Como decía ayer, en 1967 Robert Aldrich dirigió la que al final fue la película más exitosa de su carrera, Doce del patíbulo. Este director era muy de izquierdas en la posguerra en Estados Unidos y siempre sufrió ataques de todo tipo, y fue llamado comunista no pocas veces. Hizo muchos tipos diferentes de películas, e hizo grandes films, pero no ha sido tan recordado como otros de su generación como Wilder, Sturgess o Wyler. Pero Aldrich siempre fue un tipo con conocimientos técnicos fabulosos, mucho coraje y coherencia, además de destreza. Muchas de esas características están en esta cinta donde El mayor Reisman (Lee Marvin) es un oficial norteamericano muy distinguido por su valor en la campaña de Italia, durante la Segunda Guerra Mundial. A pesar de ello, su mayor virtud no es la disciplina, siendo las relaciones con sus superiores bastante tensas. De todas formas y gracias a su gran y brillante historial militar, le encargan una misión suicida, que consiste en asaltar una fortaleza nazi y matar a sus ocupantes, todos ellos altos mandos del régimen alemán. Para ello somete a un durísimo adiestramiento a doce presidiarios, y donde el reparto es simplemente alucinante con Charles Bronson, Donald Sutherland, Robert Ryan, John Cassavetes, Ernest Borgnine, Telly Savalas, etc...
La banda sonora corrió a cargo de Frank de Vol, gran apoyo de música bélica que cuadraba perfectamente con lo narrado.
En 1967 Robert Aldrich dirigió la que al final fue la película más exitosa de su carrera, Doce del patíbulo. Este director era muy de izquierdas en la posguerra en Estados Unidos y siempre sufrió ataques de todo tipo, y fue llamado comunista no pocas veces. Hizo muchos tipos diferentes de películas, e hizo grandes films, pero no ha sido tan recordado como otros de su generación como Wilder, Sturgess o Wyler. Pero Aldrich siempre fue un tipo con conocimientos técnicos fabulosos, mucho coraje y coherencia, además de destreza. Muchas de esas características están en esta cinta donde El mayor Reisman (Lee Marvin) es un oficial norteamericano muy distinguido por su valor en la campaña de Italia, durante la Segunda Guerra Mundial. A pesar de ello, su mayor virtud no es la disciplina, siendo las relaciones con sus superiores bastante tensas. De todas formas y gracias a su gran y brillante historial militar, le encargan una misión suicida, que consiste en asaltar una fortaleza nazi y matar a sus ocupantes, todos ellos altos mandos del régimen alemán. Para ello somete a un durísimo adiestramiento a doce presidiarios, y donde el reparto es simplemente alucinante con Charles Bronson, Donald Sutherland, Robert Ryan, John Cassavetes, Ernest Borgnine, Telly Savalas, etc...
En una escena mítica todo el grupo come y bebe y repasa minuciosamente el plan orquestado una y otra vez.
En el año 2014, los desconocidos hasta entonces David Leitch (aunque no aparece en los créditos) y Chad Stahelski dirigen John Wick (Otro día para matar) donde el protagonista es Keanu Reeves, actor que por muchos es acusado de falta de expresividad, pero que en este film para mi está excelso. Se trata de una cinta de acción seca, al límite en todo momento, pero que sobre todo tiene un ritmo brutal y unas secuencias alucinantes, extraordinariamente bien rodadas y que te dejan pegado a la silla desde el primer minuto, además de contener frases lapidarias.
Se nos presenta al personaje de John Wick como un hombre de buena posición que vive en una lujosa casa y que acaba de perder a su esposa tras una lucha contra una enfermedad terminal, y que, después de enterrarla, recibe un paquete que ella dejó preparado antes de su muerte, un cachorro de beagle, precioso. Hasta aquí podría parecer que nos encontramos ante el típico film de drama de corte telefilm, pero nada más lejos de la realidad. A partir de aquí, un cruce casual con unos tipos de origen ruso en una gasolinera, que le preguntan por su coche (Ford Mustang del 69), acaba con un asalto a su casa para robarle el coche, matar a su perro y provocar con tal acto, el desencadenamiento de la sed de venganza descontrolada, del que fuera un asesino de leyenda. A partir de aquí, como es de suponer, la cinta pega un giro brutal y empieza a mostrar su verdadera cara, y lo que es mejor, es donde caes rendido de rodillas ante la forma en que el protagonista pasa de ser un Don Nadie, a ser, sin temor a equivocarme, el personaje más alucinante, despiadado y molón que haya interpretado el bueno de Reeves a lo largo de su carrera, aparte de Neo en Matrix, claro está. Su leyenda se va describiendo con frases como "Bueno, John no era el hombre del saco. Es el que mandabas a matar al jodido hombre del saco"... y otras.
En una escena mítica Viggo Tarasov (al que daba vida el desaparecido Michael Nyqvist), padre de Iosef Tarasov (al que da vida Alfie Allen) le deja claro con quien ha cometido la enorme cagada y le avisa de que John Wick irá a por él, mientras John se prepara para la venganza y ni siquiera contesta al teléfono a Viggo.
David Lean dirigió en 1962 Lawrence de Arabia, basada en las andanzas de T.E. Lawrence, al que daba vida Peter O'Toole, un conflictivo y enigmático oficial británico, que es enviado al desierto para participar en una campaña de apoyo a los árabes contra Turquía, en El Cairo allá por 1917, todavía en el período de la I Guerra Mundial (1914-1918). Él y su amigo Sehrif Alí (Omar Sharif) ponen toda su alma en esta nada fácil misión, en la que se darán cuenta de que los nativos adoran a Lawrence, porque ha demostrado de sobra ser amante del desierto y del pueblo árabe, mientras que sus superiores británicos le toman por loco y creen que ha perdido la cabeza.
Es importante recordar, que este director antes de esta película dirige El Puente sobre el Río Kwai en 1957, y tres años más tarde de Lawrence de Arabia hace lo propio con Doctor Zhivago, en una época de esplendor absoluta. Pero este film con los medios actuales, tendría un presupuesto que se elevaría por cientos y miles de millones, esa es una de sus grandes virtudes, que todo lo que vemos es real, aunque se permita sus licencias narrativas y un romanticismo algo cínico, pero maravilloso.
Con el grado de teniente, Lawrence emprende un largo viaje a través del desierto a camello, en busca del campamento del príncipe Faysal, acompañado de un guía beduino, Tafas (Zia Mohyeddin), y este le enseña a montar en camello, mostrándole como debe hacerlo, como es lógico lo primero que sucede es que se cae, pero aprende y ya lo dominará.
En el año 1970 Franklin J. Schaffner dirige Patton, a medio camino entre el biopic y el film bélico al uso, consiguió siete Oscars de la academia de Hollywood, uno de ellos para el mejor actor protagonista a George C. Scott por su papel del general norteamericano, que se negó a recoger. En el guión participó un joven Francis Ford Coppola junto a Edmund H. North.
George S. Patton es una figura mítica del ejército norteamericano, a pesar de ser muy controvertido, ya que venció al Mariscal Rommel en África y gracias a ello cambió el curso de la II Guerra Mundial y condujo a sus tropas de manera triunfal a partir de entonces, por toda Europa. George C. Scott hizo un ejercicio interpretativo soberbio, quizás el más potente de su carrera.
La banda sonora corrió a cargo del gran Jerry Goldsmith y está a un gran nivel siendo una de las partes importantes del film como encaje perfecto de lo que vemos.
Os dejo con el Main theme de esa gran banda sonora.
En el año 1970 Franklin J. Schaffner dirige Patton, a medio camino entre el biopic y el film bélico al uso, consiguió siete Oscars de la academia de Hollywood, uno de ellos para el mejor actor protagonista a George C. Scott por su papel del general norteamericano, que se negó a recoger. En el guión participó un joven Francis Ford Coppola junto a Edmund H. North.
George S. Patton es una figura mítica del ejército norteamericano, a pesar de ser muy controvertido, ya que venció al Mariscal Rommel en África y gracias a ello cambió el curso de la II Guerra Mundial y condujo a sus tropas de manera triunfal a partir de entonces, por toda Europa. George C. Scott hizo un ejercicio interpretativo soberbio, quizás el más potente de su carrera.
En una escena mítica la comitiva norteamericana liderada por Patton confraterniza con los rusos, al mando de su general. En un momento, después de bailes y demás se propone un brindis, a lo que Patton contesta que no lo hará con un hijo de perra ruso, a lo que el general ruso contesta que él también era un hijo de perra, a lo que Patton acepta diciendo "entonces brindaré, de un hijo de perra a otro".
En 2018 llegó la secuela de The Equalizer, volviendo a juntar al director Antoine Fuqua, el guionista Richard Wenk y al actor Denzel Washington. Robert McCall garantiza una justicia inquebrantable para los explotados y oprimidos, y vela por todos aquellos a los que tiene aprecio. La cosa se complica cuando muere gente cercana a él y a los que quiere, por lo que empezará a hacer sus propias investigaciones para averiguar el entramado que hay detrás de diversos asesinatos y que él está convencido de que tienen conexión. Camuflado como conductor de un taxi privado va ayudando a la gente que se mete en problemas, pero cuando la cosa ya se pone fea del todo, sacará todo su arsenal.
En una escena brutal al inicio del film en un tren en Turquia, Robert liquida a cuatro tipos, uno de los cuales tenía secuestrada a la niña de una amiga americana.
En el año 2014 Antoine Fuqua y Denzel Washington volvieron a trabajar juntos en The Equalizer, 13 años después de su exitosa Training day, donde el actor se llevó el Oscar. A nadie se le escapa que esta es una versión renovada de la serie de los años 80 "El justiciero" y desde luego actualizada y puesta al día. Robert McCall es un antiguo agente de la CIA, que ahora lleva una vida tranquila, pero abandona su retiro para ayudar a Teri, una joven prostituta que está siendo explotada por la mafia rusa. A pesar de que aseguró no volver a ser violento, contemplar tanta crueldad despierta en Robert un implacable y nuevo deseo de justicia.
En una escena imborrable Robert llega (haciéndose pasar por un mandado) a donde está Andrei (Vitaliy Shtabnoy) al que avisan de que salga de su escondite, y cuando le pregunta por su arma, cuando se quiere dar cuenta ya le está apuntando con ella, y le pide a sus chicos que le hagan caso y dejen sus armas... "Hazlo por mi, Andrei".
El Palacio de las Artes de Valencia ha sido el lugar elegido para la edición número 36 de los Premios Goya, una gala sin presentador dirigida por Dani de la Torre y en la que el mayor número de nominaciones eran para El buen Patrón de Fernando León de Aranoa y Maixabel de Icíar Bollaín. Los pronósticos se cumplieron ya que la primera ha obtenido seis galardones importantes como mejor película, mejor director, mejor actor protagonista o mejor guión original entre otros, mientras que Maixabel se llevó el de mejor actriz protagonista, mejor actor de reparto o mejor actriz revelación entre otros con un total de tres estatuillas. Las leyes de la frontera de Daniel Monzón y Libertad la ópera prima de Clara Roquet, la primera con cuatro galardones, entre ellos el de mejor actor revelación y esta última con el Goya a mejor dirección novel y el de mejor actriz de reparto. El último triunfador de estos premios, Pedro Almodóvar no consiguió ningún Goya por sus Madres paralelas, el gran perdedor.
El Goya a mejor actor protagonista fue para Javier Bardem por su papel en El buen patrón y para Blanca Portillo el de mejor actriz protagonista por el suyo de Maixabel. Nora Navas recibió el galardón a mejor actriz de reparto por Libertad, mientras que el de mejor actor de reparto fue para Urko Olazabal por Maixabel.
El Goya de honor se lo llevó José Sacristán a sus 84 años, el actor madrileño declaró estar "feliz y a la vez aturdido" por el premio y el reconocimiento a su carrera. Por otro lado el Goya internacional fue para una actriz de la talla de Cate Blanchett.
Aquí está la lista de ganadores:
*Mejor película: El Buen Patrón *Mejor dirección: Fernando León de Aranoa porEl buen patrón *Mejor interpretación femenina protagonista: Blanca Portillo porMaixabel
*Mejor interpretación masculina protagonista: Javier Bardem porEl buen patrón
*Mejor interpretación femenina de reparto: Nora Navas por Libertad
*Mejor interpretación masculina de reparto:Urko Olazábal por Maixabel
En 1956 Vincente Minnelli dirige El Loco del pelo rojo (Lust for life en su título original) un extraordinario biopic sobre la vida y obra de Vincent Van Gogh, al que da vida un extraordinario Kirk Douglas, que ayer hizo dos años de su desaparición. Van Gogh después de fracasar como predicador de la Sociedad belga de los Mensajeros de la Paz en una mísera cuenca minera, recupera vocación por la pintura y desarrolla su carrera artística entre 1880 y 1890 sobre todo. Su vida sentimental es también abrupta, tras un inicial fracaso amoroso, intenta rescatar de la vida en las calles a su primer amor, Sien. Vincent se instala en La Haya y trabaja en el color de sus pinturas, mientras su hermano Theo (James Donald) marchante de arte, le propone viajar a París para profesionalizarse. Allí descubre el impresionismo, pero sin abandonar sus raíces flamencas, aunque conoce a gente como Paul Gaughin. Van Gogh marcha a Arlés, en la Provenza, y luego llega su amigo Gaughin (Anthony Quinn), pero su relación es tormentosa, hasta el punto de que en una de las discusiones quiere suicidarse el holandés, pero en un ataque de locura se corta finalmente una oreja.
Esa escena de cuando se acaba cortando la oreja, que no se ve, se siente mientras la cámara mira al espejo donde antes Kirk Douglas ha hecho una interpretación memorable del momento de locura, me parece mítica.
