Las mejores películas de 2024 (6-10) (Parte 2)

Pues ha sido un año donde no he ido demasiado al cine, la verdad sea dicha, lo he hecho en contadas ocasiones, y no es porque me deje de gustar, si no por el desarrollo de los acontecimientos. La lista realmente es más amplia, pero este año se queda en 10 películas, eso sí, muy buenas de las que pude ver, algunas de ellas venían del año anterior y ya las vi en 2024, algo muy típico. Aquí tenemos un film dirigido por Robert Eggers acerca de la adaptación del libro de Bram Stoker al cine, una película francesa de éxito, un documental acerca de una figura fundamental de la música, otro documental acerca de la banda más grande de la historia en su primer viaje a Estados Unidos y por último la unión de dos superhéroes de Marvel antagónicos.

6. NOSFERATU de Robert Eggers

Robert Eggers dirige este remake de Nosferatu, basado en la clásica novela de Bram Stoker, Drácula. Eggers ha vuelto al género del terror, después de dejarlo en El hombre del Norte y parcialmente en esa genialidad que fue El Faro, aunque este es el género en el que se desenvuelve como pez en el agua y está en su salsa. Pero esta revisión del clásico, tiene puntos muy a favor, dejando de lado las comparativas que siempre salen a escena rápidamente, y desde luego después de un primer visionado en mi butaca me ha resultado visualmente fascinante, me ha atrapado y me ha parecido que está muy bien rodada. Si se han visto anteriores films de este director, es conocido que le gusta hacer las cosas con calma y que sus trabajos tienen una cadencia y un ritmo, que linda con lo hipnótico en ciertos momentos y esa es una cuestión con la que no todo el mundo se engancha.

La verdadera fuerza del film radica en la repugnancia y a la vez lo extrañamente atractivo que resulta el personaje del Conde Orlok, al que da vida Bill Skarsgärd, aunque si que es cierto que la caracterización del monstruo no es todo lo buena que yo pensaba que sería. Pero los verdaderos puntos fuertes de la historia son la puesta en escena, la primera parte del viaje de Thomas Hutter (Nicholas Hoult) es realmente fascinante y su llegada al castillo del conde y su odisea allí fantástica, la recreación de la ciudad de Wüzburg, Alemania, en el siglo XIX, fría y lúgubre que me parece realmente fabulosa y por otro lado también la excelente fotografía de Jarin Blaschke, que es un fiel colaborador de Eggers, y consigue una absoluta obra maestra de claroscuros, velas y antorchas, las escenas nocturnas en las habitaciones, etc., un deleite visual.

Os dejo con el tráiler del film.

7. ANATOMIE D'UNE CHUTE de Justine Triet

Justine Triet dirige su séptima película titulada Anatomía de una caída, un film que desde su estreno en Cannes tuvo multitud de premios (ganó la Palma de Oro), elogios, parabienes, etc., y que ha sido considerada una de las mejores películas del año pasado, que es un drama judicial interesante donde no importa realmente la verdad, si no la disección de la vida de una pareja descuartizada y que tuvo en el accidente de su hijo que le dejó sin visión, un punto de inflexión.

Sandra Voyter (Sandra Hüller) es una escritora alemana que vive junto a su marido Samuel Maleski (Samuel Theis) y su hijo ciego Daniel (Milo Machado Graner) en una casa en mitad de los Alpes franceses. El inicio del film es que Daniel sale a dar un paseo con su perro, mientras su madre, que es escritora tiene una charla con una mujer que vino a entrevistarla. Cuando Daniel vuelve se encuentra a su padre muerto en extrañas circunstancias, iniciándose el proceso judicial para determinar las causas del fallecimiento y discernir si fue un homicidio o un suicidio.

La premisa de la película, es que partimos de que no sabemos si la persona a la que se juzga es culpable o no, manteniendo esa tensión a lo largo de toda la cinta, teniendo para mí la traba de que tiene un ritmo bastante lento. A lo largo del juicio, el fiscal trata de demostrar continuamente la culpabilidad de Sandra en cuanto tiene la mínima oportunidad y salen a la luz discusiones de la pareja, su vida íntima, la bisexuealidad de ella y el asunto de su hijo, que cuando sucedió el accidente estaba a cargo del padre esos días, cosa por la que siempre se fustigó Samuel.

Se hacen muchas reconstrucciones de lo sucedido para tratar de aclarar que pasó y siempre Sandra se mantiene firme en su inocencia, apoyada en su abogado y viejo amigo Vincent Renzi (Swann Arlaud).

Para el espectador en todo momento es una situación peculiar, ya que teniendo acceso a datos íntimos, conversaciones que el propio Samuel grababa para un proyecto de un libro (aunque era profesor) y donde se escuchan peleas entre la pareja, conversaciones entre la protagonista y su hijo, entre ella y su abogado, etc., hace que tengamos una visión sesgada quizás, lo que al final nos convierte en parte del jurado popular sin poder de decisión. Pero los personajes y la situación son muy ambiguos y cada pista que se da en el juicio nos complica todo en mayor medida, tantos matices lo hace algo inabarcable.

Os dejo con el tráiler del film.

8. LITTLE RICHARD: I AM EVERYTHING de Lisa Cortés

3 años y medio después de la muerte de Little Richard (9 de Mayo de 2020, en plena pandemia) ha salido a la luz un documental acerca de su vida dirigido por Lisa Cortés. Se trata de uno de los arquitectos del rock and roll, y del que muchos músicos han bebido y han sido influenciados como The Beatles, The Rolling Stones, etc., que sin embargo, durante muchos años costó que tuviera su reconocimiento en cuanto a premios y demás, algo en lo que se incide bastante en el film y que a él le dolía especialmente. Otro aspecto que sale bastante en la cinta es su personalidad, algo egocéntrica, vanidosa, etc., y su homosexualidad (algo que sinceramente creo que se repite demasiado durante buena parte del film). Muchos músicos y gente que le conoció salen hablando de él en el film, Paul McCartney, Mick Jagger, Tom Jones, y un largo etcétera.

En la primera parte de la cinta se refleja como fue la vida en la ciudad donde nació en Macon, Georgia, Richard Wayne Penniman tenía 11 hermanos, fue el cuarto de 12 hijos y vivían en condiciones muy humildes, siendo su madre lavandera y su padre destilador ilegal de whisky. Se identificó más con su madre que con su severo padre y recibió clases de piano que le influyeron luego mucho en su carrera. Pertenecía a la Iglesia Adventista del Séptimo Día y aprendió música góspel en las iglesias pentecostales del sur de Estados Unidos.

Luego viene la parte musical, quienes fueron sus referentes, a quien se quería parecer sobre todo estéticamente, y también como en una época en la que había todavía segregación racial como los negros debían buscarse sus lugares para bailar, cantar, pero sin mezclarse con los blancos. Lo curioso es que a los blancos les gustaba la música que hacían la gente de color, lógicamente. Richard siempre llamaba la atención, no solo por sus atuendos, si no por la manera salvaje en la que hacía sus interpretaciones, realmente llamativas.

Os dejo con el tráiler del documental.

9. BEATLES '64 de David Tedeschi

El pasado 29 de noviembre, justo unos días antes de la vista de Paul McCartney a España, salía a la luz la película documental Beatles '64 en Disney + dirigida por David Tedeschi y producida por Martin Scorsese (junto a los propios músicos o sus herederos). La cinta sitúa el foco sobre el centro de la Beatlemanía, justo cuando la banda aterriza por primera vez en Estados Unidos, en un momento doblemente histórico, por un lado su gira, pero por otro acababa de suceder el asesinato de John Fitzgerald Kennedy. Uno de los ejes centrales del documental es la histórica actuación de los de Liverpool en el The Ed Sullivan Show, en febrero de ese año, batiendo récords de audiencia televisiva con 73 millones de espectadores.

El trabajo se ve con facilidad, es entretenido, y es un producto bastante importante sobre lo que supuso el fenómeno Beatle en aquel momento en una sociedad como la americana. Todas las imágenes, muchas de ellas inéditas, están condimentadas con entrevistas a gente que vivió aquello en primera persona como Robbie Spector de The Ronettes, el fotógrafo Harry Benson o el director de cine David Lynch, entre otros, además de material de archivo de los cuatro miembros del grupo y exclusivas por parte de Paul y Ringo. También hay una especie de entrevista del propio Scorsese a Ringo recordando vivencias de aquel año. Secuencias de backstage, los Beatles viajando en el tren, sobre el escenario, o en diferentes habitaciones de hotel, en definitiva reflejos de cómo cuatro jóvenes que estaban cambiando el mundo, simplemente disfrutan el momento como cualquier gente de su edad. 

Os dejo con el tráiler del documental.

10. DEADPOOL & WOLVERINE de Shawn Levy

Marvel hace tiempo que está en horas bajas, personalmente lo último bueno desde mi punto de vista fue Vengadores: Endgame y el cierre de Lobezno (Logan). Es por esto que Kevin Feige y su gente tenían que replantearse el futuro y lo hicieron con un as en la manga, un éxito seguro, que era la unión del mercenario bocazas junto al regreso de Hugh Jackman. Y así fue, no solo ha sido un éxito si no que es un grandioso entretenimiento de 127 minutos. Es cierto que Deadpool suele ser irritante, pues aquí sube la apuesta, y eso si has visto las dos primeras partes y las has tolerado bien, hace que este sea el siguiente paso y todo sea coherente. La única diferencia con las dos primeras partes de Deadpool es el cambio de productora. Shawn Levy fue el encargado de dirigir esta película que está simplemente correcto.

Obviamente este es un film que hay que tomarse en clave de humor y sinceramente así es como se disfruta del tirón. Aquí hay una generosa mezcla de palabrotas y sangre con dosis de alta violencia y gags de un nivel superlativo, a los que se le añaden rupturas de la cuarta pared, que desde el primer momento empiezan por todo lo alto. Eso sí, desde el primer momento hay dardos lanzados tanto a Disney como a Fox, dentro de la broma gigante que es el film. Lo que si me dejó sorprendido fue alguna de las apariciones especiales, que sinceramente no esperaba, de hecho hay una que te deja alucinado, pero hablamos de un total de 19 cameos, que no está nada mal.

Os dejo con el tráiler del film.

El 47 (2024)

El 47 es un film dirigido por Marcel Barrena, y que nos cuenta una historia real sucedida en Barcelona a finales de los años 50 y su evolución en el tiempo hasta la democracia. Se trata en concreto del barrio de Torre Baró periférico y obrero, construido con sus propias manos por inmigrantes procedentes de varias partes de España, extremeños, andaluces, etc., que para que no les tiren sus construcciones debían tener techo (eso fijaba la ley en ese momento), de hecho el principio del film relata como de duros fueron esos comienzos ya que los grises les visitaban todas las mañanas y si no había techo lo tiraban, con lo que toda esta gente lo que decide es ir haciendo una vivienda al día con techo para mantenerlas vivas, y así fueron haciendo el barrio. Cine social y reivindicativo, y en el que en muchos momentos se habla en catalán.

El film aborda el tema desde la honestidad pero no buscando la lágrima fácil, y con el paso de los años va desgranando una serie de problemas que esta población va sufriendo, ya que están aislados por la distancia de la gran urbe que es Barcelona, y allí no llegan ni el transporte público ni muchas de las cosas necesarias para poder vivir en unas condiciones dignas, a lo que se añade la difícil orografía en la que está ubicada la barriada, con cuestas y calles estrechas. Ahí es donde el gran protagonista de la cinta emerge, Manuel Vital, al que da vida Eduard Fernández, que tiene una hija Joana (cuya madre falleció antes de su llegada a la zona y a la que da vida Zoe Bonafonte) y que se une una vez allí a Carmen (Clara Segura) que era monja, pero deja sus hábitos para hacer su verdadera vocación de maestra de escuela. Manuel es conductor de la línea 47 del autobús urbano de Barcelona, y en su lucha por llevar el transporte a su barrio consigue llegar hasta la administración, hablar con el consejero de transportes del ayuntamiento, después de soportar una burocracia demencial (esto sigue sucediendo a día de hoy) y hacer ver a los que mandan que su persistencia en que allí no podía subir el autobús, era una idea equivocada.

Echo de menos una descripción algo más elaborada de los personajes, sobre todo de los secundarios (aunque los actores los defienden bien) y una recreación de la época menos rígida por así decirlo. Pero sin duda, la película deja de fondo un poso de esperanza, eso es innegable, ya que ese plan que Manuel lleva a cabo, salirse de la ruta y subir por su cuenta y riesgo a Torre Baró para demostrar que se podía llegar con el autobús, fue algo que rompió moldes, a él le costó ser detenido, una sanción, pero consiguió ser devuelto a su puesto de trabajo. Como se cuenta al final de film, cuando Pascual Maragall fue elegido alcalde de Barcelona, visitó a Manuel y Carmen a finales de los años 80, ya que su ejemplo fue crucial para que esa parte de la ciudad estuviera unida a la urbe. El grito desesperado en forma de canción del final, por parte de Joana, refleja mucho de la desesperación que esta gente sentía en sus carnes.

Os dejo con el tráiler del film.

Beatles ' 64 (2024)

El pasado 29 de noviembre, justo unos días antes de la vista de Paul McCartney a España, salía a la luz la película documental Beatles '64 en Disney + dirigida por David Tedeschi y producida por Martin Scorsese (junto a los propios músicos o sus herederos). La cinta sitúa el foco sobre el centro de la Beatlemanía, justo cuando la banda aterriza por primera vez en Estados Unidos, en un momento doblemente histórico, por un lado su gira, pero por otro acababa de suceder el asesinato de John Fitzgerald Kennedy. Uno de los ejes centrales del documental es la histórica actuación de los de Liverpool en el The Ed Sullivan Show, en febrero de ese año, batiendo récords de audiencia televisiva con 73 millones de espectadores.

El trabajo se ve con facilidad, es entretenido, y es un producto bastante importante sobre lo que supuso el fenómeno Beatle en aquel momento en una sociedad como la americana. Todas las imágenes, muchas de ellas inéditas, están condimentadas con entrevistas a gente que vivió aquello en primera persona como Robbie Spector de The Ronettes, el fotógrafo Harry Benson o el director de cine David Lynch, entre otros, además de material de archivo de los cuatro miembros del grupo y exclusivas por parte de Paul y Ringo. También hay una especie de entrevista del propio Scorsese a Ringo recordando vivencias de aquel año. Secuencias de backstage, los Beatles viajando en el tren, sobre el escenario, o en diferentes habitaciones de hotel, en definitiva reflejos de cómo cuatro jóvenes que estaban cambiando el mundo, simplemente disfrutan el momento como cualquier gente de su edad. 

Os dejo con el tráiler del documental.

Bandas sonoras míticas del cine (CXCIII)

Como decía ayer, Intocable es una película francesa basada en hechos reales y dirigida por Olivier Nakache y Eric Toledano. Philippe es una aristócrata que tras un accidente de parapente, se queda tetrapléjico. Después de una serie de entrevistas a candidatos para ser su asistente y cuidador, Driss, un joven procedente de los suburbios de Paris (y que ha salido de prisión) es el elegido, a pesar de que en principio no es el más indicado, pero su desparpajo cae bien y consigue el puesto.

Philippe, al que da vida François Cluzet es culto, refinado y le gusta la música clásica (Vivaldi, Berlioz...), Driss, al que da vida Omar Sy, es fanático de Kool & the Gang, Eart, Wind & Fire y su lenguaje callejero, maneras, vestimentas en chándal, etc., son más modestas. Dos mundos contrapuestos chocan, pero se acaban entendiendo de manera espectacular, hasta tener una simbiosis descomunal. Esto provoca una amistad entre ambos muy fuerte, cómica a más no poder, y sobre todo sólida. Acaba siendo una relación muy singular, que genera mucha energía entre ambos, y sobre todo consigue algo que parecía imposible y es que el aristócrata, gracias al asistente, recupere las ganas de vivir, a pesar de estar sin movilidad de cuello para abajo. Audrey Fleurot (Magalie), Anne Le Ny (Yvonne) y Clotilde Mollet (Marcelle), que forman parte del servicio de asistencia de Philippe en su lujosa casa, son secundarios que rayan a un gran nivel y son contagiados por completo por la personalidad de Driss, quien les insufla también esas ganas de vivir. Audrey Fleurot da vida a Magalie, que es la secretaria que lleva los asuntos personales y laborales de François.

La banda sonora es una mezcla de las composiciones hechas expresamente para el film por Ludovico Einaudi y de temas de Earth, Wind & Fire, Nina Simone o George Benson entre otros y alguna pieza de música clásica.

Os dejo con el tema Fly de Ludovico Einaudi interpretado en vivo en 2019 y que era la canción que iniciaba esta gran banda sonora.

Escenas míticas del cine (CCCLXXXIX)

Intocable es una película francesa basada en hechos reales y dirigida por Olivier Nakache y Eric Toledano. Philippe es una aristócrata que tras un accidente de parapente, se queda tetrapléjico. Después de una serie de entrevistas a candidatos para ser su asistente y cuidador, Driss, un joven procedente de los suburbios de Paris (y que ha salido de prisión) es el elegido, a pesar de que en principio no es el más indicado, pero su desparpajo cae bien y consigue el puesto.

Philippe, al que da vida François Cluzet es culto, refinado y le gusta la música clásica (Vivaldi, Berlioz...), Driss, al que da vida Omar Sy, es fanático de Kool & the Gang, Eart, Wind & Fire y su lenguaje callejero, maneras, vestimentas en chándal, etc., son más modestas. Dos mundos contrapuestos chocan, pero se acaban entendiendo de manera espectacular, hasta tener una simbiosis descomunal. Esto provoca una amistad entre ambos muy fuerte, cómica a más no poder, y sobre todo sólida. Acaba siendo una relación muy singular, que genera mucha energía entre ambos, y sobre todo consigue algo que parecía imposible y es que el aristócrata, gracias al asistente, recupere las ganas de vivir, a pesar de estar sin movilidad de cuello para abajo. Audrey Fleurot (Magalie), Anne Le Ny (Yvonne) y Clotilde Mollet (Marcelle), que forman parte del servicio de asistencia de Philippe en su lujosa casa, son secundarios que rayan a un gran nivel y son contagiados por completo por la personalidad de Driss, quien les insufla también esas ganas de vivir. Audrey Fleurot da vida a Magalie, que es la secretaria que lleva los asuntos personales y laborales de François.

En una escena muy cómica y mítica a la vez, Driss se está haciendo a su trabajo y tiene, por así decirlo, errores de principiante, distracciones cuando ve a Magalie y demás...

Os dejo con la escena.

Escenas míticas del cine (CCCLXXXVIII)

En 1986 Frank Oz dirige La tienda de los horrores con mucho acierto, un remake o versión musical del clásico del cine de terror barato de Roger Corman "La pequeña tienda de los horrores", apartando cualquier tentación de sangre excesiva, caricaturizando a los personajes y alterando el final. Seymour, al que da vida Rick Moranis, es un joven dependiente de una floristería que está enamorado de su compañera Audrey (Ellen Greene), pero ella sale con un sádico dentista Orin Scrivello D.D.S (Steve Martin) que va en moto y con chupa de cuero. Un día, justo antes de un extraño eclipse, Seymour compra una pequeña planta, a la que bautiza como Audrey II. La planta comenzará a moverse e incluso hablar con Seymour, convirtiéndose en una atracción para la ciudad, lo que nadie sabes es que se trata de un ser abominable que se alimenta de sangre humana. 

Rick Moranis da muestras de su dominio del escenario y de la voz, al igual que Ellen Greene, aunque esta se esconde en una voz atiplada, que en realidad es un auténtico chorro. Hay apariciones estelares en el film como las de Vincent Gardenia, Bill Murray, James Belushi, John Candy e incluso Jack Nicholson, aparte de la atracción principal que es la voz de Levi Stubbs, de los Four Tops, para Audrey II.

En una escena mítica Seymour le pide una flor para un entierro (mientras entra y sale el jefe) y aprovecha para intentar ligar con Audrey y tener una cita con ella, a lo que no se niega, pero esa misma tarde ha quedado con su novio, el dentista sádico...

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCLXXXVII)

En 1978 Richard Donner dirige Superman, una película inolvidable por muchos motivos para un servidor. Basada en el cómic, a partir del cual se hizo el guión, se nos narra como desde una galaxia remota, un recién nacido es enviado por sus padres al espacio, debido a la inminente destrucción del planeta donde viven. Esa pequeña nave aterriza en la Tierra y el niño es adoptado por unos granjeros (la zona a donde la nave llegó), grandes seres humanos que le inculcan al chaval los mejores valores humanos. Con los años crece, y dejará dicha granja para ir a Metrópolis y allí usar y desarrollar sus poderes sobrenaturales para luchar contra el mal. Christopher Reeve quedaría ya para siempre asociado al personaje que interpreta en el film, el de Superman, donde lo fantástico, lo épico y lo aventurero se dan la mano de una forma fantástica.

Todo ello estaba musicado de manera gloriosa por la banda sonora de John Williams, que al parecer fue de lo último en realizarse, aunque parece que toda las imágenes están compuestas al son de la partitura.

En una escena mítica y de lo más romántica es aquella en la que Lois Lane (Margot Kidder) le ofrece vino a Superman cuando llega a su ático, y él responde: "Gracias, no bebo cuando vuelo". Ella le fríe a preguntas, de si está casado, si tiene novia formal a lo que contesta negativamente y le asegura que si la tuviera, ella sería la primera en saberlo. En la tirada de preguntas siguientes le pregunta por su altura, y también de qué color lleva ella su ropa interior (ella se ruboriza pícaramente y se disculpa), a lo que Superman contesta que debe haber un macetero de plomo que no le permite ver el color de su ropa interior... a lo que ella anota... "problemas con el plomo...".

Os dejo con la mítica escena.

Nosferatu (2024)

Robert Eggers dirige este remake de Nosferatu, basado en la clásica novela de Bram Stoker, Drácula. Eggers ha vuelto al género del terror, después de dejarlo en El hombre del Norte y parcialmente en esa genialidad que fue El Faro, aunque este es el género en el que se desenvuelve como pez en el agua y está en su salsa. Pero esta revisión del clásico, tiene puntos muy a favor, dejando de lado las comparativas que siempre salen a escena rápidamente, y desde luego después de un primer visionado en mi butaca me ha resultado visualmente fascinante, me ha atrapado y me ha parecido que está muy bien rodada. Si se han visto anteriores films de este director, es conocido que le gusta hacer las cosas con calma y que sus trabajos tienen una cadencia y un ritmo, que linda con lo hipnótico en ciertos momentos y esa es una cuestión con la que no todo el mundo se engancha.

La verdadera fuerza del film radica en la repugnancia y a la vez lo extrañamente atractivo que resulta el personaje del Conde Orlok, al que da vida Bill Skarsgärd, aunque si que es cierto que la caracterización del monstruo no es todo lo buena que yo pensaba que sería. Pero los verdaderos puntos fuertes de la historia son la puesta en escena, la primera parte del viaje de Thomas Hutter (Nicholas Hoult) es realmente fascinante y su llegada al castillo del conde y su odisea allí fantástica, la recreación de la ciudad de Wüzburg, Alemania, en el siglo XIX, fría y lúgubre que me parece realmente fabulosa y por otro lado también la excelente fotografía de Jarin Blaschke, que es un fiel colaborador de Eggers, y consigue una absoluta obra maestra de claroscuros, velas y antorchas, las escenas nocturnas en las habitaciones, etc., un deleite visual.

Ellen Hutter es el papel clave del film y Lily-Rose Depp hace una actuación realmente convincente, pero el papel de Willem Dafoe que da vida al Profesor Albin Eberhart Von Franz, hace que la película retome mucho empaque con su aparición, ya que es el que realmente sabe que le sucede a ella y quién está detrás de sus episodios nocturnos donde delira de forma brusca. A nadie escapa que esta historia profundamente gótica, tiene un componente de obsesión muy fuerte entre la joven hechizada y el aterrador vampiro que se encapricha de ella, que además ocasiona un terror a su paso realmente temible, incluso plagando una ciudad entera de una enfermedad mortal. El lado teatral que muestra la cinta juega a su favor y es una ayuda, en cierta forma es un acierto.

En definitiva una obra rodada con maestría, conocimiento absoluto del género y con una escena final de esas que se te quedan grabadas.

Os dejo con el tráiler del film.

Deadpool & Wolverine (2024)

Marvel hace tiempo que está en horas bajas, personalmente lo último bueno desde mi punto de vista fue Vengadores: Endgame y el cierre de Lobezno (Logan). Es por esto que Kevin Feige y su gente tenían que replantearse el futuro y lo hicieron con un as en la manga, un éxito seguro, que era la unión del mercenario bocazas junto al regreso de Hugh Jackman. Y así fue, no solo ha sido un éxito si no que es un grandioso entretenimiento de 127 minutos. Es cierto que Deadpool suele ser irritante, pues aquí sube la apuesta, y eso si has visto las dos primeras partes y las has tolerado bien, hace que este sea el siguiente paso y todo sea coherente. La única diferencia con las dos primeras partes de Deadpool es el cambio de productora. Shawn Levy fue el encargado de dirigir esta película que está simplemente correcto.

Obviamente este es un film que hay que tomarse en clave de humor y sinceramente así es como se disfruta del tirón. Aquí hay una generosa mezcla de palabrotas y sangre con dosis de alta violencia y gags de un nivel superlativo, a los que se le añaden rupturas de la cuarta pared, que desde el primer momento empiezan por todo lo alto. Eso sí, desde el primer momento hay dardos lanzados tanto a Disney como a Fox, dentro de la broma gigante que es el film. Lo que si me dejó sorprendido fue alguna de las apariciones especiales, que sinceramente no esperaba, de hecho hay una que te deja alucinado, pero hablamos de un total de 19 cameos, que no está nada mal.

Pero si de algo adolece el film es que los momentos de tensión no acaban de despegar, el guión hace aguas en cuanto a la continuidad de Logan, y además todo esto patina cuando ves el trabajo de la villana Cassandra Nova, a la que da vida Emma Corrin que está brutal en su actuación, pero lo que tiene entre manos es tan pobre que no le luce, sinceramente, y es una pena. Pero volvamos a los puntos buenos, y es que el contrapunto que supone dos figuras como la Deadpool y Lobezno, funciona a la perfección ayudados por la continua sucesión de cameos que les vienen bien. Por otro lado la implicación de Ryan Reynolds en el guión se nota en un sentido positivo.

En cuanto a la historia que se narra Wade Wilson empieza en la vida civil después de sus días como Deadpool, pero cuando su mundo natal se enfrenta a una amenaza existencial, Wade debe volver a vestirse a regañadientes y unirse a un Lobezno aún más reacio a ayudar.

La duda queda en si esto será solo un paréntesis o realmente lo próximo de Marvel cambiará el rumbo.

Os dejo con el tráiler del film.

Fundación (2024)

Guillermo Fesser, guionista y director (miembro del jurado de esta edición de los premios Notodofilmfest), dirige este corto titulado Fundación (corto invitado), en el que tiene en el reparto a Luis Zahera y Claudia Fesser. Se trata de la historia de una joven Claudia Peláez Domínguez (Claudia Fesser) que se enfrenta a su primer entrevista de trabajo con 27 años. El entrevistador (Luis Zahera) se sorprende positivamente de la experiencia que Claudia tiene a su edad, y de las cosas que ha hecho en países de todo el mundo, pero todo tiene su explicación, como todas las cosas de la vida.

Os dejo con el interesante corto.

Escenas míticas del cine (CCCLXXXVI)

En 1965 David Lean dirige Doctor Zhivago, una memorable película basada en la novela de Boris Pasternak, maldita y en el ostracismo en Rusia durante 30 años, y que interpretan un espléndido Omar Shariff, Julie Christie y Geraldine Chaplin entre otros, en los principales papeles. Cuando el director ruso Andréi Tarkovski dijo que "si escribiera poesía como la Pasternak, no haría películas", Boris Pasternak ya no estaba vivo, ya que murió en 1960. Fue uno de los muchos artistas rusos (como el propio Trakovski) perseguidos, humillados, amenazados y finalmente aniquilados (a menudo asesinados, pero simulando enfermedades o accidentes). Pasternak en concreto siempre tuvo problemas con la administración soviética, pero escribir Doctor Zhivago fue la gota que colmó el vaso. 

David Lean venía del éxito de Lawrence de Arabia y tenía libertad absoluta y un contrato millonario cuya misión era salvar la Metro Goldwyn Mayer, y lo culminó sobradamente. Hizo que aquella novela maldita se convirtiera en una de las películas más famosas de la historia, y ajustando el precio de las entradas con la realidad actual, es sin duda una de las más taquilleras de siempre. Además, cuenta con una maravillosa banda sonora compuesta por Maurice Jarre, una delicia absoluta. Pero no olvidemos un detalle tremendo, y es que Lean, en la década de los 60 y a pesar de sus tremendos éxitos, era despreciado de manera sistemática como un director de segunda o tercera categoría, muy comercial, hábil, pero sin interés estético. Nada más lejos de la realidad, el tiempo pone a cada uno en su sitio y sus obras prevalecen como joyas absolutas. Él, ajeno a eso, iba a lo suyo y construía sus obras sin hacer caso de sus detractores, e impuso a Robert Bolt como guionista, un acierto monumental, ya que junto a él llevó a cabo una hazaña difícil, la de condensar una de las novelas más complejas, pobladas e inadaptables que se pueda imaginar para lograr un guión preciso y que mantuviera el núcleo del texto de Pasternak como base inamovible. Bolt se llevó el Oscar de manera muy merecida por esa adaptación, mientras Lean se encargó en una titánica tarea de contar esa historia en imágenes que han quedado grabadas en la retina de todos los que hemos visto este film cientos de veces, que además cuenta con la anécdota de que la mayoría de sus localizaciones estaban en España, en Madrid (Estación de Delicias o barrio de Canillas), Soria (no nevó lo que era normal en ese año y hubo que inventar la nieve) o Granada.

Shariff da vida al Doctor Zhivago que es poeta, cirujano, marido y amante pero cuya vida queda trastornada por una época muy convulsa en Rusia, 1917, la revolución bolchevique, y la guerra civil que sigue a la revolución, que provocan conflictos en todas las familias. El drama de este hombre, en el que se centra el film, cuya lucha continúa por sobrevivir es épica, centra el metraje y también su vida amorosa, quizás con una disyuntiva entre no saber amar o amar demasiado.

Yuri se ha trasladado con su mujer Tonya Gromeko (Geraldine Chaplin), su hijo Sasha y su suegro Alexander (Ralph Richardson) a una zona detrás de los Montes Urales, en Varýkino, aconsejados por el hermanastro (y narrador del film en muchos momentos) Yevgraf Zhivago (Alec Guiness), al haber cambiado totalmente su situación en Moscú y su casa familiar de los Gromeko estar dividida en bloques por el nuevo gobierno soviético y estar ocupada por gente. Además Yevgraf le advierte de que sus poemas no gustan y han sido condenados por los censores soviéticos como antagónicos al nuevo régimen. Pero antes, Yuri es médico de campo de batalla en el frente oriental, de hecho había tenido que dejar a su esposa y su hijo en Moscú. Pasha (Pável Antípov) era el novio de Lara (Julie Christie), antes de que se convirtiera en un extremista de izquierda, después de la masacre de los cosacos en la manifestación pacífica del principio de la historia. En el invierno de 1915 Antípov es dado por muerto durante la I Guerra Mundial en un ataque contra los alemanes y Lara se alista como enfermera con el fin de buscarlo, ya que tienen una hija en común. La Revolución de febrero de 1917 se desata y los soldados se amotinan contra sus oficiales y desertan en masa. Mientras, viajando con un grupo de heridos Yuri Zhivago se encuentra con Lara (a la que conocía cuando salvó a su madre de un intento de suicidio, cuando estaba protegida por Victor Ipolítovich Komarovsky al que da vida Rod Steiger), quien está con una columna de tropas de reemplazo hacia el frente, Lara ayuda a Yuri a atender a los heridos y trabajan juntos durante el resto de la guerra, en un hospital improvisado, y sin que suceda nada, y se separan después del tratado de Brest-Litovsk. En una escena mítica y una vez instalados en Varýkino, un día aconsejado por Tonya, Yuri hace una visita a Yuriatin donde hay una biblioteca y vuelve a ver a Lara, hablan, pasean y acaban en la casa de ella, donde lo inevitable surge.

En una escena mítica Yuri y su profesor de medicina Boris Kurt al que da vida Geoffrey Keen hablan en medio de una observación de células en el microscopio, en medio de la clase práctica de medicina. Boris le pregunta a Yuri que en qué seguirá sus estudios, a lo que contesta que en la investigación ya que quiere conocer la vida, mientras que él le recomienda la medicina general, y añade "descubrirás que las criaturas hermosas también hacen cosas feas".

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CXCII)

Howard Hawks dirige su última película en 1970, Río Lobo, continuación de las otras dos con las que forma una especie de trilogía, Río Bravo y El Dorado. Las constantes morales de Hawks sobre la amistad masculina (aquí con idea de concordia posguerra norte/sur, ilustrada en una simpática relación entre un coronel yanki y un capitán confederado), su capacidad de crear sentido del humor en los diálogos dentro de la tensión que implica el contexto y desarrollar la acción de forma dinámica, le dan al film un tono agradable. Leight Brackett vuelve a ser su guionista de confianza, como en otras muchas.

A finales de la Guerra Civil Americana (1861-1865), un grupo de suristas mandados por el Capitán Pierre Cordona (Jorge Rivero) se dedican a robar los cargamentos de oro que transportaba el ejército yanki. En uno de estos asaltos el coronel Cord McNally (John Wayne) pierde a uno de sus mejores amigos. Una vez finalizada la guerra y como venganza personal, Cord McNally se dedicará a buscar a los miembros de la banda de asaltantes. Una pista le lleva hasta el pueblo de Río Lobo, un lugar donde sus enemigos se han convertido en los amos e imponen la ley del más fuerte.

Casi todos los westerns de Hawks se caracterizan porque tienen el mismo esquema, es decir, un hombre valiente (siempre interpretado por Wayne), trata de imponer la ley, pero sólo consigue la ayuda de un reducido grupo de hombres buenos, pero con algún defecto que les imposibilita para la tarea, como ser demasiado viejos, borrachos o incluso demasiado jóvenes. En esta ocasión, el pistolero inexperto es el que interpreta Jorge Rivero. No dejo pasar por alto la extraordinaria belleza morena de Jennifer O'Neill.

Aquí, la muralla numantina de la cárcel, símbolo de la vigencia de la ley donde se atrincheran el héroe por antonomasia, ya otoñal, borrachuzo y conformista (John Wayne), el jóven impetuoso y aprendiz (Jorge Rivero) y el anciano bufón (un cuatrero irredento como Jack Elam), es tan sólo un escenario anecdótico en el metraje del film, un guiño cariñoso a sus películas hermanas.

Esta última obra rodada por Hawks, por momentos tiene el vigor de alguna de sus primeras realizaciones. Su clasicismo y solidez son abrumadores.

Jerry Goldsmith fue el encargado de componer una extraordinaria banda sonora, en cuyo tema principal tenía a Gregg Nestor a la guitarra española.

Os dejo con el tema principal del film.

Escenas míticas del cine (CCCLXXXV)

Howard Hawks dirige su última película en 1970, Río Lobo, continuación de las otras dos con las que forma una especie de trilogía, Río Bravo y El Dorado. Las constantes morales de Hawks sobre la amistad masculina (aquí con idea de concordia posguerra norte/sur, ilustrada en una simpática relación entre un coronel yanki y un capitán confederado), su capacidad de crear sentido del humor en los diálogos dentro de la tensión que implica el contexto y desarrollar la acción de forma dinámica, le dan al film un tono agradable. Leight Brackett vuelve a ser su guionista de confianza, como en otras muchas.

A finales de la Guerra Civil Americana (1861-1865), un grupo de suristas mandados por el Capitán Pierre Cordona (Jorge Rivero) se dedican a robar los cargamentos de oro que transportaba el ejército yanki. En uno de estos asaltos el coronel Cord McNally (John Wayne) pierde a uno de sus mejores amigos. Una vez finalizada la guerra y como venganza personal, Cord McNally se dedicará a buscar a los miembros de la banda de asaltantes. Una pista le lleva hasta el pueblo de Río Lobo, un lugar donde sus enemigos se han convertido en los amos e imponen la ley del más fuerte.

Casi todos los westerns de Hawks se caracterizan porque tienen el mismo esquema, es decir, un hombre valiente (siempre interpretado por Wayne), trata de imponer la ley, pero sólo consigue la ayuda de un reducido grupo de hombres buenos, pero con algún defecto que les imposibilita para la tarea, como ser demasiado viejos, borrachos o incluso demasiado jóvenes. En esta ocasión, el pistolero inexperto es el que interpreta Jorge Rivero. No dejo pasar por alto la extraordinaria belleza morena de Jennifer O'Neill.

Aquí, la muralla numantina de la cárcel, símbolo de la vigencia de la ley donde se atrincheran el héroe por antonomasia, ya otoñal, borrachuzo y conformista (John Wayne), el jóven impetuoso y aprendiz (Jorge Rivero) y el anciano bufón (un cuatrero irredento como Jack Elam), es tan sólo un escenario anecdótico en el metraje del film, un guiño cariñoso a sus películas hermanas.

Esta última obra rodada por Hawks, por momentos tiene el vigor de alguna de sus primeras realizaciones. Su clasicismo y solidez son abrumadores.

Precisamente en esa escena donde se atrincheran en la cárcel del sheriff es con la que me quedo hoy, una escena brutal donde Wayne le pregunta a Elam que porqué toca siempre la misma melodía...

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCLXXXIV)

Roman Polasnki dirigió este film de producción francesa, llamado J'Accuse, conocido aquí como El oficial y el espía en 2019 y que trata sobre el famoso Caso Dreyfuss, cuando en los últimos años del siglo XIX, en concreto en 1894, se condenó de manera injusta al oficial de artillería Alfred Dreyfuss por traición, producido por el profundo antisemitismo que estaba instalado en la sociedad francesa, y al que no era inmune el propio ejército francés. Le película relata estos hechos y los intentos posteriores del gobierno y el propio ejército en encubrir las malas y chapuceras artes empleadas para ello, desde la perspectiva de Georges Picquart, un oficial de policía que ascendió a jefe de inteligencia e información.

J'Accuse, el título original, es una referencia a la carta abierta de Émile Zola en el periódico L'Aurore, en la que el escritor, que aparece en la película, acusó al gobierno francés de antisemitismo con nombres y apellidos, creando un seísmo tremendo en la opinión pública francesa. Dreyfuss, de ascendencia judía, fue condenado, degradado y deshonrado hasta límites increíbles, de hecho la primera escena es la del degradamiento, en el que delante de todo el ejército francés se le quitan sus grados y es mandado a sufrir una condena a la Isla del Diablo en la Guayana Francesa, sin que los soldados que cuidan de él ni le dirigen la palabra. Alfred Dreyfuss es interpretado por un Louis Garrel que encarna perfectamente el sufrimiento de su personaje. Esa es precisamente la escena mítica que hoy recuerdo.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCLXXXIII)

Alberto Rodríguez ya llamó la atención en su día con la buena película Grupo 7 (2012), pero con La Isla Mínima (2014) alcanzó el zénit, cuyo triunfo en los Goya así lo corroboró. El techo estaba muy alto, y eso siempre impone, pero aquí para la realización de este film El hombre de las mil caras (2016), contó con un elenco de actores impresionante y se metió con una historia, donde guión hay de sobra. Ese guión estaba basado en el libro de Manuel Cerdán, cuya adaptación corrió a cargo tanto por el propio director, como por Rafael Cobos. Pero teniendo en cuenta, todo los ríos de tinta que provocó el Caso Roldán en su día, en lo que dio en el clavo Alberto Rodríguez, es sin duda, en huir de parafernalias y efectismos baratos, para mediante un thriller tenso, contarnos qué pasó y cómo pasó, centrándose en la figura de Francisco Paesa.

Ante todo, y ya desde el principio, se nos dice que el film está basado en hechos reales, pero también que como en todo hecho real, siempre hay alguna mentira. Estas palabras las dice Jesús Camoes, interpretado por José Coronado, que es la voz que nos vaya contando paso a paso todos los movimientos que suceden en la historia. Pero, casi sin querer, la cinta en muchos momentos se convierte en un biopic improvisado sobre la figura de Francisco Paesa, interpretado por un fastuoso, como siempre, Eduard Fernández, que a pesar de que su personaje tiene ciertas limitaciones, desde el primer momento consigue que el espectador se enganche a él.

En el lado negativo del film, que alguno tiene, no sé si es un acierto que Camoes cuente la historia, y estemos a expensas de su punto de vista continuamente, y por otro lado, el ritmo, que decae en algunos tramos. La banda sonora de Julio de La Rosa, siempre es acertada, eso si.

Dónde para mi estaba el gran punto fuerte del film, era en describirnos como era la España de los años 90, cuando todo esto sucede, de hecho al principio Camoes nos avisa de que en aquella época no existían los vuelos Low Cost, dato importante, ya que los vuelos en esta historia son claves, y lo dice Jesús Camoes, comandante de vuelo.

Pero ante todo ha de quedar una cosa clara, y es que Francisco Paesa, era un ex-agente secreto del gobierno español (un espía vaya, que como dicen en el film en un momento, no viajaban con pistola, sino con chequera), que fue responsable en los 80 de la operación contra ETA más importante, que casi la desarticula, pero que se vio envuelto en un caso de extorsión a una testigo del caso de los GAL, lo que le obligó a huir del país, aparte de que nunca se le pagó lo prometido por su trabajo estrella contra la banda terrorista. Cuando regresa está arruinado, pero recibe la visita de Luis Roldán (Carlos Santos), ex Director de la Guardia Civil, y su mujer Nieves Fernández (Marta Etura), que le ofrecen un millón de dólares para salvar los 1500 millones de pesetas que aquel hombre calvo y con barbas, había sustraído del erario público.

Precisamente en una escena mítica, Camoes narra como ese dinero da vueltas por el mundo, Singapur, Ginebra, Franckfurt, Londres, para ocultarlo, hacer el helicóptero que se decía, y el propio Roldán en el escondite que Paesa le ha buscado le pregunta que donde está ese dinero y le dice que en Singapur y que está seguro (no lo volvió a ver, obviamente).

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCLXXXII)

En 1983 John Carpenter dirige Christine basado en una novela de Stephen King y guionizado por Bill Phillips. Christine es un coche, en concreto un Plymouth Fury de 1958 que salió de una cedan de montaje de automóviles de Detroit, pero no es un coche cualquiera. En el fondo de su chasis se aloja el mismísimo diablo, que alberga un deseo de venganza insaciable que hiela la sangre a cualquiera y destruye todo lo que se encuentra en su camino. No es quizás el mejor film de Carpenter, ni la mejor novela de King, pero esta cinta, más allá de su historia, tiene en el novelista una mirada directa a ese gigantesco mundo de inseguridades que es la adolescencia masculina (recordemos que en Carrie hizo lo mismo con el lado femenino) y la búsqueda de la virilidad que aquí está ligada de manera indisoluble a la relación entre un joven y su coche.

Más de veinte años después de su creación, Christine pasa a las manos de Arnie Cunningham (Keith Gordon), el típico adolescente empollón víctima del matonismo estudiantil y del nulo éxito con las mujeres. La relación entre Arnie y su coche (al que repara casi a partir de la chatarra) es poco menos que un acto de amor, que poco a poco empieza a afectarle en su vida, como si el resurgimiento del coche, lo fuera a su vez de su propia hombría. En solo unas semanas Arnie pasará de ser un don nadie a convertirse en lo que siempre ha deseado, es decir, un hombre capaz de enfrentarse a sus represivos padres, a los gamberros que le hacían la vida imposible (y le acosaban), sin mencionar el conquistar a la chica más guapa del instituto. Pero eso lleva un coste, un peaje que hace a Arnie un violento junto a su vehículo, mostrando al conductor como un desquiciado y al coche como un monstruo.

Hay una escena que siempre me pareció mítica, cuando Arnie le habla al coche y le dice que lo va a reparar, entonces el coche por si solo se empieza a convertir en uno nuevo.

Os dejo con la mítica escena.

Mejores escenas cómicas del cine (CVIII)

Arthur Hiller dirigió en 1989 No me chilles que no te veo, que tiene a Gene Wilder y Richard Pryor como protagonistas. Dave (Gene Wilder) es sordo y contrata a Wally (Richard Pryor), que es ciego, para que le eche una mano en su tienda. Un día un tipo es asesinado delnate del puesto de Dave, pero como éste está de espaldas sólo ve las piernas de la asesina cuando se gira y Wally sólo oye el disparo. Tras ser detenidos como sospechosos del crimen, la asesina, que es la guapísima Eve (Joan Severance), y su compañero, un jovencísimo Kevin Spacey que da vida a Kirgo buscan a Wally y Dave, que tienen algo que buscan los malos, aunque aún no lo saben.

Es un film que podría parecer para todos los públicos, pero tiene escenas picantonas, y también bastantes tacos (Wally suelta bastantes).

En una escena mítica, los dos están siendo fichados por la policía y les van a hacer la foto, pero Dave no deja de mirar a Wally cada vez que le habla y la policía encargada de hacerles la foto se cabrea constantente.

Os dejo con la cómica escena.

Escenas míticas del cine (CCCLXXXI)

En el año 2001 Jean-Jacques Annaud dirige Enemigo a las puertas, centrada en plena II Guerra Mundial, en concreto en 1942, en plena lucha de los ejércitos de Alemania y Rusia, desde la entrada alemana en territorio ruso, y la encarnizada lucha que mantienen en la famosa batalla de Stalingrado, donde se combate calle a calle y cuyo desenlace todo el mundo espera. Hay un francotirador ruso llamado Vassili Zaitsev al que da vida Jude Law, que persevera en la empresa de eliminar a sus enemigos uno por uno, siendo un tirador superlativo. El Comisario Danilov (oficial encargado de la propaganda soviética) al que da vida Joseph Fiennes, lo convierte en un héroe nacional (después de salvarle la vida) que debe servir de ejemplo para animar a las tropas a proseguir la lucha contra el ejército alemán, a pesar del gran número de bajas. Para contrarrestar al tirador soviético, los alemanes mandan a su mejor francotirador, el Mayor König (Ed Harris), lo que acabará convirtiendo el film en un duelo entre ambos a vida o muerte.

En una escena mítica el comisario Danilov la da la enhorabuena a Vassili y le da el ascenso que viene de Moscú, es ahí cuando se crea su leyenda. Eso se demuestra cuando están apostados como francotiradores y aparece un niño ruso que identifica a Vasiili, el héroe.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCLXXX)

En 1941 Orson Welles dirige y protagoniza Ciudadano Kane, cuya trama trata acerca de un importante magnate estadounidense, Charles Foster Kane (al que da vida el propio Welles) que es dueño de una importante cadena de periódicos, una red de emisoras, dos sindicatos y de una enorme colección de obras de arte y muere en su fabuloso castillo de estilo oriental Xanadú. La última palabra que pronuncia antes de expirar es "Rosebud" cuyo significado es un enigma, lo que despierta una enorme curiosidad tanto en la prensa como en la población. Eso origina que un grupo de periodistas emprenda una investigación para desentrañar dicho misterio.

La escena inicial del film es muy brillante, tanto estéticamente como en lo argumental. Visualmente nos presenta el castillo de Xanadú (el feudo del protagonista) como un castillo bastante kafkiano inalcanzable e inmutable, siempre en el mismo lugar de la pantalla y desde el mismo punto de vista y tamaño, pese a que el entorno cambia y a que nos vamos acercando cada vez más. Posteriormente nos aproximamos a una ventana, hay un juego de luces y aparecemos en el dormitorio de Kane donde pronuncia su célebre última palabra "Rosebud", mientras tiene una bola de cristal con una casa en el interior sobre su mano, que al morir se le cae. La presentación tiene mucho sentido y no es baladí, ya que guarda mucha relación con el argumento de la cinta, porque todo lo que sucede después de aquella señal de "Prohibido traspasar" es una perpetua invasión de la privacidad de Kane.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCLXXIX)

Como decía días atrás en 1977 el director norteamericano Sam Peckinpah dirige La cruz de hierro, con un guión adaptado por Julius J. Epstein, Walter Kelley y James Hamilton a partir de la novela de Willi Heinrich titulada The willing flesh, aunque a posteriori se le cambió el título para hacerlo coincidir con el de la película. El film nos sitúa en el Frente Oriental, Península de Taman, en el año 1943, allí el Sargento Steiner, al que da vida un magistral James Coburn, encabeza un pelotón alemán que combate por sobrevivir a la dura experiencia del frente ruso. La llegada a la unidad de un nuevo y estirado oficial prusiano, el Capitán Stransky, al que interpreta de manera no menos genial Maximillian Schell, tiene como única finalidad conseguir la condecoración de la Cruz de Hierro a cualquier precio, lo que hará complicar mucho las cosas, el ambiente y demás, mientras el frente alemán empieza a hacer aguas por todas partes.

Peckinpah había demostrado crear en sus anteriores trabajos un universo visual propio, impactante y de una fuerza arrolladora, sobre todo dentro del género del Western. Pero en esta su única incursión en el cine bélico, hizo una obra maestra sin paliativos, mostrando la guerra con una crudeza y realismo espectaculares. Aquí todo esta visto desde el lado perdedor, en un momento en el que el curso de la guerra cambia totalmente y los alemanes empiezan a ver cerca el final con su derrota.

En una escena mítica muy al final del film, el pelotón de Steiner ha sido aniquilado casi en su totalidad por orden de Stransky (alemanes matando a alemanes), y como es lógico Steiner va a buscar al Capitán, al que recibe con una ráfaga de tiros. Le invita a salir al campo de batalla (en ese momento sufren un brutal ataque ruso) y le pregunta si sabe utilizar el fusil, a lo que contesta que naturalmente. Stransky acepta el reto y dice que le va a enseñar como lucha un general prusiano, a lo que Steiner le contesta con una frase lapidaria "Y yo le enseñaré donde crecen las cruces de hierro".

Os dejo con la mítica escena.