Escenas míticas del cine (CCXLVIII)

Como decía ayer, en el año 2019 Joker, el spin-off dirigido por Todd Phillips, y protagonizado por Joaquin Phoenix, fue un auténtico peliculón. El actor se dedicó en cuerpo y alma al personaje, adelgazando y cambiando su fisonomía de manera bestial. Debía interpretar a un villano trastornado y loco, de risa enfermiza, y todo eso lo hizo de manera sublime, pero además y por si fuera poco, aquí se explica la génesis de este personaje, y le dio una personalidad tan brutal, que en el recuerdo quedan Jack Nicholson, Heath Ledger o Jared Leto, a los que ha superado, cosa que no era nada sencilla, sobre todo en el caso de los dos primeros. La mimetización de Phoenix con el personaje es tal, que no se te ocurre en ningún momento separarlos.

La historia nos narra la vida de Arthur Fleck, que vive en Gotham (muy neoyorkina por cierto) y cuya única motivación, según dice, es hacer reír a la gente. Trabaja haciendo de payaso en varios trabajos, pero sus problemas mentales y sus actitudes raras hacen que la gente le vea como un bicho raro, así acaba despedido y repudiado por la sociedad, e incluso se le niega la ayuda social por recortes del ayuntamiento, y por tanto su tratamiento médico. Pero su gran sueño es actuar como cómico ante el público, aunque todo se va complicando con una serie de trágicos acontecimientos, lo que hará que su violencia interior y su ira salga y aflore contra la sociedad que le repudia. 

Ni que decir tiene que Joaquin Phoenix fue premiado con el Oscar y en su mejor momento profesional, dando rienda suelta a su genial improvisación, dejando imágenes y fotogramas de difícil olvido. Otra cuestión es que esta película distaba bastante de la factoría Hollywood, no prima el espectáculo, y eso es algo que hoy en día se agradece por los que amamos el cine. La cuestión está en si Joker es tan atrayente, que puede provocar, y de hecho hace que mucha gente le siga y lo considere un revolucionario antisistema y un líder que lucha contra todo tipo de injusticias, sin olvidarnos de que está muy tocado mentalmente y es un peligro constante. En ese sentido la manera de tratar la violencia en el film, me parece muy importante, teniendo escenas salvajes.

En una escena memorable, justo después de matar a tiros en el metro a tres tipos que se estaban metiendo con él, Arthur sale corriendo y acaba en unos baños, donde baila y se transforma definitivamente en el Joker, acompañado por la música de viola de Hildur Guðnadóttir, una compositora islandesa de Reykjavik, probablemente lo único del film que pueda competir con el trabajo sublime de Phoenix.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCXLVII)

En el año 2019 Joker, el spin-off dirigido por Todd Phillips, y protagonizado por Joaquin Phoenix, fue un auténtico peliculón. El actor se dedicó en cuerpo y alma al personaje, adelgazando y cambiando su fisonomía de manera bestial. Debía interpretar a un villano trastornado y loco, de risa enfermiza, y todo eso lo hizo de manera sublime, pero además y por si fuera poco, aquí se explica la génesis de este personaje, y le dio una personalidad tan brutal, que en el recuerdo quedan Jack Nicholson, Heath Ledger o Jared Leto, a los que ha superado, cosa que no era nada sencilla, sobre todo en el caso de los dos primeros. La mimetización de Phoenix con el personaje es tal, que no se te ocurre en ningún momento separarlos.

La historia nos narra la vida de Arthur Fleck, que vive en Gotham (muy neoyorkina por cierto) y cuya única motivación, según dice, es hacer reír a la gente. Trabaja haciendo de payaso en varios trabajos, pero sus problemas mentales y sus actitudes raras hacen que la gente le vea como un bicho raro, así acaba despedido y repudiado por la sociedad, e incluso se le niega la ayuda social por recortes del ayuntamiento, y por tanto su tratamiento médico. Pero su gran sueño es actuar como cómico ante el público, aunque todo se va complicando con una serie de trágicos acontecimientos, lo que hará que su violencia interior y su ira salga y aflore contra la sociedad que le repudia. 

Ni que decir tiene que Joaquin Phoenix fue premiado con el Oscar y en su mejor momento profesional, dando rienda suelta a su genial improvisación, dejando imágenes y fotogramas de difícil olvido. Otra cuestión es que esta película distaba bastante de la factoría Hollywood, no prima el espectáculo, y eso es algo que hoy en día se agradece por los que amamos el cine. La cuestión está en si Joker es tan atrayente, que puede provocar, y de hecho hace que mucha gente le siga y lo considere un revolucionario antisistema y un líder que lucha contra todo tipo de injusticias, sin olvidarnos de que está muy tocado mentalmente y es un peligro constante. En ese sentido la manera de tratar la violencia en el film, me parece muy importante, teniendo escenas salvajes.

Precisamente en una escena muy impactante Arthur va al programa de Murray Franklin (Robert de Niro) como invitado y donde dice que él fue quien mató a los tres chicos del metro, admitiendo que su vida no es más que una comedia. A partir de ahí suelta un discurso contra la sociedad, que acaba cuando le pega un tiro a Murray.

Os dejo con la mítica escena.

Bullet train (2022)

David Leitch dirige Bullet train, su nueva película que está basada en la novela de Kôtarô Isaka que ya tuvo una versión teatral japonesa en 2018. Este film es muy entretenido y un pasatiempo del final del verano realmente divertido. De un director que tiene en su ficha películas como John Wick, Atomic Blonde o Deadpool 2, evidentemente te puedes esperar acción, buenas peleas violentas y todo ello salpicado con humor, cosa que hace que rivalice con películas de Marvel o DC en ese sentido (a ver aquí no hay superhérores), aunque a veces tiene ese toque de demasiado ocurrente, es decir, más de lo necesario.

Cinco asesinos a sueldo se encuentran a bordo de un tren bala que viaja de Tokio a Morioka, con unas pocas paradas intermedias. Van descubriendo poco a poco que sus misiones no son ajenas entre sí, que todo está relacionado y que el tren va bastante vacío. La pregunta, que se va viendo en el desarrollo, es quién saldrá vivo del tren y qué les espera en la estación de Kyoto. El protagonista principal es apodado por su jefa Mariquita y Brad Pitt es el encargado de darle vida que tiene muchas inseguridades y una peculiaridad que se verá demostrada a lo largo del film y es su mala suerte, destilando esa bis cómica que tan bien le sienta a uno de los actores más reclamados de Hollywood.

Todo el resto de personalidades con importancia en la trama, participan del lado cómico y la diversión y francamente funciona con momentos realmente divertidos, con diálogos ocurrentes que tienen mucha chispa, que en muchas escenas me remiten a cortes de las películas de Quentin Tarantino, pero con un lenguaje menos palabrotero, ciertamente, aunque en algún momento se sueltan tacos, claro está. Admito que esa es la base de la propuesta y que puede que en algún momento eso agote a algunos espectadores, pero para mí forma parte esencial de la cinta ya que permite diferenciar a los personajes, situarlos, saber que esperamos de ellos y ayuda a crear ese clima para que el desparrame de muerte, violencia y destrucción se asimile hasta con gracia.

David Leitch está realmente grandioso detrás de la cámara, consiguiendo una armonía con los elementos que maneja que no es nada sencillo. Escenas de acción pura que son muy concisas y que tienen mucha contundencia, sin renunciar al gore en varios momentos (hay escenas impactantes), que compensa con la tendencia a lo ligero. Por otro lado el ramillete de estrellas que componen la película es realmente impresionante con Michael Shannon, Sandra Bullock, Aaron Taylor-Johnson, etc., y los actores japonenes como Hiroyuki Sanada. En muchos casos hay cameos en escenas puntuales como los de Channing Tatum, Ryan Reynolds, etc., hasta el propio director tiene un pequeño papel.

En definitiva Bullet train me parece un soplo de aire fresco, un divertimento que hacía falta, con sus momentos salvajes, pero que hace que salgas contento de la sala.

Os dejo con el tráiler de Bullet train.

Escenas míticas del cine (CCXLVI)

En 1985 Mark L. Lester dirige Comando, donde el protagonista es el coronel John Matrix al que da vida Arnol Schwarzenegger, un viejo soldado ex-boina verde que trabajaba en el apasionante mundo de las operaciones especiales, y que está retirado al empezar el film, realmente se le retira para protegerle de todos aquellos que quieren vengarse de él. Está de feliz retiro con su hija Jenny (Alyssa Milano) en un bonito parador de montaña, hasta que su amigo y superior, el general Franklin Kirby (James Olson), llega en helicóptero para informarle de que los miembros de su antiguo comando están siendo asesinados. Comunistas, terroristas, narcotraficantes, nada se sabe a ciencia cierta, el caso es que a partir de ahí se blinda la casa de Matrix, pero un grupo de hombres armados asalta la propiedad, asesinando a los soldados que la custodiaban y secuestrando a Alyssa. En concreto es un dictador sudamericano despiadado y vengativo llamado Arius, pero Matrix hará de esto una nueva misión para recuperar a su hija. 

Una de las mejores películas de acción, por su colección de frases lapidarias, de tiros, golpes y sobre todo por sus curiosidades.

En una escena mítica alcanza a Sully (David Patrick Kelly) y le hace volcar con su coche, y le pregunta que donde está Jenny, pero ha pillado las llaves de un sitio donde sabe que está. Matrix lleva a Sully a un precipicio, y allí lo sujeta boca abajo y le dice: "¿te acuerdas que prometí matarte el último?... (es verdad lo prometiste... dice Sully)... te engañé".

Os dejo con la mítica escena.

War for the Planet of the Apes (2017)

En 2017 Matt Reeves dirige la tercera parte de una trilogía espléndida con La Guerra del Planeta de los Simios. En 2014 el mismo director dirigió la secuela de El origen del planeta de los simios, titulada El amanecer del planeta de los simios. Si recordáis cuando hablé de aquella película, terminaba con la aparición del devastador "virus de los simios" desarrollado en un laboratorio (se veían sus primeras consecuencias en las últimas escenas) y que casi acabó con los humanos, mientras un grupo de simios muy evolucionados y liderados por César, se han convertido en la raza dominante en el planeta, este es el punto de partida de este film. En esa segunda parte y en un ambiente poco menos que apocalíptico, los humanos que han sobrevivido al virus (al que ahora eran inmunes) están a la defensiva y sobreviven en duras condiciones.

Pues bien, aquí César y sus simios son forzados a encarar un conflicto mortal contra un ejército de humanos liderados por un despiadado y brutal Coronel (Woody Harrelson). Después de sufrir pérdidas enormes, César lucha con sus instintos más oscuros en la búsqueda por vengar a su especie. Esto polariza claramente el film, con dos líderes que tienen a todos los suyos bajo su mando de una manera muy definida. Todo lleva a que finalmente haya una lucha entre César y el Coronel, pero cuyas consecuencias podrán en juego el futuro de ambas especies y del mismo planeta.

Pero este film atesora muchos detalles de gran obra, por un lado el cierre de las aventuras de los primates tiene una calidad narrativa, temática y formal de categoría mayor, que mezcla personajes con profundidad moral pero también que sean válidos para el divertimento y atraigan a todo tipo de público. Grandes efectos especiales, una historia que te atrapa desde el inicio y unas escenas de acción tremendas hace que no puedas dejar de parpadear en todo el metraje. Atronador principio, un pequeño respiro en el ecuador del film, para terminar de manera grandiosa, dicen mucho del director y de su obra cohesionada.

La polarización de la que hablaba antes, está muy bien reflejada por César, con un Andy Serkis de nuevo bestial, haciendo las veces de figura mesiánica (no faltan referentes incluso en Jesús y otras figuras bíblicas), totalmente irrepetible, y por contra la del atormentado Coronel que Woody Harrelson borda, y cuya maldad queda explicada perfectamente en una escena donde deja claro el porqué de su actitud, que tiene una causa. Al final son dos caras de la misma moneda, que colisionan movidas por el odio y la revancha. De hecho hasta César verá que tenía más cosas parecidas con su enemigo Koba (en el segundo film) de las que pensaba.

Los referentes en Apocalypse Now son muy evidentes, y quizás con más lejanía a algún western de John Ford.

Os dejo con el tráiler de este gran film.

Escenas míticas del cine (CCXLV)

James Cameron hace el guión (junto a Gale Anne Hurd) y dirige The Terminator en 1984, un film donde el eje principal es el conflicto entre la humanidad y la tecnología que en un futuro acabará dominando el mundo. El cineasta, rodea el núcleo de la película con dos factores que serán constantes casi siempre en su filmografía, es decir, una protagonista de fuerte carácter y una sub-trama amorosa de gran incidencia en el transcurso del relato. En esa fortaleza de los personajes de Sarah Connor (Linda Hamilton) y Kyle Reese (Michael Biehn) se basa y sustenta la grandeza de la producción y todo lo que su relación provocará dentro de la historia de la mitología del universo Terminator.

Es el año 2029 y las máquinas dominan el mundo mientras los rebeldes luchan contra ellas con un líder que es John Connor, un hombre nacido en los años 80. Para acabar con dicha rebelión las máquinas deciden enviar al pasado a un robot (Terminator) interpretado por Arnold Schwarzenegger, cuya misión será eliminar a Sarah Connor, la madre de John, y así impedir su nacimiento. Pero en el comienzo de su misión tira de listín telefónico y mata a otras dos Sarahs Connor, antes de ir a por nuestra protagonista, matando a todo aquel o aquella que se pone en su camino, incluidos policías y departamentos enteros.

En una escena mítica, tras estrellar su coche, Sarah tiene que ayudar a Kyle que está herido a huir a pie, mientras el T-800 al que interpreta Arnold Schwarzenegger sufre el atropello de un trailer, cuyo conductor se para ver su estado, él se recompone y se hace con los mandos del camión y los vuelve a perseguir hasta que ellos se separan y Kyle introduce dinamita en el camión hasta que explota con el T-800 dentro, con muy buenos efectos especiales para la época.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCXLIV)

Ralph Bakshi dirigió en 1992 Cool world, una mezcla de personales reales y dibujos animados. Cuendo el expresidiario y dibujante Jack Deebs, al que daba vida Gabriel Byrne, estaba entre rejas, descubrió un modo de evadirse creando Cool world, una serie de cómics con una voluptuosa protagonista llamada Holli Would. El dibujante acaba siendo prisionero de sus propias fantasías cuando Holli le arrastra a Cool world, con intención de seducirle y así ella convertirse en un ser real. Un duro detective al que interpreta Brad Pitt, que es el otro ser real de Cool world, advierte a Jack de la ley que dice que los Noids (humanos) no pueden tener sexo con los Doodles (dibujos). La carne es más débil que la tinta, ya que Holli acaba adquiriendo forma humana por Kim Basinger en Las Vegas, iniciándose una persecución a través de distintas dimensiones  que amenaza con la destrucción de ambos mundos. La temática, a pesar de tener animación y dibujos, es para adultos lógicamente.

En una escena mítica Jack está en un garito imaginario tumbado, mientras Holli baila y tiene a todos los animalillos del cómic locos (haciendo tonterías), cuando despierta y la ve él también se queda alucinado.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCXLIII)

Como decía yer en 1984 Steven Spielberg produce Gremlins que dirige Joe Dante, una película que en su momento causó auténtico furor, teniendo rivales importantes que salieron a la vez como Pesadilla en Elm Street, Indiana Jones y el Templo Maldito, Terminator, Cazafantasmas, Karate Kid, La Historia Interminable, etc.,

Rand (Hoyt Axton) es un viajante que un día regala a su hijo Billy (Zach Galligan) una tierna y extraña criatura, un mogwai. El inocente regalo no iba exento de pequeñas cláusulas o trampitas ya que el cuidado del animal requería tres reglas básicas: no darle de comer después de medianoche, no mojarlo y evitar que le dé la luz del sol. Pero como es lógico esto no se cumple y será el origen de una oleada de gamberradas y fechorías en un pequeño pueblo de Estados Unidos.

Una escena realmente mítica al inicio del film es cuando Billy le enseña el mogwai a su amigo Pete (Corey Feldman) quien comete el error de tirarle encima un frasco de agua, eso provoca que el animal empiece a reproducir nuevos gremlins, el inicio de la locura.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCXLII)

En 1984 Steven Spielberg produce Gremlins que dirige Joe Dante, una película que en su momento causó auténtico furor, teniendo rivales importantes que salieron a la vez como Pesadilla en Elm Street, Indiana Jones y el Templo Maldito, Terminator, Cazafantasmas, Karate Kid, La Historia Interminable, etc.,

Rand (Hoyt Axton) es un viajante que un día regala a su hijo Billy (Zach Galligan) una tierna y extraña criatura, un mogwai. El inocente regalo no iba exento de pequeñas cláusulas o trampitas ya que el cuidado del animal requería tres reglas básicas: no darle de comer después de medianoche, no mojarlo y evitar que le dé la luz del sol. Pero como es lógico esto no se cumple y será el origen de una oleada de gamberradas y fechorías en un pequeño pueblo de Estados Unidos.

La escena inicial era en la que Rand iba a la tienda de un chico chino (John Louie), en la parte de abajo estaba el abuelo del chico (Keye Luke). Rand intenta venderle un aparato doméstico de su invención, hasta que escucha un ruido de un animalillo, el mogwai, que interesa a Rand que paga hasta 200 dólares por él, el abuelo se opone, pero al final su nieto le convence y lo compra, siempre con el recordatorio de las tres reglas que debe mantener por el bien del mogwai.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CXXI)

Como llevo diciendo unos días, Jonathan Demme dirige en 1991 El silencio de los corderos, basado en la novela de Thomas Harris que guionizó Ted Tally. Nos cuenta la historia de un asesino en serie llamado "Buffalo Bill" al que el FBI busca de manera algo ineficaz, que mata a sus víctimas, todas adolescentes, después de prepararlas minuciosamente y arrancarles la piel. Ya desde el comienzo nos encontramos con Clarice Starling a la que da vida de forma genial Jodie Foster (que logró el Oscar), una joven, brillante y ambiciosa estudiante de la academia del FBI que es enviada por su superior, Jack Crawford (Scott Glenn), a investigar los casos de asesinato cometidos por el apodado Buffalo Bill. Pero uno de los primeros pasos que da Clarise, bajo las órdenes de Crawford, será entrevistarse con el doctor Hannibal Lecter al que da vida un excelso y muy brillante Anthony Hopkins (recibió el Oscar por ello), un psiquiatra eminente y capaz de realizar los más certeros diagnósticos; pero el doctor Lecter es muy especial, está recluido en el módulo de alta seguridad del Manicomio de Baltimore, acusado de canibalismo, es un gran psiquiatra, pero a la vez un psicópata despiadado.

La banda sonora original corre a cargo de Howard Shore, con añadido de temas puntuales para escenas determinadas de corte pop-rock. La música de Shore, al que también escuché en Seven, es realmente portentosa y se me quedó marcada la escena inicial sin diálogos, donde se suceden los títulos de crédito, en el que va musicando el entrenamiento físico duro de Clarise, hasta que la avisan que tiene que irse.

Os dejo con la música del principio del film, que estremece.

Escenas míticas del cine (CCXLI)

Como decía ayer, Jonathan Demme dirige en 1991 El silencio de los corderos, basado en la novela de Thomas Harris que guionizó Ted Tally. Nos cuenta la historia de un asesino en serie llamado "Buffalo Bill" al que el FBI busca de manera algo ineficaz, que mata a sus víctimas, todas adolescentes, después de prepararlas minuciosamente y arrancarles la piel. Ya desde el comienzo nos encontramos con Clarice Starling a la que da vida de forma genial Jodie Foster (que logró el Oscar), una joven, brillante y ambiciosa estudiante de la academia del FBI que es enviada por su superior, Jack Crawford (Scott Glenn), a investigar los casos de asesinato cometidos por el apodado Buffalo Bill. Pero uno de los primeros pasos que da Clarise, bajo las órdenes de Crawford, será entrevistarse con el doctor Hannibal Lecter al que da vida un excelso y muy brillante Anthony Hopkins (recibió el Oscar por ello), un psiquiatra eminente y capaz de realizar los más certeros diagnósticos; pero el doctor Lecter es muy especial, está recluido en el módulo de alta seguridad del Manicomio de Baltimore, acusado de canibalismo, es un gran psiquiatra, pero a la vez un psicópata despiadado. Esta película está llena de escenas míticas, otra de ellas, es la de la fuga del Doctor Lecter de su prisión en un edificio de Memphis al que le han trasladado, en dicho traslado roba sigilosamente un bolígrafo al Doctor Chilton (Anthony Heald) que le valdrá posteriormente para quitarse las esposas y matar de manera canibal a los dos policías que le custodian, el Sargento Pembry (Alex Coleman) y su compañero el Teniente Boyle (Charles Napier), una de las escenas más salvajes vistas por un servidor en el cine. Precisamente cuando él va con la máscara y se produce el traslado a Memphis tiene una conversación con la senadora Martin (Diane Baker) cuya hija está secuestrada por Buffalo Bill, a la que da detalles para poder atrapar a su captor y a la que suelta una frase lapidaria: "Senadora... me encanta su abrigo".

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCXL)

Jonathan Demme dirige en 1991 El silencio de los corderos, basado en la novela de Thomas Harris que guionizó Ted Tally. Nos cuenta la historia de un asesino en serie llamado "Buffalo Bill" al que el FBI busca de manera algo ineficaz, que mata a sus víctimas, todas adolescentes, después de prepararlas minuciosamente y arrancarles la piel. Ya desde el comienzo nos encontramos con Clarice Starling a la que da vida de forma genial Jodie Foster (que logró el Oscar), una joven, brillante y ambiciosa estudiante de la academia del FBI que es enviada por su superior, Jack Crawford (Scott Glenn), a investigar los casos de asesinato cometidos por el apodado Buffalo Bill. Pero uno de los primeros pasos que da Clarise, bajo las órdenes de Crawford, será entrevistarse con el doctor Hannibal Lecter al que da vida un excelso y muy brillante Anthony Hopkins (recibió el Oscar por ello), un psiquiatra eminente y capaz de realizar los más certeros diagnósticos; pero el doctor Lecter es muy especial, está recluido en el módulo de alta seguridad del Manicomio de Baltimore, acusado de canibalismo, es un gran psiquiatra, pero a la vez un psicópata despiadado. Ese primer encuentro es una de las mejores escenas de la historia del cine, ya que allí Clarise será consciente del conocimiento asombroso de Lecter acerca del comportamiento humano, junto a una poderosa personalidad que a ella le cautivan, su reacción será establecer con él una ambigua, inquietante y peligrosa relación, eje de todo el film, ya que su salida es confiar en el asesino encerrado que le da pistas.

Os dejo con esa mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCXXXIX)

En 1984 Joseph Ruben dirige La gran huida, que tenía la difícil misión de competir con películas muy buenas en el mismo año como Pesadilla en Elm Street, Indiana Jones y el Templo Maldito, Terminator, Cazafantasmas, Karate Kid, Gremlins, La Historia Interminable, Conan, el destructor, Calles de fuego, etc., pero esta película con una idea muy buena comenzaba de manera trepidante, bajaba un poco en su parte central debido al guión y tenía un estimable final.

El médico Paul Novotny al que daba vida Max Von Sydow ha entrenado a un joven llamado Alex Gardner (Dennis Quaid) para aparecer en los sueños de otras personas a través de la proyección astral con el fin de solucionar los problemas que esos sueños le producen. Su intención completamente científica, es conocer y diagnosticar los traumas que sufren sus pacientes, pero determinadas fuerzas del mal intentan utilizar ese poder con fines muy distintos. Gardner posee extraordinarias capacidades psíquicas, pero anda algo perdido por la vida haciendo el vago, seduciendo mujeres y apostando a los caballos.

En una escena mítica Bob Blair (Christopher Plummer), el enlace con el gobierno al estar el proyecto sufragado por este, tiene una charla con su amigo el Presidente de los Estados Unidos (Eddie Albert), donde éste le confiesa que sufre terribles pesadillas, lo que le hace no estar muy centrado en la carrera nuclear del país, cosa que podría traer fatales consecuencias. Es por esto, que el presidente accederá a dejarse ayudar por su organización. 

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CXX)

En 1991 la novela Fachada de John Grisham recibió elogios sin precedentes por parte de críticos y lectores a lo largo y ancho de todo el mundo y se convirtió rápidamente en uno de los mejores bestsellers de los últimos años. Grisham vio como su novela servía de base para el guión de la película El informe Pelícano que se estrenaría en 1993, un relato irresistible que dirigió Alan J. Paluka quién también adaptó el guión. A altas horas de una noche de octubre, el anciano y legendario juez liberal del supremo Abe Rosenberg recibe un balazo en la cabeza mientras duerme en su casa de Georgetown, dos horas después Glenn Jensen, el juez más joven y conservador del Tribunal muere estrangulado en un cine de gays, posiblemente por el mismo asesino. Julia Roberts da vida a Darby Shaw, una estudiante de Derecho muy inteligente que escribe un informe en el que analiza las posibles razones de los dos asesinatos de los jueces del Tribunal Supremo. El informe le trae muchos problemas y van a por ella y sólo el periodista Gary Grantham al que interpreta Denzel Washington será quién crea en ella y la ayude, ya que también quiere saber quién está detrás de esos asesinatos. Me parece un brillante thriller policíaco-espionaje-periodístico sobre un fraude que involucra acciones gurbenamentales no lícitas que atentan contra el medio ambiente y afecta al presidente del país. James Horner fue el encargado de hacer la banda sonora y con su sobriedad habitual da el armazón necesario que arropa las escenas.

Os dejo con el Main title.

Bandas sonoras míticas del cine (CXIX)

Joker, el spin-off dirigido por Todd Phillips, y protagonizado por Joaquin Phoenix vio la luz en 2019 y hubo un antes y un después. Decir que el actor se dedicó en cuerpo y alma al personaje, adelgazando y cambiando su fisonomía de manera bestial. Debía interpretar a un villano trastornado y loco, de risa enfermiza, y todo eso lo hace de manera sublime, pero además y por si fuera poco, aquí se explicaba la génesis de este personaje, y le ha dado una personalidad tan brutal, que en el recuerdo quedan Jack Nicholson, Heath Ledger o Jared Leto, a los que ha superado, cosa que no era nada sencilla, sobre todo en el caso de los dos primeros. La mimetización de Phoenix con el personaje es tal, que no se te ocurre en ningún momento separarlos. Todo ello hizo que recibiera la estatuilla, cosa que me quedó clara desde el primer visionado.

La historia nos narra la vida de Arthur Fleck, que vive en Gotham (muy neoyorkina por cierto) y cuya única motivación, según dice, es hacer reír a la gente. Trabaja haciendo de payaso en varios trabajos, pero sus problemas mentales y sus actitudes raras hacen que la gente le vea como un bicho raro, así acaba despedido y repudiado por la sociedad, e incluso se le niega la ayuda social por recortes del ayuntamiento, y por tanto su tratamiento médico. Pero su gran sueño es actuar como cómico ante el público, aunque todo se va complicando con una serie de trágicos acontecimientos, lo que hará que su violencia interior y su ira salga y aflore contra la sociedad que le repudia.

Todo esto acompañado por la impecable música de Hildur Guðnadóttir, una compositora islandesa de Reykjavik, probablemente lo único del film que pueda competir con el trabajo sublime de Phoenix.

Os dejo con el tema Call me Joker que cierra la banda sonora.

Escenas míticas del cine (CCXXXVIII)

En 1996 Joel Schumacher dirige Tiempo para matar, una mezcla de drama y thriller con el tema del racismo como principal protagonista. La historia nos cuenta como en un tranquilo pueblo de Mississippi, dos jóvenes borrachos y sedientos de fiesta violan salvajemente a una niña negra de diez años que venía de comprar comida de una tienda. La mayoría blanca de la ciudad se muestra horrorizada ante tal crimen. Carl Lee, el padre de la niña al que da vida Samuel L. Jackson, decide tomarse la justicia por su mano y mata a los violadores de su hija, cuando estos se dirigen detenidos a la vista preliminar. Mientras, la tensión va creciendo por momentos, reaparecen en las calles las cruces del Ku Klux Klan, pero además hay un duelo de abogados y a la vez actores de alto nivel, por un lado Jake Brigance, interpretado por un gran Matthew McConaughey, es un joven abogado blanco que decide defender a Carl Lee, intentando salvar la vida de su defendido, pero al final también la suya y la de su familia. En el otro el fiscal del estado Rufus Buckley al que da vida Kevin Spacey que está sublime. Patrick McGoohan interpreta al juez Omar Noose que es el encargado de impartir justicia.

En una escena mítica al principio del juicio se muestran los alegatos de acusación y defensa y Brigance pide la inocencia de su cliente por enajenación mental.

Os dejo con la escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CXVIII)

Como decía ayer, en 1974 Roman Polanski dirige Chinatown, una desoladora y fascinante película que tuvo la mala suerte de coincidir en el mismo año con la segunda parte de El Padrino que se llevó los premios grandes en los Oscars, de hecho Chinatown tenía 11 nominaciones. Se trata de un guión de Robert Towne que propone un relato de época (ambientado en los años 30) y una investigación criminal inspirada (como aseguraba el propio Polanski) más en la literatura negra que en los films de ese género que, precisamente, entre los años 30 y 50, tanta presencia tuvieron en el cine norteamericano. Polanski no tiene a los clásicos como referentes (Hawks o Lang) si no que en vez de reverenciarlos u homenajearlos, lo que hace es posicionarse detrás de la cámara con una mezcla de humildad y cierto descaro juvenil con tal resultado que por momentos está a la altura de aquellos o incluso los supera.

La historia se desarrolla en Los Ángeles en 1937, donde el detective Gittes (Jack Nicholson), especializado en divorcios, recibe la visita de la esposa de Mulwray, Evelyn (Faye Dunaway), el jefe del Servicio de Aguas de la ciudad, que sospecha que su marido la engaña. Pero la cosa se complica, ya que al mismo tiempo Gittes descubre que los agricultores acusan a Mulwray de corrupción por su negativa a construir un pantano que paliaría la sequía que sufren. Poco después el escándalo salta a la prensa, pero no todo queda ahí, ya que una mujer revelará algo brutal a Gittes en su despacho.

El tremendo elenco de actores, guionista, director de fotografía, etc., se cierra con el maestro Jerry Goldsmith a la banda sonora, en una soberbia música compuesta al servicio de la película. Música delicada y lánguida que transmite una melancolía espectacular, la trompeta de Goldsmith parece hablarnos de un mundo de gran riqueza material, mucha pobreza interior y de como unos pocos hacen sufrir a muchos.

Os dejo con el Love theme.

Escenas míticas del cine (CCXXXVII)

En 1974 Roman Polanski dirige Chinatown, una desoladora y fascinante película que tuvo la mala suerte de coincidir en el mismo año con la segunda parte de El Padrino que se llevó los premios grandes en los Oscars, de hecho Chinatown tenía 11 nominaciones. Se trata de un guión de Robert Towne que propone un relato de época (ambientado en los años 30) y una investigación criminal inspirada (como aseguraba el propio Polanski) más en la literatura negra que en los films de ese género que, precisamente, entre los años 30 y 50, tanta presencia tuvieron en el cine norteamericano. Polanski no tiene a los clásicos como referentes (Hawks o Lang) si no que en vez de reverenciarlos u homenajearlos, lo que hace es posicionarse detrás de la cámara con una mezcla de humildad y cierto descaro juvenil con tal resultado que por momentos está a la altura de aquellos o incluso los supera.

La historia se desarrolla en Los Ángeles en 1937, donde el detective Gittes (Jack Nicholson), especializado en divorcios, recibe la visita de la esposa de Mulwray, Evelyn (Faye Dunaway), el jefe del Servicio de Aguas de la ciudad, que sospecha que su marido la engaña. Pero la cosa se complica, ya que al mismo tiempo Gittes descubre que los agricultores acusan a Mulwray de corrupción por su negativa a construir un pantano que paliaría la sequía que sufren. Poco después el escándalo salta a la prensa, pero no todo queda ahí, ya que una mujer revelará algo brutal a Gittes en su despacho.

Lo brutal de esta película es que John Houston interpreta a Noah Cross, multimillonario, y el propio Polanski interpreta un pequeño papel de matón, pero mítico ya que en una escena más mítica aún, es el que corta la nariz con un cuchillo a Gittes cuando este empieza a investigar en las instalaciones del Servicio de Aguas.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CXVII)

Phillip Kaufman dirigió en 1983 Elegidos para la gloria, pero antes en 1979 Tom Wolfe publicó su novela Lo que hay que tener, uno de sus libros de no ficción más populares, y cuatro años después Kaufman la adaptaba a la gran pantalla, una producción de tres horas de metraje, en el que se desarrolla parte de la historia de la aeronáutica estadounidense comprendida entre 1947 y 1963. Pero antes de que el film se centre en el programa espacial Mercury, las imágenes presentan a los verdaderos responsables de su éxito, los pilotos de pruebas, cuyo valor, destreza, orgullo, control ante situaciones extremas y una pizca de locura, les confiere lo necesario para luchar por objetivos como el de superar la barrera del sonido o posteriormente alcanzar el espacio. Todos se conocen en la base de Edwards, para alcanzar la velocidad Mach 1.

Chuck Yeager (Sam Shepard) fue uno de esos intrépidos pilotos de pruebas que rompió la barrera del sonido pilotando un X-1, A pesar de ello nunca alcanzó la fama que consiguieron los primeros astronautas que formaron la tripulación de la Mercury, la primera nave espacial, Alan Shepard (Scott Glenn), Gus Grissom (Fred Ward), John Glenn (Ed Harris), Scott Carpenter (Charles Frank), Wally Schirra (Lance Henriksen), Gordon Cooper (Dennis Quaid) y Derek Slayton (Scott Paulin). 

La extraordinaria banda sonora corrió a cargo de Bill Conti, adecuada en cada momento del film.

Os dejo con la Soundtrack suite.

Escenas míticas del cine (CCXXXVI)

Como decía días atrás, en 1980 Stanley Kubrick dirige El resplandor, un film con el que esperaba romper la taquilla después del fracaso en ese sentido de Barry Lyndon (1975) (aunque luego lo remendara el mercado casero). Este film estaba basado en la novela de un joven escritor que tenía sus mismas iniciales curiosamente, y que respondía al nombre de Stephen King, del que no había leído nada pero había visto el film Carrie (1976), dirigida por Brian de Palma, basada en otra novela suya. Kubrick entonces echó mano de la escritora Diane Johnson, y él mismo escribió el guión dejando fuera a King, quien siempre manifestó su rechazo a la película, de hecho decía que Stanley no entendía las reglas del género del terror. Curiosamente años después King recuperó los derechos de la novela para producir y escribir una adaptación televisiva, enormemente fiel al libro, dirigida por Mick Garris y con Rebecca de Mornay en su reparto, y que no resiste comparación con el original. Sea como fuere, El Resplandor ha pasado a la historia del cine como una de las adaptaciones que mejoran con creces el material original.

La historia nos cuenta como Jack Torrance (Jack Nicholson) se traslada con su mujer Wendy (Shelley Duvall) y su hijo de siete años Danny (Danny Lloyd) al impresionante Hotel Overlook en Colorado, para encargarse del mantenimiento de las instalaciones durante la temporada invernal, época en la que permanece cerrado y aislado por la nieve. Buscan paz y sosiego para que Jack escriba una novela. Pero, poco después de llegar al hotel, Jack empieza a padecer inquietantes trastornos de personalidad y se suceden extraños y espeluznantes fenómenos paranormales.

En una escena mítica Jack va al salón donde hay un bar, el camarero Lloyd (Joe Turkel) que ya le conoce de una visita anterior le sirve su bourbon, pero no le deja pagar alegando órdenes de la casa... y se produce ese feeling entre camarero y cliente, ese extraño feeling.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCXXXV)

Como decía hace unos días, en 1993 Harold Ramis dirige Atrapado en el tiempo (Groundhog day), una estupenda comedia que a la vez es una reflexión sobre la vida y la forma en la que decidimos pasar por ella. La historia nos cuenta como Phil, al que da vida un magnífico Bill Murray, es el hombre del tiempo de una cadena de televisión, y como cada año viaja una vez más en febrero a Punxstawnwey a cubrir la información del Día de la Marmota. En el viaje de regreso, Phil y su equipo se ven sorprendidos por una tormenta de nieve que les obliga a regresar a la pequeña ciudad. A la mañana siguiente, el despertador suena como siempre a las 6 de la mañana con la sintonía musical del tema de Sonny & Cher, el mítico I got you babe de 1965, y al desperezarse y despertarse comprueba atónito que es el mismo día que el anterior, es decir, el Día de la Marmota, que se repite día tras día.

Es curioso como mucha gente vivimos algo muy parecido durante el confinamiento de la pandemia, te levantabas muchos días que se parecían al anterior...

En una de sus muchas escenas memorables, Phil se despierta una y otra vez con el despertador a las 6 de la mañana y la canción de siempre, pero se cansa y en todas las veces empieza a romper el despertador, a veces dan ganas de hacerlo todas las mañanas.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CXVI)

Steve Gordon dirige Arthur en 1981, traducida aquí con el subtítulo añadido de El soltero de oro. Dudley Moore da vida a Arthur Bach, un millonario muy encantador, pero que la mayor parte del tiempo se lo pasa borracho. De repente su familia le planteará un dilema, se trata de que si quiere heredar 750 millones de dólares deberá casarse con su aburrida novia de Long Island en menos de un mes. Bud Cort, John Belushi, John Travolta o George Segal estuvieron en la carrera para interpretar este papel pero por diferentes circunstancias o lo desecharon, o bien no funcionó.

En la banda sonora había un tema compuesto por Christopher Cross llamado Arthur's theme que recibió el Oscar a mejor canción original, dentro de una música compuesta en su mayoría por Burt Bacharach.

Os dejo con Arthur's theme.