor Ennio Morricone.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (DXXIV)

Robert Aldrich dirige en 1970 Comando en el mar de China, cinta bélica ambientada en la Segunda Guerra Mundial, en concreto en la primavera de 1942, donde japoneses y aliados ocupan una isla del Pacífico. Un grupo de soldados ingleses es enviado a una misión casi suicida a través de la espesa y agobiante jungla, la misión consiste en desmantelar una emisora enemiga. Los protagonistas principales son el soldado Tosh Hearne, al que da vida Michael Caine, y el teniente Sam Lawson que interpreta Cliff Robertson. Este film ensalza la generosidad de uno o varios soldados, a quienes se les confiere una imagen heróica que choca con la realidad que se vive en cualquier conflicto armado. Sin embargo, la realidad de esas guerras implica la ausencia de héroes, ya que las mismas provocan que, ante la barbarie, el miedo y la muerte, se agudice el instinto de supervivencia de quienes se ven obligados a formar parte de un sinsentido que saca a relucir aspectos ocultos de la naturaleza humana.

En una escena mítica se refleja mucho de lo anterior, esa en la que Tosh le dice a su teniente que tiene una idea para huir y luego no ser descubiertos, a tenor de la situación que están viviendo.

Os dejo con la escena.

Escenas míticas del cine (DXXIII)

En 1972 Francis Ford Coppola dirige una obra maestra, El Padrino, basada en la novela de Mario Puzo, que participó en el guión junto al propio director. Ambientada en la América de mediados de los años 40, Don Vito Corleone (Marlon Brando) es el respectado y temido jefe de una de las cinco familias de la mafia de Nueva York y que tiene cuatro hijos, Connie (Talia Shire), el impulsivo Sonny (James Caan), el pusilánime Fredo (John Cazale) y Michael (Al Pacino), que no quiere saber nada de los negocios de su padre.

Hay una escena, después de que se haya presentado a la familia a través de una larga introducción, donde se produce la entrevista entre la familia Corleone (sin Michael, que no entraba todavía en los negocios) y el narcotraficante Virgil Sollozzo (interpretado magistralmente por Al Lettieri). En este encuentro, Sollozzo ofrece a la familia Corleone un trato, del cual Don Vito (Marlon Brando) pronto se descuelga al no gustarle la división del dinero (a pesar de los consejos de "Il consigliere" Tom Hagen (Robert Duvall)), y le acusa de que tendrá que financiarle influencia política y protección legal en la operación, a cambio de un porcentaje bajo de beneficios. Es un negocio de importación de heroína que el narco tiene pactado con la familia Tattaglia. Esta negativa de Don Vito, desencadenará toda la espiral de crímenes que ya no para en todo el film, que tocará al propio Don Vito y hará que la figura de Michael Corleone crezca de forma exponencial.

Una vez ya recuperado Don Vito de los disparon recibidos, tiene una conversación con Michael, el cual le nota preocupado y dice admitir que no esperaba que él fuera su sustituto, aunque repasando el carácter de Sony y Fredo se da cuenta que no eran adecuados para ese puesto. Don Vito pensaba en Michael como un pez gordo, pero todo cambió con su intento de eliminación, ya que es Michael el que cuida de su padre y de que no le rematen en el hospital. También le deja un recado de experiencia, y después de darle un beso le recuerda: "Quien te hable de tener esa entrevista con Barzini, ese es el traidor".

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (DXXII)

En 1983 Lawrence Kansdam dirige El reencuentro en el que se cuenta la historia de ocho viejos amigos, compañeros de universidad en la década de los 60, que vuelven a reunirse quince años después con motivo del entierro de uno de los miembros del grupo, un científico brillante, algo díscolo que rehusó integrarse en el sistema y se suicidó. Por el camino quedaron la pareja perfecta, el fulano que siempre quiso ser actor y se quedó en estrella de televisión con una serie de acción limitada y efímera, el que cree que el reencuentro le servirá para ligar por fin, la chica perdida que fue compañera del alma extraviada, etc.,

Durante el fin de semana que pasan juntos, queda de manifiesto como cada uno de ellos ha evolucionado y dejando atrás el incoformismo y la rebeldía de la época universitaria cuando eran jóvenes.

Harold (Kevin Kline) y Sarah (una magnífica Gleen Close) son el matrimonio que organiza el funeral de Alex en su gran mansión. Son el típico matrimonio perfecto con hijos, sin embargo a lo largo del fin de semana, salen a la luz algunas fisuras pasadas, como el romance de Sarah con el fallecido Alex...

Una escena mítica es cuando Harold enchufa el vinilo de los Temptations y suena Ain't too proud to beg, y todo es alegría, comunión y buen rollo.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (DXXI)

La conquista del oeste (How the west was won) es un film de 1962 que congregó a grandes directores y actores. La película consta de cuatro episodios sobre la colonización del Oeste que tienen lugar entre 1830 y 1890, los dos primeros y el último dirigidos por Henry Hathaway y el tercero por George Marshall, pero incluye también un interludio dirigido por John Ford, ambientado en la guerra de Secesión (1861-1865), con un diálogo entre los generales nordistas Sherman (John Wayne) y Grant (Harry Morgan). Esta fue la primera película rodada en Cinerama y el narrador era Spencer Tracy.

La expansión hacia el Oeste protagonizada por los colonos, la anexión de Texas (1845) y la incorporación de Arizona, Nuevo México y California, tras una guerra con México que se salda con victoria de Estados Unidos (Tratado de Guadalupe-Hidalgo de 1848) suponen un avance espectacular de la frontera norteamericana hacia el Pacífico.

Este film puede que no se encuentre entre los títulos cumbre del género del Far west, pero lo que no cabe la menor duda, es que es el título más representativo, espectacular e icónico de toda la historia de él. La Metro decidió apostar fuerte en un proyecto faraónico, con una película que incluyera todo lo relativo al género Far West, es decir, grandes praderas, los indios, el ferrocarril, los cowboys, el sheriff, los primeros colonos, los salones, etc., y con un reparto espectacular, juntando prácticamente a lo mejor de ese momento, Carrol Baker, James Stewart, Debbie Reynolds, Gregory Peck, George Peppard, John Wayne, Henry Fonda, Richard Widmark, Eli Wallach, Karl Malden, Walter Brennan, etc...

Pues esa escena del diálogo entre Sherman y Grant es la escena mítica de hoy.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (DXX)

En 1963 Nicholas Ray dirige 55 Días en Pekín, con Charlton Heston, Ava Gadner y David Niven como principales protagonistas. La película, que está ambientada en China sobre el año 1900, se encuentra bajo la ocupación de las potencias occidentales, que se reparten su territorio en zonas de influencia. Los misioneros cristianos predican su religión y destruyen las estátuas de Buda, lo que provoca una revolución nacionalista, la de los Boxers, que quiere la expulsión de todos los extranjeros de China. Una compañía de marines de los Estados Unidos bajo el mando del comandante Matt Lewis (Charlton Heston) llega a Pekín con la misión de evacuar la embajada americana, pero el embajador británico Sir Arthur Robinson (David Niven), decide quedarse y eso hace que todos los demás embajadores se queden también al saber que una columna de socoroo de 2000 hombres está en camino.

En una recepción con la Emperatriz Tsu Hzi (Flora Robson) les anuncia al comandante americano y al embajador británico que nombra a un nacionalista, el Príncipe Tuan 8Robert Helpmann), ministro de asuntos exteriores y decide apoyar la revolución ordenando al ejército regular chino que ataque a la columna de socorro y esto frena el avance del almirante británico Seymour.

Esa escena en la que la Emperatriz recomienda a los embajadores que se vayan en 24 horas es de la que hablo hoy, y reciben esa noticia como salvaguarda para sus vidas.

Os dejo con la mítica escena.

14º Aniversario de My Kingdom for a film.

Hace ya 14 años, tal día como hoy, inauguré este blog en el que hablo sobre cine, películas, cortos, series, escenas míticas, escenas cómicas, estrenos de cine, bandas sonoras, noticias, etc...

Es cierto que cuando inicié esta aventura, con expectativas muy modestas, la cosa era complicada, pero con el paso del tiempo, el trabajo, los posts realizados y demás, la respuesta es bastante sentida y sobre todo se comparten opiniones de todo tipo.

Quiero dar las gracias a todos, a blogeros que son seguidores, comentaristas y lectores, a los no blogeros que también comentan y leen, a los blogeros que sólo leen, a los que sin ser blogeros se hicieron seguidores, a los que no son ni blogeros ni seguidores, pero se pasan a leer o comentar, a aquellos que sólo leen aunque no digan nada, e incluso a aquellos que sólo se pasan a criticar pero educadamente, claro. Y desde luego ya desde el asunto de la pandemia que no fue fácil, ya hemos recuperando bastante aquello de ir al cine, durante un tiempo ha sido difícil, el séptimo arte lo merece y creo que ya estamos en los ritmos de antes.

Aparte de estadísticas, de si te visita más o menos gente, de si hay más o menos comentarios, lo importante es que el cine sigue muy vivo, se siguen haciendo grandes películas, claro que lo necesitamos y aquí vamos comentando sobre lo que un servidor puede ver.

Ben-Hur y Messala también celebran este aniversario ya que son grandes seguidores, la devoción es mútua. Otro año más y parece increíble, hablando de estrenos fulgurantes, noticias, películas, cortos, manteniendo mis viejas secciones de escenas cómicas y escenas míticas, y alguna seminueva como las bandas sonoras míticas, en definitiva un trabajo constante del que estoy muy orgulloso y quería compartir con todos. Además sigue vivo mi viejo blog de música, aún más veterano.

Aún recuerdo el primer post hablando de la película Drive, que me impulsó de manera definitiva a hablar de cine a día de hoy, una de tantas películas que me dejó huella.

Hoy es un día de celebración y quería recordar la película Sopa de Ganso. En 1933 los Hermanos Marx interpretan una de las más delirantes comedias de la historia del cine, Sopa de Ganso, una orgía de humor llena de genialidad a raudales.

La película es una magistral sátira política, que aborda de manera sublime los tejemanejes gubernativos que van unidos a la trama principal, que consiste en que La República Democrática de Freedonia, un pequeño país centroeuropeo, que preside el muy liberal Rufus T. Firefly (Groucho Marx), está amenazada por la dictadura de Sylvania, país de vieja y reconocida solvencia como agresor, y donde se reproducen asuntos de tono surrealista, absurdo y anárquico... sobre el poder, los líderes, la diplomacia, etc... Los encargados de espiarlo son Chicolini y Pinky (Chico y Harpo), que hacen todo lo que pueden pagados por el país rival, para secuestrarlo o robarle las estrategias de guerra.

Dirigidos por Leo McCarey y su ritmo frenético de gags ideados por guionistas de la cuerda de los Hermanos Marx, en otra escena cómica brutal Rufus tiene una conversación con Mrs. Teasdale (Margaret Dumont) una rica viuda que quiere llevárselo a su terreno ya que con el anterior tenía desavenencias. Le pide que siga el ejemplo de su marido, que ya murió, y ella exclama: "estuve con él hasta el final" y Rufs contesta: "no me extraña que falleciera..." para luego alagarla...

Os dejo con la cómica escena.

Le Mage du Kremlin (2025)

El director francés Olivier Assayas dirige El mago del Kremlin, film que adapta la novela de Giuliano da Empoli, y que disecciona las entrañas del poder ruso actual a través de una figura clave en la sombra, la de Vadim Baranov, el álter ego ficticio del estratega Vladislav Surkov. El reparto es de auténtico lujo con Paul Dano en el papel principal de Vadim, Jude Law encarnando a Vladimir Putin, Alicia Vikander como Ksenia, la que fue mujer de Baranov, Tom Sturridge como Dimitri Sidorov o Will Keen que da vida a Boris Berezovsky.

La película está narrada por el propio Vadim, a través de las conversaciones que tiene con Rowland (Jeffrey Wright) un norteamericano al que le va contando su historia.

En medio del caos postsoviético de los años 90, justo después de caer el muro de Berlín, el joven Vadim Baranov empieza a labrarse un camino como artista y productor de televisión. Su elocuencia y conexión con las altas esferas, le llevan a convertirse de la noche a la mañana en el asesor de un ex-agente del KBG y funcionario con un brillante provenir, Vladimir Putin, en la época en la que un Boris Yeltsin decadente y con problemas de salud era un líder débil. Desde las entrañas del poder, la cinta nos relata como entre ambos dan forma a la nueva Rusia, pero donde se difuminan los límites entre la verdad y la mentira.

Este thriller político, que por momentos es vibrante, termina siendo más un ejercicio cerebral aunque algo gélido en general como los paisajes de Rusia, ya que se repasan todos los acontecimientos en los que Putin tuvo que tomar decisiones importantes y su frialdad al abordar muchos de ellos, como el hundimiento del Kursk, la guerra de Chechenia, la Revolución naranja en Ucrania o los Juegos Olímpicos de Sochi, entre otros.

También se mezcla en toda la trama central la vida del propio Vadim, en cómo conoce a Ksenia en su juventud y se enamora de ella, como sufre su pérdida al dejarle por Dimitri Sidorov, la detención de este por pasarse de la raya y convertirse en un oligarca que molestaba a Putin y finalmente como vuelven a juntarse para tener a su hija.

Finalmente el film siempre es concebido como un ensayo sobre como ejerce Putin el poder, y todos los hilos que mueve para llevar a cabo sus planes, que en muchos momentos son definidos como los de la antigua y clásica Rusia de siempre. Es cierto que esa mentalidad rusa, está bastante bien explicada y personas que fueron influyentes e incluso auparon al poder a Putin como Berezovsky, pasarán al ostracismo incluso al exilio por miedo a ser eliminados.

Y ahí es donde creo que el film no se atreve con más, ya que no habla en ningún momento de los rivales políticos de Putin que van desapareciendo y los periodistas críticos que también fallecen asesinados.

Os dejo con el tráiler de este interesante film.

Escenas míticas del cine (DXIX)

James Mangold dirigió en el año 2005 el biopic del gran cantante de la música country y rock Johnny Cash, donde también es muy destacable el papel de la que fue su segunda mujer y compañera en los escenarios la también cantante June Carter, Joaquin Phoenix borda el personaje de Cash, mientras Resse Whiterspoon hace de Carter, trabajo por el que recibió la estatuilla de la Academia de Hollywood. La historia comenzaba en Arkansas, en la época de la Gran Depresión donde John R. Cash es hijo de un aparcero y ya desde esa temprana edad tendrá traumas que le marcarán de por vida, como la muerte de su idealizado hermano mayor, las tensas relaciones con su padre alcohólico, mientras que su madre le inculcaba, curiosamente, la afición por la música. Pronto se hace músico, hace sus primeras grabaciones en la Sun Records no sin problemas, y pronto haría giras salvajes con pioneros del rock and roll como Elvis Presley, Carl Perkins o Jerry Lee Lewis con los que formó el Cuarteto del Millón de Dólares. Un momento clave es el concierto de 1968 en la Prisión de Folsom, con reclusos exaltados y fans del artista, un concierto que es un punto de inflexión y muy bien reflejado en el film.

En una escena mítica Johnny Cash está tocando en el escenario e invita a salir a su mujer June Carter, y tienen una discusión sobre el tema a interpretar, que él quiere que sea un tema antiguo de ella que compuso con su primer marido, pero ella no quiere, imponiéndose el criterio de él.

Os dejo con la escena.

Escenas míticas del cine (DXVIII)

David Lean dirigió en 1984 Pasaje a la India, que es una novela del escrito inglés E.M. Foster. En esta su última película hace una censura sin concesiones a la política que El Imperio Británico ejerció sobre los territorios ocupados, sin caer en la apología nacionalista ni en la perspectiva tendenciosa para canalizar voluntades hacia sus convicciones. Ambientada en la India colonial de los años 20 nos cuenta la historia de Adela (Judy Davis), una joven inglesa acomodada que viaja por la India, en compañía de su futura suegra Mrs. Moore (Peggy Ashcroft), para contraer matrimonio con un magistrado de Chandrapore. La joven está obsesionada por conocer a fondo la realidad del país, y encuentra la oportunidad de satisfacer su deseo gracias al doctor Aziz (Victor Banerjee), un médico hindú. Sin embargo todo se complicará cuando éste organiza una excursión para mostrarle las cuevas de Marabar, allí la película tomará un rumbo totalmente opuesto.

En una escena mítica están todos los citados reunidos junto a Richard Fielding (James Fox) y al profesor Godbole (Alec Guiness) y es cuando el Doctor Aziz les propone esa excursión a las cuavas Marabar. Durante la charla Adela le pregunta al profesor si ha estado en esas cuevas a lo que contesta afirmativamente y las describe...

Os dejo con la escena.

Escenas míticas del cine (DXVII)

Guy Ritchie dirige en 2009 su particular versión de Sherlock Holmes, el más famoso detective creado por la imaginación de Sir Arthur Conan Doyle. Hablamos de un personaje creado en la época victoriana de finales del S. XIX y que destacaba por su inteligencia, su hábil uso de la observación y el razonamiento deductivo para resolver casos difíciles. Y aquí todo eso sigue vivo, pero el director nos muestra a un Holmes, al que da vida Robert Downey Jr., acompañado de su querido Watson (al que interpreta Jude Law), casi convertido en un hombre de acción, que pelea, utiliza la fuerza y es casi más cercano a James Bond pero sin coche, cuyas acciones detectivescas se funden con mucho nervio con la acción más trepidante. Por un lado no pierde la esencia del personaje original, si no que además lo moderniza, de una manera para mi muy acertada. Si que es cierto, que una producción tan costosa, debe llevar implícita diversión para el espectador, pero me parece que está muy bien canalizada, y en mi visionado de ayer disfruté mucho y parecía estar a caballo entre el S. XIX y el S. XXI, dependiendo de la escena.

En una de las últimas escenas Holmes se enfrenta a Lord Blackwood (Mark Strong) hasta que le tiene enganchado con una cuerda y un peso por una de las piernas, mientras le va contando como ha ido ideando todas sus malvadas fechorías, incluso la de salir de su propia tumba.

Os dejo con la escena.

Escenas míticas del cine (DXVI)

En el año 1973, el director George Roy Hill dirige "The Sting", El Golpe, una obra maestra atemporal del cine con dos actores en estado de gracia como Paul Newman (Henry Gondorff) y Robert Redford (Johnny Hooker) a los que daba una réplica bestial Robert Shaw en el papel del mafioso y gángster Doyle Lonegan. La unión de los timadores Gondorff y Hooker para vengar la muerte de un compañero, viejo amigo de ambos, mandado matar por Lonegan, hace de la cinta una maravilla absoluta con escenas imborrables.

Redford y Newman ya habían trabajado años atrás en Dos Hombres y un destino y aquí vuelven a destilar una química muy especial entre ambos. Mucha culpa del éxito del film la tenía un guión soberbio de David S. Ward (daba giros de 180º en cada secuencia) que dio pie a una de las grandes películas de la historia, ya que El golpe pertenece a ese distinguido y escaso club de obras que tras su visionado nos quedamos absolutamente perplejos, pero a la vez con una sonrisa de oreja a oreja por haber visto tal peliculón.

Una de las escenas ya revisada aquí, de las muchas míticas que tiene el film, es cuando Johnny Hooker va a visitar y conocer a Henry Gondorf, pero al llegar se encuentra con Billie (Eileen Brennan) que intenta disuadirle, hasta que se da cuenta de quién es y que viene recomendado por Luther, su amigo asesinado por los matones de Lonegan. Es el momento en el que los dos protagonistas se conocen, Gondorf está de resaca y no es el mejor momento, pero todo comienzo glorioso nunca fue fácil. Pero acto seguido venía otra escena no menos mítica con Gondorf ya recuperado y arreglando el tiovivo tiene una charla con Hooker, que lo que quiere es vengar a su amigo y hudir a Lonegan, pero Gondorff le deja claro que no quiere un loco vengativo que estropee lo que es trabajo de un grupo de gente, que es necesario, además de que le admite tener miedo al mafioso ya que no sólo se trata de limpiarle una buena cantidad de dinero, si no que después hay que guardarse las espaldas.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (DXV)

En 1981 John Carpenter dirige 1997: Rescate en Nueva York en un momento cumbre de su carrera después de títulos como Asalto a la comisaría del distrito 13 (1976), La noche de Hallowen (1978) o La Niebla (1980), estando por llegar una de sus obras maestras La cosa (1982). Según sus propias palabras, el planteamientode la película se le ocurrió después de ver El justiciero de la ciudad de 1974 protagonizada por Charles Bronson, y así lo relataba: "La escribí alrededor de 1974, creo que me inspiré en El justiciero de la ciudad, un film enormemente popular en ese momento. No me gustaba su filosofía, que pregonaba el tomarse la justicia por la propia mano, pero lo quer si me atraía era su visión de Nueva York, como si se tratara de una especie de jungla, y a partir de esa idea me prepuse hacer una película de ciencia ficción".

El film transcurre en el futuro, en 1997 concretamente, cuando el avión del presidente de Estados Unidos es secuestrado por un grupo radical, pero consigue sobrevivir y se encuantra solo en las calles de Nueva York, donde Manhattan se ha convertido en una enorme prisión de alta seguridad. Ante la imposibilidad de lanzar una acción convencional, por miedo a que maten al presidente, se decide enviar a un agente secreto para rescatarlo, y el elegido es "Serpiente" Plissken, al que da vida Kurt Russell, un conocido convicto al que todos daban por muerto.

En una escena mítica está la conversación entre Hauk (Lee Van Cleef) el jefe de policía y Plissken, el primero le propone el trabajo a cambio de liberarle de sus condenas, pero Serpiente es un tipo difícil de convencer, a parte de ser bastante anárquico, y que se acabará convirtiendo en un antihéroe.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CCXXVIII)

Como decía ayer, en 1968 Brian G. Hutton dirige El desafío de las águilas y en el que se nos cuenta como en plena Segunda Guerra Mundial, John Smith, al que da vida Richard Burton, es el jefe de un grupo de élite de los alidados cuya misión es infiltrarse en las líneas enemigas alemanas para rescatar a un General americano, prisionero de los nazis, antes de que le obliguen a hablar sobre el plan de invasión de Normandía. La parte central de dicha operación era acceder a un castillo inexpugnable, pero en realidad el General no es más que un cabo, que en su vida civil es actor y que tiene parecido físico con el General, por lo que el objetivo real de la misión para el Mayor Smith es averiguar qué agente británicos del M16 trabajan para la Alemania nazi y quienes son sus importantes contactos en Gran Bretaña.

El operativo se compone de siete hombres, seis británicos y un americano (Schaffer, al que da vida Clint Eastwood) que son lanzados en paracaídas en las nevadas montañas con uniforme alemán. Se inflitran entre las tropas alemanas que hay en el Cuartel General de la Wermacht, y una vez allí deben escalar hasta el castillo Schloss Addler para rescatar al supuesto General. Cuentan con la ayuda de una mujer que se infiltra en el castillo como trabajadora, consiguiendo armas. Una vez conseguido el objetivo, el plan es salir huyendo y ser rescatados en el aeródromo. Obviamente no todo sale como estaba planeado y hay contratiempos, teniendo momentos de mucho peligro y tensión.

La banda sonora corrió a cargo de Ron Goodwin que hizo un gran trabajo y supo dar a las escenas el acompañamiento apropiado con arreglos orquestales precisos.

Os dejo con el Main title.

Escenas míticas del cine (DXIV)

En 1968 Brian G. Hutton dirige El desafío de las águilas y en el que se nos cuenta como en plena Segunda Guerra Mundial, John Smith, al que da vida Richard Burton, es el jefe de un grupo de élite de los alidados cuya misión es infiltrarse en las líneas enemigas alemanas para rescatar a un General americano, prisionero de los nazis, antes de que le obliguen a hablar sobre el plan de invasión de Normandía. La parte central de dicha operación era acceder a un castillo inexpugnable, pero en realidad el General no es más que un cabo, que en su vida civil es actor y que tiene parecido físico con el General, por lo que el objetivo real de la misión para el Mayor Smith es averiguar qué agente británicos del M16 trabajan para la Alemania nazi y quienes son sus importantes contactos en Gran Bretaña.

El operativo se compone de siete hombres, seis británicos y un americano (Schaffer, al que da vida Clint Eastwood) que son lanzados en paracaídas en las nevadas montañas con uniforme alemán. Se inflitran entre las tropas alemanas que hay en el Cuartel General de la Wermacht, y una vez allí deben escalar hasta el castillo Schloss Addler para rescatar al supuesto General. Cuentan con la ayuda de una mujer que se infiltra en el castillo como trabajadora, consiguiendo armas. Una vez conseguido el objetivo, el plan es salir huyendo y ser rescatados en el aeródromo. Obviamente no todo sale como estaba planeado y hay contratiempos, teniendo momentos de mucho peligro y tensión.

En una escena mítica, Smith intenta contactar con sus jefes en Gran Bretaña, mientras Schaffer intenta mantener a los alemanes a raya a base de ráfagas de tiros, a la vez que empiezan a producirse explosiones...

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (DXIII)

Como decía ayer, en 1982 Paul Schrader dirige Cat People, traducido aquí como El beso de la pantera que era un remake del conocido film de Jacques Tourneur. Aquí Nastassja Kinski interpreta a una mujer llamada Irena Gallier de la raza humana felina, que se convierte en pantera en determinadas situaciones. Un día decide ir desde Canadá a Nueva Orleans a visitar a su hermano Paul Gallier (Malcom McDowell) ya que ambos habían quedado huérfanos tras la muerte de sus padres y allí un hombre del zoo Oliver Yates (John Heard) se queda fascinado con ella y le ofrece un trabajo en la tienda de regalos.

Paul desaparece durante una noche, pero al volver le cuenta a Irena su herencia teriántropa, que consistía en que si un hombre-gato (un teriántropo) se acuesta con un humano, aquel se transforma en pantera y solo puede regresar a su forma humana matando a un humano.

Irena disfruta trabajando junto a Oliver y Alice, hasta que un día presencia cómo la pantera le arranca un brazo a Joe Creigh (Ed Begley Jr.)mientras estaba limpiando la jaula, lo que le provocará la muerte.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CCXXVII)

En 1982 Paul Schrader dirige Cat People, traducido aquí como El beso de la pantera que era un remake del conocido film de Jacques Tourneur. Aquí Nastassja Kinski interpreta a una mujer llamada Irena Gallier de la raza humana felina, que se convierte en pantera en determinadas situaciones. Un día decide ir desde Canadá a Nueva Orleans a visitar a su hermano Paul Gallier (Malcom McDowell) ya que ambos habían quedado huérfanos tras la muerte de sus padres y allí un hombre del zoo Oliver Yates (John Heard) se queda fascinado con ella y le ofrece un trabajo en la tienda de regalos.

Paul desaparece durante una noche, pero al volver le cuenta a Irena su herencia teriántropa, que consistía en que si un hombre-gato (un teriántropo) se acuesta con un humano, aquel se transforma en pantera y solo puede regresar a su forma humana matando a un humano.

La banda sonora corrió a cargo de una estrella en ese momento como Girogio Moroder, que acumulaba en su curríulum músicas como El expreso de medianoche, o American Gigoló y aquí tiene la colaboración de David Bowie con el tema Cat people.

Os dejo con el tema Irena's theme.

Bandas sonoras míticas del cine (CCXXVI)

Como decía ayer, Renato Di Maria dirige este biopic sobre la figura del compositor, cantante, productor y creador inclasificable, Franco Battiatio, el artista siciliano que revolucionó la música italiana gracias a una mezcla única de experimentación, filosofía, espiritualidad y cultura popular. Dario Aita da vida al mítico artista en una actuación realmente impresionante, donde se mimetiza absolutamente con el personaje, al que sabe dar en los momentos clave de su vida personal y profesional un enfoque muy acertado.

El film comienza con un Franco de niño en Sicilia, que sufre un golpe en la nariz jugando al fútbol, y al no poder reparársela se le queda una prominente nariz ya para siempre, para luego ya crecer y convertirse en un icono de la música italiana cuando se traslada a Milán, primero introducido en la vanguardia de la época con unos primeros discos experimentales y muy poco comerciales con sintetizadores, para luego ir cambiando y haciendo temas más comerciales, además de reflejar su espiritualidad y filosofía, que transforman su forma de crear y mirar el mundo.

Battiato fue un niño autodidacta, algo muy bien reflejado en la película, al que su padre nunca comprendió y fue cruel con él, quitándole un piano que le había conseguido su madre, cosa que hizo que Franco desde que dejó Sicilia, no quisiera saber nada de su progenitor, en cambio siempre estuvo muy unido a su madre, la cual murió en 1994, y es ahí hasta donde llega la cinta.

La película nos ofrece pinceladas por los múltiples estilos musicales en los que el artista estuvo implicado, el lado romántico, los inicios experimentales con música electrónica, el rock progrsivo de la década de los 70, el pop filosófico, la música culta o la música étnica.

La banda sonora son sus temas obviamente, a los que Vittorio Cosma con la ayuda de Giuvazza Maggiore han ayudado a seleccionar dentro del film.

Hoy me quedo con el tema Cuccurucucú de su mítico disco de 1981 La voce del padrone.

Franco Battiato: Il lungo viaggio (2026)

Renato Di Maria dirige este biopic sobre la figura del compositor, cantante, productor y creador inclasificable, Franco Battiato, el artista siciliano que revolucionó la música italiana gracias a una mezcla única de experimentación, filosofía, espiritualidad y cultura popular. Dario Aita da vida al mítico artista en una actuación realmente impresionante, donde se mimetiza absolutamente con el personaje, al que sabe dar en los momentos clave de su vida personal y profesional un enfoque muy acertado.

El film comienza con un Franco de niño en Sicilia, que sufre un golpe en la nariz jugando al fútbol, y al no poder reparársela se le queda una prominente nariz ya para siempre, para luego ya crecer y convertirse en un icono de la música italiana cuando se traslada a Milán, primero introducido en la vanguardia de la época con unos primeros discos experimentales y muy poco comerciales con sintetizadores, para luego ir cambiando y haciendo temas más comerciales, además de reflejar su espiritualidad y filosofía, que transforman su forma de crear y mirar el mundo.

Battiato fue un niño autodidacta, algo muy bien reflejado en la película, al que su padre nunca comprendió y fue cruel con él, quitándole un piano que le había conseguido su madre, cosa que hizo que Franco desde que dejó Sicilia, no quisiera saber nada de su progenitor, en cambio siempre estuvo muy unido a su madre, la cual murió en 1994, y es ahí hasta donde llega la cinta.

La película nos ofrece pinceladas por los múltiples estilos musicales en los que el artista estuvo implicado, el lado romántico, los inicios experimentales con música electrónica, el rock progrsivo de la década de los 70, el pop filosófico, la música culta o la música étnica.

Pero otro punto importante del film recae en la singular personalidad del artista que tiene una búsqueda interior en la que se pregunta constantemente ¿quién soy yo?, ese viaje interior solitario sobrevuela toda la duración y en el que se añade que teniendo relaciones nunca estuvo atado a ninguna pareja. La cinta pone el acento en su dimensión espiritual, que se reflejaba mucho en la música que hacía, su constante tensión entre el éxito popular y su propia búsqueda interior, y las relaciones personales del artista, que curiosamente tenía más conexión con las personas que entendían su forma de ver la vida, como una amiga suya casada con otro hombre, que era la que mejor le comprendía. Pero se relata que Battiato tenía muchos amigos y amigas, no era un ser introvertido que vivía alejado del mundo, ni mucho menos.

Os dejo con el tráiler de este muy buen film.

Escenas míticas del cine (DXII)

Dunkerque, dirigida por Christopher Nolan en 2017, y elegida aquí en este espacio mejor película internacional, sigue sobrevolando mi cabeza con escenas imborrables. Se trata de un momento crucial en la Segunda Guerra Mundial en mayo-junio de 1940, donde la Alemania Nazi había invadido Francia y antes Holanda y Bélgica, echando al ejército británico y francés hasta Dunkerque. Allí tuvo lugar uno de los episodios más difíciles de la historia de la Guerra, al tratar de evacuar a esa gran cantidad de soldados, que se encontraban allí acorralados y en una ratonera. La idea de Wiston Churchill de mandar a todas las naves civiles disponibles para ayudar, resultó todo un acierto en un momento donde todo eran problemas. Pero claro, esto podría ser una película bélica sin más si no tuviera de director a Nolan, que además de hacerlo a su manera, por tierra, mar y aire (en tres historias paralelas), lo hace manteniendo el suspense y sin dejar de mostrar el horror, acompañado además por una acertadísima, como casi siempre, banda sonora de Hans Zimmer.

En otra escena mítica mientras intentan seguir saliendo barcos salvando a los soldados, el Comandante Bolton (Kenneth Branagh) divisa a lo lejos unas pequeñas embarcaciones, usa los prismáticos y se emociona, es la ayuda civil pedida por Wiston Churchill y que habían salido de los puertos británicos para ayudar a sacar soldados de Dunquerke, mientras son vitoreados por los solados.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (DXI)

Quentin Tarantino dirigió su sexta película en 2009 llamada Malditos Bastardos, si juntamos las dos partes de Kill Bill en una sola, realmente es un film dividido en dos partes. En el film se nos cuenta una historia en la Francia ocupada por los nazis en la II Guerra Mundial, donde confluyen varios personajes, una joven judía llamada Shosanna Dreyfus (a la que da vida Mélanie Laurent) que al principio presencia la ejecución de su familia por orden del coronel Hans Landa (Christoph Waltz) y que escondida huye a París, donde regentará un cine, la llegada de otro joven soldado alemán convertido en un héroe gracias al mismo cine, espías británicos, americanos, etc., y en medio de ellos, Los Bastardos, un grupo de judíos al servicio de los Aliados, que comanda un norteamericano llamado Aldo Raine (Brad Pitt), cuya única misión es sembrar el pánico, la muerte y la destrucción en las filas del ejército alemán. Los hombres de Raine y una actriz alemana Bridget von Hammersmark (Diane Kruger), que trabaja para los aliados, deben llevar a cabo una misión para hacer caer a los jefes del Tercer Reich. 

El guion es otra locura perpetrada por Quentin Tarantino, capaz de cambiar la misma historia de la guerra, al tiempo que intercala reflexiones en forma de largos diálogos en escenas de acción rápidas y brutales y con un humor negro en muchas ocasiones muy destacado.

En otra escena mítica de este film (que tiene muchas) que se produce en una taberna llamada la Lousiane, en la imaginaria localidad francesa de Nadine, donde la actriz alemana Bridget Von Hammersmark que trabaja para los británicos, pretende entrevistarse con el teniente británico Archie Hicox (Michael Fassbender), acompañada por los Bastardos Hugo Stiglitz (Til Schweiger) y Wilhelm Wicki (Gedeon Burkhard), todos con uniformes de oficiales alemanes, y donde ella pasaría información a los tres hombres. Pero un grupo de soldados alemanes de permiso están de celebración de la paternidad de uno de ellos, y hay un inquisitivo oficial de las SS, Dieter Hellstrom (August Diehl) desbaratarán la cita con resultados nefastos para todos, ya que este oficial alemán descubre la trampa y se da un tiroteo a varias bandas en el que mueren todos los alemanes, el teniente y los dos Bastardos, siendo herida la actriz en la pierna.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (DX)

Mel Gisbson dirige Apocalypto en 2006, su cuarta película como director. Se trata de un film impresionante de principio a fin, en una historia ambientada en la época del Imperio Maya. En unos años en los que los efectos especiales dentro del celuloide eran dominantes ya, el australiano hace una película extraordinaria y de una calidad soberbia, de esas que te hacen vibrar en el patio de butacas y te estremecen, hasta tal punto de identificarte con el protagonista, interpretado de manera tremenda por un hasta entonces desconocido Rudy Youngblood, y su angustiosa escapada de la muerte constante. Pero contando una historia, que no necesita de los adelantos técnicos de última generación para despuntar.

Otro detalle muy importante, es que el dialecto original de los mayas es el que se escucha en la película, cosa que también hizo dos años atrás con el arameo en La Pasión de Cristo la estrella australiana.
Estamos hablando de una época, donde se trataba de sobrevivir y el director nos recuerda que este mundo era muy distinto al nuestro, y los conceptos de crueldad y vivir al límite aquí no tienen el mismo significado que ahora. La violencia es implícita a la vida, y no se concibe la una sin la otra.

Otra escena mítica es la final, donde el protagonista sigue perseguido por dos de sus perseguidores hasta que llegan a la playa y se detienen, cuando ven unas carabelas que han fondeado, son los españoles, que estaban llegando a un nuevo mundo... una escena sin palabras porque no las necesita.

Os dejo con la mítica escena.