sábado, 22 de febrero de 2020

Gisaengchung (Parasite) (2019)


Cuando una película de habla no inglesa hace historia en los Óscars, siendo la primera en conseguir mejor película, mejor guion y mejor director, además claro está, de mejor película de habla no inglesa, es porque tiene algo especial, y la surcoreana Parásitos, dirigida por Bong Joon-ho está claro que lo tiene. Mucha era mi inquietud por verla y saber todas las claves por las que esta cinta ha logrado no sólo esos éxitos, sino globos de oro, Palma de oro del Festival de Cannes, Premios Bafta, y otros tantos premios, todos ellos justificados. Es precisamente el genio del director, el que con maestría nos presenta a la familia protagonista, una puesta en escena magistral y utilizando las movimientos de cámara y los pequeños espacios de manera soberbia. Admito que es la primera película que veo de este director, pero aseguro que no será la última.


Pero no sólo deslumbra visualmente, en la manera de colocar a los personajes, de mostrarlos, sino también por la manera de mostrar el conjunto, todo ello a partir de un guion realmente fastuoso, en el que bien es cierto, hay momentos donde se adivina el siguiente paso, pero cuyos giros mediada la película te dejan con la boca abierta. No hay que dejar pasar de que se trata de un film dramático con una gran carga de crítica social, pero donde las emociones y las sensaciones están a flor de piel. Ante todo es un trabajo coral, que es como una sinfonía, donde todos los actores bailan al son de un jefe, que les maneja como un gran director de orquesta, que produce un laberinto de sorpresas, de giros sorprendentes y su estratificación en bloques, provocando en el espectador un impacto tremendo.


Digamos, por así decirlo, que la película tiene una serie de bloques o actos, en el primero se nos presenta a los protagonistas, una familia de cuatro miembros, cuyas penurias para salir adelante en un piso diminuto son enormes. En el segundo acto estarían todas las soluciones que se proponen para salir del atolladero, y se ve que la que toman es la más fructífera, pero con sus riesgos. Serán el tercer acto donde empiecen los problemas y el cuarto donde todos exploten por el sitio más insospechado. Una mezcla de dulzura al inicio con un amargor brutal al final, una mezcla de sabores y tonalidades espectacular, esa fusión de drama y thriller de un alto voltaje.


Es difícil de explicar el cúmulo de sensaciones que experimenté al ver el film, una amalgama de sensaciones, estímulos y pensamientos de tal calibre, que hace sumergirse en la historia de tal forma que sientas muchas de las situaciones que les pasan a los protagonistas, aunque luego con otras te quieres separar y tomar distancia.
Esa relación entre dos familias, una pobre y otra rica, aparentemente diferentes en todo, realmente tienen mucho más en común de lo que parece y su extraña convivencia tiene un final absolutamente inesperado.


Os dejo con el tráiler de este gran film.

domingo, 16 de febrero de 2020

Los Óscars 2020


La gala de este año de los Óscars, edición número 92, ha sido la segunda gala seguida sin presentador y se ciñeron estrictamente a lo cinéfilo y se apoyaron en lo musical, especialmente con la anunciada actuación de Billie Eilish (que homenajeó a Kirk Douglas y Kobe Bryant) y la inesperada del rapero Eminem.
Esta gala vio el triunfo inesperado y glorioso de la película surcoreana "Parasite" que hizo historia, para destacar como un espectáculo musical rendido al pop, con dosis de humor, pero con pocos discursos memorables por parte de los ganadores y menos consignas políticas que de costumbre. Parece que los Óscars se tomaron en serio la petición de Ricky Gervais, que hizo en el arranque de la temporada de premios cuando la gala de los Globos de Oro y recomendó a sus colegas de profesión no dar lecciones de vida y en su lugar "recibir el galardón, agradecerlo y bajarse del escenario".

Bon Joon-ho y su equipo

Sin duda la sorpresa y gran revelación fue Parásitos, la cinta surcoreana que acumuló las siguientes estatuillas, a saber, Mejor película, mejor director, mejor película internacional, y mejor guión original, dejando a la gran favorita para película y director 1917 sin ningún premio importante, sólo menores. Es la primera película de habla no inglesa que consigue tantos galardones importantes. Joker con el Óscar merecidísimo a Joaquin Phoenix salvó la honra, y lo mismo Judy con el Óscar de Renée Zellweger. En cuanto a los actores premiados de reparto les tocó a Brad Pitt por Érase una vez en... Hollywood y Laura Dern por Historia de un matrimonio.

Joaquin Phoenix

En el lado español, muchas eran las esperanzas de Dolor y Gloria de Pedro Almodóvar, que quedó también dinamitada por Parásitos, lo de Antonio Banderas era casi imposible con Phoenix de rival y se quedó vacío también, mientras que la cinta de animación Klaus que partía como favorita se quedó sin premio, que recayó en Toy Story 4.
En cuanto a los premios menores ha estado todo bastante repartido y han sido consuelos para aquellas películas que no han ganado los gordos.

Renée Zellweger & Brad Pitt



Ésta fue la lista de ganadores:


*Mejor Película: PARÁSITOS

*Mejor Actor:  JOAQUIN PHOENIX por Joker

*Mejor Director: BON JOON-HO por Parásitos

*Mejor Actriz:  RENÉE ZELLWEGER por Judy

*Mejor Guión original:  PARÁSITOS de Bon Joon-ho y Han Jin Won

*Mejor Guión adaptado: JOJO RABBIT de Taike Waititi

*Mejor Actor de reparto:  BRAD PITT por Érase una vez en... Hollywood

*Mejor Actriz de reparto:  LAURA DERN por Historia de un matrimonio

*Mejor Diseño de vestuario: JAQUELINE DURRAN de Mujercitas

*Mejor Diseño de producción: ÉRASE UNA VEZ EN... HOLLYWOOD de Barbara Ling

*Mejor Maquillaje y peluquería: EL ESCÁNDALO de Kazu Hiro, Anne Morgan y Vivian Baker

*Mejor Fotografía: 1917 de Roger Deakins

*Mejor Montaje: LE MANS '66 de Michael McCusker y Andrew Buckland

*Mejor Montaje de sonido: LE MANS '66 de Donald Sylvester

*Mejor Mezcla de sonido: 1917 de Mark Taylor y Stuart Wilson

*Mejor Banda sonora: JOKER de Hidur Gudnadottir

*Mejor canción original: (I'M GONNA) LOVE ME AGAIN de Rocketman

*Mejores Efectos visuales: 1917

*Mejor Corto de animación: HAIR LOVE de Matthew A. Cherry

*Mejor Película animada: TOY STORY 4 de Josh Cooley

*Mejor Corto documental: LEARNING TO SKATEBOARD IN A WARZONE (IF YOU'RE A GIRL), de Carol Dysinger

*Mejor Largometraje documental: AMERICAN FACTORY, de Julia Reichert y Steven Bognar

*Mejor Cortometraje de ficción: THE NEIGHBOR'S WINDOW de Marshall Curry

*Mejor Película de habla no inglesa: PARÁSITOS de Corea del Sur


Os dejo con el discurso de Joaquin Phoenix, después de recoger el Óscar a mejor actor principal.

sábado, 8 de febrero de 2020

Judy (2019)


Rupert Goold dirige Judy, un biopic de Judy Garland centrado curiosamente en su época de ocaso, hasta poco antes de su muerte. Renée Zellweger da vida a la mítica actriz y cantante, en una de esas interpretaciones que huele a Oscar desde el minuto uno. A pesar de lo que acabo de decir, el film comienza en el set de rodaje de El Mago de Oz (1938), donde una Judy adolescente (Darci Shaw) es obligada y condicionada a acatar unas normas, durante dicho rodaje por parte de Louis B. Mayer (Richard Cordery). Durante el invierno de 1968, 30 años después del estreno de la película que le dio fama mundial, la leyenda de Garland llega a Londres para dar una serie de conciertos con las entradas agotadas en poco tiempo, a pesar de que su voz y sus fuerzas están bajo mínimos. Es ahí, cuando se sube al escenario, donde salen a la luz sus fantasmas del pasado, que la atormentaron en su época de Hollywood.


Pero hay bastante desconexión entre esos hechos relatados del inicio de su carrera y su final, con los problemas de sus múltiples matrimonios, sus hijos y demás, no demasiado bien hilados ni cohesionados. Esas veces que la película regresa a la adolescencia de la protagonista, sí nos queda claro, que allí surgieron por culpa del estudio su adicción a las píldoras, los trastornos alimentarios, la disfunción sexual e incluso la posible violación de Mayer que queda como muy posible, sin llegar a dar detalles concretos.
Lo que si es cierto, es que la descripción de la vida de la artista es bastante fiel y da una idea de lo complicada que era su día a día, desde la adicción a las pastillas, su eterna inseguridad, la falta de amigos y de una residencia fija (siempre estaba de hotel en hotel) y ese momento que marcó sus años posteriores, donde pasó de ser una pre-adolescente con futuro a una adulta sin transición de por medio.


Pero la película, que tiene un ritmo lento en todo momento, va languideciendo, a la vez que la vida de la protagonista. Eso sí, lo mejor de la película de largo es la interpretación de la Zellweger, que tiene mil detalles y borda el papel. Su ex-marido, al que da vida Rufus Sewell, quiere demostrar que no es una madre apta para sus hijos, por lo que quiere reunir algo de dinero aceptando los conciertos de Londres, donde es tratada de lujo desde el principio en su llegada. Es este el asunto principal del film, y sus recaídas, bien en el alcohol o en la ingesta de pastillas en exceso, lo que hace que algunas de esas actuaciones sean un fracaso.
Ella busca el cariño y comprensión del público, pero solo lo encuentra en una pareja de gays fanáticos, que le ayudarán.


Sea como fuere, este es el típico personaje con muchos problemas, de vida más bien desastrosa, que si es interpretada de vicio, y en este caso es así, por mucho que el film no sea genial, tiene muchas posibilidades de que se lleve la estatuilla a esa interpretación. El problema principal de esta película es que es fría, gris y desoladora.

Os dejo con el tráiler.

jueves, 6 de febrero de 2020

Se nos fue Kirk Douglas.


Con 103 años nos ha dejado el 5 de febrero, este descendiente de familia judía bielorusa, residente en New York, cuyo nombre artístico es Kirk Douglas y cuyo nombre real era Issur Danielovitch Demsky. Desde pequeño destacó en deportes como la lucha libre y en lides actorales, dónde le gustaba dirigir y actuar. Lauren Bacall le introdujo en Broadway, situación que se vio interrumpida por su llamada al ejército en plena Segunda Guerra Mundial. Luego regresó, después de su licenciatura con honores a Broadway, dónde se hizo un nombre importante.
En 1946 actúa en su primer film, "El extraño amor de Martha Ivers" dónde ya deja su sello.
A partir de ahí su carrera es imparable El ídolo de barro (1949), El gran carnaval (1951), 20.000 Leguas de viaje submarino (1954), El loco del pelo rojo (1956), Senderos de Gloria (1957), Los Vikingos (1958), Espartaco (1960), Los héroes de Telemark (1965), El día de los tramposos (1970), La Furia (1978), Saturno 3 (1980), etc., y tantos más jalonan una carrera inolvidable. Nominado en tres ocasiones al Óscar, no fue hasta 1996 cuando subió al escenario para recogerlo, eso si, honorífico a su trayectoria profesional.


El último gran icono masculino de la edad de oro de Hollywood nos ha dejado ya muy mayor y realmente de su generación casi no queda nadie, Olivia de Havilland debe ser la única que sigue viva a día de hoy. Hablamos de un tipo de sólidas convicciones, todo un carácter, actor de mil matices, productor arrebatado, y en definitiva un carisma auténtico del séptimo arte. También ha sido padre de cuatro hijos, uno de ellos Michael, de un nivel extraordinario, dos de ellos, los mayores Michael y Joel de su primer esposa Diana Dill y los otros dos Peter y Eric (este falleció en 2004 de una sobredosis) de su segunda mujer Anne Buydens.


Como una de las situaciones más curiosas, una de sus famosas y grandes actuaciones, por la que recibió su tercera nominación al Oscar como actor principal (pero no fue premiado), fue por El Loco del Pelo Rojo (1956), dirigida por Vincent Minelli, donde interpretaba maravillosamente al mítico pintor holandés Vincent Van Gogh, al lado de Anthony Quinn, quien si ganó la estatuilla como mejor actor secundario, por hacer de Paul Gaughin, teniendo muchos menos minutos de actuación.

Os dejo con una mítica escena donde Vincent escribe a su hermano Theo (James Donald), y le cuenta que en la casa paterna ha encontrado la tranquilidad pintando a la gente del campo y sus paisajes, y se siente en su salsa.

miércoles, 5 de febrero de 2020

Muere José Luis Cuerda.


Este martes 4 de febrero nos ha dejado José Luis Cuerda, un director y productor español muy importante, se ha ido a los 72 años, al sufrir una embolia en el hospital La Princesa de Madrid. Este albaceteño de nacimiento fue generador de un humor muy especial y mezclaba surrealismo con el mundo rural de una manera muy particular. Antonio Resines, actor que ha trabajado mucho con él, lo definió perfectamente: "Cuerda era un cineasta de Champions League, y un enorme escritor, que no se nos olvide".
Como director destacan La lengua de las mariposas (1999), adaptación de un relato de Manuel Rivas, El bosque animado (1987) o la trilogía denominada del "surruralismo" por él mismo y que componían Total (1983, hecha para televisión), Amanece que no es poco (1989, comedia cumbre del cine español) y Así en el cielo como en la tierra (1995). Según él decía era un "retorcimiento de la realidad que sigue siendo realidad".
Yo destaco particularmente también La marrana de 1992 o Los girasoles ciegos de 2008. Su último film de 2018 fue Tiempo después, basado en su propia novela. Comenzó allá por 1982 con Pares y Nones, después de dos trabajos para televisión en 1977. Así mismo para televisión dirigió también la segunda parte de Makinavaja (1997).
Como productor, lo hizo en tres de los primeros films de Alejandro Amenábar, a quien por decirlo así apadrinó, sobre todo en sus tres primeros trabajos, Tésis, Abre los ojos y Los Otros.



Amanece, que no es poco tiene entre sus muchas peculiaridades que es el primer largometraje que rodó en su tierra, así pueblos como Aýna, Liétor y Molinicos acogieron el rodaje, formado parte del itinerario cuyas callejuelas quedaron retratadas en el guión, además de cientos de extras que participaron en la película, que eran de las propias poblaciones.

Os dejo con una escena en la que Ngé Ndomo (Samuel Claxton) intenta hacer entender a Álvarez (Chus Lampreave) la necesidad de tener las llaves para no despertarla cada vez que entraba a la casa, cuando baja, su tío se lo encuentra en las escaleras... y sigue sin acostumbrarse...

viernes, 31 de enero de 2020

La Trinchera Infinita (2019)


Desde hace ya un tiempo tengo pendientes tres películas españolas de 2019, que fueron las que se hicieron con casi todos los premios en la pasada gala de los Goya, y voy empezando a verlas.
Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga dirigen La Trinchera Infinita, un film basado en hechos reales sobre los personajes llamados topos, gentes que se refugiaron en los hogares familiares durante la guerra civil y el régimen franquista, en este caso centrados en uno de esos casos en concreto, el de Higinio, interpretado por un fantástico Antonio de La Torre y su mujer Rosa a la que da vida una maravillosa Belén Cuesta, que recibió un merecido Goya por el trabajo.


Es este un asunto hasta ahora poco abordado en el cine español, siempre se han hecho películas acerca de la guerra civil y sus consecuencias, y muchas de ellas con la figura del dictador siempre merodeando, y algunas incluso en tono cómico (La Vaquilla se me viene a la memoria). En este caso concreto que se nos cuenta, Higinio y Rosa llevan pocos meses casados y estalla la guerra, y en el pueblo andaluz donde viven les pilla en zona nacional. Todas las rencillas acumuladas en meses y años salen a la luz, y las venganzas personales se multiplican señalando con el dedo al vecino que no comulga o simplemente al que habló más de la cuenta o hizo algo que causó dolor. Unos se rinden, otros se cambian de bando para sobrevivir, pero los que siguen pensando igual intentan salir adelante.


Los soplos a los soldados o guardias civiles se multiplican y los perseguidos huyen cada uno como puede, y por donde pueden. En el caso concreto de Higinio, concejal del pueblo, se inicia una persecución que le tiene de protagonista, y es aquí, cámara en mano, como los directores con secuencias de vertiginoso ritmo, empiezan el primer tramo, creando en el espectador una sensación de agobio que tiene una puesta en escena muy concisa y potente. Después de librar la muerte de cerca y herido, regresa a casa para recluirse en un agujero que había creado en su propia vivienda, indetectable en los registros.


Es ahí, donde se establece para todos a partir de ese momento, el escenario de la película. Es un momento de cambio en la historia del pueblo y del país, ya que los que antes mandaban ahora están por debajo y se inicia un sufrimiento terrible. A partir de entonces, se suceden una serie de acontecimientos que irán desgranando la dura vida de los dos, bajando algo el ritmo, pero donde se nos cuenta cómo el paso del tiempo y las situaciones que van sucediendo afectan a la vida del matrimonio. Cuando la pareja parece estabilizada, empieza a resquebrajarse su sólido amor, todo ello ocasionado por los años de confinamiento, algo que afecta al comportamiento de él, que se va volviendo más huraño y desconfiado.


Primero en su casa, luego en el falso hueco de la pared que le hacen en la casa de su padre, Higinio ve pasar la vida ante él, y los años del Franquismo. Va teniendo información de todo lo que va sucediendo, primero la Segunda Guerra Mundial, de quién vence, luego de lo que va pasando en España, mientras que la realidad de su propio país, va perdiendo peso y se desvanece. Mientras, su mujer Rosa cose y cose para sacarlos adelante mientras sigue ocultando a su marido, mintiendo cuando le preguntan por el pueblo. La llegada de un tercer personaje a la familia, altera el relato del paso del tiempo, y el sentimiento de lucha inicial de joven, se va tornando en desgaste y desgana, a parte del síndrome que se va generando en él, que provoca que su salida de la guarida no sea sencilla. Más de 30 años viendo la vida pasar por sus ojos desde un escondite, supone demasiado tiempo, tanto que cuando llega la amnistía en 1969, él sigue con miedo y temor a salir, porque no se lo cree.


En definitiva, un film que transmite en todo momento el tono asfixiante del protagonista y su mujer, primando las emociones de sus personajes con los que te implicas casi sin querer. Y por último una película que tiene un gran cierre, cosa que últimamente hecho en falta en algunas cintas que parece que no se curran los finales.

Os dejo con el tráiler de esta gran cinta llamada La Trinchera Infinita.

jueves, 30 de enero de 2020

Triple (2019)



Gabriel Ochoa Peris dirige este corto llamado Triple. Nos cuenta la historia de una joven y un hombre de mediana edad, que son vecinos, y que hablan en unas escaleras de acceso a una pista deportiva en una típica tarde de verano. La conversación es amena y hablan de muchas cosas, hasta que ella empieza a contar algunas un tanto comprometedoras, a las que él reacciona con asombro, ella sigue hilando e hilando y el sigue alucinando y alucinando... la gente inventando historias es increíble...

Os dejo con el corto.

miércoles, 29 de enero de 2020

Netflix (2019)


Álex Sanz dirige este corto con un tema de bastante actualidad, como es el de mucha gente que en vez de ir al cine, el teatro o a cenar, se queda en casa viendo el canal Netflix, o bien película o bien serie. En este caso concreto estamos con una pareja, interpretados por Teresa Hernando y Jorge López, que están decidiendo que van a ver, y hay indecisiones, que si esta serie, que si esta película..., hasta que la cosa se van poniendo tensa y empiezan los reproches, y sale el tema candente de la relación, todo iba de muy buen rollo... hasta que se tuerce.

Os dejo con el corto.

martes, 28 de enero de 2020

Escenas míticas del cine (CXVII)


Mel Gibson dirige Apocalypto en 2006, su cuarta película como director. Se trata de un film impresionante de principio a fin, en una historia ambientada en la época del Imperio Maya. En unos años en los que los efectos especiales dentro del celuloide eran dominantes ya, el australiano hace una película extraordinaria y de una calidad soberbia, de esas que te hacen vibrar en el patio de butacas y te estremecen, hasta tal punto de identificarte con el protagonista, interpretado de manera tremenda por un hasta entonces desconocido Rudy Youngblood, y su angustiosa escapada de la muerte constante. Pero contando una historia, que no necesita de los adelantos técnicos de última generación para despuntar.
Otro detalle muy importante, es que el dialecto original de los mayas es el que se escucha en la película, cosa que también hizo dos años atrás con el arameo en La Pasión de Cristo la estrella australiana.
Estamos hablando de una época, donde se trataba de sobrevivir y el director nos recuerda que este mundo era muy distinto al nuestro, y los conceptos de crueldad y vivir al límite aquí no tienen el mismo significado que ahora. La violencia es implícita a la vida, y no se concibe la una sin la otra.
Después de escapar de sus captores, este joven de una tribu a la que han arrasado sigue huyendo, en una impresionante escena, en su escapada se encuentra con una cascada, y decide tirarse ante la inminente llegada de sus perseguidores. Ellos no serán menos y se tirarán detrás de él para seguir la persecución, alguno se queda en la cascada...


Os dejo con la mítica escena.

lunes, 27 de enero de 2020

Escenas míticas del cine (CXVI)


En 1983, la primera trilogía de Star Wars se cierra con El retorno del Jedi, dirigida por Richard Marquand. Para ir a Tatooine y liberar a Han Solo que están en manos de Jabba the Hutt, el gánster más temido de la galaxia, tanto Luke Skywalker como la Princesa Leia deben infiltrarse en su guarida para sacarlo de allí. Una vez reunidos, el equipo recluta a tribus de Ewoks para combatir a las fuerzas imperiales en los bosques de la Luna de Endor. 
Mientras tanto, el Emperador y Darth Vader conspirar para atraer a Luke al lado oscuro, pero el joven está decidido a reavivar el espíritu del Jedi en su padre.
En una escena mítica El Emperador, en presencia de Darth Vader, intenta llevar al lado oscuro a Luke con la palabra en primer instancia, pero Luke se resiste y no da su brazo a torcer. Una vez visto que el jedi no se rinde y de haber debilitado a Vader con sus rayos, intenta acabar con Luke con la fuerzas de sus rayos, ante la impasibilidad de su padre, aunque cuando la situación ya se pone límite, Darth Vader ayudará a su hijo y se quitará del medio a Palpatine...


Os dejo con la mítica escena.

domingo, 26 de enero de 2020

Los Premios Goya 2020


Anoche se celebró la gala de la edición número 34 de los Premios Goya. Había varias novedades en la misma, primero un ligero cambio de fechas, una semana de adelanto con la de las últimas ediciones y segundo el escenario, el palacio de deportes José María Martín Carpena de Málaga, en la que Pedro Almodóvar y su película Dolor y Gloria han sido los grandes ganadores, ganando 7 de los 16 premios a los que estaba nominada, incluyendo Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Actor Protagonista para Antonio Banderas. Mientras dure la guerra de Alejandro Amenábar consiguió 5 de las 17 nominaciones (la más nominada), entre ellas el Mejor Actor de Reparto para Eduard Fernández, mientras que la tercera favorita La Trinchera Infinita de Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga solo se llevó 2 de las 15 nominaciones, entre ellas la de Mejor Actriz protagonista para Belén Cuesta.


La gala tuvo como presentadores a Andreu Buenafuente y a Silvia Abril, que repetían con respecto al año anterior. Las galas son siempre largas y tediosas, como todos sabemos, y hay cosas que mejoran con respecto a anteriores ediciones y otras que no.
Buenafuente y Abril vienen de la televisión, y para ellos es fácil meterse al público rápidamente en el bolsillo, aunque el evento tuvo parones y discursos que hacían que el ritmo fuera a tirones, y para que nos vamos a engañar, se me acabó haciendo muy larga y eterna. Como dato, el presidente del gobierno Pedro Sánchez asisitió a la gala.
Las actuaciones de Jamie Cullum mientras salía el homenaje a los fallecidos en 2019, Pablo Alborán (que hizo Sobreviviré de Manzanita) y Amaia.


Aquí está la lista de ganadores:



*Mejor película: Dolor y Gloria


*Mejor dirección: Pedro Almodóvar por Dolor y Gloria


*Mejor interpretación femenina protagonista: Belén Cuesta por La trinchera infinita


*Mejor interpretación masculina protagonista: Antonio Banderas por Dolor y Gloria


*Mejor interpretación femenina de reparto: Julieta Serrano por Dolor y Gloria


*Mejor interpretación masculina de reparto: Eduard Fernández por Mientras dure la guerra


*Mejor actriz revelación: Benedicta Sánchez por Lo que arde


*Mejor actor revelación: Enric Auquer por Quien a hierro mata


*Mejor guión original: Pedro Almodóvar por Dolor y Gloria


*Mejor guión adaptado: Benito Zambrano, Daniel Remón y Pablo Remón por Intemperie


*Mejor dirección novel: Belén Funes por La hija de un ladrón


*Mejor película Iberoamericana: La odisea de los giles (Argentina)


*Mejor película europea: Los miserables (Francia) de Ladj Ly


*Mejor película de animación: Buñuel en el laberinto de las tortugas de Salvador Simó


*Mejor música original: Alberto Iglesias por Dolor y Gloria


*Mejor canción original: Intemperie de Javier Rubial por Intemperie


*Mejor dirección de producción: Carla Pérez de Albéniz por Mientras dure la guerra

*Mejor montaje: Teresa Font por Dolor y Gloria


*Mejor dirección de fotografía: Mauro Herce por Lo que arde


*Mejor dirección artística: Juan Pedro de Gaspar (Repite) por Mientras dure la guerra


*Mejor diseño de vestuario: Sonia Grande por Mientras dure la guerra


*Mejor maquillaje y peluquería: Ana López-Puigcerver, Belén Puigcerver y Nacho Díaz por Mientras dure la guerra

*Mejor sonido: Iñaki Díez, Alazne Ameztoy, Xanti Salvador y Nacho Royo-Villanova por La Trinchera Infinita


*Mejores efectos especiales: Mario Campoy e Iñaki Madariaga por El hoyo


*Mejor película documental: Ara Maalikian una vida entre las cuerdas de Nata Moreno


*Mejor cortometraje de ficción: Suc de Síndria de Irene Moray


*Mejor cortometraje de animación español: Madrid 2120 de Paco Sáez y José Luis Quirós


*Mejor cortometraje documental español: Nuestra vida como niños refugiados en Europa de Silvia Venegas

*Goya de Honor: Marisol


Os dejo con un resumen de la gala.

viernes, 24 de enero de 2020

Malasaña 32 (2020)


Albert Pintó dirige este film de terror titulado Malasaña 32, un film que recoge muchos de los tópicos y clásicos del cine de terror y con un gran componente castizo, no sólo por el barrio de Madrid en el que se desarrollan los hechos, sino también por la época y su ambientación muy lograda, 1976. Si que es cierto, que la película da miedo, pero igualmente lo es también la previsibilidad del susto que se viene encima, es decir, alarga mucho la secuencia, entonces sabes lo que va a ocurrir, y cuando llega el momento ya te ha pasado el subidón.


El film, después de la primera escena de la canica de los chavales cuatro años antes, gana interés cuando se nos cuenta la historia, la de Manolo y Candela, una pareja que se instalan en el barrio de Malasaña, concretamente en el número 32 de la calle Manuela Malasaña, junto a sus tres hijos y el abuelo Fermín, huyendo del pueblo y buscando prosperidad, la que les ofrece la capital de un país en plena transición política y que deja atrás la dictadura. El problema viene, cuando extraños fenómenos empiezan a suceder en la casa, es cuando la familia Olmedo sufre la presencia de alguien en la casa.


Pero en el año 1976, el país está en un momento extraño, ya que después de la muerte del dictador hay una época de estancamiento o tiempo muerto, por así decirlo, y esa sensación está en la película, aunque no se alude directamente a ella, es como si se sintiera. Y claro, eso se mezcla perfectamente con la vida de este matrimonio, que tiene una historia detrás, y poniendo a parte la historia del piso y sus sorpresas, revela el verdadero motivo de la marcha de ellos de la zona rural a la urbana.
Pero a partir de ahí, empiezan a suceder los hechos misteriosos en la casa, y en ese momento es donde se tira mucho de clichés, puertas que se abren y se cierran solas, mecedoras que se balancean solas, las notas que van en la cuerda de la ropa y que alguien escribe desde el otro lado, el siniestro show televisivo, etc...


Curioso, muy curioso el personaje del abuelo (al que da vida José Luis de Madariaga), que parece saber más de lo que dice. Pero aún más el de la Señora Dávalos, a la que da vida Concha Velasco, que está soberbia, y el de su hija, que sufre de parálisis. El director no profundiza más en los dos primeros personajes, a los que no les da el protagonismo que merecen, aunque sí en la parte que será el desencadenante de los hechos finales. Pero el director tiene claro que lo siniestro domina la cinta, y va acelerando el paso hasta la resolución final.
Begoña Vargas y Sergio Castellanos son actores jóvenes que prometen, mientras que el personaje de Javier Botet también esconde algo, aunque no se indaga mucho sobre él.


En definitiva, Malasaña 32 no va a ser el revitalizador del género con un punto y aparte, pero hace pasar un "buen rato" en la butaca y tiene momentos de buen acabado visual, y se nota el  esfuerzo constante del equipo.

Os dejo con el tráiler del film.

miércoles, 22 de enero de 2020

Escenas míticas del cine (CXV)


En 1983, la primera trilogía de Star Wars se cierra con El retorno del Jedi, dirigida por Richard Marquand. Para ir a Tatooine y liberar a Han Solo que están en manos de Jabba the Hutt, el gánster más temido de la galaxia, tanto Luke Skywalker como la Princesa Leia deben infiltrarse en su guarida para sacarlo de allí. Una vez reunidos, el equipo recluta a tribus de Ewoks para combatir a las fuerzas imperiales en los bosques de la Luna de Endor. 
Mientras tanto, el Emperador y Darth Vader conspirar para atraer a Luke al lado oscuro, pero el joven está decidido a reavivar el espíritu del Jedi en su padre.
En una escena mítica El Emperador, en presencia de Darth Vader, intenta llevar al lado oscuro a Luke con la palabra, pero Luke se resiste y no da su brazo a torcer. Las artimañas del malvado Emperador, sólo han comenzado...


Os dejo con la mítica escena.