En 1995 Michael Mann dirige Heat, una película cuyo mayor reclamo sería ver por primera vez juntos en rodaje y escenas a Al Pacino y Robert de Niro, que coincidieron en El Padrino II en el reparto, pero no grabaron juntos. Esta es la primera película de la trilogía urbanita de Mann que luego completaría con Collateral y Corrupción en Miami (el film). Aquí Neil McCauley (Robert de Niro) es un experto ladrón cuya filosofía consiste en vivir sin ataduras ni vínculos que puedan constituir obstáculos, si las cosas se complican. Su banda la forman criminales profesionales muy cualificados, que impresionan al detective Vincent Hanna (Al Pacino), un hombre obsesionado con su trabajo que incluso llega a poner en riesgo su vida sentimental. Chris Shiherlis (Val Kilmer) y Michael Cheritto (Tom Sizemore) son los hombres de confianza de Neil, con los que traza y ejecuta el que espera que sea su último golpe antes de desaparecer.
En una escena brutal, la banda ejecuta el robo al banco, pero la policía es avisada a tiempo por un soplón y logran interceptarles cuando están sacando el dinero del banco, produciéndose un tiroteo espectacular.
Julian Schnabel dirige este biopic sobre la figura del pintor holandés Vincent Van Gogh, realizado en 2018. Como todo el mundo sabe, o debería saber, ya se hizo una primera película acerca de este enorme pintor al que daba vida Kirk Douglas (El loco del pelo rojo, 1956) y por el que el actor fue nominado al Oscar, y que tenía como compañero de reparto a Anthony Quinn (al que si dieron el Óscar como mejor actor de reparto) en el papel de Paul Gaughin, el que fue su mejor amigo. En esta revisión de la figura del artista es Willem Dafoe quien se encarga del papel de Vincent Van Gogh, es una actuación realmente importante, mientras que Oscar Isaac da vida a Paul Gaughin.
El enfoque del film es evidentemente muy distinto al de aquella primera película, ya que este director es pintor y quizás por eso, su enfoque es más técnico y se centra en su proceso creativo y en cierta manera en sus problemas mentales que le influían a la hora de pintar, aunque aporta poco nuevo que no se sepa de su biografía.
Schnabel está irregular, pero se esfuerza y hace un trabajo encomiable, de hecho su director de fotografía Benoît Delhomme está soberbio, ya que consigue un tratamiento plástico con un uso de la luz, el color y las texturas maravilloso, así la experiencia audiovisual plasma mejor en pantalla los detalles y muy particulares peculiaridades de su autor, como dibujaba con el lienzo. Pero todo esto se mezcla con una narrativa muy errática, que provoca falta de ritmo y en momentos bastante desesperante, lo que hace fracasar al conjunto por desgracia.
Las escenas digamos psicodélicas en las que Van Gogh divaga, son difíciles de digerir, con textos repetidos una y otra vez y la música con notas de piano repetitivas. Pero se me antoja que en realidad la película quiere ser más, quiere ser diferente y provocativa, tiene delirios de grandeza y se acaba quedando en una película insulsa. Cortes abruptos, voces en off abrasivas, el excesivo meneo de esa cámara libre que acaba mareando, hacen que este trabajo me deje una sensación rara y desde luego inferior al de aquella obra maestra del 56.
En cuanto al reparto, es lo más solvente de la película. Un Dafoe entregadísimo, que da mucho empaque al verdadero protagonista, me gusta mucho su mirada de ido pero que esconde genialidad, Oscar Isaac perfecto en su Gaughin, un Mads Mikkelsen soberbio en su tremenda escena, o una Emmanuelle Seigner que sigue estando admirable a su edad. Desde luego lo mejor del film es cuando Willem Dafoe da rienda suelta a su talento y va libre, sin ataduras, ahí se ve hasta donde podía haber llegado este film.
Dany Boon dirige y es uno de los protagonistas de esta comedia genial de 2008. Phillipe Abrams (Kad Merad) es el encargado de una oficina de correos en una cuidad al Sur de Francia, que está desesperado porque le destinen a la Costa Azul ya que los episodios depresivos de su mujer Julie convierten su vida en un infierno. Pero hace trampas y es castigado, destinándole a una ciudad al Norte, llamada Bergues, en contra de su voluntad. Bergues es un pueblo que linda casi con la frontera de Bélgica, un lugar supuestamente inhóspito y con un clima muy frío, y en el que sus habitantes hablan con un dialecto raro e incomprensible llamado "ch'tmi". Así, Phillipe al principio se va sólo, y con bastante pesimismo sobre sus dos años en ese destino.
Al principio tiene que aprender como es la vida allí, pero congenia con sus compañeros de trabajo de manera increíble y es aceptado de manera tremenda, hasta tal punto que es uno más de ellos. Las situaciones se vuelven desternillantes, y hacen levantar el ánimo a cualquier espectador deprimido.
En una de esas escenas cómicas Antoine y Phillipe van borrachos en bici y Phillipe se salta un stop, por lo que la policía le persigue hasta que se da un trompazo con una terraza llena de gente.
La cuarta entrega de Mad Max en 2015 me dejó realmente satisfecho en su día, pude asegurar entonces que había un antes y un después de haber visto esta obra maestra. George Miller consiguió que el público que asiste a ver su trabajo saliese flipando en colores, descolocado, aturdido, pero con una sonrisa en la cara, como si hubieras asistido a un fiestón. Pero claro, no olvidemos una cosa fundamental, nos encontramos ante una película básica y visceral, que no sólo mantiene sino que eleva a la máxima potencia esas coordenadas referenciales de sus predecesoras, es decir, el apocalíptico y postnuclear futuro que nos presenta.
Fury Road, bajo un brillantísimo despliegue de desguace motorizado, tubos de escape tuneados, V8 que corren que se las pelan y demás, construye un entramado de personajes profundos, motivaciones con sentido y, sí, cosas para pensar, porque aquí hay de todo, feminismo, misoginia e intento de priorizar una estirpe, todo ello mezclado en una montaña rusa de sensaciones, escenas trepidantes que no dan descanso al espectador y una puesta en escena, que es tan abrumadora que sólo cabe aplaudir al director por su esfuerzo incansable en llevar adelante el proyecto (con todos los problemas que hubo en el rodaje). Tom Hardy, Charlize Theron y Nicholas Hoult son los protagonistas principales, dentro de un gran reparto.
La banda sonora corre a cargo de Tom Holkenborg aka Junkie XL, un Dj y productor que hizo una música que cuadraba perfectamente con la historia.
En 1988 Clint Eastwood dirige y produce Bird, el biopic sobre Charlie Parker, al que da vida un magnífico Forest Whitaker. Aquí se narra la corta pero intensa vida de este mítico saxofonista considerado uno de los mejores intérpretes del saxofón alto y padre del bebop junto a Dizzy Gillespie. Nacido en Kansas City, ya desde joven destaca y su fama se desata en su llegada a New York en 1940. Toda esa fama no es bien digerida por la persona, que comienza a abusar del alcohol y las drogas, por lo que su vida se acaba convirtiendo en un infierno.
En la escena inicial de la película y mientras salen los créditos se ve al joven Charlie que ya toca el saxo por casa, y una de sus actuaciones en un club neoyorkino donde hace un solo espectacular que jalean sus músicos.
Sam Peckinpah dirigió Grupo salvaje en 1969, un western muy violento y que deslumbró en su día a medio mundo, escandalizando al otro medio. La orgía de violencia descrita en el film, ya desde su impresionante escena inicial, hablamos de una cinta de 4 horas de duración original, que se redujo a dos horas y veinte minutos. Pero una de las decisiones perfectas del director, fue quien encarnaría el personaje principal de Pike Bishop, que estaba enfocado para Lee Marvin, quien acabó dejando el papel que llegaría a William Holden, que no estaba ya en sus momentos gloriosos de galán de Hollywood y pasaba por una época personal complicada con problemas de alcohol. Bishop es un pistolero, asesino, vive para robar e incluso matar gente inocente si es necesario, pero en su mirada madura y experta hay un guiño a la esperanza, todavía quiere ser buena persona.
En la mítica escena inicial, Bishop y sus hombres entran a robar en las oficinas del ferrocarril del sur de Texas, pero detectan que les esperan armados en las azoteas de los edificios cazadores de recompensas a la salida, comandados por Thornton (Robert Ryan). El tiroteo que se produce es una escena tremenda.
En 1972, un comando compuesto por cuatro de los mejores hombres del ejército americano fueron encarcelados por un delito que no había cometido. No tardaron en fugarse de la prisión en la que se encontraban recluidos. Hoy, buscados todavía por el gobierno, sobreviven como soldados de fortuna. Si usted tiene algún problema y si los encuentra, quizá pueda contratarlos. Después de esa introducción que comenzaba cada capítulo de esta mítica serie de El Equipo A, estaba la sintonía inmortal de Mike Post, que se convirtió en referente absoluto. El Equipo A estaba formado por el coronel "Hannibal" Smith (George Peppard) fumando su puro y con su eterna frase "me encanta que los planes salgan bien", El teniente Templeton Peck "Fénix" (Dirk Benedict) el sex symbol del grupo, el capitán H. M. Murdock (Dwight Schultz) y el sargento MA Barracus (Mr. T). Esta serie se emitió durante cinco temporadas en la cadena NBC y daba mucha paz, aunque parezca un contrasentido, ya que siempre transcurría en términos parecidos de guión, es decir, alguien tenía un problema, una familia de granjeros acosada por una banda mafiosa, o gente que debe dinero a alguien, que no dudaban en contactar con el Equipo que les solucionaba el problema.
En un capítulo Fénix y el coronel Hannibal Smith dan con sus huesos en una cárcel, donde el policía al cargo dice que no saldrán de allí jamás. A la espera de que llegue la policía militar ya que son buscados por el gobierno, la treta para salir de allí les sale de lujo, y no es muy complicada.
En 1969 Joshua Logan dirige Paint your wagon, traducida aquí como La Leyenda de la ciudad sin nombre (que, sin que sirva de precedente, hace mucho más honor a este gran film). En esta película Lee Marvin y Clint Eastwood son los principales actores dentro de un gran elenco. El guión, es una adaptación de un musical de 1951, por tanto hay mucha y buena música en el film.
Pero un western convencional, que es lo que parece al principio, a raíz del descubrimiento del oro en el accidente, da un giro y se convierte en una comedia musical, dónde dos colonos se convierten en buscadores de oro y la historia de amor de una hermosa mujer que comparte su vida con dos hombres a la vez. Frederick Loewe fue el encargado de la música pero el actor Lee Marvin canta un par de temas, uno de ellos se hizo famoso, el mítico Wanderin' star, dónde Marvin derrocha una potente y grave voz.
Disfrutad de la escena dónde suena este maravilloso tema y silbad...
En 1993 Sydney Pollack dirige La Tapadera, como se tituló aquí The Firm, en el que Tom Cruise y Gene Hackman tienen los papeles principales. Nos cuenta la historia de Mitch McDeere (Tom Cruise), un joven y brillante abogado recién salido de la facultad de Harvard, que se deja seducir por las promesas y regalos de un prestigioso bufete de abogados de Memphis. Pero pronto empieza a sospechar que algo extraño sucede en la empresa donde Avery Tolar (Gene Hackman) mueve los hilos. Una película mejorable, se me antoja demasiado larga y hay muy poca química entre un buen Cruise y Jeanne Tripplehorn.
Pero en lo musical, la banda sonora compuesta al piano por Dave Grusin es simple y llanamente una obra maestra, uno de esos casos donde la música está por encima del nivel del film.
Harold Ramis, dirige en 1999 Una terapia peligrosa, donde Paul Vitti (Robert de Niro) es un importante mafioso de New York, que sufre una aguda crisis de ansiedad. El motivo es que está cercana una reunión donde se elegirá al nuevo capo de todos los capos, y eso le tiene bloqueado. Aterrado por la situación, contrata a Ben Sobol (Billy Cristal), un psiquiatra divorciado que está a punto de casarse y que le impone una terapia. Pero es entonces, cuando empieza a seguir el tratamiento, cuando Sobol se dará cuenta de que tiene que olvidarse de su vida privada y estar disponible 24 horas para Vitti, para cualquier emergencia, ya que una negativa podría acabar mal para él.
Vitti está contento con su trabajo y confía ciegamente en su psiquiatra al que le dice que (en una escena mítica) "eres muy bueno, usted tiene un don, tiene un don cojonudo... es bueno".
En otra escena muy graciosa el Doctor Sobol le dice a Vitti que cuando está enfadado le da a un cojín, y así se siente mejor por lo que le dice al mafioso que lo haga y su manera de hacerlo es con la pistola... y se siente mejor...
En 1986 Adrian Lyne dirigió Nueve semanas y media, una película que para mí es de un nivel no muy elevado, pero que causó mucha sensación en su día. Con un guión que deja bastante que desear escrito por Sarah Kernochan, Zalman King y Patricia Louisianna Knop basado en la novela de Elisabeth McNeill, es por así decirlo lo que se hacía hace 35 años en el ámbito de lo erótico, y que hace no mucho se repitió con 50 Sombras de Grey (E.L. James) o incluso la saga Crepúsculo (Stephanie Meyer). La historia que nos cuenta es la de Elisabeth (Kim Basinger), una bella marchante de arte que entabla relación con John (Mickey Rourke), que es un broker de Wall Street. Los inicios son muy apasionados, pero empezarán por deseo de él una serie de juegos eróticos que se van complicando y que confundirán a ella, que está enamorada del tipo, pero desconoce los verdaderos sentimientos de él.
La música es una selección de grandes temas que elige Jack Nitzsche y que incluyen a Eurythmics, Joe Cocker, Bryan Ferry, Stewart Copeland, etc...
En concreto el tema de Joe Cocker era una versión del clásico de Rady Newman You can leave your hat on y que sonaba en la escena del striptease a contraluz de Kim Basinger que la convirtió en mito erótico. Eso hizo que a partir de ese momento esa canción fuera la más utilizada en todas las sesiones de striptease del mundo, algo que seguramente no estaba en la cabeza de Randy Newman cuando la compuso. El mismo Joe Cocker declaró en su día: "Parece que esta canción provoca una especie de alteración romántica en quien la escucha. Muchos hombres me han dado las gracias porque sus mujeres han hecho un striptease mientras la escuchan"...
Os dejo con el mítico tema y retales de la escena...
El pasado día 6 de marzo se celebró la gala de la edición número 35 de los Premios Goya. Había varias novedades en la misma, primero un ligero cambio de fechas, casi un mes después de las fechas habituales, luego sin público y con los nominados conectados online y cuyo lugar de celebración fue el Teatro del Soho Caixabank de Málaga. La ceremonia tenía a Antonio Banderas como presentador junto a María Casado (codirectora y copresentadora de la gala, además de responsable de la productora de televisión del teatro Soho) y Mariano Barroso presidente de la Academia de cine, además de ellos pisaron el escenario los artistas invitados que cantaron, los 40 que abrían los sobres entregados por el notario donde aparecían los nombres de los galardonados, los técnicos y Ángela Molina. Por si fuera poco, amigos y compañeros de Hollywood de Antonio Banderas dejaron mensajes de ánimo y apoyo al cine español como Monica Belluci, Julian Moore, Benicio del Toro, Laura Dern, Mel Gibson, Al Pacino, Emma Thompson, Glenn Close, Dustin Hoffman, Robert de Niro, Charlize Theron, Tom Cruise, Sylvester Stallone, etc...
Los grandes ganadores fueron Las Niñas y Adú con cuatro cabezones cada uno. Las niñas, el drama de la debutante Pilar Palomero obtuvo mejor película, dirección novel, guión original y fotografía para Daniela Cajías. Su visión distinta de la infancia, contada a través de los ojos de una muchacha que entra en la adolescencia y que siente la presión del mundo adulto, ha convencido mucho a los académicos, que la han aupado en un año muy triste en el cine y la vida en general. El premio a mejor película lo entregó Ana María Ruiz, enfermera del Summa 112. Adú se llevó mejor dirección, mejor actor de reparto, mejor actor revelación y mejor sonido. Aquelarre se llevó Goyas menores, pero un total de cinco. Adam Nourou es el primer actor negro en recibir un Goya por su papel en Adú, dirigida por Salvador Calvo. Ane se llevó 3 Goyas mejor actriz protagonista, mejor actriz revelación y mejor guión adaptado. La boda de Rosa, de Icíar Bollaín, película que habla de cuidarse a si misma y de sororidad ganó dos Goyas, mejor actriz secundaria Nathalie Poza y mejor canción de Rozalén por su canción Que no, que no. Alberto San Juan se llevó el mejor actor secundario por Sentimental de Cesc Gay y Mario Casas su primer Goya en su primera candidatura a mejor actor protagonista por No matarás. Ángela Molina recibió el Goya de Honor.
En cuanto a las actuaciones cantaron Nathy Peluso, Vanessa Martín, o un homenaje a Luis García Berlanga con Diana Navarro y Carlos Latre. Y por supuesto decir que lo de Antonio Banderas es algo increíble, un hombre que superó un problema de corazón, que fue positivo por covid-19 justo el día que cumplía 60 años en agosto de 2020 y que si le vieron el pasado sábado parece tener por lo menos veinte años menos, me alegro por él, porque es uno de nuestros mejores embajadores culturales por el mundo.
Aquí está la lista de ganadores:
*Mejor película: Las Niñas *Mejor dirección: Salvador Calvo porAdú *Mejor interpretación femenina protagonista: Patricia López Arnaiz porAne
*Mejor interpretación masculina protagonista: Mario Casas porNo matarás
*Mejor interpretación femenina de reparto: Nathalie Poza por La boda de Rosa
*Mejor interpretación masculina de reparto:Alberto San Juan por Sentimental
*Mejor actriz revelación:Jone Lasplur porAne
*Mejor actor revelación: Adam Nourou por Adú
*Mejor guión original:Pilar Palomero porLas Niñas
*Mejor guión adaptado: David Pérez Sañudo y Marina Parés Pulido por Ane
*Mejor dirección novel: Pilar Palomero por Las Niñas
*Mejor película Iberoamericana: El olvido que seremos (Colombia)
*Mejor película europea: El Padre(Reino Unido) de Florian Zeller
*Mejor película de animación: La Gallina Turuleca de Eduardo Gondell y Victor Monigote
*Mejor música original: Aránzazu Calleja y Maite Arroitajauregi por Aquelarre
*Mejor canción original: Que no, que no de Rozalén por La boda de Rosa
*Mejor dirección de producción: Ana Parra y Luis Fernández Lago por Adú
*Mejor montaje: Sergio Jiménez por El año del descubrimiento
*Mejor dirección de fotografía: Daniela Cajías por Las Niñas
*Mejor dirección artística: Mikel Serrano por Aquelarre
*Mejor diseño de vestuario: Nerea Torrijos porAquelarre
*Mejor maquillaje y peluquería: Beathuska Wojtowicz y Ricardo Molina por Aquelarre
*Mejor sonido:Eduardo Esquide, Jamaica Ruiz García, Juan Ferro y Nicolás de Poulpiquet porAdú
*Mejores efectos especiales: Mariano García Marty y Ana Rubio por Aquelarre
*Mejor película documental: El año del descubrimiento de Luis López Carrasco
*Mejor cortometraje de ficción: A la carade Javier Marco
*Mejor cortometraje de animación español:Blue & Malone (Casos imposibles) de Abraham López Guerrero *Mejor cortometraje documental español: Biografía del cadáver de una mujer de Mabel Lozano
*Goya de Honor: Ángela Molina Os dejo con un resumen de la gala.
Como decía ayer, En el nombre del Padre es un enorme film de 1993, dirigido por el irlandés de Dublín Jim Sheridan. Se trata de ese tipo de películas que tratando un tema tremendamente complicado, consigue hacerte ver que nada es imposible, y que cuando tienes todo en contra, en este caso absolutamente todo, salgas adelante.
La película se centra en Belfast en los años 70, donde Gerry Conlon, interpretado por un magistral Danniel Day-Lewis, es el típico gambarrete que anda de aquí a allí sin hacer nada de provecho, para disgusto de su padre Giuseppe (Pete Postlethwaite), un hombre tranquilo, educado y muy religioso. Cuando Gerry se enfrenta al Ira, su padre lo manda a Inglaterra, pero una vez allí y por puro azar, se ve envuelto en una extraña situación en la que es acusado de participar en un atentado terrorista y es condenado a cadena perpétua con "Los cuatro de Guilford", siendo arrestado y encarcelado también su padre posteriormente. Pasarán 15 años en la cárcel por un delito que no habían cometido, pero la fuerza de voluntad de Giuseppe y la ayuda infatigable de la abogada Gareth Peirce (Emma Thompson) junto a Gerry, se proponen demostrar su inocencia hasta que lo consiguen, y así desenmascarar el sistema legal, con encubrimientos lamentables y una actitud desastrosa de la policía, que conocía los hechos y no hizo nada al respecto.
La banda sonora se editó en 1994 y era una mezcla de la música que compuso Trevor Jones para el film y una selección canciones de artistas de renombre como Jimi Hendrix, The Kinks, Bob Marley & The Wailers o Sinéad O'Connor además de dos canciones compuestas a dúo por Bono (líder de U2) y Gavin Friday.
Yo os dejo con dos temas de aquella banda sonora, primero In the name of the father de Bono & Gavin Friday.
Y en segundo lugar el tema de Trevor Jones Passage of time.
En el nombre del Padre es un enorme film de 1993, dirigido por el irlandés de Dublín Jim Sheridan. Se trata de ese tipo de películas que tratando un tema tremendamente complicado, consigue hacerte ver que nada es imposible, y que cuando tienes todo en contra, en este caso absolutamente todo, salgas adelante.
La película se centra en Belfast en los años 70, donde Gerry Conlon, interpretado por un magistral Danniel Day-Lewis, es el típico gambarrete que anda de aquí a allí sin hacer nada de provecho, para disgusto de su padre Giuseppe (Pete Postlethwaite), un hombre tranquilo, educado y muy religioso. Cuando Gerry se enfrenta al Ira, su padre lo manda a Inglaterra, pero una vez allí y por puro azar, se ve envuelto en una extraña situación en la que es acusado de participar en un atentado terrorista y es condenado a cadena perpétua con "Los cuatro de Guilford", siendo arrestado y encarcelado también su padre posteriormente. Pasarán 15 años en la cárcel por un delito que no habían cometido, pero la fuerza de voluntad de Giuseppe y la ayuda infatigable de la abogada Gareth Peirce (Emma Thompson) junto a Gerry, se proponen demostrar su inocencia hasta que lo consiguen, y así desenmascarar el sistema legal, con encubrimientos lamentables y una actitud desastrosa de la policía, que conocía los hechos y no hizo nada al respecto.
En una gran escena de duelo interpretativo, Gerry ve como encarcelan a su padre y le acaban llevando a la misma celda donde él está. Giuseppe inmediatamente le pregunta a su hijo si lo hizo, y claramente Gerry le contesta que no, pero luego su conversación se torna agria, con acusaciones por parte del hijo a su padre, diciéndole que sólo le decía cosas cuando las hacía mal y no cuando las hacía bien.
En 1995 Michael Caton-Jones dirige Rob Roy, la pasión de un rebelde, protagonizada en los principales papeles por Liam Neeson, que encarna a Robert McGregor (Rob Roy) y Mary su mujer a la que da vida Jessica Lange. Rob fue un héroe escocés del Siglo XVIII y sus problemas económicos, le obligan a pedir dinero prestado al Marqués de Montrose (John Hurt), a la vez que le suceden un cúmulo de adversidades provocadas por Cunningham (Tim Roth) un tipo sin escrúpulos que trabaja para Montrose.
Realmente haciendo un resumen, después del éxito de Braveheart, este film trata de una Escocia con gente muy enojada, pero cuatro siglos después a lo sucedido con William Wallace. Hablamos de una Escocia paupérrima y acaudillada por Inglaterra, en un contexto marcado por el fin del antiguo sistema de clanes y los cambios que ello provocaba en la sociedad, que parece sacrificar el honor y los viejos ideales, en favor de una nobleza intrigante, decadente, ladrona e inmoral.
En una escena brutal, Cunningham junto a Montrose y Killearn (Brian Cox) reciben a McGregor que no consigue encontrar el dinero que Montrose le prestó, ya que Cunningham se lo robó a su correo, además de matarlo. A cambio Montrose le quiere chantajear a McGregor para acabar con el Duque de Argyll, rival del Marqués, a lo que Robert se opone diciendo que solo le debe dinero, es entonces cuando le quieren detener y él apunta con una daga a Cunningham y huye para salvarse.
Como decía ayer, en 1939 un trío de directores dirige Lo que el viento se llevó, Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood, basada en el novela de Margaret Mitchell. La historia se desarrolla en Georgia, EEUU, en 1861, en la elegante mansión sureña de Tara donde viven Scarlett O'Hara a la que da vida Vivien Leigh, una joven muy bella, caprichosa y egoísta cuyo gran amor platónico es Ashley (Leslie Howard), pero él ya está prometido con su prima, una chica dulce y bondadosa llamada Melanie y a la que interpreta Olivia de Havilland. Es entonces cuando aparece Rhett Butler, en la última fiesta antes del estallido de la Guerra de Secesión que durará cuatro largos años. Scarlett le conoce y se queda prendada, pero ella desconoce que él es un vividor arrogante, aventurero, que sólo piensa en si mismo y que no tiene intención alguna de ir a la guerra, sus objetivos son hacerse rico y enamorar a Scarlett. El clímax de la película y una escena mítica de la historia del cine tiene como protagonista a Scarlett O'Hara y su explotación de algodón familiar llamada Tara, devastada por los horrores de la guerra. La magistral música de Steiner (a la que hice ayer referencia) nos presenta, mientras rompe el alba en Tara, a una denostada Scarlett, hambrienta que deambula sin rumbo por la otrora frondosa explotación agrícola, en busca de algo de comer. ve un tubérculo, lo arranca de cuajo, y sin limpiarlo no duda en comerlo. Al momento se da cuenta de su deshonrosa acción, de lo que el hambre puede llegar a despertar en el ser humano, reniega del acto y lanza la ya mítica proclama entre lloros: "A Dios pongo por testigo de que no lograrán aplastarme... Viviré por encima de todo esto y, cuando haya terminado, nunca volveré a saber lo que es hambre. ¡No! Ni yo ni ninguno de los míos. Aunque tenga que estafar, que ser ladrona o asesinar... A Dios pongo por testigo que jamás volveré a pasar hambre."
En 1939 un trío de directores dirige Lo que el viento se llevó, Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood, basada en el novela de Margaret Mitchell. La historia se desarrolla en Georgia, EEUU, en 1861, en la elegante mansión sureña de Tara donde viven Scarlett O'Hara a la que da vida Vivien Leigh, una joven muy bella, caprichosa y egoísta cuyo gran amor platónico es Ashley (Leslie Howard), pero él ya está prometido con su prima, una chica dulce y bondadosa llamada Melanie y a la que interpreta Olivia de Havilland. Es entonces cuando aparece Rhett Butler, en la última fiesta antes del estallido de la Guerra de Secesión que durará cuatro largos años. Scarlett le conoce y se queda prendada, pero ella desconoce que él es un vividor arrogante, aventurero, que sólo piensa en si mismo y que no tiene intención alguna de ir a la guerra, sus objetivos son hacerse rico y enamorar a Scarlett. Max Steiner fue el encargado de la banda sonora original, la mayoría con orquesta y cuyo tema principal, la melodía de Tara se hizo mítica.
Como decía ayer, en el año 2007 David Fincher dirige Zodiac, un thriller distinto sobre el famoso "asesino del zodíaco", un asesino en serie que entre 1966 y 1978 mató a un número importante de personas en San Francisco y alrededores y al mismo tiempo mandaba a los medios de comunicación cartas con pistas. La película se centra en las largas y tediosas pesquisas de dos detectives (Mark Ruffalo y Anthony Edwards) y un dibujante del San Francisco Chronicle que junto a un periodista (Jake Gyllenhaal y Robert Downey Jr.) intentaron darle caza, sin conseguir saber su identidad aunque sus sospechas estaban muy encaminadas hacia una persona en concreto. La primera escena del film, la del primer asesinato a una chica Darlene Ferrin (casada) a la que da vida Ciara Moriarty, y el chico con el que salía Mike Mageau (Jimmi Simpson) que finalmente sobrevivió, es realmente impresionante y demuestra la frialdad del asesino, mientras sonaba la canción de Donovan.
En el año 2007 David Fincher dirige Zodiac, un thriller distinto sobre el famoso "asesino del zodíaco", un asesino en serie que entre 1966 y 1978 mató a un número importante de personas en San Francisco y alrededores y al mismo tiempo mandaba a los medios de comunicación cartas con pistas. La película se centra en las largas y tediosas pesquisas de dos detectives (Mark Ruffalo y Anthony Edwards) y un dibujante del San Francisco Chronicle que junto a un periodista (Jake Gyllenhaal y Robert Downey Jr.) intentaron darle caza, sin conseguir saber su identidad aunque sus sospechas estaban muy encaminadas hacia una persona en concreto.
La banda sonora es una selección muy interesante dirigida por David Shire, que incluye temas de la época de Santana, Four Tops, Sly and the Family Stone, Donovan, etc., precisamente el Hurdy Gurdy Man de Donovan es el tema que me encanta, y que suena en la primera escena de la película, en el primer asesinato.
Os dejo con el tema Hurdy Gurdy Man de Donovan de 1968.
En 1997, Woody Allen estrena Descontructing Harry (Desmontando a Harry como se tradujo aquí), quizás una de las películas más agresivas del genio, una comedia negra en la que parodia Fresas salvajes de Ingmar Bergman, con un gran elenco de actores. Es un gran ejercicio muy negro y de tono agresivo en muchos momentos.
Harry Block (Woody Allen), un escritor de mediana edad y con un cierto éxito, se ha servido con frecuencia de sus experiencias sentimentales y familiares para escribir sus obras, razón por la cual la mayor parte de sus amigos, parientes y ex-mujeres lo odian. En tales circunstancias, le resulta muy difícil encontrar a alguien que quiera acompañarlo en un viaje a su vieja universidad para recibir un homenaje por su obra literaria que es muy reconocida intelectualmente.
En una escena brutal, Woody recurre a su psicólogo, algo muy habitual en sus películas, y se monta una parábola de lo que le pasa utilizando a Robin Williams. Robin es Mel y está rodando pero se encuentra desenfocado, se mira al espejo y está desenfocado, no se reconoce, y lo que es peor, los demás tampoco. Se levanta de dormir y la situación sigue igual, se acaba de dar cuenta de que está fuera de foco, es decir, de la profunda crisis existencial por la que atraviesa, enclaustrado y consumido por su propio ego.
En 1982 John Carpenter dirigió La Cosa (The Thing), con un guión de Bill Lancaster (hijo de Burt Lancaster, por cierto) basado en la novela de John W. Campbell, que realmente es un remake de la película de 1951 El enigma de otro mundo. Nos cuenta la historia que sucede en una estación experimental en La Antártida, donde un equipo de investigadores descubren a un ente extraño venido del espacio, que según todos los indicios ha permanecido enterrado en la nieve durante más de 100.000 años. Al descongelarse experimenta una metamorfosis increíble y sorprendente imitando su forma a la de un animal o humano, que el director nos muestra de manera brutal, enseñando los sucesos con tranquilidad y sin alharacas, y que provoca una losa anímica en el espectador, que queda conmocionado por el tono pesimista y siniestro de una historia que no da ningún rincón a la esperanza. Una película de terror como dios manda y a la que puso banda sonora Ennio Morricone que se ajusta perfectamente a la historia y encaja de maravilla.
Kurt Russell es MacReady, uno de los componentes de la estación, que no duda en sacar el lanzallamas cuando el bicho sale por primera vez de uno de los perros.
En 1962 Terence Young dirige El agente 007 contra el Dr. No, cuyo título en inglés era simplemente Dr. No. Ian Fleming creó en 1952 un personaje dedicado al espionaje que iba a dar mucho que hablar en el futuro y cuyo nombre era James Bond. Basándose en las novelas como Casino Royale hubo intentos de llevarlas a series, que resultaron fallidas. Finalmente después de muchos intentos se llevó al cine, con el desconocido actor en ese momento Sean Connery como protagonista y Ursula Andress como la chica explosiva. Aquí llegará a Jamaica a investigar los asesinatos de un agente especial británico y su secretaria. Esta película vista con el tiempo es un proyecto de lo que luego sería James Bond en el cine, un film casi de transición, no sería hasta Desde Rusia con amor cuando la franquicia se perfilaría mucho más. Pero en este film, aparte de escenas míticas y para el recuerdo, quedaría esa banda sonora compuesta por Monty Norman y su James Bond Theme saliendo en el principio de los créditos que contaba con la orquesta de John Barry como gran apoyo, de esas músicas míticas que asocias rápidamente a una película.
Como decía ayer, en 1992 Clint Eastwood, que hasta ese momento no tenía el reconocimiento por su carrera de actor y mucho menos por la de director, hizo Sin Perdón, que revitalizó de manera increíble el western, aunque años antes con El Jinete Pálido ya tuvo un gran intento, pero en este trabajo confluyeron varias circunstancias que hicieron que fuera un éxito absoluto y que recibiera Oscars y premios de toda índole. Pero cuidado, estamos hablando de que Clint en ese momento llevaba ya dirigiendo películas desde 1971, ahí es nada, 21 años, y con una calidad muy buena. De hecho esto no fue más que un espaldarazo a su carrera, y desde entonces no ha dejado de seguir haciendo grandes films.
En este interpretaba a William Munny, que junto a Ned Logan (Morgan Freeman) vuelven a cabalgar juntos después de años, por una recompensa de 1000 dólares que unas prostitutas ofrecen por matar a dos tipos que acuchillaron a una de sus compañeras y la desfiguraron, a ellos llega esta información por The Schofield Kid (Jaimz Woolvett), que irá junto a ellos. El sheriff del pueblo en cuestión Big Whiskey, Little Bill Daggett (Gen Hackman), que no permite armas ni delincuentes en su ciudad, había indultado a esos dos hombres, a pesar de sus hechos.
Esa ayuda exterior que las mujeres piden, hará que William vuelva con su amigo Ned, recaiga en la bebida, y se convierta en el asesino implacable que fue. Pero mientras van de camino sucede una escena tremenda, y es cuando Ned y Will se dan cuenta de que Kid está medio ciego, aunque ya habían notado algo cuando le encontraron y empezó a disparar a todos lados, sin saber a donde. Le dice que mire arriba al halcón, y realmente no hay ninguno...
