Bandas sonoras míticas del cine (CCXV)

Como decía ayer, en 1993 Steven Spielberg dirige Parque Juráisco, después de llevar casi once años sin dirigir nada de Ciencia Ficción desde que rodara E.T. en 1982. El final de la década de los 80 tampoco estaba siendo la mejor época del afamado director y estaba en un momento de transición. Pero el tema de los dinosaurios le atraía desde hacía tiempo, les tenía cariño y de repente a finales de esa década cayó en sus manos el borrador de una novela, que Michael Crichton estaba escribiendo sobre el tema. Se sintió absolutamente fascinado por la idea del escritor (cuyos derechos había adquirido Universal, donde estaba el director, aún antes de que la novela se publicara) que abandonó todo en lo que estaba metido, incluido Urgencias, que acabó reconvertida en serie de televisión, que se hizo cargo del proyecto para su adaptación a imagen real.

Había temores de que la adaptación de la novela no cristalizara como debía, pero Spielberg volvió a sacar su varita mágica y consiguió que fuera un éxito absoluto, al igual que la novela. Fue el retorno del director a el cine de Ciencia Ficción, aventuras y terror donde seguía manteniendo intacto su talento narrativo.

La película trata sobre la clonación de diversas especies de dinosaurios a partir de ADN extraído de mosquitos prehistóricos que en su día bebieron de la sangre de aquellas criaturas antes de quedar atrapados en ámbar. El multimillonario John Hammond (Richard Attenborough) consigue hacer realidad su sueño de clonar los dinosaurios del Jurásico, y crear un parque temático en una isla remota. Antes de abrirlo al público, invita a una pareja de eminentes científicos, Grant (Sam Neill) y Ellie (Laura Dern) y a un matemático, Malcolm (Jeff Goldblum) para que prueben la viabilidad del proyecto. Posteriormente las medidas de seguridad del parque no están preparadas, ni para el instinto de supervivencia de la madre naturaleza, ni para la codicia humana.

Como no podía ser de otra forma el director llamó a su amigo John Williams para componer la banda sonora, realmente inolvidable y mítica.

Os dejo con el Main theme.

Escenas míticas del cine (CDLXXXIX)

En 1993 Steven Spielberg dirige Parque Juráisco, después de llevar casi once años sin dirigir nada de Ciencia Ficción desde que rodara E.T. en 1982. El final de la década de los 80 tampoco estaba siendo la mejor época del afamado director y estaba en un momento de transición. Pero el tema de los dinosaurios le atraía desde hacía tiempo, les tenía cariño y de repente a finales de esa década cayó en sus manos el borrador de una novela, que Michael Crichton estaba escribiendo sobre el tema. Se sintió absolutamente fascinado por la idea del escritor (cuyos derechos había adquirido Universal, donde estaba el director, aún antes de que la novela se publicara) que abandonó todo en lo que estaba metido, incluido Urgencias, que acabó reconvertida en serie de televisión, que se hizo cargo del proyecto para su adaptación a imagen real.

Había temores de que la adaptación de la novela no cristalizara como debía, pero Spielberg volvió a sacar su varita mágica y consiguió que fuera un éxito absoluto, al igual que la novela. Fue el retorno del director a el cine de Ciencia Ficción, aventuras y terror donde seguía manteniendo intacto su talento narrativo.

La película trata sobre la clonación de diversas especies de dinosaurios a partir de ADN extraído de mosquitos prehistóricos que en su día bebieron de la sangre de aquellas criaturas antes de quedar atrapados en ámbar. El multimillonario John Hammond (Richard Attenborough) consigue hacer realidad su sueño de clonar los dinosaurios del Jurásico, y crear un parque temático en una isla remota. Antes de abrirlo al público, invita a una pareja de eminentes científicos, Grant (Sam Neill) y Ellie (Laura Dern) y a un matemático, Malcolm (Jeff Goldblum) para que prueben la viabilidad del proyecto. Posteriormente las medidas de seguridad del parque no están preparadas, ni para el instinto de supervivencia de la madre naturaleza, ni para la codicia humana.

En una escena mítica, la pareja de científicos y el matemático asisten al nacimiento de los dinosaurios a través de los enormes huevos, un momento en el que la vida empieza, y como dice Malcolm "la vida se abre camino".

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CDLXXXVIII)

Ina Weisse dirige en 2019 La audición, un film alemán en el que nos cuenta la historia de Anna Bronsky (Nina Hoss) que es profesora de violín en un instituto de secundaria especializado en educación musical en Berlín. Ella conoce circunstancialmente a Alexander (Ilja Monti), y nota que el joven tiene un talento singular y aunque el resto de sus colegas profesores no lo consideran, Anna quiere ayudarlo y se compromete a hacerlo para la preparación de un examen intermedio, descuidando a su familia, su hijo Jonas, al cual hace competir con un nuevo alumno, y su marido Phillipe. Su colega Christian, con el que tiene una aventura, le convence para que se una a un quinteto, cuando fracasa en un concierto dado por dicho quinteto, la presión se dispara y ella centra toda su atención en su alumno Alexander. Cuando llega el día del examen los acontecimientos son inesperados.

En una buena escena Anna le da clase a Alexander, y él toca y ella le dice que está bien, pero que debe relajarse y que la pieza que toca debe entrar bien en tu cuerpo, por eso le quita el violín y le pide relajarse y luego volver a tocar, mientras tanto, Jonas observa desde la puerta.

Os dejo con la escena.

Escenas míticas del cine (CDLXXXVII)

En 1999 M. Night Shyamalan dirige El sexto sentido en el que nos cuenta la historia del doctor Malcom Crowe, al que da vida Bruce Willis, que es un conocido psicólogo infantil de Philadelphia, que vive obsesionado por el doloroso recuerdo de un joven paciente desequilibrado al que fue incapaz de ayudar. Cuando conoce a Cole Sear (Haley Joel Osment), un aterrorizado y confuso niño de ocho años que necesita tratamiento, ve que se le presenta la oportunidad de redimirse haciendo todo lo posible por ayudarlo. Pero el doctor Crowe, no se espera, y aún peor, no está preparado para conocer la terrible verdad del don sobrenatural de su paciente, cuando empieza a recibir visitas no deseadas de espíritus atormentados, es decir fantasmas de personas que han dejado asuntos pendientes asuntos pendientes al fallecer y que lo visitan buscando la solución. El niño dice que ve gente muerta, su madre no le cree y considera que su hijo está dañado. 

Hablamos de un film que es una excelente muestra de lo que debe ser una película de suspense y de terror.

En una escena mítica, Cole está en clase y el profesor Stanley Cunningham (Bruce Norris) está explicando la historia de la ciudad y pregunta que había en ese mismo edificio donde dan clase 100 años atrás, Cole levanta la mano y dice que ahí ahorcaban a gente, el profesor lo niega, y él sigue diciendo que los condenados lloraban y se despedían de sus familias, al verlos la gente escupía, a lo que el profesor le contesta que el edificio era un tribunal de justicia, y había abogados y legisladores, a lo que Cole dice que esos ahorcaban a los demás. Finalmente el niño le saca que de pequeño al profesor le llamaban Stan el tartaja... repitiéndolo varias veces hasta que le irrita.

Os dejo con la mítica escena.

Mejores escenas cómicas del cine (CXXII)

En 1983 Terry Jones y Terry Gilliam dirigen a los Monty Python en El sentido de la vida, que se trata de un conjunto de episodios que muestran de forma disparatada los momentos más importantes del ciclo de la vida, desde el nacimiento a la muerte, pasando por asuntos como la filosofía, la historia o la medicina, todo tratado con el inconfundible y especial humor de el popular grupo de cómicos ingleses. El prólogo es un corto independiente rodado por Terry Gilliam titulado "Seguros permanentes Crimson".

Precisamente ese corto de introducción era de cinco minutos y se fue a media hora, ya que no había límites, aunque lo redujo a dieciséis minutos.

Estamos en Londres en 1983 y los contables de una empresa de seguros sienten como que son esclavos remando en galeras de un buque y por ello deciden rebelarse y encierran en una caja fuerte a los que mandan, para luego izar el ancla y partir con su edificio como piratas. El plástico que cubre el edificio, al principio, es de la empresa "ACME-Stone clean".

Hay que tener mucha imaginación para conseguir crear un auténtico barco pirata usando objetos de una oficina, así las alas del ventilador del techo se convierten en espadas, los clips son pendientes, los archivadores son cañones, las perchas son ganchos, etc...

Os dejo con la cómica escena.

Escenas míticas del cine (CDLXXXVI)

En 2019 Sebastián Borensztein dirige La odisea de los giles, donde nos cuenta un relato durante la crisis económica de 2001, en Alsina, un pequeño pueblo de la provincia de Buenos Aires. Allí un grupo de amigos y vecinos pierde el dinero que había logrado reunir para reflotar una vieja cooperativa agrícola, y está contado desde el punto de vista de Fermín Perlassi, al que da vida un magnífico Ricardo Darín, un ex-jugador de fútbol, quien junto a su esposa Lidia (Verónica Llinás) maneja un comercio local.

Al poco tiempo descubren que sus ahorros se perdieron por una estafa realizada por un abogado sin escrúpulos y un gerente de banco que contaban con información de lo que se iba a desencadenar en el país, es decir, el famoso corralito. Posteriormente al enterarse de los sucedido, este grupo de vecinos se organiza y arma un minucioso plan con el objetivo de recuperar lo que les pertenece.

En una gran escena, Fermín un día antes de que todo estalle mete el dinero ahorrado en el banco, al día siguiente su mujer mientras él está regando le avisa de algo serio, cuando escucha en la televisión al ministro... le da un mareo.

Os dejo con la escena.

Escenas míticas del cine (CDLXXXV)

En 2018 Yorgos Lanthimos dirige La favorita, película ambientada a principios del siglo XVIII, en la que Inglaterra está en guerra con Francia (algo muy habitual). La reina Anne (Olivia Colman) es débil y ocupa el trono, mientras que su amiga y amante Lady Sarah Churchill (Raquel Weisz) gobierna en la práctica el país en su lugar, debido al precario estado de salud y el carácter inestable de la monarca. Cuando una nueva sirvienta, Abigail Masham (Emma Stone), prima de Sarah aparece en palacio, su encanto seduce a Sarah. Esta ayuda a Abigail, la cual ve una oportunidad para regresar a sus raíces aristocráticas. Como la política ocupa gran parte del tiempo de Sarah, Abigail empieza a acompañar con más frecuencia a la reina. La lucha de las dos primas por los favores de la Reina convierte la corte en otra guerra.

El contexto histórico en el cual se desarrolla la trama es de lo más interesante, porque estamos ante la Guerra de Sucesión Española, pero este hecho transcurre en un segundo plano, ya que el director nos nos decide mostrar esta batalla, sino lo que ocurre dentro de las paredes de palacio. Las intrigas, las conspiraciones, el sexo y el poder están a la orden del día, con las mujeres antes citadas como protagonistas. Hay mucho humor negro dentro del guión.

En una interesante escena juegan con los patos en la corte, y llega Sarah, que habla con Hurley (Nicholas Hoult), que es la oposición a ella, que le recuerda el precario estado de las arcas públicas, a la vez el primer ministro se une a la conversación para hablar del tratado de paz con los franceses.

Os dejo con la escena.

Escenas míticas del cine (CDLXXXIV)

Stanley Kubrick dirigió en 1987 La Chaqueta Metálica (Full Metal Jacket), un film acerca de la preparación de los Marines americanos en la Academia, antes de partir hacia la Guerra de Vietnam y su posterior manera de desenvolverse en la batalla, y todas las circunstancias en las que se ven envueltos.

En esa primera parte de la película, el Sargento mayor Hartman, un personaje interpretado de manera magistral por R. Lee Ermey, los tiene entrenados de una manera brutal para lo que les espera. La primera parte de la película acaba cuando el recluta patoso (Vincent D'Onofrio) mata al Sargento harto de su ninguneo y su mofa constante, delante de sus compañeros, que provocan su cambio de carácter y su locura. Es en la segunda parte cuando se cuenta como estos reclutas se comportan en el campo de batalla en Vietnam. 

Precisamente en esa primera parte los futuros marines sufren desde el principio el carácter duro y mal hablado del Sargento Hartman, insultando a diestro y siniestro, que se refleja en una escena donde tiene estopa física y oral para todos, especialmente impactante es su escena con el Recluta Bufón (Matthew Modine) al que obliga a confesar que dijo algo hasta que lo admite (sobre John Wayne), la represalia es un puño en el estómago de los que duelen de verdad y una soflama hablada de las que humillan y que también hace con el compañero de al lado el Recluta Cowboy (Arliss Howard). Curiosamente R. Lee Ermey no iba a hacer ese papel, de hecho estaba solo como asesor e iba a colaborar en la producción, pero al hacer una prueba de cámara, el perfeccionista director lo tuvo cristalino, ese papel debía hacerlo R. Lee Ermey.

En otra escena mítica de esa primera parte del reclutamiento de los marines, el Sargento Hartman pasa revista a todos, y se da cuenta que la taquilla del Recluta Patoso (Vincent D'Onofrio) está abierta, a lo que contesta que no sabe porqué, entonces pasa a registrar su taquilla, y se da cuenta que hay un donut escondido abajo, "un donut relleno que había pillado en la cantina porque tenía hambre", dice el soldado. El Sargento exclama entonces que el Recluta Patoso no ha sido motivado suficientemente por el resto de la compañía, por lo que decide que a partir de ahí cada vez que él la cague, castigará a sus compañeros, empezando por el donut relleno que le obliga a comerse a él y al resto a hacer flexiones como castigo.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CDLXXXIII)

En 1973 Robert Clouse dirige Operación dragón, una película que convirtió al mítico Bruce Lee en una estrella mundial. El film se desarrollaba en Hong Kong en los 70. Allí el joven Lee es miembro del templo Saolín y experto en artes marciales, pero es reclutado por los servicios de inteligencia británicos para infiltrarse en una operación de drogas, durante un torneo de combates promovido por el jefe de la mafia. El montar esa trama de espionaje fue uno de los grandes aciertos del film, porque le daba a la película ese aire a james Bond, que le alejaba de la tradicional venganza china, es decir, seguía siendo una película de chinos, pero con cosas diferentes. Por si fuera poco, en este film está el mejor Bruce Lee que hemos visto en la gran pantalla, el más rápido, carismático, conjuntando poder físico y mental y siendo un prodigio de técnica. Desafortunadamente Bruce no vería el estreno del film ya que murió el 20 de julio de 1973, estrenándose el film poco después.

Una escena mítica es la instrucción del alumno por parte de Lee, en la que le dice: "No pienses, siente!... Este dedo te está indicando el camino hacia la Luna, si tu atención se concentrase en el dedo habrías perdido toda la gloria celestial".

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CDLXXXII)

En 1983 John Badham dirige Juegos de guerra, en la que nos cuenta la historia de David Lightman (Matthew Broderick), un joven hacker y experto informático capaz de saltarse los más avanzados sistemas de seguridad y de descifrar los más herméticos códigos secretos. Accidentalmente un día conecta su ordenador al del Departamento de Defensa americano, encargado del sistema de defensa nuclear. Mientras piensa que lo que ha encontrado son nuevos juegos de ordenador, David juega con la supercomputadora a las damas, ajedrez y a otroa juegos más intrigantes como la Guerra Termonuclear Global. Así el protagonista desencadena sin querer una situación de peligro difícilmente controlable.

Pero todo tiene un comienzo en una escena mítica y para impresionar a su novia Jennifer (Ally Sheedy), David hackea desde su casa el ordenador de la escuela y cambia sus pésimas notas. Habla con el ordenador e intercambian frases, hasta que por la insistencia de David juegan a la Guerra Termonuclear Mundial, aunque como he dicho antes, él al entrar en el sistema piensa que es una compañía de videojuegos, y su fin es robar algunos.

Os dejo con la mítica escena.

Firebrand (2023)

Karim Aïnouz dirigió en el año 2023 La última reina (Firebrand), un film que está ambientado en la sangrienta corte de los Tudor en la parte final del reinado del infame Enrique VIII de Inglaterra, contado desde el punto de vista de la reina Catalina Parr, la sexta y última esposa del rey y la única de todas que evitó el destierro o la muerte ya que le sobrevivió. Jude Law encarna a Enrique, papel para el que obviamente engordó y sinceramente hizo un extraordinario trabajo haciendo de un villano al que da gusto odiar, mientras que para el papel de Catalina Parr la elegida fue Alicia Vikander que lo hace francamente bien, dando consistencia a un texto que no le hace justicia. Estamos anta una película histórica, pero como viene siendo ya casi una costumbre hay hechos históricos que o bien son mutilados, o simplemente cambiados, lo que se ha dado en llamar "licencias históricas".

En el momento en el que se desarrollan los acontecimientos Enrique ya luce una ostensible cojera a causa de una herida en la pierna sufrida años atrás en una justa, y que por los escasos avances médicos de la época, solo se le aplicaban curas de ungüentos, lo que iba deteriorando el estado de salud del monarca. Por su parte la reina ha hecho suyos a toda la prole de hijos del rey, María de Catalina de Aragón, Isabel de Ana Bolena, Eduardo (de Jane Seymour), etc., con los que se lleva muy bien y los quiere. Catalina Parr es un personaje histórico muy interesante del siglo XVI, a pesar de su prematura muerte a los 36 años, ya que aparte de ser la mujer de Enrique VIII fue la primera mujer que publicó un libro con su propio nombre en inglés y se convirtió durante unos meses en regente de Inglaterra tras la marcha de su esposo a luchar en la guerra. Esto está contado en el film, a veces dando algún rodeo innecesario, pero el problema viene cuando hace sus propias invenciones para ajustarlas a un punto de vista digamos... moderno, no jugando bien sus cartas y siendo en varios momentos bastante poco fiel a los hechos históricos. 

Pero el problema fundamental de la película es que la puesta al día no es para nada novedosa ni rompedora, y se queda plana, solo centrado en el discurso de Parr con un final inventado y la creación de unos nuevos personajes que solo tienen sentido en este siglo XXI. El rey está representado muy alejado de Shakespeare, es odioso, venenoso, repulsivo, adicto al sexo (tenía abundantes relaciones extra-matrimoniales), pero todo ello está llevado por la interpretación de Law que es simple y llanamente brutal, llegando a dar asco, hasta ese punto lo borda.

A pesar de todo esto el film es entretenido, hay buena fotografía, la corte con sus vestidos de época y demás está muy bien dibujada, incluso esas intrigas dentro de la corte, pero el fallo viene en el tercer acto donde todo descarrila con ese final inventado y ese guión que se va por el barranquillo.

Os dejo con el tráiler del film.

Escenas míticas del cine (CDLXXXI)

Christopher Nolan, después del tremendo éxito de El Caballero Oscuro hizo Origen en 2010, una película cuya idea primigenia databa por lo menos de 2001, pero que el mismo director tuvo que madurar para darle una forma más entretenida con la acumulación de experiencia. Aquí nos cuenta la historia de Dom Cobb (Leonardo Di Caprio) que es un experto en el arte de apropiarse, durante el sueño, de los secretos del subconsciente ajeno. Esa curiosa, pero extraña habilidad, le convierte en un hombre muy cotizado en el mundo del espionaje, pero le condena a ser un fugitivo, y por tanto a llevar una vida normal, siempre escapando. Su única oportunidad para cambiar de vida será hacer lo contrario de lo que ha hecho siempre, "la incepción", que consiste en implantar una idea en el subconsciente, en lugar de extraerla. Como es lógico no todo el plan sale bien, desde el momento en que alguien interviene y predice cada uno de sus movimientos, alguien a quien sólo Cobb puede descubrir. El reparto es excepcional, pero hay un personaje en concreto que me resultó muy inquietante por su bipolaridad, el de Mal a la que da vida Marion Cotillard que oscila entre femme fatale y sufrida esposa de Cobb que solo quiere estar con él. El resto del reparto es una consecuencia de la necesidad de entrar en sueños ajenos, por lo que Cobb necesita un equipo integrado por otro personaje muy interesante que es Arthur, al que da vida Joseph Gordon-Levitt que quizás merece más presencia, aunque tiene momentos de mucho lucimiento en el film, y Eames que interpreta un Tom Hardy lleno de carisma (sobre todo en sus críticas a Arthur) y mucho encanto.

Como casi todas las películas de Nolan, esta generó debate sobre el desenlace e incluso sobre la posibilidad de que el director nos hubiera estado tomando el pelo, disfrazando la película de una cosa cuando realmente era otra, habilidad del director que ha practicado más veces y que a mí me pasa constantemente con sus films.

En una escena mítica Cobb está en un sueño y el director explora nuevos recursos como la utilización del ralentí cuando el protagonista cae de la bañera incitado por Arthur para que despierte.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CDLXXX)

Tony Kaye dirige en 2011 El profesor, que tiene como protagonista principal a Henry Bathes, al que da vida Adrien Brody y que llega a un instituto lleno de alumnos problemáticos y con resultados académicos muy bajos. Este profesor posee un auténtico don para conectar con los alumnos, pero él prefiere ignorar su talento. Solo trabaja sustituciones, por lo que nunca permanece bastante tiempo en un instituto como para mantener una relación afectiva con sus alumnos o compañeros. Cuando llega a este instituto, se da cuenta de que la frustrada administración ha conseguido volver totalmente apáticos a los alumnos, y es un lugar donde los profesores agonizan y quienes aún mantienen la ilusión en su trabajo y en su vocación, ven como sus esperanzas en un futuro mejor se ahogan entre sus estudiantes. A pesar de ello y del recibimiento del alumnado, bastante hostil, Henry conectará con ellos, aunque sin dejar que nadie se acerque a su historia. De hecho conseguirá en poco tiempo en un ejemplo a seguir para los adolescentes, logrando una conexión emocional con ellos, con los otros profesores y con una adolescente prostituta a la que recoge en la calle.

En una gran escena, Henry entra en clase y recibe improperios desde el inicio de varios alumnos, a uno lo echa, pero otro exige un folio para hacer la actividad que ha mandado, al final llegan a un acuerdo.

Os dejo con la escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CCXIV)

Como llevo diciendo estos días, en 1976 John Schlesinger dirige Marathon Man que nos cuenta la historia de Babe Levy, al que da vida Dustin Hoffman, un universitario que está haciendo el doctorado en la Universidad de Columbia y que pasa parte de su tiempo libre preparándose para correr maratones. Conoce a Elsa Opel (Marthe Keller), una extraña mujer suiza con la que inicia una relación amorosa. A su vez recibe la visita de su hermano Henry "Doc" (Roy Schreider), y ambas cosas serán la piedra de toque de una muy peligrosa trama en la que Babe se verá angustiosamente atrapado y cuestionando todo lo que creía saber sobre las personas a las que quiere. También vive algo atormentado y obsesionado por el suicidio de su padre veinte años atrás.

Pero el auténtico tema del film es la pervivencia de los nazis en Sudamérica y Norteamérica y los trucos que las naciones supuestamente democráticas tienen con ellos.

La banda sonora corrió a cargo de Michael Small, y pone al servicio del tremendo thriller una música perfecta, enigmática cuando toca, y muy adecuada para cada escena.

Os dejo con el Main title.

Escenas míticas del cine (CDLXXIX)

Como decía ayer, en 1976 John Schlesinger dirige Marathon Man que nos cuenta la historia de Babe Levy, al que da vida Dustin Hoffman, un universitario que está haciendo el doctorado en la Universidad de Columbia y que pasa parte de su tiempo libre preparándose para correr maratones. Conoce a Elsa Opel (Marthe Keller), una extraña mujer suiza con la que inicia una relación amorosa. A su vez recibe la visita de su hermano Henry "Doc" (Roy Schreider), y ambas cosas serán la piedra de toque de una muy peligrosa trama en la que Babe se verá angustiosamente atrapado y cuestionando todo lo que creía saber sobre las personas a las que quiere. También vive algo atormentado y obsesionado por el suicidio de su padre veinte años atrás.

Pero el auténtico tema del film es la pervivencia de los nazis en Sudamérica y Norteamérica y los trucos que las naciones supuestamente democráticas tienen con ellos.

En otra escena mítica, Christian Szell (Laurence Olivier) un criminal nazi apodado El Ángel Blanco (Der Weiße Engel), claramente inspirado en Josef Mengele, que tiene que abandonar su escondrijo en Sudamérica por temor a que los diamantes que él expolió a los judíos le sean a su vez robados, va a ver a un tasador de joyas pero el ayudante le reconoce (es judío) y él intenta hacerse pasar por inglés y se va en cuanto puede. Por la calle otra mujer desde la acera contraria le reconoce claramente, dice ver al Ángel Blanco, pero la toman por loca, hasta que sufre un semiatropello, pero el hombre de la casa de tasación le sigue y le delata, entonces Szell se saca un cuchillo del brazo y le degolla, a la vez que se va a toda prisa en un taxi.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CDLXXVIII)

En 1976 John Schlesinger dirige Marathon Man que nos cuenta la historia de Babe Levy, al que da vida Dustin Hoffman, un universitario que está haciendo el doctorado en la Universidad de Columbia y que pasa parte de su tiempo libre preparándose para correr maratones. Conoce a Elsa Opel (Marthe Keller), una extraña mujer suiza con la que inicia una relación amorosa. A su vez recibe la visita de su hermano Henry "Doc" (Roy Schreider), y ambas cosas serán la piedra de toque de una muy peligrosa trama en la que Babe se verá angustiosamente atrapado y cuestionando todo lo que creía saber sobre las personas a las que quiere. También vive algo atormentado y obsesionado por el suicidio de su padre veinte años atrás.

Pero el auténtico tema del film es la pervivencia de los nazis en Sudamérica y Norteamérica y los trucos que las naciones supuestamente democráticas tienen con ellos.

En una escena mítica, conocida también como "la escena del dentista", Babe es torturado por Christian Szell (Laurence Olivier, muy difícil de reconocer, tenía ya cáncer), un criminal nazi apodado El Ángel Blanco (Der Weiße Engel), claramente inspirado en Josef Mengele, que tiene que abandonar su escondrijo en Sudamérica por temor a que los diamantes que él expolió a los judíos, le sean a su vez robados. Después de que Szell asesine a Doc, un agente secreto del gobierno y hermano de Babe, hace que sus secuaces los secuestren para averiguar que pudo haberle dicho de los diamantes antes de morir, esgrimiendo la famosa frase: ¿están a salvo?. Obviamente Babe no tiene ni idea de nada, ni de lo que Szell le pregunta, ni de la situación.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CCXIII)

Como decía ayer, La delgada línea roja de 1998 es la tercera película dirigida por Terrence Malick, veinte años después de la segunda Días de cielo. El autor de Badlands (1973) compitió con este film con la obra maestra de Steven Spielberg, aquel Salvar al soldado Ryan, siendo ésta última más exitosa en taquilla y premios. Ambas películas se parecían en la digamos etiqueta, iban sobre la Segunda Guerra Mundial y están incluidas dentro del cine bélico, pero la distinción es que el cine de Malick juega en una liga diferente, su visión del mundo es completamente distinta a la de otro cineasta, todo ello con sus cosas a favor y sus cosas en contra. De hecho, hubo actores que querían trabajar con él sin condiciones, una vez se supo que volvía a dirigir después de tanto tiempo, incluso Sean Penn dijo que lo haría por un dólar, y gente de la talla de Nick Nolte, George Clooney o John Cusack ni se lo pensaron.

Sea como fuere, La delgada línea roja centra su mirada en el año 1942, en la batalla de Guadalcanal, en esa Isla en el Pacífico, donde un grupo de hombres de la compañía de fusileros del ejército americano "C de Charlie" combate contra el ejército japonés por la conquista de una estratégica colina. Este batallón forma parte de las tropas que fueron enviadas para relevar a las unidades de infantería de Marina, que estaban agotadas por el combate. Muchas películas han reflejado esta batalla, o historias relacionadas, etc., Pero la mirada del director hace más hincapié en las consecuencias de la guerra en el ser humano, que en la guerra en sí.

La banda sonora fue encargada a Hans Zimmer, que ya por entonces tenía un currículum envidiable, pero pienso que en este film se doctora, musicando de manera sublime todo el metraje, una música estremecedora.

Os dejo con el tema Journey to the line.

Escenas míticas del cine (CDLXXVII)

La delgada línea roja de 1998 es la tercera película dirigida por Terrence Malick, veinte años después de la segunda Días de cielo. El autor de Badlands (1973) compitió con este film con la obra maestra de Steven Spielberg, aquel Salvar al soldado Ryan, siendo ésta última más exitosa en taquilla y premios. Ambas películas se parecían en la digamos etiqueta, iban sobre la Segunda Guerra Mundial y están incluidas dentro del cine bélico, pero la distinción es que el cine de Malick juega en una liga diferente, su visión del mundo es completamente distinta a la de otro cineasta, todo ello con sus cosas a favor y sus cosas en contra. De hecho, hubo actores que querían trabajar con él sin condiciones, una vez se supo que volvía a dirigir después de tanto tiempo, incluso Sean Penn dijo que lo haría por un dólar, y gente de la talla de Nick Nolte, George Clooney o John Cusack ni se lo pensaron.

Sea como fuere, La delgada línea roja centra su mirada en el año 1942, en la batalla de Guadalcanal, en esa Isla en el Pacífico, donde un grupo de hombres de la compañía de fusileros del ejército americano "C de Charlie" combate contra el ejército japonés por la conquista de una estratégica colina. Este batallón forma parte de las tropas que fueron enviadas para relevar a las unidades de infantería de Marina, que estaban agotadas por el combate. Muchas películas han reflejado esta batalla, o historias relacionadas, etc., Pero la mirada del director hace más hincapié en las consecuencias de la guerra en el ser humano, que en la guerra en sí.

En una escena mítica y después de las bombas lanzadas por el apoyo aéreo, es el momento del avance del batallón, y alguno no anda muy bien, pero el Sargento Keck (Woody Harrelson) ordena salir en grupos de diez y pide no avanzar a ráfagas ya que parados son blanco perfecto, por lo que pide correr sin parar. La cámara se adentra junto a los soldados como uno más y describe perfectamente el movimiento de todo el batallón, que se ha dividido en grupos, como el del Capitán Staros (Elias Koteas), cuando se detienen, parece que no ven al enemigo...

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CDLXXVI)

Gabriele Muccino dirige en 2006 En busca de la felicidad, que nos presenta a Chris Gardner, a quien da vida Will Smith, un padre de familia sometido a una gran presión financiera ya que, pese a que su mujer hace doble turno, él intenta vender con muy poco éxito un innovador escáner portátil en cuyas unidades ha invertido todo su dinero con el fin de salir adelante, y no pueden ni llegar a fin de mes ni pagar el alquiler de su piso, ni la guardería de su pequeño hijo Christopher, interpretado por Jaden Smith. Después de muchos intentos de vender el escáner, Chris acaba frente a un edificio de oficinas donde los hombres, todo ellos trajeados, entra y salen sonrientes, montándose en lujosos coches, descubriendo que es una empresa que se dedica a invertir en bolsa, algo para lo que, según le dicen, no hace falta formación específica, solo don de gentes para conseguir inversores.

Su mujer Linda, no aguanta más y se separan, y después de un largo tira y afloja, Chris consigue quedarse con la custodia del niño, a pesar de que por impago les echan del piso. Él se vuelca en conseguir su trabajo en la empresa inversora de bolsa, pero a ese contratiempo de la vivienda se le unirá (cosa con la que no contaba) que deberá superar un curso de un mes, sin sueldo y ser el mejor de los veinte candidatos para obtener el contrato.

En una escena mítica, el jefe de la empresa Martin Frohm (James Karen) le llama al despacho el último día de prácticas, para lo que Chris se ha puesto una bonita camisa, temiéndose que le van a dar una despedida sin vuelta, pero es todo lo contrario, es el elegido, su cara de ojos llorosos lo dice todo, su nerviosismo y luego su salida a la calle festejando para sí su gran logro.

Os dejo con la escena.

Los Oscars 2026.

Este pasado domingo 15 de marzo se ha celebrado la gala de los Oscars en el Dolby Theatre de Los Ángeles, 98º edición, con el cómico y presentador Conan O'Brien, (en su segundo año consecutivo, después de que en los dos años anteriores lo hiciera Jimmy Kimmel) como presentador de la ceremonia. En tiempos de guerra la gala estaba bajo supuesta amenaza de Irán de atacar California con drones, pero se celebró con normalidad y Hollywood se autoreivindicó en días de mirar hacia el futuro pensando en la supervivencia de la industria. Una batalla tras otra de Paul Thomas Anderson fue la película más premiada con seis galardones de los trece a los que optaba, entre ellos mejor película y mejor casting, convirtiéndose en la primera ganadora de esta recién estrenada categoría. Otros ganadores fueron Los Pecadores con cuatro estatuillas, aunque partía con 16 nominaciones (récord absoluto hasta ahora), El Frankestein de Benicio del Toro se llevó tres, Las guerreras K-Pop dos y luego ya repartidos con una All the empty rooms, Avatar: Fire and ash, F1, Hamnet, Weapons, Valor sentimental, etc.,

A sus 30 años Thimotée Chalamet se convirtió en el actor más joven en obtener tres nominaciones interpretativas desde Marlon Brando, y también en la persona más joven en ser nominada tanto por actuación como por producción en el mismo año, superando a Warren Beatty. A los 37 años Emma Stone, nominada a mejor película y mejor actriz, se convirtió en la segunda persona más joven en la historia de los Óscars en acumular siete nominaciones a lo largo de su carrera, después de Walt Disney. Como anécdota también decir que Wagner Moura se convirtió en el primer brasileño nominado a mejor actor y Valor sentimental se convirtió en la primera película noruega en ganar el premio a mejor película internacional, a la que estaba nominada también la española Sirât de Oliver Laxe.

Quizás el momento más político de la noche fue cuando el actor español Javier Bardem salió a presentar el premio de mejor película internacional apelando al No a la guerra y Palestina libre.

Ésta fue la lista de ganadores:

*Mejor Película: UNA BATALLA TRAS OTRA

*Mejor Actor:  MICHAEL B. JORDAN por Los pecadores

*Mejor Director: PAUL THOMAS ANDERSON por Una batalla tras otra

*Mejor Actriz:  JESSIE BUCKLEY por Hamnet

*Mejor Guión original: RYAN COOGLER por Los pecadores

*Mejor Guión adaptado: PAUL THOMAS ANDERSON por Una batalla tras otra

*Mejor Actor de reparto:  SEAN PENN por Una batalla tras otra

*Mejor Actriz de reparto:  AMY MADIGAN por Weapons

*Mejor Diseño de vestuario: KATE HAWLEY por Frankestein

*Mejor Diseño de producción: FRANKESTEIN de Tamara Deverell, Decorados: Shane Vieau   

*Mejor Maquillaje y peluquería: FRANKESTEIN de Mike Hill, Jordan Samuel y Cliona Furey

*Mejor Dirección de Fotografía: SINNERS de Autumn Durald Arkapaw

*Mejor Montaje: UNA BATALLA TRAS OTRA de Andy Jurgensen

*Mejor Sonido: F1 de Al Nelson, Gwendolyn Yates Whittle, Gary Rizzo, Juan Peralta y Gareth John

*Mejor Banda sonora: LOS PECADORES de Ludwig Göransson

*Mejor canción original: Golden de Las guerreras K-Pop, Música y letra por Ejae, Mark Sonnenblick, Joong gyu Kwak, Yu Han Lee, Hee Dong Nam, Jeong Hoo Seon y Teddy Park

*Mejores Efectos visuales: AVATAR: FIRE AND ASH de Joe Letteri, Richard Baneham, Eric Saindon y Daniel Barrett

*Mejor Corto de animación: THE GIRL WHO CRIED PEARLS  de Chris Lavis y Maciek Szczerbowski

*Mejor Película animada: LAS GUERRERAS K-POP de Maggie Kang, Chris Appelhans y Michelle L.M. Wong

*Mejor Corto documental: ALL THE EMPTY ROOMS de Joshua Seftel y Conall Jones

*Mejor Largometraje documental: MR. NOBODY AGAINST PUTIN de David Borenstein, Pavel Talankin, Helle Faber y Alzbèta Karàskovà

*Mejor Cortometraje de ficción: THE SINGERS de Sam A. Davis y Jack Piatt

*Mejor Película de habla no inglesa: VALOR SENTIMENTAL de Joachim Trier por Noruega

*Mejor casting (nuevo): UNA BATALLA TRAS OTRA por Cassandra Kulukundis

Os dejo con un resumen escueto de la gala.