Mary Queen of Scots (2018)

Josie Rourke dirige este biopic histórico con alguna que otra licencia (es una película y no un documental), en el que nos describe la vida de María Estuardo, Reina de Escocia y su prima segunda la Reina Isabel I de Inglaterra. La película que comienza por el final con un breve flashback, se desarrolla de 1561 a 1587, desde que María regresa de Francia a su tierra después de haber enviudado, y reclamar su derecho al trono de Inglaterra, hasta el final de sus días donde muere decapitada. Pero hablamos de dos personalidades en constante revuelo de conspiraciones (en aquella época el poder de los hombres era casi completo), traiciones, discusiones con el poder político y sobre todo religioso, etc...

Saoirse Ronan da vida a María Estuardo, mientras Margot Robbie lo hace con la Reina Isabel, ambas en un duelo interpretativo soberbio, y con una curiosidad, ya que en el film se produce un encuentro entre ambas cuando eso no sucedió, siendo resuelto con un correr de velos bastante intrigante, dejándose ver la personalidad de cada una de ellas, muy inseguras.

En el apartado de actores de reparto destaco a un impresionante Guy Pearce que encarna a William Cecil, consejero mayor de la reina, y una auténtica arpía.

María Estuardo se casó con su primo Enrique Estuardo, Lord Darnley (retratado en el film como un personaje bisexual) con quien tuvo un hijo, Jacobo, quien luego sería Rey de Inglaterra, interpretado por Jack Lowden.

Como es algo tozudo en la historia de Escocia, la reina sufrió muchos intentos de usurpar su trono, hasta que una rebelión instigada por su hermanastro la hizo abdicar y ceder el trono a su hijo Jacobo, aún menor de edad.

La ambientación está muy lograda y la fotografía de John Mathieson me parece excelente. Hemos de tener en cuenta también el contexto histórico de la época, donde Inglaterra estaba metida en luchas internas y miraba poco al exterior.

La directora establece una lucha de egos femeninos, y a veces mezcla cosas distintas, como por ejemplo el tema religioso, ya que María era católica e Isabel comandaba la Iglesia Anglicana (llamados protestantes en el film). Las diferencias entre ambas las unían a las dos, más que enfrentarlas. Aunque he de decir, que el enfoque feminista de la película me parece un poco excesivo.

Os dejo con el tráiler del film.

The Old Man & The Gun (2018)

Robert Redford se retira, y lo ha hecho con un último y gran film, The Old Man & The Gun. Este enorme actor forma parte de la historia del cine, así a vuela pluma me vienen a la cabeza "La jauría humana" (1966), "Dos hombres y un destino" (1969), "Las aventuras de Jeremiah Johnson" (1972), "El golpe" (1973), "Tal como éramos" (1973), "Todos los hombres del presidente" (1976), "Brubaker" (1980), "Memorias de África" (1985), "El río de la vida" (1992), "Una proposición indecente" (1993),"Quiz show (El dilema)" (1994), "Juego de espías" (2001), etc., eso en el aspecto de la actuación, luego están las diez películas que ha dirigido, entre ellas El río de la vida (1992), Quiz show (1994), Leones por corderos (2007), etc...

En él se mezclan clase, ser un poco fanfarrón, buenrollista y siempre con una sabia selección de los proyectos sea cual fuera el puesto en el que estaba.

En este film está dirigido por David Lowery y Robert interpreta a Forrest Tucker, un ladrón de bancos que existió en la realidad, y que pasó la mayor parte de la vida en la cárcel o intentando escapar de ella. Tanto es así, que logró fugarse en 18 ocasiones y de las formas más inverosímiles, como en una canoa para salir de San Quintín (contaba 70 años), e incluso cometió su último atraco en el año 2000, cuando contaba 80 años ya. Todo esto confundía a las autoridades y tenía entretenida a la opinión pública.

Metido en su búsqueda está el detective John Hunt, interpretado por un gran Casey Affleck, que se debate entre su admiración por el compromiso de Tucker son su oficio y su deber como hombre que defiende la ley. El remate interpretativo es Jewel, a la que da vida Sissy Spacek, la mujer que le ama y a pesar de su arriesgada vida, y que le hará pisar un poco el freno en sus aventuras.

Luego tenemos a los dos compañeros de robos, que forman juntos la banda de Los Carrozas, Teddy y Waller, dos papeles son interpretados por Danny Glover y Tom Waits, sus compañeros de fatigas, pero siempre liderados por Tucker.

Por otro lado Robert es amigo de David Lowery, el director, y Redford le pidió que para su jubilación como actor le diese un papel divertido, y a fe que el papel de Robert Redford es divertido a más no poder, una vida de película, aventurera, siempre de huída en huída y una vida complicada y viva.

Daniel Hart es el encargado de la música, a gran nivel, incluso la elección de temas míticos que complementan la banda sonora, como el Lola de los Kinks están perfectamente puestos en el momento adecuado. 

La película navega en un tono optimista, y sabiendo que es un thriller, el director lo hace jugoso y dulce para que el espectador lo disfrute, sabiendo que es una historia que podría ser algo más oscura y sórdida, pero hasta los momentos más bajos siempre los solventa con una mueca o una sonrisa, puestas en la cara del protagonista.

También hay que decir que sí que es cierto que la estrella de Redford en su despedida eclipsa un poco al resto, y que es algo con lo que se contaba antes de rodar, pero en el resultado final hay compañeros cuya luz les hace destacar, Sissy Spacek y Casey Affleck sobre todo.

Aunque también tengo que decir, que esta película es de las que se apreciará con el tiempo, y que cuando la ves estás teniendo la sensación de que no pasan muchas cosas, pero en realidad está pasando toda una vida, la del actor y la del protagonista que interpreta.

Os dejo con el tráiler de esta bella película.

Los Goya 2019

La gala de los Premios Goya 2019 cambiaban de escenario y viajaban en su 33ª edición a Sevilla, donde se reunió lo más destacado del cine español. El Palacio de Exposiciones y Congresos (Fibes) de la capital andaluza acogió el evento, que tuvo como presentadores a Andreu Buenafuente y a Silvia Abril. Las galas son siempre largas y tediosas, como todos sabemos, y hay cosas que mejoran con respecto a anteriores ediciones y otras que no.

Buenafuente y Abril vienen de la televisión, y para ellos es fácil meterse al público rápidamente en el bolsillo, aunque el inicio del evento fue lento, hasta 20 minutos tardó en llegar el primer premio. Eso si, su discurso a dúo repartió puyitas a políticos y asistentes, además de varias reivindicaciones feministas de Abril.

Lo que si es cierto, es que esta gala ha tenido unos índices de audiencia tremendos, los mejores en nueve años, y eso siempre es un dato positivo.

Los dos mejores momentos de la gala para mi gusto, fueron la intervención de Jesús Vidal, que emocionó a todos y la actuación de Rosalía, que a mi particularmente me dejó pasmado.

En cuanto a las películas favoritas y los galardones, las triunfadoras han sido Campeones (mejor película y actor novel), El Reino con siete cabezones, entre ellos Mejor dirección, mejor actor protagonista y mejor actor de reparto y Carmen y Lola con mejor dirección novel y mejor actriz de reparto. La Sombra de la Ley tuvo tres premios menores, dirección de fotografía, dirección artística y diseño de vestuario, Super López el de los mejores efectos especiales y el cine europeo vio a Cold War como ganadora, y el cine iberoamericano a la mexicana Roma.

Aquí está la lista de ganadores:

*Mejor película: Campeones


*Mejor dirección: Rodrigo Sorogoyen por El Reino


*Mejor interpretación femenina protagonista: Susi Sánchez por La enfermedad del domingo

*Mejor interpretación masculina protagonista: Antonio de la Torre por El Reino

*Mejor interpretación femenina de reparto: Carolina Yuste por Carmen y Lola

*Mejor interpretación masculina de reparto: Luis Zahera por El Reino

*Mejor actriz revelación: Eva Llorach por Quien te cantará

*Mejor actor revelación: Jesús Vidal por Campeones

*Mejor guión original: Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen por El Reino

*Mejor guión adaptado: Álvaro Brechner por La Noche de 12 años


*Mejor dirección novel: Arantxa Echevarría por Carmen y Lola

*Mejor película Iberoamericana: Roma (México)

*Mejor película europea: Cold War (Polonia) de Pawel Pawlikowsky

*Mejor película de animación: Un día más con vida de Kanaki Films y Platige Films

*Mejor música original: Olivier Arson por El Reino

*Mejor canción original: Este es el momento de Coque Malla por Campeones

*Mejor dirección de producción: Yousaf Bokhari por HEl Hombre que mató a Don Quijote

*Mejor montaje: Alberto del Campo por El Reino

*Mejor dirección de fotografía: Josu Incháustegui por El Reino

*Mejor dirección artística: Juan Pedro de Gaspar por La Sombra de la Ley

*Mejor diseño de vestuario: Clara Bilbao por La Sombra de la Ley

*Mejor maquillaje y peluquería: Sylvie Imbert, Amparo Sánchez y Pablo Perona por El Hombre que mató a Don Quijote

*Mejor sonido: Roberto Fernández y Alfonso Raposo por El Reino

*Mejores efectos especiales: Lluís Rivera y Laura Pedro por SuperLópez

*Mejor película documental: El silencio de otros de Semilla Verde Productions y Lucernam Films

*Mejor cortometraje de ficción: Cerdita de Carlota Pereda

*Mejor cortometraje de animación español: Cazatalentos de José Herrera


*Mejor cortometraje documental español: Gaza de Carles Bover Martínez y Julio Pérez del Campo


*Goya de Honor: Chicho Ibáñez Serrador


Os dejo con dos momentos de la gala que me encantaron, el discurso de Jesús Vidal.





Y la actuación de Rosalía y su tema Me quedo contigo.

Green Book (2018)

Peter Farrelly dirige Green Book, un biopic con tintes dramáticos pero con grandes dosis de humor. Ya el tráiler anunciaba una gran película, pero después de ver ayer el pre-estreno en el cine, he de decir que me parece una película extraordinaria y seria candidata a los Oscars.

Viggo Mortensen y Mahershala Ali hacen un ejercicio interpretativo de mucho nivel, el primero interpretando a Tony Lip, un tipo duro e italoamericano del Bronx, que pasó poco por la escuela, y cuyos puños arreglan todo tipo de problemas, mientras el segundo da vida a Don Shirley, un sofisticado pianista, de refinados gustos musicales y también personales, que es afroamericano y de fama mundial. Tony, después de una pelea en un club nocturno donde trabajaba, busca trabajo, y de las muchas ofertas que tiene, decide ser chófer de Don, y realizar juntos una gira por el Sur de Estados Unidos, los estados más racistas, es decir, Pennsylvania, Alabama, Indiana, Carolina del Norte, etc... Hablamos del año 1962...

Pero esta película, y lo digo para calibrar si es una gran joya (que para mi sí lo es) o no, tiene un guión extraordinario, dos actores maravillosos, con gran química y en estado de gracia y una banda sonora memorable.

El film trata una historia real, la de la amistad que acabó surgiendo entre el refinado pianista y su chófer, relaciones públicas y demás cargos que fue sumando, y que se forjó en esa gira de unos dos meses de duración aproximada. Tony es algo racista, pero cuando empieza a escuchar a Don en sus conciertos, queda prendado, y acabará defendiéndole a capa y espada.

Lo mejor de esta historia y de la película, es que todo fluye de manera natural, no hay nada impostado y los pasos que se dan son coherentes y hacen que te creas la historia de principio a fin. Es tan así, que los propios personajes van sufriendo una evolución que permite que sus personalidades antagónicas, vayan poco a poco teniendo acercamientos y puntos de encuentro.
Todo esto se debe también a las magníficas interpretaciones de ambos, añadiendo matices propios de cada actor que hacen de su trabajo algo impecable.

En cuanto a los secundarios, están todos perfectos, la mujer de Tony, Dolores, que interpreta Linda Cardellini, los dos músicos que acompañan a Don, Oleg y Johnny Venere y demás.

Por si fuera poco, el film es un disfrute en cada momento, tiene un encanto especial, no sólo por la amistad que se establece entre los protagonistas, sino por las situaciones absurdas que se producen cuando Don Shirley va a tocar a casas de ricos y es la estrella, pero luego no le dejan utilizar el baño de los blancos, o que vaya a una tienda de ropa y quiera probarse un traje y no le dejen por el color de su piel, etc., algo que refleja que no hace muchos años la sociedad norteamericana era muy diferente a la actual.

Todo ello se disfruta con la banda sonora, que conduce Kris Bowers, y que tiene temas del propio Dr. Shirley y su trío, The Orange Bird Blues Band, Jack's Four, etc...

Os dejo con el tráiler de esta gran película.

Like. (2018)

Jose Luis Eiroa Dovao dirige y protagoniza este corto titulado Like. Todo gira entorno al uso continuo y excesivo en muchos momentos de las redes sociales, y como eso afecta a tu vida cotidiana. Ir en el metro, y ver un símbolo que se utiliza habitualmente en una red social cambiado al revés, puede suponer un bloqueo mental o un cabreo de lo más tonto. Es la idea que se transmite en este corto, creo que muy directa sobre el uso abusivo hoy en día de internet y sobre todo de las redes sociales, que afectan a tu comportamiento.

Os dejo con Like.

Estribillo (2016)

César Tormo dirige este corto llamado Estribillo, en el que participa su hija Ada Tormo. Ellos son los actores que interpretan a un padre y una hija, que tienen un enfrentamiento "musical". Ella es freaki de la música, tiene su habitación llena de pósters y canta sus propias canciones que canta junto a un micrófono y un amplificador donde enchufa una guitarra. Cuando está interpretando un tema, su padre que la escucha desde fuera, decide entrar y reprocharle que no hace bien el estribillo, con tres momentos, como le ha recomendado siempre su papá.

Ahí viene la discusión, dónde ella defiende hacer el estribillo como quiere...

Os dejo con este curioso corto.

Escenas míticas del cine (LXXIX)

Tim Burton dirige en 1994, la que para muchos es su obra maestra, Ed Wood, que emana un amor infinito por el cine en cada uno de sus planos. Johnny Depp (actor fetiche de Burton) da vida a Ed Wood, un joven director de cine, que es un visionario sin formación académica de ningún tipo, pero que tiene aficiones como vestirse de mujer, y además no consigue tener oportunidades de hacer películas en unos grandes estudios. Pero consigue reunir a un curioso grupo de personajes, con los que realiza películas de bajo presupuesto, excéntricas y de cuidado técnico dudoso. Toda rodada en blanco y negro a drede, es un disfrute absoluto desde que empieza hasta que acaba.

A partir del guión de Scott Alexander y Larry Karaszewski, que se acercaron a la figura del considerado "peor director de todos los tiempos" con cariño y respeto, Burton supo interpretar ese guión e ir todavía más allá, estableciendo paralelismos entre él mismo y el cineasta maldito, en su relación particular y profunda con Vincent Price y Bela Lugosi, dos iconos absolutos del cine de terror, de un tiempo ya no recuperable, donde había magia...

En una escena mítica, Ed Wood (Johnny Depp) tiene un momento de tensión en el rodaje, intenta calmarse en el camerino, y su solución consiste en vestirse de mujer...

Os dejo con la mítica escena.

Réquiem (2018)

Réquiem es un corto dirigido por Juanma Juárez, en el que nos habla del caso de una persona mayor que va a ser desahuciada de su casa. La autoridad competente, la comisión judicial, llega a la vivienda de Manuela Delgado, una señora mayor que vive sola y como en muchos casos con una pensión pequeña, no puede hacer frente a la subida del precio del alquiler. Una situación que en los últimos años en nuestro país es muy frecuente por desgracia, y que con la crisis que seguimos padeciendo se ha agudizado. La parte final del corto es muy impactante, y refleja lo cruel del mundo donde vivimos y como la rueda sigue girando.

Os dejo con este impactante corto.

Estampitas (2018)

David García Ahumada dirige este corto donde José Mari, interpretado por Pablo Sánchez, tiene 35 años y sigue viviendo con su madre, a la que da vida María Rojas. Ella es muy de vírgenes y estampitas, algo muy común en Andalucía, y antes de que el chavalote salga de casa, ella le restriega todas esas imágenes por la cabeza y demás, algo muy de supersticiones, y que va casi de la mano con lo anteriormente comentado. Él está un poco cansado de ese trato, pero acepta, y en último extremo sigue las órdenes de su madre, como cuando se le olvida algo muy importante que se dejaba...

Os dejo con Estampitas.

Vacío (2018)

Una enfermedad congénita que provoca cáncer en un 99% de los casos, es lo que lleva a pasar por el quirófano dos veces a nuestro protagonista, interpretado por Juan Dual, que pierde varios órganos en esas operaciones, y se salva milagrosamente de la muerte.

Es a partir de ahí, cuando decide que lo que quede de vida, la va a disfrutar a tope, y empieza desde Nicaragua (donde fue a hacer un voluntariado) un camino de 7000 Km hechos en bici por toda Sudamérica le cambia totalmente la vida. Desde ese momento no dejó de correr, aprendió a divertirse corriendo y también sufriendo, pero ha conocido sitios estupendos gracias a ello. Pero solo hay una causa, le encanta sentirse vivo.

Os dejo con este gran corto.

Glass (2019)

Conviene recordar que M. Night Shyamalan es un director de cine y guionista que saltó al estrellato más absoluto con El Sexto Sentido (1999). A partir de ahí cualquier producción suya era esperada como un gran acontecimiento, El Protegido (2000) es otro gran film, acogido con no tanto entusiasmo, aunque se convirtió en película de culto con el tiempo. Lentamente fue cayendo la atención que se prestaba a sus nuevas películas, que en algunos momentos resurgió, como en Señales (2002) o El Bosque (2004). Pero claro, la pobre repercusión de Airbender, el último guerrero (2010) y After Earth (2013) volvieron a llevar casi al olvido al director de origen hindú. Ya con La Visita (2015), algo cambió a mejor, y con Múltiple, una segunda parte del Protegido, todo volvió a un gran nivel. Ahora llega Glass (Cristal), que sumada a El Protegido y Múltiple, cierra la trilogía.

Es por esto que se torna imprescindible haber visto antes las dos primeras partes de la trilogía, simplemente porque esos personajes están muy bien explicados en ellas. Aquí se funden Protector, Cristal y La Bestia que comanda La Horda, con los que el director ha organizado un discurso donde mezcla la naturaleza del superhéroe, los hombres que tienen virtudes extraordinarias y todo ello relacionado con el universo del cómic.

El primer gran reto al que se enfrentaba el director, era encajar los universos de las dos primeras películas en esta, que siendo el mismo estaban en escenarios distintos, aunque si que es cierto que esas dos películas difieren mucho y hay 17 años de distancia entre ambas. Es por esto, que este film se parece más al universo de Múltiple, aunque he de aplaudir el ensamblaje de ambas.

Bruce Willis es el protector, único superviviente de un accidente de tren provocado por Don Cristal (Samuel L. Jackson) que tiene huesos de mantequilla que le han provocado ya 94 fracturas, pero un cerebro superdotado, a los que se une James McAvoy, poseedor de 23 personalidades distintas, entre ellas la más peligrosa "La Bestia", y los tres articulan el mensaje de Shyamalan, donde extiende el dilema de si tienen realmente superpoderes, o son casos excepcionales de enajenados mentales que necesitan urgentemente tratamiento psiquiátrico. Es curioso como al inicio tanto Willis y McAvoy tienen mayor protagonismo, para en el segundo acto florecer la mente perversa de Cristal para ser la que ejecute todos los fregados.

La diferencia de esta película con las otras dos, es que aquí los tres son internados en un centro psiquiátrico, desarrollándose allí la gran parte de la película, y entrando en acción la Doctora Ellie Staple, interpretada por Sarah Paulson y que será clave a la hora de entender que se está haciendo con ellos realmente dentro del centro.

También aparecen Anya Taylor-Joy, la chica Casey, que sobrevivió a la Bestia, el hijo del Protector Joseph Dunn, interpretado por Spencer Treat Clark (que ha crecido bastante desde El Sexto Sentido, unos 20 años) y Mrs. Price, madre de Elijah (Cristal) que velan por su cuidado.

En cuanto a los tres personaje principales, el de McAvoy es el que menos cambios sufre, es realmente una continuación (está completamente majara, incluso diría que más). Pero el tiempo si ha pasado y se nota en Willis, que vuelve a estar soberbio interpretando a David Dunn (después de un tiempo de flojos films) y un Jackson cuyo lado oscuro y perverso le va como anillo al dedo. Y la película funciona de maravilla cuando ellos tres están en acción, y flojea cuando se centra en sus familiares más cercanos o amigos.

Eso si amigos, el señor Shyamalan ha cerrado la trilogía de una manera brillante, sin dejar indiferente a nadie. 

Os dejo con el tráiler del film.

Vice (2018)

Que los biopics están de moda es algo evidente, pero lo que aún está más en el candelero es mezclar una supuesta biografía con la política, con lo que ello conlleva y además mezclando ficción con la no ficción, y la realidad con una soñada.

Adam Mckay es el director de este gran relato, en el que desde el primer momento demuestra su maestría con frases, tonos y mensajes, todo ellos aderezado con un sentido del humor constante, bastante burdo a veces, aunque en el fondo amargo, que consigue que estés empatizando con las bromas de personajes que resultan ser bastante patéticos, odiosos y poco recomendables.

La película nos cuenta como Dick Cheney, interpretado por un soberbio Christian Bale, era un zoquete borracho y bastante bronco en sus años jóvenes, lo que le provocaba constantes irritaciones de la que sería su mujer, Lynne Cheney, a la que da vida una magnífica Amy Adams. El plantel de actores, incluidos los cameos, es de un nivel superlativo, y querría destacar en este sentido a Sam Rockwell, que borda literalmente a George W. Bush. Steve Carell como Donald Rumsfeld también está soberbio.

Si que es cierto, que en varios momentos de la película se sale del biopic y se mete en el documental, pero sin maldad y para reflejar hechos concretos de importancia.

En lo que esta cinta está soberbia es en dar unas pinceladas sobre nuestra historia más reciente, siendo bastante mordaz y posicionándose claramente, pero con una capacidad de crítica que realmente nos incluye a todos. Aunque el film se centra en el ascenso de esa calamidad humana que era Dick Cheney, además de reflejar en todos los gabinetes en los que estuvo y las decisiones tan importantes que tomó, su postura siempre polémica, sobre todo en la Guerra de Irak.

Pero la conclusión, como moraleja del film, es el complejo entramado que gobierna un país como EEUU, donde las víboras sacan la cabeza continuamente para destacar, sigue siendo la base de la estructura de ese país, y que evidentemente influyen en las decisiones que se toman.

Ante todo esta película es muy aclaratoria en todo lo que ha sucedido desde la caída de las Torres Gemelas de New York y todo lo que ocurrió después con las decisiones que se tomaron y que aún hoy las notamos.

Os dejo con el tráiler de este muy interesante película.

Juliet, Naked (2018)

Jesse Peretz dirige esta adaptación del libro de Nick Hornby, al que conocimos en su día por ejemplo por Alta Fidelidad, aunque esta en concreto la escribió en 2009 y ha dado el salto a la pantalla grande ahora. En ella Annie (Rose Byrne) y Duncan (Chris O'Dowd) es una pareja que lleva ya unos quince años juntos y entran en esa época peligrosa de los cuarenta, donde todo empieza a cambiar. Ellos llevan una vida tranquila, pero a ella le preocupa y mucho el paso del tiempo sin novedades, sin tener hijos que cambie sus vidas, etc., Duncan si embargo es fanático de Tucker Crowe (Ethan Hawke), un músico norteamericano que tras publicar su exitoso primer disco Juliet, desapareció.

Esta pareja vive en un pueblo de Inglaterra, mientras ella trabaja preparando una exposición sobre el año 1964, y él, que es profesor, tiene una habitación exclusivamente decorada con pósters, y discos de su ídolo. Todo cambia a partir de un sobre que reciben y que ella abre primero, se trata de unas maquetas de aquel disco, y que haría las delicias de cualquier fan. Eso provoca una discusión, pero es un punto a partir del cual todo cambiará. Ella hace una reseña en el grupo de fans por internet, que gusta al propio Tucker, quien empieza a hablar con Annie. Será cuando Duncan meta un patinazo, cuando provoque que haya un cruce en las vidas de los tres.

La directora intenta reflejar la amargura de la protagonista, pero todo es amable y no resulta ni violento ni grotesco, aunque a veces cae en situaciones algo patosas o patéticas, pero ahí es donde el humor las salva. En todo el film hay toques o resortes humorísticos, que en todo momento hace que el espectador no se aburra y todo transcurra de una manera bastante agradable. Realmente los actores, el trío protagonista, es el que hace que la película salga a flote, los tres están espléndidos.

Sí que es cierto, que la película no intenta dar la sensación en ningún momento de final feliz, la desastrosa vida del músico queda perfectamente reflejada y esa parte está muy bien tratada, ya que todos sus deslices amorosos dejaron hijos en el camino, y con algunos de ellos ni tiene relación. Un problema de salud, hará que vea a muchos de ellos juntos, pero su afán por pedir perdón y reconducir situaciones erróneas del pasado casi se le vuelven en contra, hay una moraleja moral bastante importante ahí.

Una película que se queda en la superficie en algunos momentos, aunque su ligereza hace que pases un buen rato en la butaca.

Os dejo con el tráiler.

Las mejores películas de 2018 (1-5) Parte 1

Y por fin llegamos a las posiciones de honor, cinco películas con las que disfruté de forma increíble en mi butaca. Aquí tenemos un spin-off de Star Wars que es lo mejor que se ha hecho en esta nueva etapa de la saga, una historia real de un submarino ruso que se hundió por la explosión de torpedos y sus tripulantes sobrevivientes intentaban ser rescatados, una película sobre gente discapacitada que aprende a jugar al baloncesto con un entrenador obligado a ello por cumplir condena, un biopic magnífico sobre una banda y su líder británicos, ambos míticos y una película española brillante sobre los difíciles años 20 en la Barcelona de entonces.

1. Solo: A Star Wars History de Ron Howard

Mi decepción con Los Últimos Jedi, donde Rian Johnson arriesgó y no le salió del todo bien, ha tenido recompensa pocos meses después. Los nuevos spin-offs, que con Rogue One ya tuvo una piedra de toque importante, se intercalan entre la salida programada de los episodios VII, VIII y IX, y no solo sirven para expandir el universo (ya enorme) de esta mítica saga, sino que además están incorporando cosas que pensaba ya perdidas en la nueva franquicia, porque y lo vuelvo a decir, para mi desde que Disney se hizo cargo de esta nueva época, hay detalles importantes del pasado que se han perdido, y no me refiero a actores o personajes que van desapareciendo, sino a la aventura. Señoras y señores, Star Wars es y será siempre una película de aventuras, y eso no se debe perder nunca, pues bien, aquí se recupera y de qué forma.

Si bien en Rogue One había un acercamiento claro al cine bélico, y su segunda parte me pareció realmente espectacular, con un final muy brillante, aquí en este spin-off del mercenario y anti-héroe más famoso de la saga, hay una serie de paralelismos en el guión, unos guiños con grandes películas de siempre, que me parecen muy bien llevados a este universo. Hay ecos de Ben-Hur, de El Golpe, incluso de varias películas del western de verdad (sustituyan caballos por naves espaciales por ejemplo), del que sabe a bebida vieja de la buena, pero recuperando ese espíritu aventurero de siempre, y que repito, esta saga nunca debe perder. 

En esto el guión es clave (algo que falla bastante en el Episodio VIII) y Lawrence Kasdan es fundamental, que junto a su hijo Jonathan han sido los responsables, porque aquí hay una uniformidad de los acontecimientos que permite que hasta un neófito se entere, y por otro lado la construcción de la historia y la manera de tratar a cada personaje está muy cuidada.

Os dejo con el tráiler.

2. Kursk de Thomas Vinterberg

El 12 de Agosto del año 2000 el submarino nuclear de la Flota del Norte de la armada rusa K-141 Kursk, mientras realizaba unas extrañas maniobras navales (con armamento pesado) en el Mar de Barents, sufrió explosiones que produjeron su hundimiento. En su interior había 118 tripulantes, muchos de los cuales fallecieron en el acto cuando ocurrieron las explosiones. Hablamos de un submarino botado el 30 de diciembre de 1994, por tanto no tenía ni siquiera seis años de antigüedad. Recuerdo este hecho cuando sucedió como si fuera hoy mismo, era el típico mes de agosto sin noticias y saltó esta, que tuvo en vilo a todo el mundo, ya que los pocos marineros que sobrevivieron a la explosión, en un lado del submarino, luchaban por aguantar dentro hasta poder ser rescatados. Estos son los hechos, pero es más que evidente que desde la propia Rusia nadie se iba a atrever a hacer un film, que reflejara la incompetencia de las autoridades rusas en aquellos terribles momentos. Ha sido una co-producción belga-luxemburguesa la que lo ha realizado.

Con la disolución de la U.R.R.S, toda la flota había experimentado recortes financieros  por la falta de fondos. Muchos submarinos habían sido traídos desde muelles en el Mar de Barents y abandonados para oxidarse. Todos excepto el equipo más esencial de primera línea, incluyendo el equipo de búsqueda y rescate, que fueron inadecuadamente inspeccionados.
Probablemente sea la película de este director que ha contado con mayor presupuesto, cosa que se nota en el reparto actoral de nivel, pero desde luego sabe llevar el drama con una calidad excelente y centrar la película en lo verdaderamente importante.

Os dejo con el traíler de esta gran película.

3. Campeones de Javier Fesser

La trayectoria de Javier Fesser como director, después de un magnífico comienzo con Aquel Ritmillo (1995) y El secdleto de la tlompeta (1995) sus dos primeros cortos y sobre todo con el Milagro de P. Tinto (1998), su primer film largo y especialmente recordado haciendo gala de un tremendo y divertido humor, hizo que su carrera fuera por esos derroteros hasta La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón (2003). A partir de ahí vino un cambio con Binta y la gran idea (2004) y sobre todo con Camino (2008), aquel dramón que le dio muchos Goyas al año siguiente. La vuelta en 2014 con Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo hizo pensar que volvía a su lado humorístico. Pero ahora en Campeones, no sólo sigue con el humor, sino que lo mezcla con la ternura y ciertas dosis de drama, una mezcla que le sale redonda.

Si que es cierto, que el guión y la historia de este film podrían parecer algo arquetípicas, pero la manera de tratarlo de Fesser hace que te llegue al alma, y lo explico a continuación.

El film narra la historia de Marco, interpretado por el gran Javier Gutiérrez, un entrenador profesional de baloncesto, cuyo trabajo es segundo entrenador del Estudiantes, que un día en un partido estalla, dentro de su propia crisis personal, y se enfrenta al primer entrenador en el transcurso de un partido, por la noche se emborracha y tiene un altercado con la policía. El resultado es que se le despide del club, se le retira el carnet de conducir por dos años y se le conmuta la pena de cárcel por 3 meses de trabajos para la comunidad, que la jueza le determina será dirigir a un equipo compuesto por personas con discapacidad intelectual. Él al principio lo llevará mal, pero irá aprendiendo que a esos chicos debe quererlos.
Un film tierno, gracioso e incluso con su drama, una mezcla llevada de lujo.

Os dejo con el tráiler.

4. Bohemian Rhapsody de Bryan Singer

Excelente el biopic dirigido por Bryan Singer sobre la banda Queen, y titulado como una de sus afamadas canciones, Bohemian Rhapsody. Ni que decir tiene que hablamos de una banda de rock británica, cuya historia es fundamental explicar para generaciones como las actuales, que han visto como la imagen de esta banda clave en la década de los 70 y con grandes momentos en los 80 ha sido algo cambiada o modificada, ya bien sea por musicales en teatros, cambios de cantante (después de la muerte de Mercury) que nadie entendía, etc...

Y este film cumple muy bien ese objetivo y además entretiene y mucho. Que Roger Taylor y Brian May hayan estado a cargo de la producción ejecutiva, hace que muchas cosas hayan sido cuidadas al detalle, y que sobre todo, la vida excesiva que llevaba Freddie Mercury fuera del escenario (y que afectó a la banda) haya sido tratada sutilmente y con suavidad, eso si, sin negar la homosexualidad de su protagonista.El film se convierte de esta forma y por derecho propio, en una celebración de la música de la banda, y se centra mucho en un personaje, en su cantante, pianista y compositor Freddie Mercury, al que borda Rami Malek (recordemos que Sacha Baron Cohen abandonó el proyecto porque quería que fuera más adulto), pero de una manera muy inteligente ya que no imita al original, sino que se mimetiza con él y se convierte en él, tanto en sus movimientos, como en sus gestos (el lenguaje no verbal) que simple y llanamente borda. Freddie desafió estereotipos e hizo añicos tradiciones para convertirse en un showman único y de los más queridos del mundo. La explicación del origen de su familia (recordemos que Farrohk Bulsara, su auténtico nombre, nació en Zanzíbar, actual Tanzania) es muy importante y está muy bien explicada.

Os dejo con el tráiler de este gran biopic.

5. La Sombra de la Ley de Dani de La Torre

Pocas veces se hace en el cine español una película de cine negro de gánsteres y menos aún de gánsteres de aquí, siempre ha parecido que el asunto de Al Capone y parecidos era una cuestión exclusivamente americana y como si esa patente fuera única. Dani de la Torre ha dado el paso, y lo ha hecho de manera firme, segura y con calidad. Vi su anterior film El Desconocido (2015), interesante thriller, que aquí mejora de manera meridiana. Es una película con un despliegue mayor, eso se nota rápido, pero en ese siempre arriesgado paso han de tenerse las cosas claras y muy definido el objetivo y este director parece tenerlo. Lo más impactante de todo, es que lo que se describe en este film no dista mucho de la situación actual. 

En la España de los años 20, había una crisis profunda, que vino ocasionada por la nefasta guerra con Marruecos. Aquí se nos cuenta esa época en Barcelona, justo los tiempos antes del golpe de estado de Primero de Rivera en 1923. En esos años complicados los trabajadores estaban descontentos ante unas condiciones laborales lamentables y unos patrones al servicio de la mafia, la lucha de las mujeres por el sufragio universal, mientras el aumento del crimen organizado era imparable. En medio de toda esa situación de polvorín total, un inspector de policía llegado de Madrid, Aníbal Uriarte al que apodarán "El Vasco", con el fin de aclarar el asalto de un tren militar donde se han robado armas al ejército, siendo los anarquistas los señalados en primera instancia. Todo esto le llevará a los bajos fondos de la ciudad, clubs de jazz y baile, etc., de aquella ciudad donde mafiosos, policías corruptos y demás gentecilla dominaban la escena. 

Os dejo con el tráiler del film.