Como decía ayer, corría el año 1992, y un joven Quentin Tarantino realiza su primera y gran película. Tarantino, quien en sus inicios trabajó de empleado en una tienda de vídeos en Los Ángeles, originalmente iba a filmar la película junto a unos amigos con un presupuesto de 30.000 dólares, y en un formato de 16 mm, sin embargo la implicación de Harvey Keitel, no sólo como actor sino como productor, fueron capaces de aumentar el presupuesto a 1'2 millones de dólares, un gran logro para una película independiente, en todo caso una pequeña fracción de lo que sería una típica producción de Hollywood de la época. Por eso se la considera un hito dentro de la escena independiente americana. Seis criminales profesionales son contratados por Joe Cabot (Lawrence Tierney) y su hijo Nice Guy Eddie (Chris Penn) para un trabajo. No se conocen entre sí y se mantienen en el anonimato, escondidos bajo nombres de colores: el señor Naranja (Tim Roth), el señor Blanco (Harvey Keitel), el señor Rosa (Steve Buscemi), el señor Rubio (Michael Madsen), el señor Marrón (Quentin Tarantino) y el señor Azul (Edward Bunker).
En una escena mítica por su dureza, el Señor Rubio tortura a un policía hasta cortarle una oreja (ese momento no se ve a drede) mientras suena el tema Stuck in the middle with you de Stealers Wheel.
Corría el año 1992, y un joven Quentin Tarantino realiza su primera y gran película. Tarantino, quien en sus inicios trabajó de empleado en una tienda de vídeos en Los Ángeles, originalmente iba a filmar la película junto a unos amigos con un presupuesto de 30.000 dólares, y en un formato de 16 mm, sin embargo la implicación de Harvey Keitel, no sólo como actor sino como productor, fueron capaces de aumentar el presupuesto a 1'2 millones de dólares, un gran logro para una película independiente, en todo caso una pequeña fracción de lo que sería una típica producción de Hollywood de la época. Por eso se la considera un hito dentro de la escena independiente americana. Seis criminales profesionales son contratados por Joe Cabot (Lawrence Tierney) y su hijo Nice Guy Eddie (Chris Penn) para un trabajo. No se conocen entre sí y se mantienen en el anonimato, escondidos bajo nombres de colores: el señor Naranja (Tim Roth), el señor Blanco (Harvey Keitel), el señor Rosa (Steve Buscemi), el señor Rubio (Michael Madsen), el señor Marrón (Quentin Tarantino) y el señor Azul (Edward Bunker). Se van desarrollando los acontecimientos de manera bastante especial mientras la banda sonora seleccionada por el director es realmente impactante, tema de pop, rock, funky, etc...
Os dejo con el tema Little green bag de George Baker Selection.
En 1997 Quentin Tarantino dirige su tercer film, Jackie Brown, una de sus grandes obras maestras desde mi punto de vista. Jackie Brown (Pam Grier) es una azafata de vuelo que necesita dinero por lo que hace de correo para un mafioso buscado por la policía llamado Ordell Robbie (Samuel L. Jackson). Pero un día es sorprendida en la aduana y acusada de tráfico de drogas y evasión de capital. Para evitar su ingreso en prisión debe aceptar la propuesta de la policía, ayudarles a llegar hasta Ordell cuyo compinche es un ex-convicto llamado Louis Gara (Robert de Niro). Quizás este film sea el menos Tarantinesco de su filmografía, no había tanta sangre y violencia como en otras, pero quizás es que aquí estaba demostrando que sabía hacer muchas más cosas y de mucha calidad. No debemos olvidar que por medio estaban sus colaboraciones con Robert Rodríguez, su gran amigo, en Abierto hasta el amanecer o Four Rooms. Además aquí hará una cosa para mi tremenda, y es que visionará desde todos los puntos de vista la escena clave del film, algo espectacular.
Aquí por si fuera poco musicaba con una selección de música negra de soul y funky de un nivel extraordinario que completaba el film de manera gloriosa.
Os dejo con el tema Across 110th Street de Bobby Womack.
En 1994 Quentin Tarantino dirige Pulp Fiction, su segundo film, el de la confirmación y éxito mundial, después de llamar mucho la atención dos años antes con Reservoir Dogs. Aquí nos cuenta la historia de Jules (Samuel L. Jackson) y Vincent (John Travolta), dos asesinos a sueldo de no muchas luces que trabajan para el gángster Marsellus Wallace (Ving Rhames). Vincent tiene una misión, que es cuidar de Mia (Urma Thurman), la atractiva mujer del jefe, y Jules le recomienda prudencia ya que es peligroso sobrepasarse con la mujer del jefe. Un chute de droga hará que la velada sea toda una fiesta de resultado incierto. En toda esa historia, hay un boxeador que engaña a Wallace llevándose un maletín, que ellos dos deben recuperar... Todo esto está trastocado en los espacios temporales, y es lo que te cuesta la primera vez que ves el film, tratar de colocar todo en su orden correcto, por decirlo resumido empieza casi por el final y termina por el principio, más o menos. Por si fuera poco Tarantino hizo una selección musical asombrosa, rescatando grupos antiguos de surf entre ellos el Rey del surf, crooners míticos, sensuales voces femeninas, bandas de funky legendarias, en fin, un cóctel memorable para musicar esta tremenda historia.
Os dejo con la banda sonora entera, mezclada como siempre con diálogos de la película original.
La gala de los Oscars 2021 se celebró la madrugada del pasado 25 de abril y como en las dos ceremonias de premios anteriores no hubo un presentador oficial de la entrega de los premios. Al igual que en la gala de los Globos de Oro, los Oscars han ofrecido un formato de gala mixto con apariciones presenciales desde su tradicional Dolby Theatre de Los Ángeles y conexiones mediante videollamada. Nomadland se alzó como la gran triunfadora con 3 estatuillas importantes como Mejor película, mejor dirección y mejor actriz protagonista. Anthony Hopkins se llevó el de mejor actor protagonista por "El Padre" con un discurso en rindió homenaje a Chadwick Boseman, fallecido en agosto del año pasado y que optaba al mismo premio de manera póstuma, pero más emotivas aún fueron las palabraas de Thomas Vinterberg, ganador a la estatuilla a la mejor película extranjera por Otra ronda y que se wemocionó al recordar a su hija Ida, fallecida pocos días después de comenzar el rodaje en un accidente de tráfico.
Aunque ha sido una gala más floja que en ocasiones anteriores, influenciado por la situación actual, no han faltado momentazos como el de Glenn Close al celebrar su octava nominación sin premio perreando, con mucho sentido del humor.
Es increíble si pensamos que en la temporada de premios de hace 3 años, Frances McDormand, que se disponía a ganar su segundo Oscar por mejor actriz en Tres anuncios a las afueras, se acercó a Chloé Zhao (que recibía honores por The Rider) y le dijo que quería adaptar el libro "País Nómada, Supervivientes del siglo XXI" de Jessica Bruder. De ese gérmen nació Nomadland, que le ha dado a la actriz su tercer Oscar, uniéndose a un selecto club donde están Meryl Streep o Daniel Day-Lewis.
Ésta fue la lista de ganadores:
*Mejor Película: NOMADLAND
*Mejor Actor: ANTHONY HOPKINS por El padre
*Mejor Director: CHLOÉ ZHAO por Nomadland
*Mejor Actriz: FRANCES McDORMAND por Nomadland
*Mejor Guión original: EMERALD FENNEL por Una joven prometedora
*Mejor Guión adaptado: FLORIAN ZELLER and CHRISTOPHER HAMPTON por El Padre
*Mejor Actor de reparto: DANIEL KALUUYA por Judas y el Mesías Negro
*Mejor Actriz de reparto: YOUN YUH-JUNG por Minari
*Mejor Diseño de vestuario: ANN ROTH por La madre del blues
*Mejor Diseño de producción: MANK de Donald Graham Burt, decorados Jan Pascale
*Mejor Maquillaje y peluquería: LA MADRE DEL BLUES de Sergio López-Rivera, Mia Neal y Jamika Wilson
*Mejor Dirección de Fotografía: MANK de Erik Messerschmidt
*Mejor Montaje:SOUND OF METAL de Mikkel E. G. Nielsen
*Mejor Montaje de sonido:SOUND OF METAL de Nicolas Beckeer, Jaime Baksht, Michelle Couttolenc, Carlos Cortés y Phillip Bladh.
*Mejor Banda sonora: SOUL de Trent Reznor, Atticus Ross y John Batiste
*Mejor canción original: FIGHT FOR YOU de Judas y el Mesías Negro (D'Mile, H.E.R. y Tiara Thomas)
*Mejores Efectos visuales: TENET de Andrew Jackson, David Lee, Andrew Lockley y Scott Fisher
*Mejor Corto de animación: SI ME PASA ALGO, OS QUIERO de Will McCormack y Michael Govier
*Mejor Película animada: SOUL de Peter Docter y Dana Murray
*Mejor Corto documental: COLETTE de Anthony Giacchino
*Mejor Largometraje documental: LO QUE EL PULPO ME ENSEÑÓ, de Pippa Ehrlich, James Reed y Craig Foster
*Mejor Cortometraje de ficción: DOS COMPLETOS DESCONOCIDOS de Travon Free y Martin Desmond Roe
*Mejor Película de habla no inglesa: OTRA RONDA de Dinamarca
Julian Temple ha dirigido Crock of gold-Bebiendo con Shane MacGowan, un documental sobre el que durante muchos años fue el líder de The Pogues. Para este trabajo el actor Johnny Depp, amigo desde hace mucho de Shane, lo ha producido y el resultado es una visión muy personal sobre este músico y sus problemas con el alcohol y las drogas, que tanto le han afectado. Un salvaje retrato en tono punk de este icono de origen irlandés y que vivió muy intensamente el final de los años 70 con la explosión del punk en Londres para luego liderar su banda sobre todo en la década de los 80. El retrato se centra totalmente en Shane y aunque evidentemente trata la carrera de The Pogues, digamos que no se centra en la carrera de la banda a fondo, si no en la época en la que él lideró al grupo. También hace referencia a su otra banda The Popes.
La primera parte del film nos narra su muy humilde origen en Irlanda, la familia que le educó, una tía muy religiosa que le daba de fumar y beber ya a temprana edad, y como desde esa tierna edad ya llamaba la atención cuando cantaba temas, parte que tiene ilustraciones y animaciones de Ralph Steadman. Su hermana quizás sea la persona que mejor le conoce, y desde mi punto de vista da muchas de las claves de la difícil personalidad de su hermano y como el éxito le consumió y le llevó a una vida oscura. Temple compara a MacGowan con uno de los personajes de la mitología irlandesa, como hombre engañado por el Leprechaun y su caldero de oro, en la que para el cantante y compositor puede ser el éxito que acelera y aumenta con el alcohol, una parte muy oscura que le lleva a convertirse en esclavo de sus propios desenfrenos y excesos.
Salen muchos amigos, músicos, familia y demás personas que bien conocen a Shane o simplemente le adoran, entre ellos Bobbie Gillespie (cantante de Primal Scream), el propio Johnny Depp, su esposa, el líder del Sinn Féin Gerry Adams (MacGowan era hijo de un fiel seguidor del IRA), entrevistándose con el protagonista pintas de por medio, mientras su estado de salud actual es bastante pobre (cuando se rodó tenía 61, ahora tiene 63). Toda su implicación política con muchos de los temas que hizo con The Pogues aparecen en la película, y tanto los cuatro de Guilford como los 6 de Birmingham agradecieron ese detalle.
Pero es obvio que el traslado a Inglaterra, cambió a Shane y le empapó de todo lo que sucedía en el Londres de finales de los 70, mítico cuando aparece de público en un concierto de los Sex Pistols (¡quién hubiera podido!).
Hay actuaciones de The Pogues en el film, tanto en conciertos como en apariciones televisivas, también se habla de la desaparecida Kirsty MacColl, que cantó con The Pogues el tema más vendedor de su carrera, Fairtyle of New York, y que Shane llegó a odiar.
El estado patético de salud de MacGowan, es el colofón, junto al concierto de homenaje por su 60 cumpleaños, donde estuvieron Nick Cave, Bono, Johnny Depp, Bobbie Gillespie, etc., como impacto de su propia vida, ya que se mueve en silla de ruedas. Sus raíces gaélicas, las referencias a la hambruna que su país vivió, la emigración, el terrorismo y como usaban camisetas del IRA para provocar, además de reivindicar su papel como renovador de la música tradicional de Irlanda componen este retrato de un gran músico y letrista de vida autodestructiva.
En 1970 Robert Altman dirigió M*A*S*H que narraba las aventuras y desventuras de dos cirujanos del ejército destinados en una unidad móvil durante la Guerra de Corea en aquella parte del mundo. Tanto ellos como el equipo de enfermeras se tomaban su trabajo muy en serio, pero en su tiempo libre, las bromas constantes y la ironía hacían más llevadera una situación que no dejaba de ser dura y difícil. Donald Sutherland daba vida a Hawkeye Pierce y Elliott Gould a John McIntyre. Dos años después saldría la serie de televisión que partía del film, y que duró 11 años en antena con Alan Alda entre los protagonistas.
La banda sonora corría a cargo de Johnny Mandel, cuya sintonía inicial me parece mítica.
En 1993 Chris Columbus dirige Señora Doubtfire, Papá de por vida, comedia relativa a la separación de un matrimonio compuesto por Daniel Hillard (al que da vida Robin Williams) y Miranda Hillard (Sally Field), aunque los tres hijos de ellos consideran a su padre el mejor y están muy unidos a él. Ella está cansada de que se comporte como un niño y pide el divorcio. El juez le concede la custodia a ella, y él solo puede verles un día a la semana, por lo que él decide con una gran treta hacerse pasar por una señora mayor que hará de canguro de sus propios hijos, la manera más ingeniosa de seguir viéndolos.
En una escena cómica muy graciosa, Daniel consigue después de cambiarle los números de teléfono del anuncio a su ex-mujer, que sólo reciba llamadas suyas interpretando diversos personajes todos bastante chalados, hasta que con la Señora Doubtfire consigue la entrevista.
En 1995 Michael Mann dirige Heat, una película cuyo mayor reclamo sería ver por primera vez juntos en rodaje y escenas a Al Pacino y Robert de Niro, que coincidieron en El Padrino II en el reparto, pero no grabaron juntos. Esta es la primera película de la trilogía urbanita de Mann que luego completaría con Collateral y Corrupción en Miami (el film). Aquí Neil McCauley (Robert de Niro) es un experto ladrón cuya filosofía consiste en vivir sin ataduras ni vínculos que puedan constituir obstáculos, si las cosas se complican. Su banda la forman criminales profesionales muy cualificados, que impresionan al detective Vincent Hanna (Al Pacino), un hombre obsesionado con su trabajo que incluso llega a poner en riesgo su vida sentimental. Chris Shiherlis (Val Kilmer) y Michael Cheritto (Tom Sizemore) son los hombres de confianza de Neil, con los que traza y ejecuta el que espera que sea su último golpe antes de desaparecer.
En una escena brutal, la banda ejecuta el robo al banco, pero la policía es avisada a tiempo por un soplón y logran interceptarles cuando están sacando el dinero del banco, produciéndose un tiroteo espectacular.
Julian Schnabel dirige este biopic sobre la figura del pintor holandés Vincent Van Gogh, realizado en 2018. Como todo el mundo sabe, o debería saber, ya se hizo una primera película acerca de este enorme pintor al que daba vida Kirk Douglas (El loco del pelo rojo, 1956) y por el que el actor fue nominado al Oscar, y que tenía como compañero de reparto a Anthony Quinn (al que si dieron el Óscar como mejor actor de reparto) en el papel de Paul Gaughin, el que fue su mejor amigo. En esta revisión de la figura del artista es Willem Dafoe quien se encarga del papel de Vincent Van Gogh, es una actuación realmente importante, mientras que Oscar Isaac da vida a Paul Gaughin.
El enfoque del film es evidentemente muy distinto al de aquella primera película, ya que este director es pintor y quizás por eso, su enfoque es más técnico y se centra en su proceso creativo y en cierta manera en sus problemas mentales que le influían a la hora de pintar, aunque aporta poco nuevo que no se sepa de su biografía.
Schnabel está irregular, pero se esfuerza y hace un trabajo encomiable, de hecho su director de fotografía Benoît Delhomme está soberbio, ya que consigue un tratamiento plástico con un uso de la luz, el color y las texturas maravilloso, así la experiencia audiovisual plasma mejor en pantalla los detalles y muy particulares peculiaridades de su autor, como dibujaba con el lienzo. Pero todo esto se mezcla con una narrativa muy errática, que provoca falta de ritmo y en momentos bastante desesperante, lo que hace fracasar al conjunto por desgracia.
Las escenas digamos psicodélicas en las que Van Gogh divaga, son difíciles de digerir, con textos repetidos una y otra vez y la música con notas de piano repetitivas. Pero se me antoja que en realidad la película quiere ser más, quiere ser diferente y provocativa, tiene delirios de grandeza y se acaba quedando en una película insulsa. Cortes abruptos, voces en off abrasivas, el excesivo meneo de esa cámara libre que acaba mareando, hacen que este trabajo me deje una sensación rara y desde luego inferior al de aquella obra maestra del 56.
En cuanto al reparto, es lo más solvente de la película. Un Dafoe entregadísimo, que da mucho empaque al verdadero protagonista, me gusta mucho su mirada de ido pero que esconde genialidad, Oscar Isaac perfecto en su Gaughin, un Mads Mikkelsen soberbio en su tremenda escena, o una Emmanuelle Seigner que sigue estando admirable a su edad. Desde luego lo mejor del film es cuando Willem Dafoe da rienda suelta a su talento y va libre, sin ataduras, ahí se ve hasta donde podía haber llegado este film.
