Escenas míticas del cine (CCCX)

Como decía ayer, en 1994 Quentin Tarantino dirige Pulp Fiction, su segundo film, el de la confirmación y éxito mundial, después de llamar mucho la atención dos años antes con Reservoir Dogs. Aquí nos cuenta la historia de Jules (Samuel L. Jackson) y Vincent (John Travolta), dos asesinos a sueldo de no muchas luces que trabajan para el gángster Marsellus Wallace (Ving Rhames). Vincent tiene una misión, que es cuidar de Mia (Urma Thurman), la atractiva mujer del jefe, y Jules le recomienda prudencia ya que es peligroso sobrepasarse con la mujer del jefe. Un chute de droga hará que la velada sea toda una fiesta de resultado incierto. En toda esa historia, hay un boxeador que engaña a Wallace llevándose un maletín, que ellos dos deben recuperar... Todo esto está trastocado en los espacios temporales, y es lo que te cuesta la primera vez que ves el film, tratar de colocar todo en su orden correcto, por decirlo resumido empieza casi por el final y termina por el principio, más o menos. Por si fuera poco Tarantino hizo una selección musical asombrosa, rescatando grupos antiguos de surf entre ellos el Rey del surf, crooners míticos, sensuales voces femeninas, bandas de funky legendarias, en fin, un cóctel memorable para musicar esta tremenda historia.

En otra escena mítica (este film las tiene a patadas) Jules y Vincent sufren el cabreo de Jimmie (Quentin Tarantino) que se pregunta si en su casa había algún cartel que pusiera "carroña negra" en referencia al cadáver de Marvin que traían en el coche. Su preocupación radica en que su mujer Bonnie está a punto de llegar del trabajo y no quiere que todavía estén allí. Es entonces cuando Jules llama a Marcelus Wallace (Ving Rhames) su jefe para pedirle ayuda y que le diga que la situación está bajo control, y por si fuera poco además de eso dice que le mandará al Lobo... cosa que tranquiliza por completo a Jules.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCIX)

En 1994 Quentin Tarantino dirige Pulp Fiction, su segundo film, el de la confirmación y éxito mundial, después de llamar mucho la atención dos años antes con Reservoir Dogs. Aquí nos cuenta la historia de Jules (Samuel L. Jackson) y Vincent (John Travolta), dos asesinos a sueldo de no muchas luces que trabajan para el gángster Marsellus Wallace (Ving Rhames). Vincent tiene una misión, que es cuidar de Mia (Urma Thurman), la atractiva mujer del jefe, y Jules le recomienda prudencia ya que es peligroso sobrepasarse con la mujer del jefe. Un chute de droga hará que la velada sea toda una fiesta de resultado incierto. En toda esa historia, hay un boxeador que engaña a Wallace llevándose un maletín, que ellos dos deben recuperar... Todo esto está trastocado en los espacios temporales, y es lo que te cuesta la primera vez que ves el film, tratar de colocar todo en su orden correcto, por decirlo resumido empieza casi por el final y termina por el principio, más o menos. Por si fuera poco Tarantino hizo una selección musical asombrosa, rescatando grupos antiguos de surf entre ellos el Rey del surf, crooners míticos, sensuales voces femeninas, bandas de funky legendarias, en fin, un cóctel memorable para musicar esta tremenda historia.

En una escena mítica, Jules y Vincent van en el coche y llevan a Marvin (Phil LaMarr) en el asiento de atrás, ambos empiezan a discutir y Vincent se vuelve para decirle algo a Marvin a la vez que le apunta con el arma que se le dispara y todos sus sesos salen despedidos, una situación que pone muy nervioso a Jules que llama para que alguien pueda arreglar el marrón.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCVIII)

Como decía ayer, en 1961 Stanley Kramer dirigió ¿Vencedores o Vencidos? Los juicios de Nuremberg (Judgment at Nuremberg) y que se centraba en los juicios celebrados en la ciudad alemana en 1948, tres años después de el final de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), donde fueron juzgados cuatro jueces, cómplices de la política nazi de esterilización y limpieza étnica. Un juez norteamericano retirado, Dan Haywood, tuvo la responsabilidad de presidir dicho juicio. Se trata de una lección tan actual y necesaria hoy como en la época en la que aconteció, esta obra maestra que es imperecedera, ya que describe con precisión y perspectiva, con detalle y objetividad el proceso llevado a cabo contra esos dirigentes nazis que estaban acusados de apoyar, amparar y servir al Tercer Reich y sus políticas.

El reparto, por si fuera poco, es excepcional, al citado Spencer Tracy que da vida al juez que presidía el juicio, se unen el abogado de la defensa Hans Rolfe, al que da vida un magnífico Maximilian Schell, Ernst Janning era un ex-ministro de Justicia y una eminencia jurídica desde los tiempos de Weymar, al que da vida un maravilloso Burt Lancaster o el Coronel de la acusación Tad Lawson al que interpreta Richard Widmark.

En una escena mítica Haywood dicta sentencia sin tener en cuenta paradójicamente, como sí lo hicieron los acusados, las presiones ejercidas por el gobierno americano para que las penas no fueran severas (los cuatro son declarados culpables y condenados a reclusión perpétua). Los rusos habían bloqueado Berlín y era necesario contar con el apoyo del pueblo alemán, lo cual podría complicarse si se encarcelaba a todos sus dirigentes y líderes vivos.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCVII)

En 1961 Stanley Kramer dirigió ¿Vencedores o Vencidos? Los juicios de Nuremberg (Judgment at Nuremberg) y que se centraba en los juicios celebrados en la ciudad alemana en 1948, tres años después de el final de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), donde fueron juzgados cuatro jueces, cómplices de la política nazi de esterilización y limpieza étnica. Un juez norteamericano retirado, Dan Haywood, tuvo la responsabilidad de presidir dicho juicio. Se trata de una lección tan actual y necesaria hoy como en la época en la que aconteció, esta obra maestra que es imperecedera, ya que describe con precisión y perspectiva, con detalle y objetividad el proceso llevado a cabo contra esos dirigentes nazis que estaban acusados de apoyar, amparar y servir al Tercer Reich y sus políticas.

El reparto, por si fuera poco, es excepcional, al citado Spencer Tracy que da vida al juez que presidía el juicio, se unen el abogado de la defensa Hans Rolfe, al que da vida un magnífico Maximilian Schell, Ernst Janning era un ex-ministro de Justicia y una eminencia jurídica desde los tiempos de Weymar, al que da vida un maravilloso Burt Lancaster o el Coronel de la acusación Tad Lawson al que interpreta Richard Widmark.

En una escena mítica Hans Rolfe argumenta su defensa en primera instancia, haciendo ver que los acusados cumplían la ley, mala o buena, pero la ley. Luego intenta darle la vuelta a la causa colocando a los verdugos como víctimas de ese régimen que ellos no eligieron pero se vieron forzados a obedecer, y finalmente trata de compartir su culpa con todo el pueblo alemán, corresponsable del omnímodo poder de Hitler por acción, omisión o silencio.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCVI)

En 1979 Francis Ford Coppola dirige el que para mí es el Film con mayúsculas sobre la Guerra del Vietnam. El guión está basado en una novela de Joseph Conrad, El corazón de las tinieblas (Heart of darkness) y lo hicieron John Milius y el propio director. Ganadora de Oscars y candidata a otros muchos, también ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1979.

En 2001 Coppola presentó, también en Cannes, un nuevo montaje de la película, de hasta 3 horas y casi media hora más de metraje con el nombre de Apocalypse Now Redux.

Se cuenta la historia del joven Capitán Willard al que finalmente encarnó Martin Sheen, después de que rechazaran dicho papel actores de la talla de Steve McQueen, Marlon Brando, Al Pacino, Clint Eastwood, James Caan, Jack Nicholson, Robert Redford por diferentes cuestiones e incluso se valoró a Gene Hackman. En un momento ya de desesperación total, y sabiendo que si no contrataba a actores de renombre no conseguiría el dinero de los distribuidores, lo que supondría el final del proyecto, Coppola recibió una llamada del agente de Brando. El director al final consiguió contratarlo para el papel de Kurtz a cambio de 3 millones de dólares (1 millón por cada una de las tres semanas de rodaje), aunque el actor sufría de sobrepeso (y el director lo sabía), el actor en compensación acordó perder varios kilos.

Al final Coppola se decidió por un actor casi desconocido para el papel de Willard, Martin Sheen, que estaba rodando El puente de Casandra en Roma, pero un conflicto de agendas lo echó por tierra. Fue el momento de Harvey Keitel, al que le pagaban 80.000 dólares. Robert Duvall se llevó el papel del coronel Kilgore por 65.000 dólares y un 1'5% de los beneficios netos. Dennis Hooper aceptó participar interpretando al periodista gráfico que está con Kurtz, a cambio de tener una frase con Brando en una escena (esto realmente no pasó). Otra anécdota es que Laurence Fishburne mintió sobre su edad para interpretar a Tyrone "Clean" Miller (tenía 14 años cuando rodó el film, si, el que baila en la barcaza el Satisfaction de los Rolling Stones).

Se rodaba en Filipinas y una vez inmersos ya un mes en la grabación el director se convenció de que Harvey Keitel no era el actor que él quería para el papel de Willard, y al final si que fue Martin Sheen el elegido último, por lo que se volvieron a filmar todas las escenas que Keitel había rodado.

Ese papel era fundamental en el film, obviamente, se trataba de un oficial de los servicios de inteligencia del ejército estadounidense, que se le había encomendado entrar en Camboya con la peligrosa misión de eliminar a Kurtz, un coronel renegado que se había vuelto loco. El capitán (que va narrando el film) comandaba una barcaza río arriba, hasta llegar al corazón de la selva, donde Kurtz reinaba como un buda despótico sobre los miembros de la tribu Motagnard, que le adoraban como a un dios.

En una escena mítica, el Coronel Kurtz, despacha un monólogo sobre el horror, al que atiende poco menos que asombrado Willard, mientras los miembros de la tribu que protegen y adoran a Kurtz no pierden ojo a todo.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas de películas (CLIV)

En 1983 Adrian Lyne dirigió Flashdance donde se cuenta la historia de Alex (Alexandra Owens), una chica adolescente que sueña con bailar profesionalmente. Para ganarse la vida, trabaja como soldadora durante el día y como bailarina exótica en un cabaret por las noches. Ella vive en una bodega que ha transformado en su hogar y su lugar de entretenimiento. Se trata de una bailarina solitaria que comienza una relación con el dueño de la fábrica donde trabaja, quién le alienta a perseguir su sueño y audicionar para entrar en una de las escuelas de danza de mayor prestigio de Estados Unidos.

Su banda sonora estaba elegida por Giorgio Moroder con temas de Irene Cara, Michel Sembello, Laura Braningan o Donna Summer entre otros.

El tema de Irene Cara, que ya venía de su éxito con Fame, sonó por todos lados, ese Flashdance... What a feeling.

Os dejo con Flashdance... What a feeling de Irene Cara.

Escenas míticas del cine (CCCV)

En 1973 Luchino Visconti dirigió Ludwig II de Baviera, El Rey loco, lo que hoy sería considerado un biopic sobre la figura de este rey de la dinastía de los Wittelsbach, que en 1864, antes de cumplir los veinte años ocupó el trono de Baviera. Se trataba de un joven generoso, romántico y que soñaba con traer la felicidad a su pueblo a través de su mecenazgo, ya que amaba el arte, la música, la paz y la armonía universal. Sin embargo las cuestiones de Estado solía delegarlas en sus consejeros, lo que llevó a Baviera a una desastrosa guerra que la dejaría en manos de Bismarck. Eso provocaba que hasta sus más fieles colaboradores conspiraran contra él, hasta su gran y favorito protegido, el compositor Richard Wagner le traicionó. Su gran apoyo era su prima Elisabeth (la famosa Sissi), esposa del Emperador de Austria, que sentía por él un afecto casi maternal, y que le fue siempre fiel. Helmut Berger daba vida al Rey en una interpretación soberbia, mientras que Romy Schneider interpretaba a su prima Elisabeth, a la vez que Trevor Howard daba vida a Wagner.

Este film fue uno de los proyectos más ambiciosos y personales de Visconti, y en él podemos apreciar su concepción operística de la puesta en escena que alcanza cotas de exquisitez, refinamiento y grandilocuencia extraordinarias. La recreación de la época es fastuosa y magistral, un fresco perfecto donde reflexiona sobre la soledad que el propio rey tenía y su insatisfacción vital, y en esa decadencia de una aristocracia que se iba quedando anticuada.  

En una escena mítica, al principio del film, se ve el día de la coronación de Ludwig II (10 de marzo de 1864) con toda la pompa que ello conlleva, la presencia de la más alta realeza, la más alta jerarquía eclesiástica y toda su familia.

Os dejo con la mítica escena.

The Fabelmans (2022)

Steven Spielberg dirigió el año pasado Los Fabelmans, una historia semiautobiográfica de la propia infancia y juventud del director que nos cuenta como el cine va a ser algo más que un simple entretenimiento en la vida, aunque el resultado es un film sobre la depresión y la tristeza en la América de las oportunidades y esperanzada de los 60. Está ambientada a finales de la década de los 50 y principios de los 60 y se centra en Sammy Fabelman y su familia (que incluye tres hermanas), que cuando es pequeño viven en New Jersey, luego se mudan a Arizona y acaban en California del Norte, todo a causa del trabajo del padre Burt (Paul Dano), ingeniero informático, además de estar influido por su excéntrica madre Mitzi (Michelle Williams) cuyo talento al piano que tiene desde pequeña, le luce poco. Sammy descubre de pequeñito viendo un film en el cine titulado "El mayor espectáculo del mundo" que lo que le gusta es rodar e intenta emular con un tren de juguete una escena de la película que le impactó.

Sammy (Gabriel LaBelle) explora cómo el poder de las películas le ayuda a contar historias y a forjar su propia identidad. Haciendo una película casera descubre un secreto familiar devastador (la cámara lo graba todo, hasta lo prohibido), que provocará cambios familiares tremendos, y el propio director hace ese homenaje a través del protagonista utilizando el imaginario del cine de manera genial, con recursos como la oscuridad, la fascinación del público, la falsedad de la imagen para, de manera paradójica, hacerla más real, para crear planos maravillosos y en definitiva como si hacer ese homenaje al cine antes citado, fuera la tarea más importante de su vida.

Pero una cosa debe quedar clara, la película no es una carta enamorada al cine, si no un ensayo audiovisual sobre el arte de hacer cine y cómo hechos que suceden en la vida real, al pasar por el objetivo de una cámara se convierten en mágicos, tanto para ensalzar, como para hundir situaciones concretas. Es por esto, que en el film queda muy claro que Sammy sabe que su vida no tiene sentido si no tiene una cámara entre las manos, es lo que le da vida y sentido a todo lo que hace. Algo que se ve perfecto al principio del film, cuando el niño mira el tren con sus ojos a la altura del mismo mientras pasa, ese es el enfoque que él adopta desde pequeño.

Pero el problema de este film, desde mi punto de vista, es la falta de ritmo que es muy patente en bastantes partes de la cinta, y sobre todo cuando ahonda en la tristeza y la depresión de personajes rotos (la madre es la estrella en ese sentido) aunque, la película está rodada de manera perfecta como no podía ser menos por el mejor narrador audiovisual de nuestra época a pesar de que también en determinados momentos es un film muy clásico. La parte actoral está en su sitio, Paul Dano y Michelle Williams cumplen perfectamente, mientras Sammy, al que dan vida Mateo Zoryon Francis-Deford de pequeño y sobre todo Gabriel LaBelle de adolescente están muy bien. A destacar también la intervención genial de David Lynch haciendo de John Ford.

Por último decir que como muchas películas de esta época, la duración es algo excesiva, 2 horas y 24 minutos me parece demasiado, se te hace algo larga.

Os dejo con el tráiler del film.

Bandas sonoras míticas de películas (CLIII)

Como he dicho en varias ocasiones, George Lucas dirigió su segundo film American Graffiti en 1973, después del estrepitoso fracaso de THX 1138, que incluso llegó a hundir a la American Zoetrope. Recomendado por su amigo Francis Ford Coppola, Lucas rodó una historia menos fría que la del debut, algo más humana y cálida, más cercano a la realidad y no tan oscuro. La historia se desarrolla en Modesto (California) en la última noche del verano de 1962, donde los adolescentes de ese pueblo quieren divertirse antes de afrontar sus responsabilidades de adultos, la universidad, etc., es entonces cuando todos salen esa noche para bailar, beber, ligar, pasearse en coche, ir a la bolera, bailar un rato... una radiografía perfecta de ese momento en que las hormonas adolescentes explotan.

La banda sonora elegida por Lucas es una pasada, son 41 temas (doble cd) de onda cincuentera y sesentera de un nivel imbatible.

Yo os dejo con dos temas de esa banda sonora, primero el Runaway de Del Shannon de 1961.

Y por otro lado el The Great Pretender de The Platters de 1955.

Escenas míticas del cine (CCCIV)

Como decía hace no mucho, George Lucas dirigió su segundo film American Graffiti en 1973, después del estrepitoso fracaso de THX 1138, que incluso llegó a hundir a la American Zoetrope. Recomendado por su amigo Francis Ford Coppola, Lucas rodó una historia menos fría que la del debut, algo más humana y cálida, más cercano a la realidad y no tan oscuro. La historia se desarrolla en Modesto (California) en la última noche del verano de 1962, donde los adolescentes de ese pueblo quieren divertirse antes de afrontar sus responsabilidades de adultos, la universidad, etc., es entonces cuando todos salen esa noche para bailar, beber, ligar, pasearse en coche, ir a la bolera, bailar un rato... una radiografía perfecta de ese momento en que las hormonas adolescentes explotan.

En una escena muy interesante, Steve (Ron Howard muy joven que luego sería director) está algo abatido porque él y su novia Laurie (Cindy Williams) han roto y está sentado en el Mel's drive-in pensativo y desanimado, una de las camareras Budda (Jana Bellan) está en sus cinco minutos de descanso y habla con él, y le cuenta su situación, intenta ayudarle y le dice que sale en una hora para pasar un buen rato antes de que él marche a la mañana siguiente, esta escena la ve Laurie...

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCIII)

George Lucas dirigió su segundo film American Graffiti en 1973, después del estrepitoso fracaso de THX 1138, que incluso llegó a hundir a la American Zoetrope. Recomendado por su amigo Francis Ford Coppola, Lucas rodó una historia menos fría que la del debut, algo más humana y cálida, más cercano a la realidad y no tan oscuro. La historia se desarrolla en Modesto (California) en la última noche del verano de 1962, donde los adolescentes de ese pueblo quieren divertirse antes de afrontar sus responsabilidades de adultos, la universidad, etc., es entonces cuando todos salen esa noche para bailar, beber, ligar, pasearse en coche, ir a la bolera, bailar un rato... una radiografía perfecta de ese momento en que las hormonas adolescentes explotan. Precisamente cuando van a bailar se produce un momento mágico, la banda que ameniza interpreta el tema At the hop de Flash Cadillac & The Continental Kids, un disfrute absoluto de una música cincuentera inigualable, dentro de una banda sonora magnífica.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas de películas (CLII)

En 1964 Anthony Mann dirige La caída del Imperio Romano, superproducción histórica para la productora de Samuel Bronston y con un elenco del actores de primer nivel en ese momento como Sophia Loren, Stephen Boyd, Christopher Plummer, Alec Guinness, James Mason, Mel Ferrer, Omar Sharif, etc., Se narra en la época del Imperio Romano en el Siglo II d. C. cuyo emperador era Marco Aurelio (161-181), llamado el filósofo y último gobernante de la Edad de Oro romana. En su mandato tuvo que luchar, muy a su pesar, contra diversos pueblos para defender las fronteras del Imperio. En política interior, su sueño era restaurar las instituciones republicanas, razón por la que nombró sucesor a su protegido Livio, en detrimento de su ambicioso y corrupto hijo Cómodo, pero este no aceptó la decisión de su padre y matando a quien hiciese falta se apoderó del trono.

Dimitri Tiomkin fue elegido por el director para la banda sonora del film, un compositor que tres años antes hizo la partitura de Los Cañones de Navarone, por ejemplo, una deliciosa banda sonora acorde a todo lo que se narra en el film.

Os dejo con el Main title de esta banda sonora.

Bandas sonoras míticas de películas (CLI)

Como decía ayer,  en 1984, Milos Forman dirige Amadeus, una película en la que se supone se habla sobre la vida de Wolfgang Amadeus Mozart, y su rivalidad con Antonio Salieri (recurso literario, trasladado al guión cinematográfico, sin fundamento histórico). Peter Shaffer, dramaturgo y Milos Forman, el director de cine, unieron sus caminos, Shaffer había escrito en su momento la obra de teatro Amadeus en 1979, y encontró en Forman el hombre perfecto capaz de plasmar en el séptimo arte y de la forma más majestuosa posible, las bondades de su relato. Forman obviamente se tomó sus licencias, no entendidas del todo por el público.

La película cuenta la vida de Mozart narrada por su rival, Salieri (F. Murray Abraham), que ya anciano al principio del film intenta suicidarse mientras grita que él fue quien asesinó a Mozart, a la vez que le cuenta todo a un cura, el cual le visita en un centro psiquiátrico de la época. Salieri se convirtió en maestro de cámara del Emperador José II de Habsburgo (Jeffrey Jones), pero todo se le torció hasta que llegó él, Mozart (Tom Hulce), un hombre infantil, sin modales, atontado y soñador, pero eso sí, un genio para la música, dotado de habilidades increíbles, como él mismo dijo "la encarnación musical de Dios".

La película tiene una duración de 3 horas en su versión extendida, un visionado que se convierte en un auténtico placer, ya que el recorrido por la carrera musical del genio es extenso tocando muchas de sus principales obras.

Obviamente la banda sonora es una locura, llena de piezas de Mozart, una joya.

Os dejo con la Symphony No. 25 in G Minor, K. 183.

Escenas míticas del cine (CCCII)

En 1984, Milos Forman dirige Amadeus, una película en la que se supone se habla sobre la vida de Wolfgang Amadeus Mozart, y su rivalidad con Antonio Salieri (recurso literario, trasladado al guión cinematográfico, sin fundamento histórico). Peter Shaffer, dramaturgo y Milos Forman, el director de cine, unieron sus caminos, Shaffer había escrito en su momento la obra de teatro Amadeus en 1979, y encontró en Forman el hombre perfecto capaz de plasmar en el séptimo arte y de la forma más majestuosa posible, las bondades de su relato. Forman obviamente se tomó sus licencias, no entendidas del todo por el público.

La película cuenta la vida de Mozart narrada por su rival, Salieri (F. Murray Abraham), que ya anciano al principio del film intenta suicidarse mientras grita que él fue quien asesinó a Mozart, a la vez que le cuenta todo a un cura, el cual le visita en un centro psiquiátrico de la época. Salieri se convirtió en maestro de cámara del Emperador José II de Habsburgo (Jeffrey Jones), pero todo se le torció hasta que llegó él, Mozart (Tom Hulce), un hombre infantil, sin modales, atontado y soñador, pero eso sí, un genio para la música, dotado de habilidades increíbles, como él mismo dijo "la encarnación musical de Dios".

La película tiene una duración de 3 horas en su versión extendida, un visionado que se convierte en un auténtico placer, ya que el recorrido por la carrera musical del genio es extenso tocando muchas de sus principales obras.

En una escena mítica, la joven esposa de Mozart, Constanze (Elisabeth Berridge) lleva manuscritos en secreto a Salieri, para que beneficie a su marido en un nombramiento. Esos manuscritos son las partituras originales (ella le dice que nunca hacía copias), que Salieri lee y queda deslumbrado de que no hay ninguna corrección y que su rival era "La voz de Dios" a pesar de ser un libertino. Corroído por la envidia le hace una propuesta a la joven (bastante ingenua) de que un favor, se paga con otro favor...

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCI)

Edward Zwick dirigó Tiempos de gloria en 1989, y que está basada en hechos reales. Entre 1861 y 1865 se libró la Guerra de Secesión en Estados Unidos que enfrentó al ejército confederado del Sur contra las tropas de la Unión del Norte. Los militares del Norte eran reacios a reclutar negros y armarlos para luchar contra el Sur, pero finalmente hubo una ley que lo aprobó y se permitía. El regimiento número 54 de Massachusetts fue el primero y el más valeroso de los batallones formados por negros libres (no esclavos), aunque antes de eso fueron destinados a otras funciones, previo a entrar en combate. De hecho en la película apenas se ve algo del entrenamiento, solo el asalto a una población, una escaramuza bélica y la última escena, un tour de force con el asalto suicida a Fort Wagner, cuyo trágico pero glorioso desenlace siempre es lo más recordado del film. El instructor del batallón es el recién nombrado Coronel Robert Gould Shaw, recuperado poco antes de una cruenta batalla y al que da vida Matthew Broderick. Morgan Freeman da vida al Sargento John Rawlins o "Mamá Ganso", duro pero con corazón que cuida de sus soldados, mientras Denzel Washington da vida al esclavo Trip y por el que recibió el Oscar a mejor actor secundario, mientras Cary Elwes (el guaperas de La Princesa Prometida) encarna al Mayor Cabot Forbes.

En una escena mítica Trip ha desertado para ir a casa de un amigo y recibir comida caliente, pero es detenido y llevado ante el coronel, que decirle darle su castigo a latigazos, la lágrima que suelta Trip es demoledora.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCC)

En 1953 John Ford dirige Mogambo en cuyo reparto actoral estaba una parte muy importante del film, con tres figuras del momento como el galán Clark Gable, y las bellas Ava Gardner y Grace Kelly. El film nos cuenta la historia que se desarrolla durante un safari en África, donde un cazador profesional Victor Marswell, al que da vida Gable, se encuentra dividido entre una recién casada rubia, de apariencia ingenua y algo fría, llamada Linda Nordley (Grace Kelly), y una volcánica morena (menudo carácter) de turbio pasado llamada Eloise Y. Kelly (Ava Gardner). La actividad de Victor es la caza de animales salvajes para después venderlos a zoológicos de todo el mundo. Los Nordley, pareja de recién casados, llegan al campamento para buscar la ayuda de Marswell, ya que quieren filmar un documental sobre gorilas, Donald Nordley es el marido de Linda, al que da vida Donald Sinden.

Si bien la historia no es para tirar cohetes, el director utiliza todo el potencial paisajístico que le ofrecía rodar una película en un lugar pintoresco y variado visualmente, un marco excelente que sirve de exótico y atractivo escenario donde se desarrolla toda la acción.

Como era de esperar hay un interesante duelo femenino entre la Gardner y la Kelly, ambas disputándose al guaperas de Gable, un tosco y viril cazador que conquista a ambas mujeres diametralmente opuestas en personalidad, que se verán atrapadas en un triángulo amoroso salvaje dentro de un entorno salvaje también. 

En una mítica escena, Eloise va a buscar a Linda y le suelta frases directas como "los hombres le crean a una muchos problemas... ¿verdad?" o "...es un hombre especial el Sr. Marswell, su marido debería examinarle la cabeza a ver que tiene..." hay disparos con bala menos hirientes...

Os dejo con la mítica escena que supone la entrada 300 de esta sección.

Escenas míticas del cine (CCXCIX)

Trainspotting, la ya célebre película dirigida por Danny Boyle en 1996, y que tuvo su secuela en el año 2017, es un film realmente impactante y que para su época, en mitad de los 90, era totalmente transgresor. Basada en la novela de Irvin Welsh y muy bien guionizada por John Hodge, cuenta las peripecias en Edimburgo de cuatro amigos, realmente cinco si contamos al más noble de todos, Tommy, y sus correrías por aquella ciudad.

Se trata de Mark Renton (Ewan McGregor) y sus colegas que son adictos a la heroína, lo que les hace estar siempre fuera de la realidad, pero la pandilla no tiene desperdicio, están un psicópata alcohólico y violento, Begbie (Robert Carlyle), un joven desesperado, Spud (Ewen Bremmer), un mujeriego con un conocimiento enciclopédico sobre Sean Connery, Sick Boy (Jonny Lee Miller) y un entusiasta de las caminatas y de Iggy Pop, Tommy (Kevin McKidd).

En una escena mítica, Mark está sentado solo en la discoteca mientras el resto bailan y disfrutan, esos momentos de soledad en los que se sueltan frases para la historia, y lo que dice es: "... el mundo está cambiando, la música está cambiando, las drogas están cambiando, incluso los hombres y las mujeres están cambiando. Dentro de mil años ya no habrá tíos ni tías, sólo gilipollas". Frase de esas que son visionarias, aunque en este caso no va a pasar tanto tiempo para que eso pase...

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCXCVIII)

En 1976 John Sturges dirige Ha llegado el águila, como se tradujo aquí del título inglés original que era The eagle has landed. Situado el relato en 1943 en plena Segunda Guerra Mundial, un comando alemán formado por 16 hombres planean tirarse en paracaídas sobre suelo británico para secuestrar al primer ministro inglés Wiston Churchill, durante la estancia de este en un pueblo del condado de Norfolk. La misión ha sido encomendada el condecorado héroe de guerra Coronel Steiner (Michael Caine), cuya sentencia de muerte por su oposición al genocidio judío ha sido suspendida y al irlandés Liam Davlin (Donald Sutherland), aunque supervisados y dirigidos desde Alemania por el Coronel Radl (Robert Duvall). Una vez aterrizan en Inglaterra, la misión consiste en dirigirse al pueblo camuflados con uniformes polacos. Precisamente en una mítica escena, se revisan los paracaídas, mientras el Coronel Kurt Steiner exige al Coronel Radl llevar debajo de los uniformes polacos los suyos alemanes, y si por cualquier cuestión la misión saliese mal, morir con sus uniformes verdaderos. La fascinante figura del capitán Steiner, un personaje que tenía mucho recorrido, ensombrece el estupendo trazado de personajes de una película a la que le falta un remate más contundente, pero ahí John Sturges (figura mítica de Hollywood de años atrás), un director eficaz y vigoroso, no tuvo el compromiso debido, ya que su máxima preocupación era cobrar para irse a hacer pesca de altura a la Baja California, cosa que le interesaba más que el cine hacía ya años y que por cierto era bastante caro. Así, Michael Caine en su autobiografía, admitía estar algo decepcionado con el resultado final de este film, y echaba la culpa de lo que podría haber sido un mejor acabado a Sturges.

Os dejo con la mítica escena antes referida.

Babylon (2022)

Damien Chazelle dirige Babylon, un film en el que hace un repaso a la industria del cine y el poder de este para generar sueños, ambientada en los años 20 en Los Ángeles, en los albores de Hollywood, donde se ven historias de ambición, excesos y caída de múltiples personajes dentro de una época de desenfrenada decadencia. Es curioso ver como hay similitudes con el último film de Quentin Tarantino, Érase una vez... en Hollywood, en aquella película que era nostálgica y realista a la vez, y que venía a decirnos que el cine ya no es lo que era.

Babylon es un proyecto evidentemente ambicioso, pero desde mi punto de vista tiene dos cosas que le hacen no ser esa gran película, primero la excesiva duración, tres horas y nueve minutos, que se podrían haber dejado en dos horas y media y no hubiera pasado nada, y por otro lado el no definir un claro protagonista, realmente Manuel "Manny" Torres (Diego Calva) es el tapado durante mucha parte de la cinta y acaba siendo su historia la conductora del film sin querer, además de sus similitudes con otro film.

El director empieza el film como si fuera una precuela de La La Land, su anterior película, pero esas similitudes de las que antes hablaba con el último film de Tarantino, no solo están en la elección de Margot Robbie y Brad Pitt, si no que la propia Nellye LaRoy (Margot Robbie) visita el cine para ver su propia película como hacía en la otra interpretando a Sharon Tate o el Jack Conrad (Brad Pitt) paseando en coche por L.A., incluso metiéndose él mismo en el papel de Rick Dalton, son cosas demasiado evidentes. En muchos momentos la cinta tiene alternancia de momentos muy enérgicos con otros pausados, que le generan un ritmo irregular. Aunque el tema del cambio del cine mudo al sonoro será un tema candente e interesante que afecta a varios de los protagonistas, sobre todo a un Jack Conrad que no acaba de adaptarse.

La película tiene muchos momentos de comedia muy desenfrenada, sobre todo al inicio con esa desmadrada fiesta donde todo el mundo bebe, se droga, folla y vive a mil, la parte más erótico-festiva. Pero cuando toda la gente involucrada en el cine, y eso si que está muy bien descrito por el director, tiene un objetivo, van por eso a muerte, cueste lo que cueste y se utilice a quien se utilice, pero a la vez muestra la miseria de este arte, en el que el éxito es fugaz y tienes que estar todos los días reinventándote y volviendo a actualizarte, antes de que llegue otro más joven y te quite el puesto. En esa línea, hay estrellas que sufren una caída espectacular, bien por no ponerse al día, bien por su carácter indomable que no aceptaba las jerarquías de las altas esferas dominantes, etc,.

En el plano actoral, los ya mencionados Diego Calva, Margot Robbie o Brad Pitt (su vena cómica sigue siendo excelente) están perfectos, pero me gustaría destacar a un Tobey Maguire realmente portentoso que aparece ya muy avanzado el film, en el papel de James McKay un mafioso excéntrico al que LaRoy debe dinero por sus apuestas y al que acude Manny para intentar arreglar el asunto económico. Da auténtico pavor este personaje.

En definitiva una película que tuve que ver en dos partes, se me hacía demasiado larga sin algo que me enganchara de verdad y que disfruté por momentos, sin dejarme loco ni mucho menos.

Os dejo con el tráiler del film.

Peaky Blinders (Serie) (2013-2022)

Peaky Blinders es una serie de televisión inglesa emitida por el canal BBC 2 protagonizada por una familia de gángters, los Peaky Blinders, situando la acción en Birmingham y con tintes de drama histórico ambientado después del final de la Primera Guerra Mundial. Esta familia dirige un local de apuestas hípicas y está liderada por Thomas 'Tommy' Shelby al que da vida Cillian Murphy, y que acabará siendo un mafioso que dominará toda Inglaterra. Shelby, pese a ser un criminal y mafioso, tiene rasgos antiheroicos, es un personaje ambivalente, que pese a su brutalidad, se convierte en la esperanza de acabar con otros villanos aún más viles y mezquinos que él. Los creadores de la serie se basaron en los "Peaky Blinders", una banda criminal que existió en realidad en la citada ciudad de Birmingham en las primeras décadas del siglo XX, y como en toda serie hay mezcla de ficción y realidad. Su primera temporada fue emitida a finales de 2013 y la sexta y última a lo largo de 2022. Una serie aclamada por público y crítica basada en una perfecta ambientación, excelente reparto y que ha recibido innumerables premios, también a director y fotografía y cómo no a Cillian Murphy, actor principal.

La ambición de Shelby, es motivo para que un detective de la Real Policía Irlandesa, el Inspector jefe Chester Campbell (Sam Neill) sea enviado a dicha ciudad con la finalidad de acabar con los delitos provocados por la banda y que parten de un robo de armas que se le atribuye a la misma. Tommy Shelby, sus hermanos Arthur, John, Finn y su tía Polly Gray son el núcleo duro de la familia. En concreto la tía Polly es la matriarca del clan, una mujer fuerte, de una clara inteligencia y a la que da vida una gran Helen McCrory.

Destacar también la presencia de Tom Hardy que hace de Alfie Salomon, el líder de una banda de criminales judíos que actúan desde Camden Town.

En cuanto a su banda sonora, es una selección musical que cuenta con bandas y artistas de primer nivel, desde Nick Cave & The Bad Seeds, a PJ Harvey, Arctic Monkeys, David Bowie, Radiohead, Dan Auerback, Jack White, etc...

Os dejo con una escena brutal de la tercera temporada, un encuentro entre Tommy Shelby y Alfie Salomon, donde discuten con diálogos muy interesantes, hay tiros, etc., un cara a cara de un gran nivel.

En cuanto a la banda sonora voy a destacar dos temas, primero de Dan Auerbach y su tema The prowl.

Y luego el Breathles de Nick Cave & The Bad Seeds.

Bandas sonoras míticas de películas (CL)

La conquista del oeste (How the west was won) es un film de 1962 que congregó a grandes directores y actores. La película consta de cuatro episodios sobre la colonización del Oeste que tienen lugar entre 1830 y 1890, los dos primeros y el último dirigidos por Henry Hathaway y el tercero por George Marshall, pero incluye también un interludio dirigido por John Ford, ambientado en la guerra de Secesión (1861-1865), con un diálogo entre los generales nordistas Sherman (John Wayne) y Grant (Harry Morgan). Esta fue la primera película rodada en Cinerama y el narrador era Spencer Tracy.

La expansión hacia el Oeste protagonizada por los colonos, la anexión de Texas (1845) y la incorporación de Arizona, Nuevo México y California, tras una guerra con México que se salda con victoria de Estados Unidos (Tratado de Guadalupe-Hidalgo de 1848) suponen un avance espectacular de la frontera norteamericana hacia el Pacífico.

Este film puede que no se encuentre entre los títulos cumbre del género del Far west, pero lo que no cabe la menor duda, es que es el título más representativo, espectacular e icónico de toda la historia de él. La Metro decidió apostar fuerte en un proyecto faraónico, con una película que incluyera todo lo relativo al género Far West, es decir, grandes praderas, los indios, el ferrocarril, los cowboys, el sheriff, los primeros colonos, los salones, etc., y con un reparto espectacular, juntando prácticamente a lo mejor de ese momento, Carrol Baker, James Stewart, Debbie Reynolds, Gregory Peck, George Peppard, John Wayne, Henry Fonda, Richard Widmark, Eli Wallach, Karl Malden, Walter Brennan, etc...

Por si fuera poco la música de Alfred Newman tuvo un gran nivel dirigiendo una orquesta fastuosa, inolvidable acompañamiento.

Os dejo con el Main title de la banda sonora.

Escenas míticas del cine (CCXCVII)

En el año 2006 Zack Snyder dirige 300, la adaptación cinematográfica de la serie limitada de cómics del mismo nombre de Frank Miller, la cual relata la batalla de las Termópilas, que es histórica (480 a. C.). Miller actuó como productor ejecutivo y consultor, y eso sin duda se nota. La película fue rodad con la técnica de súperimposición de croma, para ayudar a reproducir las imágenes del cómic original, lo que da todavía mayor parecido.

El Rey espartano (griego) Leónidas (Gerard Butler) parte con 300 aguerridos espartanos a pelear a muerte contra las huestes del Dios-Rey Persa Jerjes (Rodrigo Santoro) y su enorme ejército de más de un millón de soldados.

En una escena mítica, los 300 esperan en el principio del desfiladero al ejército persa, que embiste por vez primera, la defensa de los espartanos es feroz y consiguen hacer retroceder a los persas que pierden muchas unidades (dentro de un ejército inmenso que al movilizarse parece provocar un terremoto). La manera de luchar de los espartanos es antológica, pura adiestración y espíritu de lucha.

Os dejo con la mítica escena.