Escenas míticas del cine (CCCIV)

Como decía hace no mucho, George Lucas dirigió su segundo film American Graffiti en 1973, después del estrepitoso fracaso de THX 1138, que incluso llegó a hundir a la American Zoetrope. Recomendado por su amigo Francis Ford Coppola, Lucas rodó una historia menos fría que la del debut, algo más humana y cálida, más cercano a la realidad y no tan oscuro. La historia se desarrolla en Modesto (California) en la última noche del verano de 1962, donde los adolescentes de ese pueblo quieren divertirse antes de afrontar sus responsabilidades de adultos, la universidad, etc., es entonces cuando todos salen esa noche para bailar, beber, ligar, pasearse en coche, ir a la bolera, bailar un rato... una radiografía perfecta de ese momento en que las hormonas adolescentes explotan.

En una escena muy interesante, Steve (Ron Howard muy joven que luego sería director) está algo abatido porque él y su novia Laurie (Cindy Williams) han roto y está sentado en el Mel's drive-in pensativo y desanimado, una de las camareras Budda (Jana Bellan) está en sus cinco minutos de descanso y habla con él, y le cuenta su situación, intenta ayudarle y le dice que sale en una hora para pasar un buen rato antes de que él marche a la mañana siguiente, esta escena la ve Laurie...

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas de películas (CXLI)

En 1995 Ron Howard dirigió Apollo 13 y que se centraba en el viaje que hizo a la Luna en abril de 1970. Contaba en los principales papeles con Tom Hanks, Kevin Bacon, Bill Paxton, Gary Sinise y Ed Harris. Cuando está a punto de llegar a su destino se produce una explosión en el espacio, que les hace perder oxígeno y, además, cambia el rumbo de la nave. La situación de los tripulantes de la nave se hace desesperada cuando el oxígeno empieza a agotarse. Mientras tanto, el mundo entero vivía pendiente del desenlace de la angustiosa aventura.

James Horner volvió a componer la banda sonora con un resultado absolutamente maravilloso, una delicia para los oídos.

Os dejo con el tema principal de la banda sonora.

Bandas sonoras míticas de películas (CXXXVIII)

En 1988 Ron Howard dirige Willow, una de esas producciones de George Lucas que no llegó a triunfar en su día (todo lo que este hombre hacía fuera de sagas como Star Wars no tenía éxito) y que surgió de un proyecto frustrado de adaptar el Hobbit, aunque a día de hoy es una película icónica y reverenciada. Hablamos de un cuento medieval con brujas, enanos y poderes mágicos. La historia que nos cuenta, habla de una profecía que anuncia que una niña provocará la caída de la malvada reina Bavmorda (Jean Marsh). Esa niña nace de una prisionera que está en las mazmorras del castillo de la hechicera, y la comadrona la intenta salvar de la ira de la reina, pero alcanzada por los perros de presa del castillo, no tiene más remedio que arrojar a la niña en una cuna al río. Gracias a la corriente, la cuna llega a un pueblo habitado por enanos llamados Nelwyns y es recogida por el valiente Willow (Warwick Davis), un granjero aficionado a la magia, que la adopta. Pero tras sufrir el ataque de un Nockmaar, la aldea descubre la existencia de la niña y el peligro que supone tenerla, así que deciden llevarla de vuelta al mundo de los hombres grandes, los Daikiris, cuya misión recae sobre Willow, en cuyo camino se encuentran con Madmartigan (Val Kilmer), un Daikiri que está prisionero en una jaula, pero se ofrece a llevar a la niña a cambio de que lo liberen.

La banda sonora corre a cargo de James Horner, habitual colaborador ya por entonces de Ron Howard, que para mí es lo mejor de esta cinta, épica y maravillosa.

Os dejo con el tema central de Willow.

Bandas sonoras míticas de películas (CXXXVII)

En 1985 Ron Howard dirige Cocoon, una película de tinte dramático en un principio, pero que según se va desarrollando tiene muchas dosis de humor mezclado con ciencia-ficción. La historia nos cuenta como un grupo de científicos llega a la costa de Florida bajo el pretexto de la búsqueda de unas conchas marinas gigantes. Según van encontrando estas conchas, las depositan en la piscina de un hotel cerrado. Tres ancianos residentes en el asilo cercano al hotel descubren que al bañarse en esa piscina de dicho hotel tienen el elixir de la eterna juventud, ya que cuando se bañan su energía y vitalidad aumentan y sus procesos degenerativos causados por el envejecimiento o una enfermedad se detienen (esta parte me parece muy divertida). La realidad (de ahí el drama) que se esconde tras estos hechos sorprendentes es que las conchas son capullos de naturaleza extraterrestre (cocoon es capullo en inglés). Los investigadores son en realidad unos extraterrestres provenientes del planeta Anterea que tratan de hacer regresar a sus congéneres hibernantes en esos "capullos" desde hace 10.000 años, tras el hundimiento de la Atlántida. 

La banda sonora estaba compuesta por James Horner y es, como siempre una delicia, describiendo de manera precisa cada parte del film.

Os dejo con el tema principal de la película.

Bandas sonoras míticas de películas (CXXXV)

En el año 2001 Ron Howard dirige Una mente maravillosa, película basada en un libro de Sylvia Nasar que trata sobre la vida de John Forbes Nash Jr. al que interpreta Russell Crowe, de una manera muy suavizada (ya que no aparece ni su supuesta bisexualidad, ni líos familiares y con la justicia, etc...), un matemático que ganó en 1994 el Premio Nobel de Economía, tras sobrevivir a una enfermedad tan destructiva como la esquizofrenia. 

Precisamente, la forma en que se trata esta enfermedad en la película es parte importante de la misma y hay asociaciones que le han dado premios y alabanzas por ello. 

El director decía que esperaba que después de ver la película, la gente mirara de forma distinta a una persona a la que vieran en una esquina hablando sólo, porque esta enfermedad es muy dura y a los esquizofrénicos les hace ver un mundo tan real como en el que vivimos el resto. También se ve la dureza que supone para los amigos y familiares.

Para este hombre, la enfermedad empezó ya en la Universidad, pero como a los genios siempre se les ha considerado muy excéntricos, no recibió tratamiento. Ahí es donde empieza el film, para darnos cuenta de que ya entonces le atormenta el mundo y la dificultad que ello conlleva de integración en la sociedad como una persona normal. Esta primera parte está rodada en el Campus de Princeton.

Allí en Princeton, donde Nash llega en 1947 para realizar sus estudios de postgrado, está obsesionado con una idea matemática original y brillante y sólo se ve comprendido por su compañero de cuarto Charles (Paul Bettany). Después de varios intentos Nash consigue una revolucionaria teoría y consigue una plaza de profesor en la MIT. Alicia Lardé (Jennifer Connelly), una de sus alumnas, lo deja fascinado al mostrarle que las leyes del amor están por encima de las de las matemáticas.

Gracias a su prodigiosa habilidad para descifrar códigos es reclutado, como no, por Parcher William (Ed Harris) del departamento de Defensa, para ayudar a su país EEUU, en su Guerra Fría contra la Unión Soviética.

La banda sonora corrió a cargo de James Horner, otro de sus maravillosos trabajos musicando un gran film que recibió el Globo de Oro y estuvo nominada a los Oscars.

Os dejo con el tema que empezaba la banda sonora titulado A kaleidoscope of mathematics.

Las mejores películas de 2018 (1-5) Parte 1

Y por fin llegamos a las posiciones de honor, cinco películas con las que disfruté de forma increíble en mi butaca. Aquí tenemos un spin-off de Star Wars que es lo mejor que se ha hecho en esta nueva etapa de la saga, una historia real de un submarino ruso que se hundió por la explosión de torpedos y sus tripulantes sobrevivientes intentaban ser rescatados, una película sobre gente discapacitada que aprende a jugar al baloncesto con un entrenador obligado a ello por cumplir condena, un biopic magnífico sobre una banda y su líder británicos, ambos míticos y una película española brillante sobre los difíciles años 20 en la Barcelona de entonces.

1. Solo: A Star Wars History de Ron Howard

Mi decepción con Los Últimos Jedi, donde Rian Johnson arriesgó y no le salió del todo bien, ha tenido recompensa pocos meses después. Los nuevos spin-offs, que con Rogue One ya tuvo una piedra de toque importante, se intercalan entre la salida programada de los episodios VII, VIII y IX, y no solo sirven para expandir el universo (ya enorme) de esta mítica saga, sino que además están incorporando cosas que pensaba ya perdidas en la nueva franquicia, porque y lo vuelvo a decir, para mi desde que Disney se hizo cargo de esta nueva época, hay detalles importantes del pasado que se han perdido, y no me refiero a actores o personajes que van desapareciendo, sino a la aventura. Señoras y señores, Star Wars es y será siempre una película de aventuras, y eso no se debe perder nunca, pues bien, aquí se recupera y de qué forma.

Si bien en Rogue One había un acercamiento claro al cine bélico, y su segunda parte me pareció realmente espectacular, con un final muy brillante, aquí en este spin-off del mercenario y anti-héroe más famoso de la saga, hay una serie de paralelismos en el guión, unos guiños con grandes películas de siempre, que me parecen muy bien llevados a este universo. Hay ecos de Ben-Hur, de El Golpe, incluso de varias películas del western de verdad (sustituyan caballos por naves espaciales por ejemplo), del que sabe a bebida vieja de la buena, pero recuperando ese espíritu aventurero de siempre, y que repito, esta saga nunca debe perder. 

En esto el guión es clave (algo que falla bastante en el Episodio VIII) y Lawrence Kasdan es fundamental, que junto a su hijo Jonathan han sido los responsables, porque aquí hay una uniformidad de los acontecimientos que permite que hasta un neófito se entere, y por otro lado la construcción de la historia y la manera de tratar a cada personaje está muy cuidada.

Os dejo con el tráiler.

2. Kursk de Thomas Vinterberg

El 12 de Agosto del año 2000 el submarino nuclear de la Flota del Norte de la armada rusa K-141 Kursk, mientras realizaba unas extrañas maniobras navales (con armamento pesado) en el Mar de Barents, sufrió explosiones que produjeron su hundimiento. En su interior había 118 tripulantes, muchos de los cuales fallecieron en el acto cuando ocurrieron las explosiones. Hablamos de un submarino botado el 30 de diciembre de 1994, por tanto no tenía ni siquiera seis años de antigüedad. Recuerdo este hecho cuando sucedió como si fuera hoy mismo, era el típico mes de agosto sin noticias y saltó esta, que tuvo en vilo a todo el mundo, ya que los pocos marineros que sobrevivieron a la explosión, en un lado del submarino, luchaban por aguantar dentro hasta poder ser rescatados. Estos son los hechos, pero es más que evidente que desde la propia Rusia nadie se iba a atrever a hacer un film, que reflejara la incompetencia de las autoridades rusas en aquellos terribles momentos. Ha sido una co-producción belga-luxemburguesa la que lo ha realizado.

Con la disolución de la U.R.R.S, toda la flota había experimentado recortes financieros  por la falta de fondos. Muchos submarinos habían sido traídos desde muelles en el Mar de Barents y abandonados para oxidarse. Todos excepto el equipo más esencial de primera línea, incluyendo el equipo de búsqueda y rescate, que fueron inadecuadamente inspeccionados.
Probablemente sea la película de este director que ha contado con mayor presupuesto, cosa que se nota en el reparto actoral de nivel, pero desde luego sabe llevar el drama con una calidad excelente y centrar la película en lo verdaderamente importante.

Os dejo con el traíler de esta gran película.

3. Campeones de Javier Fesser

La trayectoria de Javier Fesser como director, después de un magnífico comienzo con Aquel Ritmillo (1995) y El secdleto de la tlompeta (1995) sus dos primeros cortos y sobre todo con el Milagro de P. Tinto (1998), su primer film largo y especialmente recordado haciendo gala de un tremendo y divertido humor, hizo que su carrera fuera por esos derroteros hasta La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón (2003). A partir de ahí vino un cambio con Binta y la gran idea (2004) y sobre todo con Camino (2008), aquel dramón que le dio muchos Goyas al año siguiente. La vuelta en 2014 con Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo hizo pensar que volvía a su lado humorístico. Pero ahora en Campeones, no sólo sigue con el humor, sino que lo mezcla con la ternura y ciertas dosis de drama, una mezcla que le sale redonda.

Si que es cierto, que el guión y la historia de este film podrían parecer algo arquetípicas, pero la manera de tratarlo de Fesser hace que te llegue al alma, y lo explico a continuación.

El film narra la historia de Marco, interpretado por el gran Javier Gutiérrez, un entrenador profesional de baloncesto, cuyo trabajo es segundo entrenador del Estudiantes, que un día en un partido estalla, dentro de su propia crisis personal, y se enfrenta al primer entrenador en el transcurso de un partido, por la noche se emborracha y tiene un altercado con la policía. El resultado es que se le despide del club, se le retira el carnet de conducir por dos años y se le conmuta la pena de cárcel por 3 meses de trabajos para la comunidad, que la jueza le determina será dirigir a un equipo compuesto por personas con discapacidad intelectual. Él al principio lo llevará mal, pero irá aprendiendo que a esos chicos debe quererlos.
Un film tierno, gracioso e incluso con su drama, una mezcla llevada de lujo.

Os dejo con el tráiler.

4. Bohemian Rhapsody de Bryan Singer

Excelente el biopic dirigido por Bryan Singer sobre la banda Queen, y titulado como una de sus afamadas canciones, Bohemian Rhapsody. Ni que decir tiene que hablamos de una banda de rock británica, cuya historia es fundamental explicar para generaciones como las actuales, que han visto como la imagen de esta banda clave en la década de los 70 y con grandes momentos en los 80 ha sido algo cambiada o modificada, ya bien sea por musicales en teatros, cambios de cantante (después de la muerte de Mercury) que nadie entendía, etc...

Y este film cumple muy bien ese objetivo y además entretiene y mucho. Que Roger Taylor y Brian May hayan estado a cargo de la producción ejecutiva, hace que muchas cosas hayan sido cuidadas al detalle, y que sobre todo, la vida excesiva que llevaba Freddie Mercury fuera del escenario (y que afectó a la banda) haya sido tratada sutilmente y con suavidad, eso si, sin negar la homosexualidad de su protagonista.El film se convierte de esta forma y por derecho propio, en una celebración de la música de la banda, y se centra mucho en un personaje, en su cantante, pianista y compositor Freddie Mercury, al que borda Rami Malek (recordemos que Sacha Baron Cohen abandonó el proyecto porque quería que fuera más adulto), pero de una manera muy inteligente ya que no imita al original, sino que se mimetiza con él y se convierte en él, tanto en sus movimientos, como en sus gestos (el lenguaje no verbal) que simple y llanamente borda. Freddie desafió estereotipos e hizo añicos tradiciones para convertirse en un showman único y de los más queridos del mundo. La explicación del origen de su familia (recordemos que Farrohk Bulsara, su auténtico nombre, nació en Zanzíbar, actual Tanzania) es muy importante y está muy bien explicada.

Os dejo con el tráiler de este gran biopic.

5. La Sombra de la Ley de Dani de La Torre

Pocas veces se hace en el cine español una película de cine negro de gánsteres y menos aún de gánsteres de aquí, siempre ha parecido que el asunto de Al Capone y parecidos era una cuestión exclusivamente americana y como si esa patente fuera única. Dani de la Torre ha dado el paso, y lo ha hecho de manera firme, segura y con calidad. Vi su anterior film El Desconocido (2015), interesante thriller, que aquí mejora de manera meridiana. Es una película con un despliegue mayor, eso se nota rápido, pero en ese siempre arriesgado paso han de tenerse las cosas claras y muy definido el objetivo y este director parece tenerlo. Lo más impactante de todo, es que lo que se describe en este film no dista mucho de la situación actual. 

En la España de los años 20, había una crisis profunda, que vino ocasionada por la nefasta guerra con Marruecos. Aquí se nos cuenta esa época en Barcelona, justo los tiempos antes del golpe de estado de Primero de Rivera en 1923. En esos años complicados los trabajadores estaban descontentos ante unas condiciones laborales lamentables y unos patrones al servicio de la mafia, la lucha de las mujeres por el sufragio universal, mientras el aumento del crimen organizado era imparable. En medio de toda esa situación de polvorín total, un inspector de policía llegado de Madrid, Aníbal Uriarte al que apodarán "El Vasco", con el fin de aclarar el asalto de un tren militar donde se han robado armas al ejército, siendo los anarquistas los señalados en primera instancia. Todo esto le llevará a los bajos fondos de la ciudad, clubs de jazz y baile, etc., de aquella ciudad donde mafiosos, policías corruptos y demás gentecilla dominaban la escena. 

Os dejo con el tráiler del film.

Solo: A Star Wars Story (2018)

Mi decepción con Los Últimos Jedi, donde Rian Johnson arriesgó y no le salió del todo bien, ha tenido recompensa pocos meses después. Los nuevos spin-offs, que con Rogue One ya tuvo una piedra de toque importante, se intercalan entre la salida programada de los episodios VII, VIII y IX, y no solo sirven para expandir el universo (ya enorme) de esta mítica saga, sino que además están incorporando cosas que pensaba ya perdidas en la nueva franquicia, porque y lo vuelvo a decir, para mi desde que Disney se hizo cargo de esta nueva época, hay detalles importantes del pasado que se han perdido, y no me refiero a actores o personajes que van desapareciendo, sino a la aventura. Señoras y señores, Star Wars es y será siempre una película de aventuras, y eso no se debe perder nunca, pues bien, aquí se recupera y de qué forma.

Si bien en Rogue One había un acercamiento claro al cine bélico, y su segunda parte me pareció realmente espectacular, con un final muy brillante, aquí en este spin-off del mercenario y anti-héroe más famoso de la saga, hay una serie de paralelismos en el guión, unos guiños con grandes películas de siempre, que me parecen muy bien llevados a este universo. Hay ecos de Ben-Hur, de El Golpe, incluso de varias películas del western de verdad (sustituyan caballos por naves espaciales por ejemplo), del que sabe a bebida vieja de la buena, pero recuperando ese espíritu aventurero de siempre, y que repito, esta saga nunca debe perder. 

En esto el guión es clave (algo que falla bastante en el Episodio VIII) y Lawrence Kasdan es fundamental, que junto a su hijo Jonathan han sido los responsables, porque aquí hay una uniformidad de los acontecimientos que permite que hasta un neófito se entere, y por otro lado la construcción de la historia y la manera de tratar a cada personaje está muy cuidada.

En el plano de los actores con un nivel asombroso, destaca sin duda Alden Ehrenreich (al que conocí por Hail Caesar! de los hermanos Cohen), que encarna a un Han Solo joven, por tanto algo novato, e inexperto en manejar ciertas situaciones, pero con un ímpetu y un despliegue de cualidades fantástico, y sobre todo ese aire chuleta arrebatador. La química entre Han Solo y Chewbacca es brutal desde la primera escena en que se conocen, siendo su evolución llevada de vicio en todo el metraje, sabiendo también que son las estrellas (hubo aplausos cuando apareció el Wookiee más famoso). Verles a ambos manejar el Halcón Milenario fue glorioso.

El otro grande en el film es Donald Glover, en su papel de Lando Calrissian, un personaje a priori secundario, que quita protagonismo a los principales por su soberbia interpretación. Beckett, el clásico recompensas, en manos de Woody Harrelson es una maravilla (cada vez me rindo más y más a este actor). Incluso el androide femenino L3, que tiene un papel decisivo está enorme. Paul Bettany en el papel de Dryden Vos, el villano y capo del sindicato criminal Crimsom Dawn, también encaja perfectamente.

No todo puede ser fantástico, y el personaje de Qi'ra es el que me falla en esta ecuación, una Emilia Clarke algo fría e insulsa, eso si, su personaje esconde tantas cosas...

Por supuesto decir que todo lo que aquí se cuenta, la historia del joven Han Solo, sucede antes de encontrarse con Luke y Obi-Wan en la cantina de Mos Eisley, y que posteriormente se convertiría en ese antihéroe que vimos en La guerra de las galaxias (Una nueva esperanza). Recordemos también que en Rogue One se cuentan historias paralelas que suceden justo antes del comienzo de aquel film glorioso de 1977.

Por otro lado, hacer referencia a la gran dirección de Ron Howard, sin tanta pompa como otros, que va al grano, curra y sabe lo que hace, un tipo que aprovecha su presupuesto y no lo despilfarra y te da un espectáculo de primer nivel. Soberbio en las escenas de acción, con unos efectos visuales portentosos (algo fijo en la franquicia), una narrativa sublime y donde tienen mucho que ver los guionistas antes citados, haciendo una estructura sin fisuras.

Pocos peros le pongo a esta cinta, si acaso dejar algunos cabos sueltos en el final del mismo (claramente a propósito) y que no sabemos cuando verán su continuación, pero que desde luego me dejan con la sensación de que algo gordo veremos no sé cuando...

En definitiva, una cinta que borra de cuajo la pobre sensación que me dejó el Episodio VIII y donde no se echa de menos a Harrison Ford por ejemplo, algo que da una idea de lo bien que se ha hecho todo aquí.

Os dejo con el tráiler de esta gran película.

Escenas míticas del cine (LXII)

Ron Howard dirigió en el año 2013 la película Rush, de la que hablé aquí en su momento. Por un lado nos cuenta la historia de Niki Lauda interpretado por un magnífico Daniel Brühl, un joven piloto de fórmula 3 que en la década de los 70 decide abandonar los lujos y comodidades que su familia austriaca de buena posición económica le brindaban, para querer ser piloto de fórmula 1. Determinación y devoción hasta el extremo, unido a sus pocas amistades, hará que se embarque en ese proyecto con todas las consecuencias.

Por otro lado estaba James Hunt a quien da vida Chris Hemsworth, aunque su estilo es completamente distinto, sin renunciar a los placeres que la vida le otorga a una estrella de este deporte, no privándose de fiestas, mujeres, etc...

Entre ambos admiración secreta, en público desprecio mutuo, y su rivalidad una leyenda.

En una escena tremenda, se ve a Niki Lauda entrenando en Fiorano, las instalaciones de Ferrari, con Enzo Ferrari leyendo el periódico y observando el paso de los bólidos. Niki estaba empezando y puso al coche a caer de un burro, algo que luego han repetido más pilotos como Prost, Alonso, etc...

Os dejo con la mítica escena.

The Beatles: Eight Days a Week - The Touring Years (2016)

Cartel del documental

Ron Howard dirige este documental sobre The Beatles y sus años de gira, titulado Eight days a week-The Touring Years. Es evidente que cualquier cosa que sale sobre los cuatro de Liverpool es un filón, pero está todo ya sabido y explotado al máximo (recordemos cuando salió aquel recopilatorio titulado "1" y fue número 1, por ejemplo, y los temas eran todos conocidos), por lo que cualquier acercamiento, ha de ser desde perspectivas puntuales o complementarias.

Aquí, Ron Howard pone el centro en los Fab Four, para seguir su historia a través de las giras de conciertos que dieron entre 1962 y 1966 antes de parar definitivamente. Para ello tira de un material de archivo potente, que ofrece imágenes inéditas y entrevistas con Paul McCartney y Ringo Starr, además de recuperar declaraciones de John Lennon y George Harrison.

Como complemento perfecto, también ha contado con el testimonio de beatlemaniacos de pro como Elvis Costello (tremenda su descripción de como no entendía el cambio en Rubber Soul y luego lo adoraba) o Jon Savage, o el periodista estadounidense Larry Kane, que les acompañó en sus dos giras por Estados Unidos. Esto es complementado con declaraciones de fans adolescentes convertidas en estrellas de cine, como Whoopi Golberg o Sigourney Weaver. Muy significativa es la declaración de Whoopi acerca de la integración racial que provocaron sus conciertos, ya que ellos querían que todo tipo de gente sin discriminación acudiera a sus directos (lo incluyeron en sus contratos), por lo que ella declaraba que podía sentirse fan de un grupo, sin que le pesara el color de la piel. Recordemos que en aquella época, años 60, en los estados del sur todavía había mucha violencia racista, de hecho su actuación en Jacksonville, Florida, fue un hito ya que permitió que por primera vez jóvenes de color compartieran con blancos un espacio de conciertos.

En este sentido el film ofrece un testimonio vivo y vibrante de como la banda contribuyó decisivamente, a la eclosión definitiva de la cultura juvenil como fenómeno de masas, ellos fueron los primeros en hacer conciertos en grandes estadios, ante la imposibilidad de meter a todos los fans en salas más reducidas, pero también se describe con mucho acierto como la presión y el peso de la fama hizo mella en la banda y provocó un desgaste, de hecho en algún momento del documental ellos mismos dicen que les robaron la juventud. Todo esto sin olvidar, que ellos eran cuatro chicos normales, cuya espontaneidad era natural, y que salir de gira y tocar, era la mejor forma de que cuatro amigos que se protegían mucho entre ellos, se divirtieran haciendo lo que más les gustaba. Se hace hincapié en las preguntas incómodas de la prensa, en alguna frase soltada por uno de ellos que se sacó como titular y levantó ampollas (la famosa de Lennon de que eran más famosos que Jesús) y como todo eso para ellos no era tan importante, pero si su evolución como músicos, componer y refugiarse en el estudio, donde se sentían músicos.

A la vez que todo esto se explica fenomenalmente, también se habla en la película de los discos que iban saliendo del grupo, año por año, y de las películas que hacían entre medias, por lo que es inevitable que salieran declaraciones sobre el poco tiempo libre que tenían los chicos, aparte de que su carrera era llevada musicalmente de forma milimétrica por Brian Epstein y George Martin. Brian les visitó, y George fue su maestro en el estudio en los primeros años. Esa transformación de niños que cantaban sobre amores juveniles, a hombres que se volvieron más pensativos y psicodélicos está claramente reflejada, y como no, el momento en que deciden dejar los escenarios. En ese sentido, y es mi único pero al documental, es que se mete en Sgt. Peppers y su grabación, y ahí ya habían dejado los conciertos, para luego pegar un tajo tremendo y decir en 10 segundos que había luego 5 discos más en 4 años, hombre, por la importancia de los mismos, si hace 10 minutos más de cinta explicando que pasó en la banda, no pasa nada, y hubiera sido un puente mejor hasta llegar a la actuación mítica de la azotea con la que acaba el film.

Como colofón, y es algo que se anuncia al principio, y de regalo o propina se puede disfrutar de la actuación de media hora en el Shea Stadium de New York en agosto de 1965 remasterizada, que realmente es alucinante y seguro que infinitamente más disfrutable de lo que pudieron tener los asistentes, a los que les ponían la música por megafonía.

Os dejo con el tráiler.

A beautiful mind (2001)

Cartel del film

En el año 2001 Ron Howard dirige Una mente maravillosa, película basada en un libro de Sylvia Nasar que trata sobre la vida de John Forbes Nash Jr. al que interpreta Russell Crowe, de una manera muy suavizada (ya que no aparece ni su supuesta bisexualidad, ni líos familiares y con la justicia, etc...), un matemático que ganó en 1994 el Premio Nobel de Economía, tras sobrevivir a una enfermedad tan destructiva como la esquizofrenia. 

Precisamente la forma en que se trata esta enfermedad en la película es parte importante de la misma y hay asociaciones que le han dado premios y alabanzas por ello. 

Russell Crowe (Profesor John Nash)

El director decía que esperaba que después de ver la película, la gente mirara de forma distinta a una persona a la que vieran en una esquina hablando sólo, porque esta enfermedad es muy dura y a los esquizofrénicos les hace ver un mundo tan real como en el que vivimos el resto. También se ve la dureza que supone para los amigos y familiares.

Para este hombre, la enfermedad empezó ya en la Universidad, pero como a los genios siempre se les ha considerado muy excéntricos, no recibió tratamiento. Ahí es donde empieza el film, para darnos cuenta de que ya entonces le atormenta el mundo y la dificultad que ello conlleva de integración en la sociedad como una persona normal. Esta primera parte está rodada en el Campus de Princeton.

Allí en Princeton, donde Nash llega en 1947 para realizar sus estudios de postgrado, está obsesionado con una idea matemática original y brillante y sólo se ve comprendido por su compañero de cuarto Charles (Paul Bettany). Después de varios intentos Nash consigue una revolucionaria teoría y consigue una plaza de profesor en la MIT. Alicia Lardé (Jennifer Connelly), una de sus alumnas, lo deja fascinado al mostrarle que las leyes del amor están por encima de las de las matemáticas.

Gracias a su prodigiosa habilidad para descifrar códigos es reclutado, como no, por Parcher William (Ed Harris) del departamento de Defensa, para ayudar a su país EEUU, en su Guerra Fría contra la Unión Soviética.

Ed Harris

En la última parte de la película vemos el envejecimiento de todos los personajes, mediante exagerado maquillaje, la curación de Nash, su vuelta a Princeton como profesor y el premio Nobel. 

Del reparto actoral Russell Crowe se deja la piel y lo hace francamente bien, Ed Harris como siempre está espléndido y me sorprendió Paul Bettany positivamente, con el que Crowe entabló buena amistad y volverían a coincidir en Master an Commander. Jennifer Connelly en el lado de las actrices está realmente espectacular.

Russell Crowe y Jennifer Connelly

Os dejo con esta buena película.

Las mejores películas de 2013.

 

Éste año que hoy acaba ha sido complicado para el que escribe, con muchas situaciones personales duras, pero ha tenido muy buena cosecha de películas, y yo paso a dar una lista de las 5 mejores, de aquellas que he podido ver, y que más me han transmitido, fascinado o impactado.

 

*1) GRAVITY de Alfonso Cuarón

 

Gravity es un misterioso y tenso thriller de ciencia ficción magistralmente dirigido y de una categoría visual impresionante.

Alfonso Cuarón dirige esta estratosférica y fascinante película de ciencia ficción, cuyo guión fue escrito por el propio Cuarón y su hijo Jonás. Los protagonistas son Sandra Bullock y George Clooney, y os puedo asegurar que la Bullock está tremenda... como nunca en su carrera.

Sin duda creo que el número 1 está más que merecido. Los detractores la acusan de tener poco guión, sinceramente pienso que al film no le hace falta y que su maravilloso viaje y despliegue lo pueden todo.

 

 

*2) LA MIGLIORE OFFERTA de Giuseppe Tornatore

 

 

El autor, entre otras, de Cinema Paradiso, regresaba después de 5 años y lo hacía con una película pensada y calculada, y con un reparto de actores realmente excelente. Mención aparte merece Geoffrey Rush, un actor de esos que con el paso de los años ha adquirido un poso y una elegancia y profundidad en sus interpretaciones, que le hace estar entre lo mejor del cine.

Extraordinaria película, de las que te hacen pensar y con un desenlace de lo más inesperado, a pesar de que te vas dando cuenta de que algo gordo se estaba cociendo.
Para colmo la música corre a cargo de Ennio Morricone.

 

 

 

 

*3) 12 YEARS A SLAVE de Steve McQueen

 

 

Ha sido la última película que he visto este año y he de decir que me ha impactado sobremanera.

El film no es otra película más sobre el esclavismo en Estados Unidos antes de la Guerra de secesión, sino que, basándose en una historia real a través de las memorias del protagonista, se centra en la pérdida de libertad de un personaje concreto, narrando de forma brutal y honesta dicha historia, casi con la sensación de que te lo cuentan por primera vez, sobre todo el tema de como los negros eran tratados como pura mercancía y herramientas de trabajo, no como seres humanos y como eran vejados y humillados.

Una película dura en muchos momentos, pero excelentemente contada y con un elenco de actores brutal, en el que destacan Michael Fassbender y Chiwetel Ejiofor.

 

 

 

*4) RUSH de Ron Howard

Película centrada en la rivalidad entre el británico James Hunt (Chris Hemsworth) y el austriaco Niki Lauda (Daniel Brühl) desde la Fórmula 3 hasta su llegada a la Fórmula 1 y la lucha que ambos mantuvieron por los campeonatos mundiales, centrándose ante todo en los de 1975 y 1976. Especialmente centrada en la temporada de 1976, dónde Lauda sufrió un accidente que casi le cuesta la vida.

Ron Howard describe, con maestría, un duelo que sobrepasaba más allá de las pistas, pero dónde siempre había respeto entre ambos.

 

*5) CAPTAIN PHILLIPS de Paul Greengrass

Éste thriller de acción está protagonizado por Tom Hanks y dirigido por Paul Greengrass (United 93, El Ultimátum de Bourne) con guión de Bill Ray. En el film el actor, que vuelve por sus fueros, da vida al capitán de la marina mercante estadounidense, Richard Phillips, quien a mando del carguero "Maersk Alabama" fue retenido en 2009 por piratas somalíes, primer barco norteamericano secuestrado en 200 años.

Basada en hechos reales y la interpretación magistral de Hanks hacen de ésta película un viaje agobiante y tenso que te mantiene en vilo hasta el final.

 

Rush (2013)

Cartel del film

 

 

Para un apasionado de la Fórmula 1 desde hace muchos años como yo, era imprescindible ver ésta película centrada en la rivalidad entre el británico James Hunt (Chris Hemsworth) y el austriaco Niki Lauda (Daniel Brühl) desde la Fórmula 3 hasta su llegada a la Fórmula 1 y la lucha que ambos mantuvieron por los campeonatos mundiales, centrándose ante todo en los de 1975 y 1976. Especialmente centrada en la temporada de 1976, dónde Lauda sufrió un accidente que casi le cuesta la vida.

   Chris Hemsworth & Daniel Brühl

 

La cinta no es exactamente una película de carreras en el sentido estricto. No trata tanto de recrear el mundo de la F1 (como fue el caso de 'Grand Prix') sino el enfrentamiento de dos estrellas de carácteres opuestos, del juerguista y de vida alegre Hunt, y el metódico, trabajador y frío Lauda (un hombre que cambió muchos aspectos de la vida profesional de un piloto), cuya relación con el resto de compañeros era difícil.

James Hunt, de la vieja escuela, quizás el último gran playboy piloto y a la vez 'enfant terrible' sin ningún pelo en la lengua y políticamente  incorrecto... está magníficamente interpretado por el australiano Chris Hemsworth, aunque en sus inicios fuera piloto del equipo de Lord Hesketh, el último aristócrata del automovilismo. Un hombre, James, capaz de pedir matrimonio a Susie prácticamente el mismo día de conocerse en una juerga y casarse con ella dos meses más tarde; Susie y James se divorciaron y ésta se caso con Richard Burton.

 

 

El duelo se centra en dos carreras de ese 1976, la de el GP de Alemania en Nurburgring, dónde Lauda se quemó gran parte de su cuerpo en un terrible accidente, y el GP de Japón en Fuji, dónde se decidía el campeonato en una carrera marcada por la lluvia incesante. También se hace referencia al no menos importante GP de España en el Jarama, dónde Hunt fue desposeído de la victoria, para tiempo más tarde serle devuelta, lo que le dió grandes opciones para ganar el campeonato.

 

Extraordinaria película, en el que Niki Lauda está espectacularmente caracterizado, y todos los actores secundarios están perfectos.

El film recrea fielmente la época. Los coches empleados son auténticos, propiedad de coleccionistas y museos o todavía en poder de las propias marcas. Como dato, el Tyrrell de seis ruedas no era un modelo de 1976 sino de 1977, pero se reconstruyó una carrocería del 76 para que fuese fiel. También el vestuario corresponde a la época.

Os dejo con el tráiler de ésta muy recomendable película.