En 1994 Robert Zemekis dirigió Forrest Gump, basada en la novela homónima del escritor Winston Groom. Tom Hanks hacía de Forrest Gump, un hombre nativo de Alabama, y cuya vida es descrita en el film, una persona con una leve discapacidad intelectual, algo que no le impide ser testigo privilegiado y en algunos casos decisivo, de muchos momentos trascendentales de la historia de su país, Estados Unidos, en la segunda mitad del siglo XX, entre 1945 y 1982 para ser concretos. Robin Wright hace de Jenny, la chica por la que Forrest se enamora, aunque su vida fue una continua locura, mientras Sally Field hace de su madre y Haley Joel Osment hace de su hijo.
En una escena mítica, cuando están en Vietnam, Forrest decía que hacían largas caminatas y que buscaban a un tío llamado Charlie... aunque no siempre era divertido...
En 1986 David Lynch dirige Blue Velvet después de haber hecho la trilogía que se componía de Cabeza borradora, El hombre Elefante y Dune, donde el joven David Lynch demostraba un profundo conocimiento del cine clásico, pero también un hábil tejedor de atmósferas postmodernas, aunque en el fondo su cine es de autor. De Laurentiis después del fracaso de Dune, se la jugó con Terciopelo Azul, ya que quedó fascinado por el guión, cuando Lynch ya pensaba que no lo haría.
La historia parte una mañana en la que Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan), después de visitar a su padre en el hospital, encuentra entre unos arbustos una oreja humana. La guarda en una bolsa de papel y la lleva a la comisaría de policía, donde le atiende el detective Williams (George Dickinson), que es vecino suyo. Comienza así una misteriosa intriga que desvelará extraños sucesos acontecidos en un pequeño pueblo de Carolina del Norte.
Os dejo con la escena inicial del film extraordinaria.
Walter Hill, Nick Nolte y Eddie Murphy volvieron a unir fuerzas para la secuela de una gran cinta de acción y comedia de los 80 como fue Límite 48 horas y parieron 48 Horas más en 1990. En esta segunda entrega Murphy es una estrella absoluta, Nolte sigue dando muestras de su talento y Hill volviendo a dominar un género en el que estaba como pez en el agua. En este film Cte vuelve a tener que tirar de Reggie, cuando se ve entre la espada y la pared acuciado por el agente especial Wilson (Kevin Tighe) de asuntos internos. Cates solo tiene una pista para probar la existencia de "El Témpano", un escurridizo traficante de drogas y armas al que lleva persiguiendo durante 4 años. Al parecer Hammond es el objetivo principal de El Témpano y e quiere borrar del mapa, porque conoce su rostro. En la escena inicial Reggie es por fin libre, pero lo primero que sufre en el bus de la penitenciaria es un ataque de dos motoristas que le quieren eliminar.
En 1982 Walter Hill dirige Límite 48 horas, un film de género policíaco pero con grandes dosis de humor y bastante violencia inaugurando el género de las "buddy movies".
Un par de asesinos sin escrúpulos consiguen huir de prisión, dejando un horrible reguero de sangre, mientras al malhumorado detective Jack Cates (Nick Nolte) no le queda más remedio que sacar al timador Reggie Hammond (Eddie Murphy) de la cárcel para que le ayude a encontrar a los criminales que él conoce. Sólo disponen de 48 horas porque Hammond tiene un permiso que expira en es tiempo.
En un escena imborrable el Capitán Haden (Frank McRae) acusa a Cates de no hacer nada y a Hammond le llama negro despectivamente siéndolo él también...
Como decía ayer, En 1994 Robert Zemekis dirigió Forrest Gump, basada en la novela homónima del escritor Winston Groom. Tom Hanks hacía de Forrest Gump, un hombre nativo de Alabama, y cuya vida es descrita en el film, una persona con una leve discapacidad intelectual, algo que no le impide ser testigo privilegiado y en algunos casos decisivo, de muchos momentos trascendentales de la historia de su país, Estados Unidos, en la segunda mitad del siglo XX, entre 1945 y 1982 para ser concretos. Robin Wright hace de Jenny, la chica por la que Forrest se enamora, aunque su vida fue una continua locura, mientras Sally Field hace de su madre y Haley Joel Osment hace de su hijo.
La banda sonora es un selección de temas de primer nivel de música de los años 50, 60 y 70, de los mejores artistas y bandas de entonces, Elvis Presley, Aretha Franklin, The Doors, Creedence Clearwater Revival, Bob Dylan, The Beach Boys, etc., y en el final del segundo disco había una suite compuesta por Alan Silvestri y que suena en los momentos más emotivos.
Os dejo con Forrest Gump suite por Alan Silvestri.
En 1994 Robert Zemekis dirigió Forrest Gump, basada en la novela homónima del escritor Winston Groom. Tom Hanks hacía de Forrest Gump, un hombre nativo de Alabama, y cuya vida es descrita en el film, una persona con una leve discapacidad intelectual, algo que no le impide ser testigo privilegiado y en algunos casos decisivo, de muchos momentos trascendentales de la historia de su país, Estados Unidos, en la segunda mitad del siglo XX, entre 1945 y 1982 para ser concretos. Robin Wright hace de Jenny, la chica por la que Forrest se enamora, aunque su vida fue una continua locura, mientras Sally Field hace de su madre y Haley Joel Osment hace de su hijo.
Después de volver de Vietnam hay muchas protestas contra la guerra, y en uno de esos discursos los hippies animan a Forrest a hablar, un militar desenchufa los cables del micro y solo se escucha el final, pero eso sirve para que Jenny le reconozca y vuelva a reencontrarse con Gump.
Armano Iannucci dirigió en 2017 La muerte de Stalin, basada en hechos reales y que lo hace desde el punto de vista del humor negro, la sátira política donde abundan momentos tremendamente absurdos, divertidas réplicas, y un reparto de actores muy bien elegido y extraordinariamente bien utilizado. La noche del 2 de marzo de 1953 murió Josef Stalin, dictador, tirano, genocida (el mayor de la historia junto a Hitler) y Secretario General de la U.R.S.S. A partir con dos hijos bastante inútiles, en esos días previos al funeral se suceden todo tipo de peleas por el poder, en los que hay manipulaciones, lujurias, traiciones y movimientos de toda índole.
En el inicio del film hay un concierto, y el encargado del mismo Andreyev recibe la llamada del propio Stalin aún vivo, pidiendo la grabación de dicho concierto, y teniendo en cuenta que era una orden directa, ocasiona pavor (todo el mundo le tenía pánico) entre los dos personajes encargados del marrón.
Como decía ayer, John Badham dirige en 1977 Fiebre del sábado noche, un film que fue todo un bombazo en su momento y que 44 años después sigue mucho más vigente de lo que se pudiese pensar. Tony Manero interpretado por un magnífico John Travolta es un joven italoamericano que vive con su familia en Brooklyn, con pocas aspiraciones, un empleo mejor y sobre todo salir a la discoteca los sábados por la noche y hacer lo que más le gusta, bailar, y donde da lo mejor de sí. Con 19 años tiene la típica crisis existencial de esa edad, con acontecimientos que lo reflejan como que su hermano deje los hábitos, las historias de su pareja de baile Stephanie Mangano (Karen Lynn Gorney) unido a la relación con sus amigos hará que se replantee el futuro.
Cuando Tony iba a la discoteca 2001 se transformaba y bailaba como nadie, era la época de la música disco y la banda sonora tenía un ramillete de temas de ese estilo entre los que destacaban varios, cuatro en concreto, de Bee Gees, pero había uno Stayin' alive que se convirtió en un absoluto bombazo, con sus falsetes míticos.
Os dejo con la versión extendida de Stayin' alive que es la que aparece en la banda sonora.
John Badham dirige en 1977 Fiebre del sábado noche, un film que fue todo un bombazo en su momento y que 44 años después sigue mucho más vigente de lo que se pudiese pensar. Tony Manero interpretado por un magnífico John Travolta es un joven italoamericano que vive con su familia en Brooklyn, con pocas aspiraciones, un empleo mejor y sobre todo salir a la discoteca los sábados por la noche y hacer lo que más le gusta, bailar, y donde da lo mejor de sí. Con 19 años tiene la típica crisis existencial de esa edad, con acontecimientos que lo reflejan como que su hermano deje los hábitos, las historias de su pareja de baile Stephanie Mangano (Karen Lynn Gorney) unido a la relación con sus amigos hará que se replantee el futuro.
En una escena mítica Tony intenta ligar con Stephanie, pero dice que ella es una lianta.
En el año 1991 Oliver Stone dirigió el biopic acerca de Jim Morrison y su banda The Doors, donde Val Kilmer interpretaba de manera genial a Jim casi acabando mimetizado, Meg Ryan a su novia Pamela Courson, Kyle MacLachlan daba vida a Ray Manzarek el teclista y organista, Franke Whaley a Robbie Krieger el guitarrista y Kevin Dillon a John Densmore el batería. Buena parte de la película está centrada en la desastrosa vida de Morrison, una anárquica carrera autodestructiva, salpicada de escándalos, arrebatos de ira y pasión, todo dentro de una mezcla de sexo, alcohol y drogas que acabaron con su vida en 1971, cuando gordo y barbudo parecía ya una persona de más edad.
Pero al principio del film, están ensayando cuando se fragua el montaje del grupo e interpretan Break on through (To the other side), hasta que Krieger viene con la letra y melodía de una canción que tenía preparada y se llamaba Light my fire, Jim enseguida le pilla el hilo con la letra y Ray pide unos minutos para hacer la melodía al teclado y órgano, el resultado es uno de los mayores hits de la historia de la música.
Como decía ayer, Peter Farrelly dirige Green Book en 2018, un biopic con tintes dramáticos pero con grandes dosis de humor. Ya el tráiler anunciaba una gran película, pero después de ver ayer el pre-estreno en el cine, he de decir que me parece una película extraordinaria y seria candidata a los Oscars. Viggo Mortensen y Mahershala Ali hacen un ejercicio interpretativo de mucho nivel, el primero interpretando a Tony Lip, un tipo duro e italoamericano del Bronx, que pasó poco por la escuela, y cuyos puños arreglan todo tipo de problemas, mientras el segundo da vida a Don Shirley, un sofisticado pianista, de refinados gustos musicales y también personales, que es afroamericano y de fama mundial. Tony, después de una pelea en un club nocturno donde trabajaba, busca trabajo, y de las muchas ofertas que tiene, decide ser chófer de Don, y realizar juntos una gira por el Sur de Estados Unidos, los estados más racistas, es decir, Pennsylvania, Alabama, Indiana, Carolina del Norte, etc... Hablamos del año 1962... Pero esta película, y lo digo para calibrar si es una gran joya (que para mi sí lo es) o no, tiene un guión extraordinario, dos actores maravillosos, con gran química y en estado de gracia y una banda sonora memorable.
El film trata una historia real, la de la amistad que acabó surgiendo entre el refinado pianista y su chófer, relaciones públicas y demás cargos que fue sumando, y que se forjó en esa gira de unos dos meses de duración aproximada. Tony es algo racista, pero cuando empieza a escuchar a Don en sus conciertos, queda prendado, y acabará defendiéndole a capa y espada.
Lo mejor de esta historia y de la película, es que todo fluye de manera natural, no hay nada impostado y los pasos que se dan son coherentes y hacen que te creas la historia de principio a fin. Es tan así, que los propios personajes van sufriendo una evolución que permite que sus personalidades antagónicas, vayan poco a poco teniendo acercamientos y puntos de encuentro. Todo esto se debe también a las magníficas interpretaciones de ambos, añadiendo matices propios de cada actor que hacen de su trabajo algo impecable como en la escena donde Tony escribe la carta a su mujer pero guionizado por el músico.
Peter Farrelly dirige Green Book en 2018, un biopic con tintes dramáticos pero con grandes dosis de humor. Viggo Mortensen y Mahershala Ali hacen un ejercicio interpretativo de mucho nivel, el primero interpretando a Tony Lip, un tipo duro e italoamericano del Bronx, que pasó poco por la escuela, y cuyos puños arreglan todo tipo de problemas, mientras el segundo da vida a Don Shirley, un sofisticado pianista, de refinados gustos musicales y también personales, que es afroamericano y de fama mundial. Tony, después de una pelea en un club nocturno donde trabajaba, busca trabajo, y de las muchas ofertas que tiene, decide ser chófer de Don, y realizar juntos una gira por el Sur de Estados Unidos, los estados más racistas, es decir, Pennsylvania, Alabama, Indiana, Carolina del Norte, etc... Hablamos del año 1962... Pero esta película, y lo digo para calibrar si es una gran joya (que para mi sí lo es) o no, tiene un guión extraordinario, dos actores maravillosos, con gran química y en estado de gracia y una banda sonora memorable.
El film trata una historia real, la de la amistad que acabó surgiendo entre el refinado pianista y su chófer, relaciones públicas y demás cargos que fue sumando, y que se forjó en esa gira de unos dos meses de duración aproximada. Tony es algo racista, pero cuando empieza a escuchar a Don en sus conciertos, queda prendado, y acabará defendiéndole a capa y espada.
La música corre a cargo de Kris Bowers que la conduce y tiene piezas extraordinarias.
Os dejo con el Old Black Magic de la Green Book Copacabana Orquestra.
Quizás estemos ante la película menos reconocida de la filmografía de Quentin Tarantino, pero que para mí, es un enorme film. La película es un tributo a los muscle cars y los géneros de exploitation y slasher de los año 70. Para ello, Quentin escribió y dirigió el film, y su amigo Robert Rodríguez le ayudó en la producción, y las dividieron en dos, una ésta y la otra Planet Terror que dirigió Robert. Una de las cosas que más me gustaron la primera vez que la vi, fue como recuperó el director para este film a un actor un tanto denostado en los últimos tiempos como Kurt Russell, que la verdad lo borda, interpretando a un psicópata especialista (Doble Mike) que asalta chicas jóvenes antes de asesinarlas con su coche "A prueba de muerte". Con su look retro de los años 70, una cicatriz en el lado izquierdo de la cara que le atraviesa verticalmente la misma, conduce su muscle car, recordando su época de doble de acción de pelis de Hollywood, especializado en escenas peligrosas, su presencia y carisma encandilan.
La banda sonora es otra selección tremenda de Quentin Tarantino, desde T-Rex, Joe Tex, Willy Deville, Eddie Floyd, Ennio Morricone, Pino Donaggio o The Coasters.
Precisamente el Down in Mexico de The Coasters suena en un sensual baile de una de las chicas a Kurt Rusell, excelente tema.
En 1988 Clint Eastwood dirige y produce Bird, el biopic sobre Charlie Parker, al que da vida un magnífico Forest Whitaker. Aquí se narra la corta pero intensa vida de este mítico saxofonista considerado uno de los mejores intérpretes del saxofón alto y padre del bebop junto a Dizzy Gillespie. Nacido en Kansas City, ya desde joven destaca y su fama se desata en su llegada a New York en 1940. Toda esa fama no es bien digerida por la persona, que comienza a abusar del alcohol y las drogas, por lo que su vida se acaba convirtiendo en un infierno.
La banda sonora como no podía ser de otra forma está compuesta de temas de Charlie Parker, que estaban supervisados por Lennie Niehaus, como este Parker's Mood que lo cierra.
Como decía ayer, Florian Zeller dirige El Padre, ópera prima de este director que se maneja como un auténtico veterano curtido en mil obras. Ejerce un dominio impropio de un debutante, y nos muestra con muchos recursos una situación dramática para que tengamos todos los puntos de vista posibles ante una situación muy difícil, generando un ejercicio muy inmersivo de la circunstancia. La puesta en escena, el trabajo de cámara (en ocasiones sublime) y la planificación son perfectos y sirven para que nos introduzcan de lleno en la realidad de un hombre enfermo en el que reinan la desorientación, las incongruencias, los desajustes temporales y los cambios que afectan a la voluntad de una mente que se deteriora día a día.
La música de ópera mezclada con las composiciones de Ludovico Einaudi, es el complemento perfecto, suaves y sensibles melodías de piano que nos describen situaciones de un mal que transforma la realidad del paciente en un laberinto, en el que cada vez ve menos salidas, y del familiar en una lucha constante y dura.
Florian Zeller dirige El Padre, ópera prima de este director que se maneja como un auténtico veterano curtido en mil obras. Ejerce un dominio impropio de un debutante, y nos muestra con muchos recursos una situación dramática para que tengamos todos los puntos de vista posibles ante una situación muy difícil, generando un ejercicio muy inmersivo de la circunstancia. La puesta en escena, el trabajo de cámara (en ocasiones sublime) y la planificación son perfectos y sirven para que nos introduzcan de lleno en la realidad de un hombre enfermo en el que reinan la desorientación, las incongruencias, los desajustes temporales y los cambios que afectan a la voluntad de una mente que se deteriora día a día.
El reparto deslumbra, Anthony Hopkins interpreta a Anthony, esa persona mayor que empieza a tener serios problemas seniles que afectan a su vida diaria. Recibió el segundo Óscar de su carrera por esta interpretación, que en algunos rasgos parece querer ser él mismo en la película, por diversos detalles, como por ejemplo cuando dice su fecha de nacimiento que es la del propio actor, quién reconoció que le diagnosticaron Síndrome de Asperger ya mayor, de ahí su actitud solitaria y de pocas relaciones durante años. Ese aspecto de la personalidad de Hopkins también está sumado al de Anthony, al que da vida en esta película. Olivia Colman es Anne su hija, quien se desvela por cuidar a su padre y que antepone su propia vida al cuidado de su progenitor. La relación entre ella y él es muy difícil, y pasa por momentos terribles con afilados diálogos, donde incluso Anthony ofende a su hija con comentarios muy hirientes. Esta es la parte que más se entronca con el teatro, sus espacios cerrados y su poco escape.
La música de ópera mezclada con las composiciones de Ludovico Einaudi, es el complemento perfecto, suaves y sensibles melodías de piano que nos describen situaciones de un mal que transforma la realidad del paciente en un laberinto, en el que cada vez ve menos salidas, y del familiar en una lucha constante y dura. El film es un crescendo constante llevado magistralmente, hasta explotar en un tercer acto devastador que provoca lágrimas en la butaca. Me resultan especialmente impactantes los flashbacks, la repetición de escenas de atrás hacia adelante y al revés, para entender en qué estado tan tremendo se encuentra el protagonista, recursos del director brutales que hacen este trabajo único y que si se hubieran narrado de forma cronológica no hubiera tenido gancho seguramente.
Una gran película que tuvo seis nominaciones a los Óscars, de los que salió victoriosa en mejor actor principal y mejor guión adaptado de la propia obra del director.
En 1972, un comando compuesto por cuatro de los mejores hombres del ejército americano fueron encarcelados por un delito que no había cometido. No tardaron en fugarse de la prisión en la que se encontraban recluidos. Hoy, buscados todavía por el gobierno, sobreviven como soldados de fortuna. Si usted tiene algún problema y si los encuentra, quizá pueda contratarlos. Después de esa introducción que comenzaba cada capítulo de esta mítica serie de El Equipo A, estaba la sintonía inmortal de Mike Post, que se convirtió en referente absoluto. El Equipo A estaba formado por el coronel "Hannibal" Smith (George Peppard) fumando su puro y con su eterna frase "me encanta que los planes salgan bien", El teniente Templeton Peck "Fénix" (Dirk Benedict) el sex symbol del grupo, el capitán H. M. Murdock (Dwight Schultz) y el sargento MA Barracus (Mr. T). Esta serie se emitió durante cinco temporadas en la cadena NBC y daba mucha paz, aunque parezca un contrasentido, ya que siempre transcurría en términos parecidos de guión, es decir, alguien tenía un problema, una familia de granjeros acosada por una banda mafiosa, o gente que debe dinero a alguien, que no dudaban en contactar con el Equipo A que les solucionaba el problema.
Recordemos aquella mítica sintonía de comienzo de cada capítulo compuesta por Mike Post.
Como dije hace pocas fechas, la reciente ganadora de tres Oscars muy importantes, mejor película, mejor dirección y mejor interpretación femenina protagonista es Nomadland, dirigida por Chloé Zhao, que llegó a nuestras pantallas ya en este 2021, a pesar de ser un film de 2020. Como dije en mi crónica de los Oscars, es increíble si pensamos que en la temporada de premios de hace 3 años, Frances McDormand, que se disponía a ganar su segundo Oscar por mejor actriz en Tres anuncios a las afueras, se acercó a Chloé Zhao (que recibía honores por The Rider) y le dijo que quería adaptar el libro "País Nómada, Supervivientes del siglo XXI" de Jessica Bruder. De ese gérmen nació Nomadland, donde Frances incluso está como productora, es decir puso dinero por un proyecto en el que creía ciegamente y adquirió los derechos del libro.
La película nos cuenta la historia de Fern, una mujer a la que da vida Frances McDormand, que después de perderlo todo durante la crisis anterior que comenzó en 2008, a lo que se le añadió la muerte de su marido, se embarca en un viaje hacia el Oeste americano, viviendo como una nómada en su furgoneta. Tras el colapso económico que afectó también a su ciudad Empire, en la zona rural de Nevada, ella decide irse a la aventura de explorar una nueva forma de vida fuera de la sociedad convencional, como una nómada del Siglo XXI. Va encontrando trabajos temporales que le permiten ir tirando, pero cuando viene un revés su penuria es grande. No es una vida repleta de comodidades, ni mucho menos, pero va conociendo a gente muy humana en su camino. Evidentemente ella es la absoluta protagonista y todo gira a su alrededor, un papel que Frances borda desde el minuto uno.
La música corre a cargo de Ludovico Einaudi, y desarrolla unas melodías al piano que son una auténtica maravilla como en el tema Low mist que me cautivó mientras veía el film.
En 1985 Luis García Berlanga dirige La Vaquilla, ambientada en la Guerra Civil Española (1936-1939). En el frente, los soldados de uno y otro bando se intercambian tabaco, escriben cartas o dormitan. Pero esa calma chicha, se rompe cuando un altavoz de la Zona Nacional anuncia que con motivo de la Virgen de Agosto, se van a celebrar fiestas en el pueblo incluyendo orquesta, bailes y corrida de toros. Es entonces cuando un grupo de combatientes republicanos comandados por el Teniente Broseta (José Sacristán) y el Brigada Castro como cerebro (Alfredo Landa) idean robar la vaquilla para arruinarle la fiesta al enemigo y a la vez conseguir la comida que necesitan en tiempos de penuria.
En la escena inicial del film todo lo dicho está reflejado, pero cuando idean el plan, miran un plano y el Teniente reclama ¿dónde está el topógrafo?... momento mítico donde los haya.
Os dejo con la parte inicial del film, como tramo de muchos momentos cómicos y sirva de homenaje a su director Luis García Berlanga que ayer habría cumplido 100 años.
Steven Soderbergh dirige en 2011 Contagio, una película que vista ahora 10 años después cobra un significado muy diferente a cuando se estrenó y que según hemos vivido en este último año y medio tiene un sentido de lo más actual. Un gran director que contó con una tirada de actores de primer nivel como Matt Damon, Kate Winslet, Laurence Fishburne, Marion Cotillard, Jude Law o Gwyneth Paltrow. Hace 10 años, la gripe aviar asustó bastante al mundo y lo que sucede aquí es quizás algo llevado al extremo peor de los posibles, pero que desgraciadamente hemos visto que se podía hacer realidad en un futuro no tan lejano y cuales serían sus consecuencias.
La historia del film era ambientada en nuestros días y se centra en la aparición y rápida propagación de un virus que provoca fiebre intensa, dolores de cabeza y una muerte más bien rápida, centrándose en cómo se origina y en su rápida propagación que desencadena una grave crisis a nivel planetario. Beth Emhoff (Gwyneth Paltrow) es una mujer norteamericana que vuelve de un viaje de negocios en Hong Kong, se cae en casa, es ingresada de urgencias muriendo sin saberse las causas exactas. El mismo caso se va repitiendo en otros países, sube el número de casos, las víctimas se multiplican y surge el pánico. La comunidad médica mundial concentra sus esfuerzos en encontrar una cura o vacuna ante el potente virus, las autoridades intentan tranquilizar y controlar a la población, pero el miedo al contagio (y a una muerte segura) crece de manera imparable, en concreto cuando la información oficial es poca y se mezcla con rumores en internet infundados, que se les da valor cuando llegan a los medios de comunicación... ¿os suena? El caos impera y la sociedad se desmorona...
Varias historias paralelas sobre esta grave cuestión, provocan una tensión constante en el film, siendo un relato coral y que hace hincapié en una cosa muy importante, en el egoísmo del ser humano en la mayoría de los casos (salvo honradas excepciones) y en que la sociedad se acaba dividiendo entre los que tienen la información y los que no la tienen. Eso provoca que los primeros intentan controlar la pandemia y piden paciencia, pero los segundos (la mayoría) se sienten desamparados, ven morir gente y que no hay solución inmediata, lo que provoca toma de decisiones egoístas y desesperadas en muchos casos. Lo que queda muy claro es que nada se expande tan rápido como el miedo...
Hoy cumple 91 años Clint Eastwood, un actor, director, guionista y gran cineasta en definitiva, muy considerado en este espacio y cuya carrera se alarga y sigue poniendo pedazitos de historia en cada obra que hace. Su primer papel relevante fue como secundario en el reparto de la serie de televisión Rawhide (1959-1965), pero alcanzó fama mundial con los 3 personajes (sin nombre, solo en una se le llamaba El Manco y en otro Rubio) de los Spaguetti Western conocidos como La Trilogía del Dólar que dirigía Sergio Leone, es decir Por un puñado de dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965) y El Bueno, el Feo y El Malo (1966). También hizo otros westerns como La Leyenda de la ciudad sin nombre (1969) o Dos mulas y una mujer (1970).
Posteriormente en la década de los 70 fue Harry Callahan, un duro e implacable policía cuyos métodos no eran del agrado de sus superiores, pero eran efectivos, Harry El Sucio (1971) inició la saga de cinco films que acabaría en 1988. Dirige su primer film en 1971 Escalofrío en la noche, un primer acercamiento a una labor que años después será la fundamental en su carrera. En 1976 actúa en El fuera de la ley, dando vida a Josey Wales, un antiguo confederado que huye de los últimos unionistas que le persiguen.
Con Sin Perdón en 1992 tuvo el reconocimiento de la Academia, pero antes en 1985 ya había dirigido y protagonizado una obra maestra como El jinete pálido. Posteriormente en 2004 volvió a premiarle la Academia por Million Dollar Baby, pero no debemos olvidar sus actuaciones en Poder Absoluto (1997), Ejecución Inminente (1999), Space Cowboys (2000) y su dirección magistral en Mystic River (2003). Gran Torino en 2008 es otro punto alto en su filmografía, sin duda alguna.
Sus personajes forman parte de la vida de muchos de nosotros, y también sus frases, como Harry el Sucio, como El Sargento de Hierro o como William Munny, incluso como Walt Kowalsky. Es una figura que ha marcado irremediablemente a creativos y generaciones de espectadores, un mito viviente que sigue a día de hoy haciendo extraordinarias películas, como las últimas Richard Jewel o La Mula. Para este año se espera el estreno de Cry Macho.
Os dejo con una escena, en este pequeño homenaje, con laescenafinal de los Puentes de Madison, un melodrama romántico que fue un rotundo éxito de crítica y taquilla, una película sencilla pero de una maestría en la dirección e interpretación sublimes.
Como decía ayer, en el año 2004, Quentin Tarantino sacó a la luz la segunda parte de Kill Bill, para mi la mejor del dueto. Aquí tras eliminar a algunos miembros de la banda que intentaron asesinarla el día de su boda, "Mamba Negra" (Uma Thurman) va uno a uno a por ellos, hasta llegar a Bill, su antiguo jefe, que la daba por muerta. Especialmente inigualable es la lucha con Elle Driver (Daryl Hannah), una de las malvadas más increíbles que ha dado el cine, ya que ella era la amante de Bill y la principal némesis de la novia, tras su supuesta muerte. El odio y el resentimiento entre ellas es absoluto. La lucha entre ambas es una de las mejores escenas del cine moderno, ambas extraordinarias y una batalla a katana memorable con un momento bastante fuerte.
En una escena mítica, la del duelo final entreBill (David Carradine), el jefe de la organización criminal, amante, ex-jefe y enemigo y ella, cuyo apodo es Mamba Negra, es brutal.
En el año 2004, Quentin Tarantino sacó a la luz la segunda parte de Kill Bill, para mi la mejor del dueto. Aquí tras eliminar a algunos miembros de la banda que intentaron asesinarla el día de su boda, "Mamba Negra" (Uma Thurman) va uno a uno a por ellos, hasta llegar a Bill, su antiguo jefe, que la daba por muerta. Especialmente inigualable es la lucha con Elle Driver (Daryl Hannah), una de las malvadas más increíbles que ha dado el cine, ya que ella era la amante de Bill y la principal némesis de la novia, tras su supuesta muerte. El odio y el resentimiento entre ellas es absoluto. La lucha entre ambas es una de las mejores escenas del cine moderno, ambas extraordinarias y una batalla a katana memorable con un momento bastante fuerte.
La banda sonora vuelve a ser una selección curiosa de Tarantino, que es capaz de mezclar a Johnny Cash Con Ennio Morricone o a Charlie Feathers con Lole y Manuel.
Yo os dejo con el tema Goodnight moon de Shivaree.
