Mejores escenas cómicas del cine (LXXVII)

En 1991 Jim Abrahams dirige Hot Shots, en lo que fue una separación en toda regla de sus antiguos compañeros de andanzas, los hermanos David Zucker que se quedó con la franquicia de Agárralo como puedas, mientras que Jerry Zucker intentó una carrera más seria en Hollywood, sin abandonar el humor, con películas como Ghost o El primer caballero.

Jim Abrahams se quedó con sus propios proyectos, entre los que estaba esta de Hot Shots, una parodia en tono burlesco de Top Gun.

Ni que decir tiene, que para mi no llega al suelo de los talones a Aterriza como puedas (1980) o Top Secret (1984), sus auténticas joyas, pero desde luego sigue teniendo sus escenas graciosas y a un Lloyd Bridges muy inspirado. En su papel del Admirante Benson, llega a la base para dirigir las operaciones, y ya desde el principio destaca por lo curioso de su proceder, como por ejemplo cuando le da la charla a los pilotos, antes de una sesión de maniobras. Luego harán la maniobra de vuelo rasante en la que Toper Harley hará de las suyas.

Toper Harley es interpretado por Charlie Sheen, que convive con el legado de su padre, y tiene una dura rivalidad con Kent Gregory, al que da vida Cary Elwes.

Os dejo con la cómica escena.

Escenas míticas del cine (CXXIX)

En el año 2012 Christopher Nolan cerró su trilogía gloriosa de Batman, que había iniciado con Batman Begins (2005) y El Caballero Oscuro (2008) (obra maestra) y lo hace con El Caballero Oscuro: La Leyenda Renace. En aquella primera se centraba en la creación del héroe, mientras en la segunda salía airoso del reto más difícil posible, aunque fuera a costa de traicionar las reglas que había jurado cumplir. Ahora es el momento de la decadencia, de darlo todo y salir por donde se pueda. Aquí Batman y Bruce Wayne están más diferenciados que nunca, un Wayne que hace todo lo posible por agarrarse a la poca humanidad que le queda y un Batman en plan casi kamikaze para salvar Gotham a cualquier precio, donde un Christian Bale portentoso borda a ambos. 

Un personaje que se agiganta mucho es el del comisario Gordon, al que Gary Oldman borda, y que es un personaje que empezó como un don nadie en la primera parte, en la segunda sube en importancia, pero aquí será crucial para ayudar a Batman cuando se lo pide.

Pero la diferencia es que aquí ya no está Joker, ahora el villano es Bane, bordado por un extraordinario Tom Hardy (que se puso bien fornido, por cierto), un malo muy potente, que hasta los 3/4 del film funciona perfectamente, es capaz de matar solo con sus manos, pero sus secuaces no dan sensación de peligro, como él, y además se diluye en la parte final, y creo que no se le aprovecha del todo, siendo un personaje lleno de potencial.

En una de las escenas de absoluto dominio del mal, Bane, antes de liberar a los reclusos de una prisión, da un discurso en el que astutamente dice que dará el poder al pueblo, pero lo que provocará es la anarquía total.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CXXVIII)

Muchas veces hay películas que descubres de la manera más inverosímil, u otras que por tener el típico recelo al ser una precuela de una obra maestra, no te decides a verla sin prejuicios. Ayer rompí esa barrera con El origen del planeta de los simios, dirigida por Rupert Wyatt en 2011, algo que estos días de confinamiento empieza a ser habitual, tener sesiones maratonianas.

Hacer remakes sobre la cinta original de 1968, sólo tuvo a un valiente Tim Burton en 2001, con éxito en taquilla, pero bastantes palos a nivel de crítica.

Quizás por eso, esta precuela, de la que poco se esperaba, salió tremendamente reforzada y es una joya que tiene mucha más chicha de la que aparenta, y sobre todo una cuestión que cuando salió pudo pasar algo desapercibida, pero bien mirada ahora en el momento que vivimos, puede abrir mentes acerca de como un virus puede salir de un laboratorio... ahí lo dejo para quien quiera pensar libremente. Pero la puesta al día de la novela de Pierre Boulle, me parece magnífica y el respeto a la original también. Un film, que para mí, crecerá mucho en la época que nos ha tocado vivir, y pasará de buena a muy muy buena, por no decir excelente, desde luego verla ahora cambia mucho el concepto, digamos que lo agranda.

La trama del film comienza con los experimentos del joven científico Will Rodman (James Franco), cuyas investigaciones le llevan a encontrar un tratamiento para el Alzheimer (una enfermedad que padece su padre Charles, John Lithgow), que se prueba primero en simios. Un accidente que se va de las manos, hace que suspendan el proyecto, tomando la dirección de la empresa la decisión de eliminar a los monos que se "prestaron" a ser cobayas. César es el bebé primate de una de las hembras y que Will salvará de la quema, llevándoselo a casa y alejándole de la crueldad humana, pero a la vez no cesará en su actividad como científico, ya que observa como los experimentos hechos en la madre tenían continuidad en su bebé simio. A partir de ahí todo cambiará, y el rumbo de los acontecimientos cambiará la historia con una de sus grandes ironías. Surgirá el alzamiento de nuestros supuestos antepasados más directos, como escarnio a nuestro egoísmo y dejadez hacia los demás seres del planeta.

Cuando César (Andy Serkis) ya es mayor, tendrá un enfrentamiento con un vecino, protegiendo a Charles, lo que provoca que le retiren la custodia a Will, y vaya a un centro donde le meten con muchos más simios, de mucha menor inteligencia que la suya, es decir, normales. 

Andy Serkis está sublime dando vida a César, que a pesar de sus lógicos tratamientos digitales, tiene una mirada y gestos que se te quedan clavados y que la cámara capta con finura y sobriedad.

Es por esto, que hay una escena que me puso la carne de gallina, es cuando César pronuncia su primera palabra, y se alza como líder de su manada, dando un golpe, nunca mejor dicho, a su carcelero en el zoo de los simios, será el inicio de una rebelión en la que sin duda te lleva a ponerte de parte de los simios.

Os dejo con la ya mítica escena en la que César lidera la revolución en el zoo.

Escenas míticas del cine (CXXVII)

Guy Ritchie y su nuevo Sherlock Holmes obtuvieron un notable éxito de taquilla con la primera entrega, y ya se sabe, si algo es rentable, se hace inevitable una segunda parte con el fin de aumentar los réditos. En 2011 salió Sherlock Holmes: Juego de sombras y he de decir que esta segunda entrega me parece superar a la primera en varios aspectos, a pesar de un comienzo insulso. Tras desbaratar los planes de Lord Blackwood (un personaje que podría haber dado mucho más de sí), Holmes y su fiel amigo Watson, hacen frente en esta nueva entrega a un enemigo más inteligente y peligroso, el profesor James Moriarty, encarnado por Jared Harris, cuya siniestra presencia ya se había dejado notar en la primera parte (aparecía entre sombras junto al personaje de Rachel McAdams). Moriarty, visto por Watson como un prestigioso intelectual, tiene dado por Holmes un calificativo que va más allá, como "la mente criminal más formidable de Europa", el cerebro de un plan, que podría provocar en el final del siglo XIX el colapso de la civilización occidental. Aquí también aparecerá un personaje que no estaba en la primera parte, el hermano mayor de Sherlock, un refinado, excéntrico y misterioso empleado del gobierno, que es de poca acción, al que da vida un magnífico Stephen Fry.

En una escena memorable, Holmes, Watson y Sim una gitana que lee al tarot, adivina el futuro, es atractiva, aventurera, lanza cuchillos y está del lado de los buenos, están huyendo (por el bosque y en dirección hacia el tren) de los alemanes, que les disparan con cañones de un alcance brutal, y donde Ritchie se regodea en sus planos detalle, abuso de cámara lenta y repetición de la jugada.

Os dejo con la escena.

Escenas míticas del cine (CXXVI)

Clint Eastwood protagonizó la tercera entrega de Harry, esta vez El Ejecutor, interpretando al inspector de homicidios de San Francisco Harry Callahan, dirigido por James Fargo y Robert Daley, en esta ocasión. En este caso, un grupo de terroristas autodenominados Acción revolucionaria del pueblo, amenazan con hacerlo volar todo después de robar en una fábrica de armas mucha munición, si no se cumplen sus demandas. Harry, sigue poniendo de los nervios a sus superiores por sus métodos poco ortodoxos pero efectivos, será quien los persiga, más después de que su compañero muera a manos de los violentos. Pone toda la carne en el asador y remueve toda la ciudad hasta encontrarlos, iglesias de por medio, y tendrá de compañera a Kate Moore (Tyne Daly), una mujer recién salida de la escuela de oficiales.

En una escena mítica, Moore tiene la prueba final para ser inspector, y Harry, destinado a personal como castigo, le hace varias preguntas sobre si ha hecho detenciones en casos difíciles, ante la respuesta negativa de ella y la secretaria que le acusa de machista. Para Harry ser inspector es algo que pone en riesgo muchas vidas...

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CXXV)

Howard Hawks dirige Río Bravo en 1959, un western algo claustrofóbico (ideal en los tiempos que vivimos), pero una de las cumbres de un director que fue maestro en varios géneros, pero que en el western lo bordó. Con guión de sus íntimos colaboradores Leight Brackett y Jules Furthman basado en la historia de B. H. McCampbell, que narraba una amistad a través del enfrentamiento entre el sheriff John T. Chance al que da vida John Wayne y sus dos ayudantes contra un terrateniente Nathan Burdette (John Russell) que quiere rescatar a su hermano encarcelado Joe Burdette (Claude Atkins). Chance sólo tiene la ayuda de un viejo simpático, algo cascarrabias, pero mítico personaje Stumpy a cargo del entrañable Walter Brennan, de Dude (Dean Martin), un tipo dado a la bebida por culpa de su mujer y en cierto modo también por Colorado Ryan, al que da vida un joven cantante Ricky Nelson (sustituto de Elvis Presley, que no llegó a un acuerdo económico por medio de su agente). Los cuatro se enfrentan al  terrateniente, cerrándose poco a poco el cerco sobre ellos y tendrán en la prisión del pueblo su propia prisión, y a la vez un lugar seguro.

Como no puede ser de otra forma también hay lugar para el amor en un western evidentemente masculino, y ahí es donde reluce con protagonismo estelar Angie Dickinson, dando vida a Feather, una vividora que huye de su dudoso pasado y que enamora al sheriff. Precisamente la escena final, él hace llorar a Feather demostrándola de una manera tosca que la quiere, además de tener su lado cómico.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CXXIV)

Guy Ritchie dirige en 2009 su particular versión de Sherlock Holmes, el más famoso detective creado por la imaginación de Sir Arthur Conan Doyle. Hablamos de un personaje creado en la época victoriana de finales del S. XIX y que destacaba por su inteligencia, su hábil uso de la observación y el razonamiento deductivo para resolver casos difíciles. Y aquí todo eso sigue vivo, pero el director nos muestra a un Holmes, al que da vida Robert Downey Jr., acompañado de su querido Watson (al que interpreta Jude Law), casi convertido en un hombre de acción, que pelea, utiliza la fuerza y es casi más cercano a James Bond pero sin coche, cuyas acciones detectivescas se funden con mucho nervio con la acción más trepidante. Por un lado no pierde la esencia del personaje original, si no que además lo moderniza, de una manera para mi muy acertada. Si que es cierto, que una producción tan costosa, debe llevar implícita diversión para el espectador, pero me parece que está muy bien canalizada, y en mi visionado de ayer disfruté mucho y parecía estar a caballo entre el S. XIX y el S. XXI, dependiendo de la escena.

Hay una escena, donde se muestran claramente las habilidades de siempre de Sherlock Holmes, cuando van al cementerio donde supuestamente Lord Blackwood (Mark Strong) ha resucitado, y ha salido de la tumba. El inspector Lestrade (Eddie Marsan) informa a Sherlock y este manda sacar el ataud, para ver lo que realmente hay dentro e indagar.

Os dejo con la escena del cementerio.

Escenas míticas del cine (CXXIII)

En el año 2000 Guy Ritchie dirigió Snatch, cerdos y diamantes, tercer film de su carrera y donde definirá lo que serán señas de identidad de su estilo a partir de ese momento, es decir, ese estilo estético con ángulos de cámara inverosímiles, planos aberrantes, un montaje lineal cronológico y paralelo de acciones simultáneas, algo así como mezclar a Quentin Tarantino y a Christopher Nolan. 

Con un reparto coral y espectacular con Dennis Farina, Brad Pitt, Benicio del Toro o incluso Jason Statham, la historia se sitúa en los bajos fondos criminales de Londres. Hay dos historias que se entrelazan, por un lado la de la búsqueda de un diamante robado y que posee Franky "Cuatro Dedos" (Benicio del Toro) que lo ha robado para su jefe Primo Avi (Dennis Farina), pero antes de dárselo se deja convencer por un ruso llamado Boris (Rade Sherbedgia) para apostar en un combate ilegal de boxeo, aunque en realidad es la trampa para arrebatarle el diamante, y es ahí donde entra la otra parte, la del promotor de boxeo de poca monta llamado Turco (Jason Statham) que se encuentra atrapado bajo el yugo de un gánster despiadado conocido como Ladrillo (Alan Ford). Cuando Primo Avi se entera de que le pueden birlar el diamante, contrata a Tony "Dientes de Bala" para encontrar a Franky y al diamante, pero se las tiene que ver tanto con el ruso Boris "El Navaja" como con unos pobres diablos llamados Vinny (Robbie Gee), Sol (Lennie James) y Tyrone (Ade), contratados por Boris.

En una escena mítica Tony "Dientes de Bala" entra a una taberna a beber una pinta, pero entran y le abordan el trío de negros antes referido, Vinny, Sol y Tyrone, a los que les suelta un monólogo bestial que hace que se vayan acongojados.

Os dejo con le mítica escena.

Bandas sonoras míticas de películas (XXIX)

Como decía ayer, Ben-Hur, por la que tengo especial devoción, es una película de 1959 dirigida por William Wyler y que fue galardonada en su día con 11 Oscars nada menos, entre ellos el de mejor banda sonora original compuesta por el húngaro Miklós Rózsa.

Se trata de una obra maestra del cine, sin ningún lugar a la duda. Charlton Heston interpreta a Judá Ben-Hur, hijo de una familia noble de Jerusalem que es amigo de Mesala (Stephen Boyd), un tribuno romano que dirige los ejércitos de ocupación en la época de Augusto y Tiberio, y a los que un accidente involuntario convierte en enemigos. Ben-Hur es acusado de atentar contra la vida del nuevo gobernador romano y él y su familia son detenidos por orden de Mesala, al caerse un trozo de teja de la casa donde vivía. Judá es mandado a galeras a remar para cumplir su condena, y pasa una larga travesía hasta poder regresar a casa.
Su banda sonora sabe jugar fantásticamente con los temas, personajes y trama, y en todo momento está incrustada de manera perfecta en el film, tanto melodías como marchas.

Os dejo con la marcha romana de la entrada de Grato a Jerusalem.

Escenas míticas del cine (CXXII)

Ben-Hur, por la que tengo especial devoción, es una película de 1959 dirigida por William Wyler y que fue galardonada en su día con 11 Oscars nada menos.

Se trata de una obra maestra del cine, sin ningún lugar a la duda. Charlton Heston interpreta a Judá Ben-Hur, hijo de una familia noble de Jerusalem que es amigo de Messala (Stephen Boyd), un tribuno romano que dirige los ejércitos de ocupación en la época de Augusto y Tiberio, y a los que un accidente involuntario convierte en enemigos. Ben-Hur es acusado de atentar contra la vida del nuevo gobernador romano y él y su familia son detenidos por orden de Messala, al caerse un trozo de teja de la casa donde vivía. Judá es mandado a galeras a remar para cumplir su condena, y pasa una larga travesía, pero antes un hombre llamado Jesús de Nazaret (Claude Haeter) se apiada de él y le da de beber, cuando el romano de turno le quitaba el agua y especificaba que no debía darse agua a Judá. Esta es la escena mítica de hoy, cuando el romano insiste en que no se debe dar agua a Judá, recula varios pasos cuando se da cuenta de que es Jesús el que le da agua.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CXXI)

Anoche revisioné Los Siete Magníficos, película dirigida por John Sturges en 1960, un clásico entre clásicos, en su día film muy taquillero y que han disfrutado generaciones enteras desde su salida. No es que sea una obra maestra, pero es una película muy disfrutable con momentos realmente excelentes. La idea surgió de Yul Brynner, una de las estrellas que forman parte del reparto y que propuso al productor Walter Mirish hacer un remake de Los siete samurais de Akira Kurosawa (1954), acertando de pleno en su visión. Reorganizando todo y haciendo su remake con distancia y adaptándolo, y sin llegar a la excelencia del film japonés, cierto es que es muy loable. De hecho, Kurosawa impactado por el remake, lo agradeció de tal forma a Sturges, que le regaló una espada samurai a este.

Un pueblo mexicano es saqueado cada cierto tiempo por un despiadado grupo de bandidos, comandados por el temible Calvera (Eli Wallach, brutal como siempre) que se aprovechan de ellos sin piedad. Hartos de la situación, deciden defenderse y contratan los servicios de unos pistoleros comandados por Chris (Yul Brynner), que encabezaba el extraordinario reparto, aunque se llevaba a matar con Steve McQueen, y donde estaban también Charles Bronson, Robert Vaughn o James Coburn.

En una escena mítica, Chris hace el casting al grupo de pistoleros con el que va a trabajar, y aparece un chico joven interpretado por Horst Buchholz, muy impulsivo y orgulloso. Le prueba su rapidez con las palmadas de la mano y le deja en evidencia al sacarle antes la pistola de que junte las manos y el chaval hundido se va por donde había venido...

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CXX)

Bonnie and Clyde, film de Arthur Penn de 1967 me marcó mucho en su momento, de hecho es una película que marcó el nuevo comienzo de una época dorada de Hollywood, a finales de los 60. Hace poco lo he vuelto a revisar, y detecté síntomas de que no pasa como debiera los rigores del tiempo, con algunas cosas que se quedan hoy día algo desfasadas, aunque sigue teniendo como base un guión realmente potente. La historia de Bonnie Parker y Clyde Barrow, como muchos sabréis, es real, fueron unos famosos forajidos, ladrones y criminales que existieron en Estados Unidos durante la Gran Depresión y que despertaron gran simpatía entre la sociedad americana y fueron comparados con unos Robin Hood modernos, entre 1932 y 1934, más o menos, además de que su trágico final les elevó a la categoría de leyenda.

Warren Beatty (productor de la película también) y Faye Dunaway (que finalmente tuvo el papel después de muchos castings) interpretan de manera fastuosa a la pareja, en cuyo reparto también están Gene Wilder y un joven Gene Hackman, en una película que tiene violencia, amor y porqué no decirlo, cine negro.

Hoy me quedo con la escena final, con el cerco sobre ellos ya muy cerrado. Salen del pueblo donde habían comprado provisiones y van por la carretera, allí les pide ayuda el padre de uno de sus compinches C.W. Mood, Ivan Mood (Dub Taylor) que había tratado con la policía tenderles la trampa. Hace parar a Clyde que conducía, y en cuanto detecta que la policía está apostada detrás de los árboles, se esconde debajo de su camioneta. La mirada entre Clyde y Bonnie de un segundo anuncia su muerte, el tiroteo es sin compasión, y los rematan.

Os dejo con la mítica escena final de la película.

Ha fallecido Max Von Sydow.

El actor sueco mítico Max Carl Adolf Von Sydow ha fallecido ayer en su casa de París, Francia, dónde vivía hace décadas desde que se casó con Catherine Brelet, a los 90 años de edad. Fue nominado durante su carrera dos veces al Óscar, por Pelle el Conquistador (1987) y por Tan fuerte, tan cerca (2011), pero sus muchos trabajos con su compatriota Ingmar Bergman le dieron mucho reconocimiento, además de actuar también a las órdenes de John Houston, Steven Spielberg, Woddy Allen, David Lynch, Martin Scorsese o Sydney Pollack, entre otros. Hizo de todo, de Jesucristo, del demonio, jugó al ajedrez con la muerte, luchó contra Lucifer con agua bendita, fue el cuervo de tres ojos, Strindberg, el villano Blofeld, el papa Clemente VII, Eugene O'Neill, el Emperador Ming, incluso fue el Abuelo de Heidi.

Nacido en Lund, Escania (Suecia), en el seno de una familia aristocrática, su padre Carl Wilhelm fue profesor de la Universidad de Lund, además de etnólogo y experto en folklore y su madre Friherrinna (baronesa) Greta Rappe, fue maestra de escuela. Asistió al colegio católico de Lund y se habituó a hablar en alemán e inglés desde los nueve años, y fue allí en el colegio junto a algunos compañeros, donde fundó una compañía de teatro amateur y empezó a subirse al escenario, esa era su gran pasión, según él mismo dijo "el teatro es donde los actores trabajaban juntos con todo el personal y el director y la experiencia es más intensa". Después de cumplir el servicio militar, asistió al Teatro de Arte Dramático ("Dramaten") de Estocolmo, donde estudió interpretación desde 1948 a 1951 con otros ilustres actores suecos como Lars Ekborg, Margaretha Krook e Infrid Thulin. Esa fue la época en la que debutó en pantalla grande con el director Alf Sjöberg en 1949.

Se trasladó a Malmö en 1955 y allí conoció a quien sería su mentor Ingmar Bergman. Su primer trabajo juntos fue una representación en el Teatro municipal de Malmö con el montaje de La gata sobre el tejado de zinc de Tennessee Williams. Luego hace películas con él como El séptimo sello (1957), Fresas salvajes (1957) y El manantial de la doncella (1960). Fue en sus películas con Bergman donde perfeccionó su estilo. Muchos años estuvo remiso a los cantos de sirena de Hollywood y seguía haciendo cine en su país, pero en 1965 interpretó a Jesús en la producción de George Stevens La historia más grande jamás contada, papel que le catapultó directamente al estrellato en Hollywood y tuvo que mudar su residencia junto a su mujer la actriz Kerstin Olin y sus hijos a Los Ángeles. A partir de ahí compaginó sus papeles en la meca del cine con películas de su viejo amigo Bergman, hasta que en 1973 interpretó uno de sus personajes más conocidos, el del padre Merrin en El Exorcista, que le valdría una nominación a los Globos de Oro. Por su porte y su voz encarnó al villano de turno en superproducciones, incluso riéndose un poco de ellos como emperador Ming en Flash Gordon (1980) o como Blofeld en la bondiana Nunca digas nunca jamás (1983).

Fue un asesino en Los Tres días del Cóndor (1975), un artista atormentado en Hannah y sus hermanas (1986) de Woody Allen además de hacer películas como Hawái (1966), Conan el bárbaro (1982), Dune (1984), Despertares (1990), La tienda de Stephen King (1993), Mientras nieva sobre los cerdos (1999), Minority Report (2002), Shutter Island (2010) o Robin Hood (2010), toda una variedad que nos demuestra su enorme capacidad y que él era puro cine. Apareció en Star Wars, Episodio VII y en Juego de Tronos en 2015, ya muy mayor. Su última aparición en el cine fue Kursk (2018), de Thomas Vitenberg (de la que hablé aquí), en la que encarnaba a un almirante de la armada rusa.

Hoy le quiero recordar con dos escenas, un pequeño homenaje a este grande.

Primero la escena de la película Los Tres Días del Condor de 1975 dirigida por Sydney Pollack, donde es Joubert, un asesino que manda ejecutar a toda la plantilla de compañeros de la CIA que trabajan con Turner (Robert Redford) que se salva de chiripa.

Y en segundo lugar en la película El séptimo sello de 1957 dirigida por Ingmar Bergman la escena en la que Antonius Blovk se encuentra con la muerte después de su vuelta de Las Cruzadas en pleno S. XIV (cuando la Peste Negra asolaba Europa), con quien juega una partida de ajedrez.

The Gentlemen (2020)

Si repasamos la carrera del director Guy Ritchie, es más que evidente que todas sus películas tienen una marca personal única e intransferible, al igual que lo pueden tener con otros estilos gente como Quentin Tarantino o Spike Lee. Desde que visionara Snatch, cerdos y diamantes, tengo a este director en un pedestal, que ha ido con películas como Rockandrolla o su particular Sherlock Holmes, engrandenciendo su caché. Aquí en The Gentlemen, el británico ha recuperado mucho de lo que le distingue como director con estilo propio, y que hay que admitir que había ido perdiendo, quizás porque la industria de Hollywood le ha ido barriendo hacia adentro. Es por esto, que Mr. Ritchie ha vuelto al lugar donde mejor se siente con un thriller criminal que le va como anillo al dedo, eso sí, no todo es perfecto y pasaré a señalar los problemas que contiene, aparte de no innovar. 

Y digo bien si afirmo que Guy Ritchie ha vuelto a lugares comunes de sus mejores obras, para salir a flote del fondo en el que se sumió con Alladin, a ese Londres marginal, macarra, con mucha violencia y gente corrupta para contarnos la historia de Mickey Pearson, un capo de la droga muy británico, al que da vida un gran Matthew McConaughey, y que intenta vender su imperio a una familia multimillonaria de Oklahoma. Todo esto viene narrado por un personaje, Fletcher, al que interpreta Hugh Grant, que empieza muy bien, y que está muy divertido, pero que se vuelve pesado y hace que el film pierda ritmo. Y es una pena, porque la tirada de actores que están soberbios, a parte del citado McConaughey, se completa con un brutal Colin Farrell y unos grandes Charlie Hunnam, Michael Dockery o Jeremy Strong.

Es más que evidente, que las señas de identidad de Ritchie, que siguen haciendo de él un grande, están presentes, es decir, esa violencia desenfrenada, el lenguaje sucio y lleno de palabrotas, la testosterona y el humor muy negro, que en sus films son indispensables, aquí están a máximas revoluciones. En otro orden de cosas, el poderío visual sigue siendo uno de sus pilares básicos, y su puesta en escena sigue siendo magnífica, jugando con el espectador y haciendo parecer unas cosas, que luego son otras. 

Ha vuelto Guy Ritchie para hacernos disfrutar, y en este film no está al nivel de sus obras maestras, pero si que es cierto que merece y mucho la pena que se haya recuperado. Todos los detalles que hicieron de su carrera una gozada, aquí están sacados a relucir en muchos momentos, y lo cafre está a la orden del día, también la chulería y las situaciones surrealistas, que están llevadas de manera magnífica, dentro del contexto en el que transcurren los hechos que se narran.

Os dejo con el tráiler del film.

Just Mercy (2019)

Como siempre suele suceder, y lo digo en las listas de mejores films que hago al finalizar el año en curso, es que hay cintas que son estrenadas en Estados Unidos en 2019 y aquí se estrenan en 2020. Este es el caso de Cuestión de Justicia, dirigida por Destin Cretton, que cuenta la historia real de un joven abogado de raza negra Bryan Stevenson, al que da vida Michael B. Jordan (al que conocí en Creed) y de su histórica batalla por la justicia. Después de licenciarse en Harvard, Bryan recibe ofertas de trabajo lucrativas, pero él pone rumbo a Alabama, para defender a personas que han sido condenadas erróneamente o que carecían de recursos para tener una representación legal adecuada. Para ello cuenta con el apoyo de la activista local (de piel blanca) Eva Ansley (Brie Larson).

La película muestra especial atención a uno de sus primeros y más turbulentos casos, el de Walter McMillian, al que da vida un extraordinario Jamie Foxx, que en 1987 fue sentenciado a la pena de muerte por ser el supuesto asesino de una chica de 18 años, a pesar de que las pruebas contra él eran más que dudosas y basadas en el testimonio de un convicto. Cuando decide involucrarse a fondo, Bryan se ve envuelto en un laberinto de maniobras legales y políticas tanto del sheriff del condado, como del Fiscal del Estado que demuestran un racismo abierto y descarado. Bryan lucha por Walter y otros como él que se encuentran en el corredor de la muerte, a pesar de que tiene todo en contra, incluido el sistema legal.

Cierto es, que este drama judicial, tiene sus antecesores en otras míticas cintas como Matar a un ruiseñor, Legítima defensa o 12 hombres sin piedad, incluso Pena de Muerte si se me apura. Pero aquí el componente racial es una base muy importante, que sirve de cimiento para edificar una gran película, aunque en algún momento tiene algún bajón de ritmo, y se hace lenta, pero que cala hondo en el patio de butacas y pone emociones a flor de piel.

El director hawaiano ha hecho un ejercicio conciso y contenido, a pesar del potente músculo que la propia historia tenía y deja en mano de los intérpretes (todos excepcionales) que el film fluya.

Como digo, los actores están soberbios, tanto las estrellas de primera línea como Foxx o Jordan, cuya química entre ellos es brutal y la propia Larson, pero los secundarios están también a una altura tremenda. Aunque hay pasajes algo previsibles, dentro del desarrollo del drama, si que es cierto que el director ha optado por causar impacto emocional para compensarlo y eso favorece el resultado.

Pero es la lucha contra la injusticia, la que mueve todo el film, nadar a contracorriente, a finales de los años 80 en un estado donde tanto policía como autoridades políticas y judiciales tienen montada una trama que este abogado tuvo el atrevimiento de desafiar, consiguiendo sacar del corredor de la muerte a McMillian, que a pesar de ellos, sus años vividos allí le dejarían una huella imborrable hasta sus últimos días.

Os dejo con el tráiler del film.

Bandas sonoras míticas de películas (XXVIII)

Una de las mejores bandas sonoras de la historia es sin duda la del film dirigido en 1957 por David Lean, El puente sobre el río Kwai. La película describe como durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de prisioneros británicos son obligados por los japoneses, a construir un puente. Los oficiales, capitaneados por su flemático coronel, se oponen a toda orden que viole la Convención de Ginebra sobre los derechos y las condiciones de vida de los prisioneros de guerra.

Malcom Arnold fue el encargado de hacer esta banda sonora del film bélico, que ganó siete Oscars de la Academia, entre ellos a la mejor banda sonora, que deleita los tímpanos, durante más de dos horas y media de metraje con un compendio de marchas militares, entre ellas la eterna reinterpretación silbada de la Marcha del Coronel Bogey.

Os dejo con esa marcha silbada mítica.

Escenas míticas del cine (CXIX)

Stanley Kubrick, el cineasta norteamericano, tenía en mente hacer una película sobre la figura de Napoléon, que nunca se pudo llevar a cabo. En la labor de investigación y documentación sobre la fallida película, se encontró con la novela "La Suerte de Barry Lyndon" de William Makepeace Thackeray, de 1844, con la que quedó prendado y que finalmente lograría llevar a la pantalla como su primera película de época, contando para ello en los principales papeles con Ryan O'Neal, Marisa Berenson, Patrick Magee y Hardy Krüger. Ryan O'Neal, de ascendencia irlandesa, era ideal para el papel, a pesar de no ser un actorazo para mí, pero aquí lo borda.

La película narra las aventuras ficticias en el S. XVIII de Barry Lyndon (Ryan O'Neal), un joven irlandés ambicioso y sin escrúpulos, que se ve obligado a emigrar a causa de un duelo orquestado por su familia. Su vida es errante a partir de ese momento, y su sueño es alcanzar una elevada posición social, cosa que consigue enamorando a una noble inglesa y rica viuda, Lady Honoria Lyndon (Marisa Berenson), con la que logra casarse. Barry no la quiere, y tampoco a su hijo Lord Bullingdon. Aunque tienen un hijo, Brian, muere al tener una caída de caballo. Barry tiene un duelo con Lord Bullingdon (quien le había calado) y pierde una pierna. Vuelve a su tierra y luego vuelve a ir por Europa.

A diferencia del libro, que está narrado en primera persona, en el film y con clara intención de Kubrick, se decide utilizar una voz en off omnisciente, que aleja al espectador de la historia.

En la escena final Lady Lyndon, de mirada casi fúnebre y de eterno silencio, muestra esa parte sin vida de la nobleza, de dolor interior, pero todo soterrado, firma papeles, entre ellos la asignación de dinero anual para el que fuera su marido.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas de películas (XXVII)

Como explicaba ayer en 1968 Franklin J. Schaffner dirige El Planeta de los Simios, justo el mismo año que la ciencia ficción veía el estreno de otra joya como 2001, Odisea en el Espacio de Stanley Kubrick. Con un caldo de cultivo como la situación mundial que se vivía en aquel año, aquello fue una espoleta tremenda para poder ver por fin películas maduras y de altísimo nivel de este género.

Basado en la novela homónima de Pierre Boulle, donde un astronauta llamado George Taylor (Charlton Heston) forma parte de una tripulación de una nave espacial (en misión de larga duración) que se estrella en un planeta desconocido, en el que a primera vista no hay vida inteligente. Pronto se dará cuenta que está gobernado por una raza de simios muy desarrollados mentalmente que esclavizan a seres humanos que no tienen la facultad de hablar. Cuando el doctor Zaius (Maurice Evans) descubre que Taylor posee el habla, intentará eliminarlo de todas formas.
Pero encima posee una banda sonora fuera de serie de Jerry Goldsmith, aclamada en su día desde el comienzo como una fusión de lo más atrevida y original de música y película, entrelazándose de manera perfecta en un conjunto soberbio.

Os dejo con el Main Title del film.

Escenas míticas del cine (CXVIII)

En 1968 Franklin J. Schaffner dirige El Planeta de los Simios, justo el mismo año que la ciencia ficción veía el estreno de otra joya como 2001, Odisea en el Espacio de Stanley Kubrick. Con un caldo de cultivo como la situación mundial que se vivía en aquel año, aquello fue una espoleta tremenda para poder ver por fin películas maduras y de altísimo nivel de este género.

Basado en la novela homónima de Pierre Boulle, donde un astronauta llamado George Taylor (Charlton Heston) forma parte de una tripulación de una nave espacial (en misión de larga duración) que se estrellas en un planeta desconocido, en el que a primera vista no hay vida inteligente. Pronto se dará cuenta que está gobernado por una raza de simios muy desarrollados mentalmente que esclavizan a seres humanos que no tienen la facultad de hablar. Cuando el doctor Zaius (Maurice Evans) descubre que Taylor posee el habla, intentará eliminarlo de todas formas.

En una escena mítica Taylor bordea con Nova la orilla del mar a caballo, y poco después, cuando dirige su mirada al frente descubre la trágica respuesta a sus preguntas sobre el origen de esa civilización en revés, exclamando todo tipo de odio...

Os dejo con la mítica escena.

Gisaengchung (Parasite) (2019)

Cuando una película de habla no inglesa hace historia en los Óscars, siendo la primera en conseguir mejor película, mejor guion y mejor director, además claro está, de mejor película de habla no inglesa, es porque tiene algo especial, y la surcoreana Parásitos, dirigida por Bong Joon-ho está claro que lo tiene. Mucha era mi inquietud por verla y saber todas las claves por las que esta cinta ha logrado no sólo esos éxitos, sino Globos de Oro, Palma de oro del Festival de Cannes, Premios Bafta, y otros tantos premios, todos ellos justificados. Es precisamente el genio del director, el que con maestría nos presenta a la familia protagonista, una puesta en escena magistral y utilizando las movimientos de cámara y los pequeños espacios de manera soberbia. Admito que es la primera película que veo de este director, pero aseguro que no será la última.

Pero no sólo deslumbra visualmente, en la manera de colocar a los personajes, de mostrarlos, sino también por la forma de mostrar el conjunto, todo ello a partir de un guion realmente fastuoso, en el que bien es cierto, hay momentos donde se adivina el siguiente paso, pero cuyos giros mediada la película te dejan con la boca abierta. No hay que dejar pasar, de que se trata de un film dramático con una gran carga de crítica social, pero donde las emociones y las sensaciones están a flor de piel. Ante todo es un trabajo coral, que es como una sinfonía, donde todos los actores bailan al son de un jefe, que les maneja como un gran director de orquesta, que produce un laberinto de sorpresas, de giros sorprendentes y su estratificación en bloques, provocando en el espectador un impacto tremendo.

Digamos, por así decirlo, que la película tiene una serie de bloques o actos, en el primero se nos presenta a los protagonistas, una familia de cuatro miembros, cuyas penurias para salir adelante en un piso diminuto son enormes. En el segundo acto estarían todas las soluciones que se proponen para salir del atolladero, y se ve que la que toman es la más fructífera, pero con sus riesgos. Será en el tercer acto donde empiecen los problemas y en el cuarto donde todos exploten por el sitio más insospechado. Una mezcla de dulzura al inicio con un amargor brutal al final, una mezcla de sabores y tonalidades espectacular, esa fusión de drama y thriller de un alto voltaje.

Es difícil de explicar el cúmulo de sensaciones que experimenté al ver el film, una amalgama de sentimientos, estímulos y pensamientos de tal calibre, que hace sumergirse en la historia de tal forma que sientas muchas de las situaciones que les pasan a los protagonistas, aunque luego con otras te quieres separar y tomar distancia.

Esa relación entre dos familias, una pobre y otra rica, aparentemente diferentes en todo, realmente tienen mucho más en común de lo que parece y su extraña convivencia tiene un final absolutamente inesperado.

Os dejo con el tráiler de este gran film.