Bandas sonoras míticas del cine (CCXXIII)

Sam Mendes, antes de meterse a dirigir a 007, y después de haber debutado con un éxito arrollador en 1999 con American Beauty, hace Road to Perdition, mal traducido aquí, ya que Perdición es el pequeño pueblo de destino de los dos Michael Sullivan. En inglés se juega con el doble sentido del título, pero aquí directamente pasaron en canoa. Mientras que la perdición a la que alude el título, viene originada por una rivalidad entre el hijo de un poderoso mafioso irlandés y su chico preferido, todo proviniente del cómic de Max Allan Collins y Richard Piers Rayner, del que sale el guión adaptado por David Self.

La historia está narrada por Michael Sullivan Jr. (Tyler Hoechlin), el chaval protagonista, sobre la serie de circunstancias que acabaron con la vida de su padre Michael Sullivan (Tom Hanks), un temido matón a sueldo cuyo jefe, John Rooney (un brutal Paul Newman) era casi un padre para él. Tenemos en realidad la historia de dos padres y sus hijos, y esa eterna dificultad de la comunicación entre las personas que más se quieren. Daniel Craig hace de Connor Rooney, el hijo de John. Pero claro aquí la labor de Mendes, que es un gran director de actores, supongo que sería una gozada para él ver al Paul Newman mayor, con ya 77 años, uno de los grandes, despachar una actuación memorable, en un personaje que aúna ser entrañable y temible al mismo tiempo, cariñoso y a la vez oscuro y tenebroso. 

Por contra y aunque siempre me ha parecido un enorme actor, Tom Hanks está bien, pero tengo un problema con él en esta película, y es que me parece poco creíble, quizás me puede que se me vaya la cabeza a sus anteriores papeles y no me cuadre, pero aquí hace de un asesino implacable y la verdad me cuesta creerlo, este buen chico americano como un frío ejecutor irlandés. Sin embargo Daniel Craig está espléndido, te crees completamente su mirada que te clava de auténtico psicópata. Y luego está Harlen Maguire (Jude Law), el más malo de todos, que se crea, haciéndose el feo, un personaje que es un asesino silencioso pero memorable. Lo único que falla es que no hay un enfrentamiento entre ambos "hijos", pero hubiera sido glorioso. Jennifer Jason Leigh, hace de Annie Sullivan, la mujer de Michael, simplemente está fantástica.

Todo está ambientado en 1931, los años oscuros de La Gran Depresión, tiempos duros donde la mafia irlandesa domina en Rock Island. La Ley Seca sigue vigente y los gánsters siguen, especialmente Al Capone en Chicago, en la cima del poder.

La banda sonora corre a cargo de Thomas Newman, una auténtica delicia que describe perfectamente cada momento del film.

Os dejo con el tema que daba título al film, ese Road to Perdition.

Bandas sonoras míticas del cine (CCXXII)

Robert Zemeckis dirige Náufrago en el año 2000, una obra de arte de película, en la que Chuck Noland (Tom Hanks), un ejecutivo de la empresa multinacional de mensajería FedEx sufre un accidente de avión y se ve apartado de su vida y su prometida, quedando aislado completamente en una isla tropical en medio del Océano Pacífico. Durante cuatro años lucha por su supervivencia, absolutamente solo, aprendiendo técnicas de subsistencia, mientras la dura soledad le va torturando. La actuación es portentosa, a la vez que el director demuestra un virtuosismo detrás de la cámara realmente asombroso.

Cuando Chuck va recogiendo paquetes de FedEx del avión siniestrado, que llegan a la orilla de los que se va sirviendo para curarse heridas, pescar o incluso poder hablar, los utiliza para todo. Una de ellas es una pelota de la marca Wilson, a la que mancha de sangre de una de sus heridas con la mano, y luego le dibuja una cara, y se la pone para acompañarle. Es tal la compañía que le hace que le llama como a una persona y le dice "Wilson". 

La banda sonora fue compuesta por Alan Silvestri, habitual colaborador del director, realmente brillante, adecuada a cada escena del film.

Os dejo con el tema Cast away que daba título al film.

Bandas sonoras míticas del cine (CCXXI)

Como decía anteayer, Christopher Nolan ha hecho una película llamada La Odisea, en la que realmente ha sido valiente haciendo su propia adaptación de una de las historias más conocidas del mundo, La Odisea, un poema de Homero de hace 29 siglos, que se dice pronto. Y francamente después del viosionado de casi tres horas, he de decir que se me ha hecho corta, te mantiene atento durante toda su duración y visualmente me parece un portento. Creo que esta película va a reconciliar a los detractores de este director, con los que son admiradores, entiendo que los pondrá de acuerdo.

Y vuelve a hacer una cosa que es habitual en este director, hacer varias líneas temporales y sin dejar que esto afecte a la narrativa, contando la historia de Odiseo de forma no lineal. 

Tras la guerra de Troya, el legendario Odiseo, también conocido como Ulises (al que da vida un extraordinario Matt Damon) emprende el largo y peligroso regreso a su hogar en Ítaca, donde su esposa Penélope (Anne Hathaway) y su hijo Telémaco (Tom Holland) lo esperan desde hace mucho tiempo mientras resguardan el reino de los numerosos pretendientes que acechan el trono, muchos con planes perversos. Sin embargo, ese camino de vuelta se convertirá en una epopeya legendaria en la que deberá enfrentarse a dioses hostiles y criaturas mitológicas que pondrán a prueba no sólo su ingenio y valentía, si no también su propia humanidad.

Pero nadie se pierde en la manera de contar la historia y como digo, nadie puede dejar de mirar la pantalla, ya que se te cuenta una película de aventuras clásica con monstruos, violencia salvaje, magas y acción continua que solo pide de disfrutes en un butaca y desde luego que lo consigue, recuperando el cine épico de antes y siendo realmente abrumador.

La labor de una tirada de actores extraordinarios es fenomenal, encabezada por un enorme Matt Damon, Anne Hathaway, Robert Pattison (muy bien de villano cobarde), quizás Tom Holland le cuesta un poco, pero está digno, Charlixe Theron, Jon Bernthal y luego la sorpresa de que en ningún momento sale un plano claro del actor que hace de Agamenón, Iddo Goldberg.

En cuanto a la banda sonora Nolan ha vuelto a contar con Ludwig Göransson que ya hizo Oppenheimer con él, y el resultado es de gran nivel, musicando cada momento del film de manera adecuada.

Os dejo con el tema Telemachus.

The Odyssey (2026)

Christopher Nolan ha hecho una película llamada La Odisea, en la que realmente ha sido valiente haciendo su propia adaptación de una de las historias más conocidas del mundo, La Odisea, un poema de Homero de hace 29 siglos, que se dice pronto. Y francamente después del viosionado de casi tres horas, he de decir que se me ha hecho corta, te mantiene atento durante toda su duración y visualmente me parece un portento. Creo que esta película va a reconciliar a los detractores de este director, con los que son admiradores, entiendo que los pondrá de acuerdo.

Y vuelve a hacer una cosa que es habitual en este director, hacer varias líneas temporales y sin dejar que esto afecte a la narrativa, contando la historia de Odiseo de forma no lineal. 

Tras la guerra de Troya, el legendario Odiseo, también conocido como Ulises (al que da vida un extraordinario Matt Damon) emprende el largo y peligroso regreso a su hogar en Ítaca, donde su esposa Penélope (Anne Hathaway) y su hijo Telémaco (Tom Holland) lo esperan desde hace mucho tiempo mientras resguardan el reino de los numerosos pretendientes que acechan el trono, muchos con planes perversos. Sin embargo, ese camino de vuelta se convertirá en una epopeya legendaria en la que deberá enfrentarse a dioses hostiles y criaturas mitológicas que pondrán a prueba no sólo su ingenio y valentía, si no también su propia humanidad.

Pero nadie se pierde en la manera de contar la historia y como digo, nadie puede dejar de mirar la pantalla, ya que se te cuenta una película de aventuras clásica con monstruos, violencia salvaje, magas y acción continua que solo pide de disfrutes en un butaca y desde luego que lo consigue, recuperando el cine épico de antes y siendo realmente abrumador.

La labor de una tirada de actores extraordinarios es fenomenal, encabezada por un enorme Matt Damon, Anne Hathaway, Robert Pattison (muy bien de villano cobarde), quizás Tom Holland le cuesta un poco, pero está digno, Charlixe Theron, Jon Bernthal y luego la sorpresa de que en ningún momento sale un plano claro del actor que hace de Agamenón, Iddo Goldberg.

Nolan es un director que es capaz de lo mejor, aunque a veces ha pecado de pretencioso (en Tenet me volvió un poco tarumba la verdad, demasiado complicada). Pero aquí con un presupuesto amplio, ha hecho lo que era habitual en los años 50, una magna obra que recupera las epopeyas clásicas de antaño tipo Ben-Hur o Espartaco, por poner ejemplos. Pero como toda adaptación es parcial y se toma sus licencias como meter a Helena de Troya con una actriz de color como Lupita Nyong'o, y alguna que otra más.

Pero lo que es innegable es que el presupuesto de este film (se habla de 250 millones de dólares) está muy bien invertido y rentabilizado porque en la pantalla luce y es realmente disfrutable, cosa que se nota desde la primera escena.

 Os dejo con el tráiler de esta gran película.

Escenas míticas del cine (D)

Como llevo diciendo estos días, Bernardo Bertolucci dirige El Último Emperador en 1987, una obra maestra que recibió 9 Óscars de Hollywood. Nos narra como en Pekín, durante 1908, nace una nueva era para la China Imperial, ya que este gran país empieza a sufrir un desmoronamiento. Pu Yi (al que da vida ya de adulto un buen John Lone y de pequeñito Richard Vuu), es un niño de tres años que es arrancado de los brazos de su madre en medio de la noche y conducido hasta la Ciudad Prohibida. Así, sin ser consciente de nada y a una edad muy temprana, Pu Yi es coronado como el último emperador de la legendaria China Imperial, teniendo que vivir recluido dentro del recinto, inaccesible para casi el resto de los mortales. Aquí Bernardo su director, utiliza el género histórico para camuflar una historia personal y subjetiva. 

El guión estaba basado en la propia autobiografía de Pu Yi, que subió al trono a los tres años en noviembre de 1908 y que gobernó en la Ciudad Prohibida hasta abdicar en 1912 con siete años, debido al acoso de las fuerzas republicanas. Por tanto el film narra la convulsionada historia de este último emperador de China, su forma de vida, sus costumbres, su servidumbre y todo el estilo que se llevaba hasta antes de que el imperialismo llegara a su fin. Su vida, sin embargo, estuvo llena de azares, privilegios y transformaciones, que fueron especiales porque hasta 1949 estuvo considerado emperador aún sin realmente ostentar poder alguno, salvo de 1934 a 1945 en Manchuria, conocida por los japoneses como Manchukuo, territorio chino cercano a la frontera con Rusia, que invadieron y en que lo colocaron como regente, pero solamente en apariencia porque las decisiones finales eran tomadas por los nipones. Al perder el dominio verdadero de China continuó viviendo en un lugar conocido como la ciudad prohibida, el palacio imperial, rodeado de muchos súbditos, abundantes eunucos a su mando y un regimiento armado que le protegía. Tuvo de instructor al inglés Reginald Johnson (Peter O'Toole) que le descubrió el mundo occidental al que acabaría adorando.

La historia se cuenta desde dos tiempos que van avanzando progresivamente, en uno estamos en 1949 en la prisión de Fushun, en la que estaría por orden de las autoridades comunistas diez años hasta 1959. En una escena mítica en 1950 en Machuria, se baja del tren junto a muchas más personas, varios le rinden pleitesía, y al sentirse descubierto va al baño a intentar sucidiarse cortándose las muñecas.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CCXX)

Como decía ayer, Bernardo Bertolucci dirige El Último Emperador en 1987, una obra maestra. Nos narra como en Pekín, durante 1908, nace una nueva era para la China Imperial, ya que este gran país empieza a sufrir un desmoronamiento. Pu Yi (al que da vida ya de adulto un buen John Lone y de pequeñito Richard Vuu), es un niño de tres años que es arrancado de los brazos de su madre en medio de la noche y conducido hasta la Ciudad Prohibida. Así, sin ser consciente de nada y a una edad muy temprana, Pu Yi es coronado como el último emperador de la legendaria China Imperial, teniendo que vivir recluido dentro del recinto, inaccesible para casi el resto de los mortales. Aquí Bernardo su director, utiliza el género histórico para camuflar una historia personal y subjetiva. 

El guión estaba basado en la propia autobiografía de Pu Yi, que subió al trono a los tres años en noviembre de 1908 y que gobernó en la Ciudad Prohibida hasta abdicar en 1912 con siete años, debido al acoso de las fuerzas republicanas. Por tanto el film narra la convulsionada historia de este último emperador de China, su forma de vida, sus costumbres, su servidumbre y todo el estilo que se llevaba hasta antes de que el imperialismo llegara a su fin.

La banda sonora estaba compuesta por varios artistas, Ryuichi Sakamoto, David Byrne (que fuera líder de Talking Heads todavía en ese momento) y Cong Su.

Os dejo con dos temas, uno de Ryuichi Sakamoto, el Open the door.

Y otro de David Byrne, el Main Tittle theme.

Escenas míticas del cine (CDXCIX)

Bernardo Bertolucci dirige El Último Emperador en 1987, una obra maestra. Nos narra como en Pekín, durante 1908, nace una nueva era para la China Imperial, ya que este gran país empieza a sufrir un desmoronamiento. Pu Yi (al que da vida ya de adulto un buen John Lone y de pequeñito Richard Vuu), es un niño de tres años que es arrancado de los brazos de su madre en medio de la noche y conducido hasta la Ciudad Prohibida. Así, sin ser consciente de nada y a una edad muy temprana, Pu Yi es coronado como el último emperador de la legendaria China Imperial, teniendo que vivir recluido dentro del recinto, inaccesible para casi el resto de los mortales. Aquí Bernardo su director, utiliza el género histórico para camuflar una historia personal y subjetiva. 

El guión estaba basado en la propia autobiografía de Pu Yi, que subió al trono a los tres años en noviembre de 1908 y que gobernó en la Ciudad Prohibida hasta abdicar en 1912 con siete años, debido al acoso de las fuerzas republicanas. Por tanto el film narra la convulsionada historia de este último emperador de China, su forma de vida, sus costumbres, su servidumbre y todo el estilo que se llevaba hasta antes de que el imperialismo llegara a su fin.

En una escena mítica el Emperador para a su comitiva y dice que va a andar y dice que nunca ha visto a otros niños y le pregunta a uno que si son todos como él, y le contesta que tiene tres hermanas y dos amigos (algo más que el Emperador) y le invita a ir a su casa a jugar con ellos, pero Pu Yi le dice que el Emperador nunca sale de palacio y entonces se inventa un juego, que es correr juntos y toda la comitiva va dando vueltas detrás de ellos... haciendo correr a su séquito por el patio del Palacio.

Os dejo con la escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CCXIX)

Como decía ayer, Tim Burton dirige en 1999 Sleepy Hollow, un famosísimo relato escrito por Washington Irving en 1820 y que forma parte de la cultura popular americana. La historia tiene lugar en un asentamiento holandés situado en el valle de Sleepy Hollow, en la década de 1790. Ichabod Crane, al que da vida Johnny Deep, es un joven y escuálido profesor de escuela que está enamorado de Katrina Van Tassel (Christina Ricci), la hija del hombre más rico de la zona. Esto le enfrenta al rudo Abraham Van Brunt (Casper Van Dien), que también pretende a la joven. Una noche, tras salir muy tarde de una fiesta en casa de los Van Tassel, Ichabod es perseguido por el Jinete sin cabeza, el espectro de uno de esos mercenarios alemanes que lucharon al lado de los ingleses en la guerra de independencia norteamericana y que fue decapitado por una bala de cañón. Al día siguiente Ichabod desaparece y tan solo se encuentra su sombrero junto a los restos de una calabaza. La cuestión era si le persiguió el espectro del jinete sin cabeza o era Van Brunt disfrazado tratando de librarse de su gran rival... Ichabod había sido mandado desde New York para investigar lo de esa leyenda del jinete sin cabeza, ya que tenía sesudos métodos de averiguación.

Tim Burton hizo su propia adaptación, pero a mí personalmente me parece de sus mejores películas y con un elenco tremendo de actores.

La banda sonora estaba a cargo del fiel colaborador de Burton, Danny Elfman, una música realmente excelente y cautivadora.

Os dejo con el Main Tittle de la banda sonora original.

Escenas míticas del cine (CDXCVIII)

Tim Burton dirige en 1999 Sleepy Hollow, un famosísimo relato escrito por Washington Irving en 1820 y que forma parte de la cultura popular americana. La historia tiene lugar en un asentamiento holandés situado en el valle de Sleepy Hollow, en la década de 1790. Ichabod Crane, al que da vida Johnny Deep, es un joven y escuálido profesor de escuela que está enamorado de Katrina Van Tassel (Christina Ricci), la hija del hombre más rico de la zona. Esto le enfrenta al rudo Abraham Van Brunt (Casper Van Dien), que también pretende a la joven. Una noche, tras salir muy tarde de una fiesta en casa de los Van Tassel, Ichabod es perseguido por el Jinete sin cabeza, el espectro de uno de esos mercenarios alemanes que lucharon al lado de los ingleses en la guerra de independencia norteamericana y que fue decapitado por una bala de cañón. Al día siguiente Ichabod desaparece y tan solo se encuentra su sombrero junto a los restos de una calabaza. La cuestión era si le persiguió el espectro del jinete sin cabeza o era Van Brunt disfrazado tratando de librarse de su gran rival... Ichabod había sido mandado desde New York para investigar lo de esa leyenda del jinete sin cabeza, ya que tenía sesudos métodos de averiguación.

Tim Burton hizo su propia adaptación, pero a mí personalmente me parece de sus mejores películas y con un elenco tremendo de actores.

En una escena mítica, los señores del lugar Baltus Van Tassel o el Reverendo Steenwyck le explican a Ichabod quién era y de donde surgió la leyenda del jinete sin cabeza.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CCXVIII)

Tim Burton dirigió en 1988 Bitelchús, una de sus películas más divertidas, libres y sin restricciones regalándonos una cinta carismática a finales de los 80 con uno de esos personajes que ya se quedan para la historia, el que protagonizaba de manera genial Michael Keaton. Si, hablamos de aquel que había que nombrar tres veces para que hiciera un bio-exorcismo, aquel al que le salían serpientes de la cabeza o el que se anunciaba en la tele cual vendedor de coches americanos al canto de "Comeré lo que quiera que coma, cagaré lo que quiera que cague"...

La historia nos habla de un matrimonio de fantasmas Adam Maitland (Alec Baldwin) y Barbara Maitland (Geena Davis) que contrata los servicios de Bitelchús (Michael Keaton), un especialista en asustar mortales, para que ahuyente a los nuevos propietarios de su querida casa Victoriana.

Danny Elfman compuso la banda sonora, colaborador habitual del director, otra joya que acompaña al film perfectamente.

Os dejo con el Main title.

Escenas míticas del cine (CDXCVII)

Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga dirigieron La Trinchera Infinita en 2019, un film basado en hechos reales sobre los personajes llamados topos, gentes que se refugiaron en los hogares familiares durante la guerra civil y el régimen franquista, en este caso centrados en uno de esos casos en concreto, el de Higinio, interpretado por un fantástico Antonio de La Torre y su mujer Rosa a la que da vida una maravillosa Belén Cuesta, que recibió un merecido Goya por el trabajo.

Era este un asunto hasta ese momento poco abordado en el cine español, siempre se han hecho películas acerca de la guerra civil y sus consecuencias, y muchas de ellas con la figura del dictador siempre merodeando, y algunas incluso en tono cómico (La Vaquilla se me viene a la memoria). En este caso concreto que se nos cuenta, Higinio y Rosa llevan pocos meses casados y estalla la guerra, y en el pueblo andaluz donde viven les pilla en zona nacional. Todas las rencillas acumuladas en meses y años salen a la luz, y las venganzas personales se multiplican señalando con el dedo al vecino que no comulga o simplemente al que habló más de la cuenta o hizo algo que causó dolor. Unos se rinden, otros se cambian de bando para sobrevivir, pero los que siguen pensando igual intentan salir adelante.

Los soplos a los soldados o guardias civiles se multiplican y los perseguidos huyen cada uno como puede, y por donde pueden. En el caso concreto de Higinio, concejal del pueblo, se inicia una persecución que le tiene de protagonista, y es aquí, cámara en mano, como los directores con secuencias de vertiginoso ritmo, empiezan el primer tramo, creando en el espectador una sensación de agobio que tiene una puesta en escena muy concisa y potente. Después de librar la muerte de cerca y herido, regresa a casa para recluirse en un agujero que había creado en su propia vivienda, indetectable en los registros.

En la mítica escena final, Higinio después de más de 30 años encerrado sale a la calle de su pueblo, y la luz del sol le ciega, lleva ropa antigua, zapatos de los años 30, todo le es nuevo...

Os dejo con la mítica escena.

Mejores escenas cómicas del cine (CXXIII)

La trayectoria de Javier Fesser como director, después de un magnífico comienzo con Aquel Ritmillo (1995) y El secdleto de la tlompeta (1995) sus dos primeros cortos y sobre todo con el Milagro de P. Tinto (1998), su primer film largo y especialmente recordado haciendo gala de un tremendo y divertido humor, hizo que su carrera fuera por esos derroteros hasta La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón (2003). A partir de ahí vino un cambio con Binta y la gran idea (2004) y sobre todo con Camino (2008), aquel dramón que le dio muchos Goyas al año siguiente. La vuelta en 2014 con Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo hizo pensar que volvía a su lado humorístico. Pero en 2018 en Campeones, no sólo sigue con el humor, sino que lo mezcla con la ternura y ciertas dosis de drama, una mezcla que le salió redonda.

Si que es cierto, que el guión y la historia de este film podrían parecer algo arquetípicas, pero la manera de tratarlo de Fesser hace que te llegue al alma.

El film narra la historia de Marco, interpretado por el gran Javier Gutiérrez, un entrenador profesional de baloncesto, cuyo trabajo es segundo entrenador del Estudiantes, que un día en un partido estalla, dentro de su propia crisis personal, y se enfrenta al primer entrenador en el transcurso de un partido, por la noche se emborracha y tiene un altercado con la policía. El resultado es que se le despide del club, se le retira el carnet de conducir por dos años y se le conmuta la pena de cárcel por 3 meses de trabajos para la comunidad, que la jueza le determina será dirigir a un equipo compuesto por personas con discapacidad intelectual. Él al principio lo llevará mal, pero irá aprendiendo que a esos chicos debe quererlos.

En una escena cómica muy buena, el entrenador les dice que tienen que hacer carrera en línea recta, y después de unas preguntas se ponen a correr, y sólo uno le sigue a él mientras el resto hacen la línea recta exacta y se salen del pabellón.

Os dejo con la cómica escena.

Escenas míticas del cine (CDXCVI)

Como decía el otro día, Roland Emmerich dirige en el año 2000 El Patriota, una buena película ambientada en 1776, en plena Guerra de Independencia entre los colonos de Nueva Inglaterra y las tropas del rey británico Jorge III. En Carolina del Sur, el viudo Benjamin Martin (Mel Gibson) es un heroico soldado en Francia y en la India, que renuncia a combatir para cuidar de sus siete hijos. La pacífica vida de la familia Martin se ve alterada cuando Gabriel (al que da vida Heath Ledger), el hijo mayor, se alista en el ejército, mientras el padre intenta sacar a la prole adelante. Pero, los británicos, al mando del cruel coronel Tavington (Jason Isaacs), llegarán hasta las puertas de su casa poniendo en peligro a toda la familia. Es entonces cuando Benjamin y su hijo encabezan una milicia rebelde contra el poderoso ejército inglés.

En otra gran escena padre e hijo conversan y Gabriel pregunta a Benjamin qué paso en la guerra de los colonos contra los franceses, y le confiesa su responsabilidad en la matanza de franceses y de indios cherokees en Fort Wilderness, porque su hijo le dice que ve como le invitan a beber por lo que allí ocurrió.

Os dejo con la escena.

Escenas míticas del cine (CDXCV)

Roland Emmerich dirige en el año 2000 El Patriota, una buena película ambientada en 1776, en plena Guerra de Independencia entre los colonos de Nueva Inglaterra y las tropas del rey británico Jorge III. En Carolina del Sur, el viudo Benjamin Martin (Mel Gibson) es un heroico soldado en Francia y en la India, que renuncia a combatir para cuidar de sus siete hijos. La pacífica vida de la familia Martin se ve alterada cuando Gabriel (al que da vida Heath Ledger), el hijo mayor, se alista en el ejército, mientras el padre intenta sacar a la prole adelante. Pero, los británicos, al mando del cruel coronel Tavington (Jason Isaacs), llegarán hasta las puertas de su casa poniendo en peligro a toda la familia. Es entonces cuando Benjamin y su hijo encabezan una milicia rebelde contra el poderoso ejército inglés.

En una escena mítica, en la batalla de Camden, donde los colonos cometen un error estratégico al mando de Gates por atacar a los casacas rojas a campo abierto, siendo inferiores en número, Benjamin y su hijo ven desde una ventana como se pierde la batalla, algo que era bastante evidente. Una vez acabada la batalla, Tavington va al cuartel general inglés donde recibe la reprimenda del General Lord Charles Cornwallis (Tom Wilkinson) que le acusa de no seguir sus órdenes e ir por libre.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CDXCIV)

Martin Scorsese dirige en 2010 Shutter Island, un film basado en la novela de Dennis Lehane (autor de Mystic River o Gone baby gone), que es un thriller psicológico y que está ambientada en el verano de 1954 (en plena Guerra Fría), en el que los agentes judiciales Teddy Daniels al que da vida Leonardo DiCaprio y Chuck Aule (Mark Ruffalo) son destinados a una remota isla (Shutter Island) del puerto de Boston para investigar la desaparición de una peligrosa asesina Rachel Solando (a la que interpreta Emily Mortimer) que estaba recluida en el hospital psiquiátrico Ashecliffe, un centro penitenciario para criminales perturbados dirigido por el siniestro doctor John Cawley (Ben Kingsley).

Nada más llegar es patente que los interrogados mienten, y que en la institución mental se ocultan oscuros secretos, además de que la isla esconde algo más peligroso que los pacientes.

El misterio y el suspense están muy bien llevados por el director, incluso cuando uno ya empieza a pensar que las cosas van a girar hacia una determinada dirección, por muy improbable que parezca. El estupendo guión de Laeta Kalogridis, que a veces puede parecer algo desconcertante y disperso tras un primer visionado (este film ha de verse mínimo dos veces), se torna preciso y repleto de matices cuando el espectador sabe lo que va a pasar y se centra en los detalles de una historia que posee mayor número de lecturas de las que uno cree en un principio. El diseño de producción es tan impecable, que le da un toque visual brutal a la cinta.

En una escena mítica Teddy busca a su compañero Chuck y las pistas le llevan al acantilado donde ve un cigarrillo encendido al borde del mismo, mira hacia abajo pensando que podría haber caído y decide emprender el peligroso descenso, consigue llegar abajo y es en entonces cuando la zona se inunda de ratas...

Os dejo con la escena.

Escenas míticas del cine (CDXCIII)

En 1963 Billy Wilder dirige Irma la dulce, en la que nos cuenta la historia de Nestor Patou, un infeliz gendarme al que da vida un genial Jack Lemmon, muy fiel cumplidor de su trabajo y que patrullando por el pintoresco barrio de "Les Halles" conoce a una prostituta a la que detiene en una redada, ella se llama Irma y le da vida Shirley MacLaine. Pero por ella dejará su trabajo, se enfrentará al chulo que la explota, y gracias a un golpe de suerte se convertirá en el nuevo matón del barrio, donde está el mercado de abastos de París. A partir de ahí Nestor será el chulo de ella, vive de ella, mientras que ella le considera su protector y por amor él la deja hacer.

Este film se basaba en un musical de Broadway del que Wilder compró los derechos por una fortuna, para luego hacer lo que quiso, eliminar todos los bailes, se desprendió de las canciones y reescribió toda la historia, haciendo su propio guión.

Comedia tierna que tiene una escena casi en el inicio del film, cuando Nestor entra en el bar de enfrente del prostíbulo, y con su ignorancia pregunta al camarero Moustache (Lou Jacobi) que porqué entran tantas parejas allí, y el camarero le cuenta su visión de lo que es el amor, a la vez que los inquilinos del bar van dejando la propina en la gorra del gendarme, para mantener el ciclo...

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CDXCII)

Stanley Kubrick dirigió en 1987 La Chaqueta Metálica (Full Metal Jacket), un film acerca de la preparación de los Marines americanos en la Academia, antes de partir hacia la Guerra de Vietnam y su posterior manera de desenvolverse en la batalla, y todas las circunstancias en las que se ven envueltos.

En esa primera parte de la película, el Sargento mayor Hartman, un personaje interpretado de manera magistral por R. Lee Ermey, los tiene entrenados de una manera brutal para lo que les espera. La primera parte de la película acaba cuando el recluta patoso (Vincent D'Onofrio) mata al Sargento harto de su ninguneo y su mofa constante, delante de sus compañeros, que provocan su cambio de carácter y su locura. Es en la segunda parte cuando se cuenta como estos reclutas se comportan en el campo de batalla en Vietnam. 

Precisamente en esa primera parte los futuros marines sufren desde el principio el carácter duro y mal hablado del Sargento Hartman, insultando a diestro y siniestro, que se refleja en una escena donde tiene estopa física y oral para todos, especialmente impactante es su escena con el Recluta Bufón (Matthew Modine) al que obliga a confesar que dijo algo hasta que lo admite (sobre John Wayne), la represalia es un puño en el estómago de los que duelen de verdad y una soflama hablada de las que humillan y que también hace con el compañero de al lado el Recluta Cowboy (Arliss Howard). Curiosamente R. Lee Ermey no iba a hacer ese papel, de hecho estaba solo como asesor e iba a colaborar en la producción, pero al hacer una prueba de cámara, el perfeccionista director lo tuvo cristalino, ese papel debía hacerlo R. Lee Ermey.

Los reclutas llegan a Parris Island, centro de reclutamiento de la marina americana, allí nada más llegar van a la peluquería, donde les rapan al cero con maquinilla, mientras suena el Hello Vietnam de Johnny Wright.

Os dejo con la escena.

Escenas míticas del cine (CDXCI)

En el año 2011 Jeff Nichols dirige Take shelter en el que se describe la vida de una familia en una pequeña localidad rural del estado de Ohio, Estados Unidos. Curtis LaForche, al que da vida el siempre genial Michael Shannon, es un operario que tiene una existencia normal junto a su esposa Samantha (Jessica Chastain) y su hija Hannah (Tova Stewart), sordomuda y de unos seis años. Él está atormentado por una serie de terribles y apocalípticas pesadillas por la noche y alucinaciones por el día, y comienza a obsesionarse con la idea de construir un refugio para tornados que proteja a su familia. Tremendo drama psicológico este, gran relato paranoico, con miedos de siempre que aún acucian al hombre moderno de ahora, mostrando cómo una mente frágil se puede descomponer e incluso irse a la locura. Shannon borda el personaje enajenado y con sus tribulaciones de Curtis, mientras que Chastain hace de una madre angelical a la que también clava.

En una escena del film, Curtis juega con su hija, mientras notan que el tiempo está cambiando y es que a lo lejos se están formando tornados serios, es entonces cuando la pareja se mira y concuerdan que el Apocalipsis que él tanto ha soñado ha llegado...

Os dejo con la escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CCXVII)

Como decía ayer, en 1999 M. Night Shyamalan dirige El sexto sentido en el que nos cuenta la historia del doctor Malcom Crowe, al que da vida Bruce Willis, que es un conocido psicólogo infantil de Philadelphia, que vive obsesionado por el doloroso recuerdo de un joven paciente desequilibrado al que fue incapaz de ayudar. Cuando conoce a Cole Sear (Haley Joel Osment), un aterrorizado y confuso niño de ocho años que necesita tratamiento, ve que se le presenta la oportunidad de redimirse haciendo todo lo posible por ayudarlo. Pero el doctor Crowe, no se espera, y aún peor, no está preparado para conocer la terrible verdad del don sobrenatural de su paciente, cuando empieza a recibir visitas no deseadas de espíritus atormentados, es decir fantasmas de personas que han dejado asuntos pendientes asuntos pendientes al fallecer y que lo visitan buscando la solución. El niño dice que ve gente muerta, su madre no le cree y considera que su hijo está dañado. 

Hablamos de un film que es una excelente muestra de lo que debe ser una película de suspense y de terror.

La banda sonora fue compuesta en su totalidad por James Newton Howard, y es una delicia, añadiendo sus matices para el suspense y el terror y donde el piano tiene un papel principal.

Os dejo con el tema Run to the church.

Escenas míticas del cine (CDXC)

En 1999 M. Night Shyamalan dirige El sexto sentido en el que nos cuenta la historia del doctor Malcom Crowe, al que da vida Bruce Willis, que es un conocido psicólogo infantil de Philadelphia, que vive obsesionado por el doloroso recuerdo de un joven paciente desequilibrado al que fue incapaz de ayudar. Cuando conoce a Cole Sear (Haley Joel Osment), un aterrorizado y confuso niño de ocho años que necesita tratamiento, ve que se le presenta la oportunidad de redimirse haciendo todo lo posible por ayudarlo. Pero el doctor Crowe, no se espera, y aún peor, no está preparado para conocer la terrible verdad del don sobrenatural de su paciente, cuando empieza a recibir visitas no deseadas de espíritus atormentados, es decir fantasmas de personas que han dejado asuntos pendientes asuntos pendientes al fallecer y que lo visitan buscando la solución. El niño dice que ve gente muerta, su madre no le cree y considera que su hijo está dañado. 

Hablamos de un film que es una excelente muestra de lo que debe ser una película de suspense y de terror.

En una escena mítica, Cole y Malcom pasean juntos por los pasillos de las aulas y el Doctor le pide al niño que le explique lo que le dijo en el hospital, en ese momento Cole se para y empieza a sentir miedo porque ve gente muerta, obviamente Malcom no ve nada y Cole le explica que es exactamente lo que siente y como se le ponen los pelos de punta...

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CCXVI)

 Como decía ayer, James Vanderbilt dirigió el año pasado Núremberg cuando se cumplen 80 años del mítico juicio a la cúpula nazi derrotada que orquestó el genocidio de los judíos en la II Guerra Mundial. Siempre tenemos presente el film de 1961, aquel Vencedores o vencidos (El juicio de Núremberg) dirigida por Stanley Kramer y precisamente evitando parecerse a aquella que se centraba en los juicios, esta pone el foco justo antes de lo que se iba a celebrar en el enfrentamiento psicológico entre el psiquiatra estadounidense Douglas Kelley, al que da vida Rami Malek, encargado por el ejército norteamericano si los oficiales nazis prisioneros son aptos para ser juzgados por sus crímenes de guerra, siendo su momento más importante con Hermann Göring (al que borda Russell Crowe, que saca el lado más siniestro del personaje) y que era la mano derecha de Hitler y su número 2. La película está basada en el libro 'El nazi y el psiquiatra' de Jack El-Hai.

La labor de Kelley va más allá del estudio de si eran aptos o no para los juicios, realmente en sus informes debe descifrar sus mentes, sobre todo la de Göring. Un tipo que es negacionista del holocausto como defensa, y que intenta incluso llevar a su terreo al psiquiatra, al que acaban poniendo un compañero como ayuda, el Doctor Gustav Gilbert (Colin Hanks) con el que habrá tensiones. Kelley tiene muchas conversaciones con Göring e incluso hará de correo entre él y su esposa Emmy (Lotte Verbeek) a la que tienen viviendo en una casa de manera secreta con su hija.

Göring intenta manipular desde el primer momento al psiquiatra, e incluso convencerle de que es una buena persona, aunque su narcisismo le puede.

Pero el film va más allá e intenta reconstruir todos los cimientos, tensiones y grietas de aquel gran macroevento jurídico internacional que surgió como respuesta al derrocamiento del régimen nazi, y para ello mete el bisturí mostrando de una manera tremenda, hasta que punto el mal puede resultar seductor y hacer ver su falsa bondad.

La banda sonora está compuesta por Brian Tyler y su labor me parece estupenda, ha compuesto unas partituras realmente impactantes y que musican de manera perfecta todo lo que se vive en el film.

Os dejo con el tema Nuremberg End Title.

Núremberg (2025)

James Vanderbilt dirigió el año pasado Núremberg cuando se cumplen 80 años del mítico juicio a la cúpula nazi derrotada que orquestó el genocidio de los judíos en la II Guerra Mundial. Siempre tenemos presente el film de 1961, aquel Vencedores o vencidos (El juicio de Núremberg) dirigida por Stanley Kramer y precisamente evitando parecerse a aquella que se centraba en los juicios, esta pone el foco justo antes de lo que se iba a celebrar en el enfrentamiento psicológico entre el psiquiatra estadounidense Douglas Kelley, al que da vida Rami Malek, encargado por el ejército norteamericano si los oficiales nazis prisioneros son aptos para ser juzgados por sus crímenes de guerra, siendo su momento más importante con Hermann Göring (al que borda Russell Crowe, que saca el lado más siniestro del personaje) y que era la mano derecha de Hitler y su número 2. La película está basada en el libro 'El nazi y el psiquiatra' de Jack El-Hai.

La labor de Kelley va más allá del estudio de si eran aptos o no para los juicios, realmente en sus informes debe descifrar sus mentes, sobre todo la de Göring. Un tipo que es negacionista del holocausto como defensa, y que intenta incluso llevar a su terreo al psiquiatra, al que acaban poniendo un compañero como ayuda, el Doctor Gustav Gilbert (Colin Hanks) con el que habrá tensiones. Kelley tiene muchas conversaciones con Göring e incluso hará de correo entre él y su esposa Emmy (Lotte Verbeek) a la que tienen viviendo en una casa de manera secreta con su hija.

Göring intenta manipular desde el primer momento al psiquiatra, e incluso convencerle de que es una buena persona, aunque su narcisismo le puede.

Pero el film va más allá e intenta reconstruir todos los cimientos, tensiones y grietas de aquel gran macroevento jurídico internacional que surgió como respuesta al derrocamiento del régimen nazi, y para ello mete el bisturí mostrando de una manera tremenda, hasta que punto el mal puede resultar seductor y hacer ver su falsa bondad.

Pero de forma paralela la película narra el complejo pero crucial nacimiento del Tribunal Internacional, con EEUU, Gran Bretaña, Francia y U.R.S.S como componentes, en el que esas cuatro patas no coincidían en cómo castigar a los responsables nazis. El director pone e Robert H. Jackson (Michael Shannon) como la figura que apostó por un juicio justo cuando las presiones políticas eran altas y sobre todo siendo algo nuevo y que no tenía precedentes. Tanto este personaje como el fiscal británico David Maxwell-Fyfe (Richard E. Grant) formaron un dúo que acabó por agrietar la resistencia de Göring, no sólo con un film mostrado en el tribunal sobre los innumerables campos de concentración, sino sacándole la confesión de que seguía siendo un seguidor de Hitler. Göring y los demás encausados fueron condenados a la horca, pero Hermann se suicidó antes con cianuro en la prisión.

Quería destacar también el papel del Sargento Howey Triest (Leo WooDall) que trabaja como intérprete para ayudar a Kelley en las conversaciones con los presos, y que tiene un papel muy aclaratorio en el film.

 

Esta película entronca con la realidad actual, con ese auge renovado de los discursos totalitarios, y en eso quería incidir Kelley, que editó un libro con sus conversaciones con Göring, y que fue un fracaso debido a que en entrevistas decía que también había personajes así en otros países, incluido EEUU, y que se esconde detrás en las sombras.

Os dejo con el tráiler del film.