7 años tardó James Cameron en dirigir la secuela de Ternimator, titulada Terminator 2: El juicio final en 1991. En este film Sarah Connor, la madre soltera del rebelde John Connor, está ingresada en un psiquiátrico. Unos años antes, un viajero del tiempo le había revelado que su hijo sería el salvador de la humanidad en un futuro dominado por las máquinas. Se convirtió en una especie de guerrera y educó a su hijo en tácticas de supervivencia, por esa razón está recluida en un manicomio, donde sus doctores piensan que cuenta historias inventadas y que está loca. Cuando un nuevo androide mejorado, un T-1000, llega del futuro para asesinar a John (que se mimetiza con los humanos y los copia), un viejo modelo T-800 es enviado para protegerle, este T-800 es el papel que interpreta Arnold Schwarzenegger, y que curiosamente aquí está del lado bueno, no como en la primera que era el malo.
Suele pasar muchas veces que el presupuesto de la segunda parte supera con creces al de la primera, pero el nivel a veces no alcanza, pero no es el caso. Cameron consiguió mantener el mismo tono que en la primera parte, volviendo a cautivar al público con una mezcla similar de acción, ciencia ficción, violencia, suspense y profecías del apocalipsis.
La banda sonora corrió a cargo de Brad Fiedel, ahí el director encontró a su mejor aliado mezclando melodías con sonidos industriales y metálicos, sintonizando con los cyborgs asesinos del futuro.
Como decía ayer, en el año 2010 Joseph Kosinski dirigió Tron Legacy, la secuela de aquella película de culto de 1982. Cuando Sam Flynn (Garrett Hedlund), un experto programador de 27 años, investiga la desaparición de su padre Kevin Flynn (Jeff Bridges), se encuentra de repente inmerso e un peligroso y salvaje mundo surrealista, un mundo paralelo donde su padre ha vivido durante 25 años. Con la ayuda de una joven (Olivia Wilde), padre e hijo emprenden un viaje a vida o muerte, a través de un sofisticado universo cibernético. 28 años después, aquel producto de Disney que no tuvo éxito comercial y que gracias a sus efectos visuales se convirtió en película de culto, tenía su continuación en esta segunda parte, que por contra tenía mayores pretensiones que la original y un director debutante, con el reclamo de la más sofisticada tecnología y el 3D que puso de moda James Cameron.
Tras la máquina del juego 'Tron' Sam encuentra la puerta al despacho secreto de Kevin, y tras toquetear un poco el ordenador, activa la fantástica puerta a un mundo paralelo, el cibernético. Allí descubre una fría sociedad contralada por un ser llamado CLU, un tirano cuya mayor diversión es asistir a unos juegos mortales donde extraños gladiadores se lanzan discos de luces.
En una escena mítica, Sam Flynn (que es un joven y rico heredero al estilo Bruce Wayne de Batman y sabe de todo al ser muy inteligente) lucha contra Rinzler en una batalla de discos que es de lo mejor de la película. Sam es inexperto en esa lucha, pero pronto aprende como luchar...
En el año 2010 Joseph Kosinski dirigió Tron Legacy, la secuela de aquella película de culto de 1982. Cuando Sam Flynn (Garrett Hedlund), un experto programador de 27 años, investiga la desaparición de su padre Kevin Flynn (Jeff Bridges), se encuentra de repente inmerso e un peligroso y salvaje mundo surrealista, un mundo paralelo donde su padre ha vivido durante 25 años. Con la ayuda de una joven (Olivia Wilde), padre e hijo emprenden un viaje a vida o muerte, a través de un sofisticado universo cibernético.
Para la banda sonora se eligió por parte de Disney a la banda francesa Daft Punk, formación algo alejada de los audiovisual, pero que encajó a la perfección en el proyecto. Hicieron una banda sonora poderosa donde cada tema era una sorpresa, adaptado al film pero donde nunca podía faltar un tema que es el típico single de esta formación. El grupo agradeció en su momento la ayuda de Hans Zimmer, John Powell, Harry Gregson-W y Christophe Beck para sacar adelante el proyecto.
Os dejo con el tema The son of Flynn que me tiene dando vueltas.
Napeleón es un personaje histórico indudable que merecía un biopic dirigido por un director contrastado. Ya tuvo la idea Stlanley Kubrick en su día pero no tuvo éxito o no llegó a conseguir rematar el trabajo, y desde entonces se había convertido de manera extraña en un asunto tabú dentro del mundo del cine. Ridley Scott fue el elegido para su dirección, y desde que trascendió que su montaje original era de cuatro horas y diez minutos, lo que supone que ha tenido un recorte hasta las dos horas y media, ha terminado de confirmar mis sospechas sobre la solidez de la cinta, a la que me temo se le han recortado partes de cohesión del film, por lo que ha quedado en cuanto a narrativa algo cojo, y se queda lejos de la ambición del título y del talento de su máximo responsable, aunque vestuario, fotografía y puesta en escena con unas batallas rodadas de manera extraordinaria salvan en parte a la película. Ni que decir tiene, que cuando se hacen esa clase de recortes, mucho cuidado hay que tener para no afectar al tronco de la historia, ni a subtramas enteras, y creo que algo de eso hay en este caso.
El film narra los orígenes del líder militar francés y su rápido e imparable ascenso de oficial del ejército a emperador de Francia. Aquí me detengo, primero se nos muestra la toma de Tolón, pillando a los ingleses desprevenidos por la noche, de ahí se le sube de cargo y ya tiene tropas de gran calado a su mando, para ganar ya batallas importantes. Se hace referencia a su expedición a Egipto a finales del siglo XVIII, por la cual pierde Italia a manos de los austríacos, que recupera a su vuelta ganando varias batallas. Por entonces ya era primer cónsul y en 1804 se autoproclamaría Emperador de Francia, cosa que ansiaba desde el inicio, pero todo esto va a una velocidad de vértigo, no hubiera estado mal detallarlo algo más. Austerlitz sería su primera gran victoria como Emperador, excelente recreación de la batalla en la película. Todo esto va mezclado con su historia de amor con Josefina (a la que se nos presenta como bastante promiscua y poco fiel), pero que fue su gran amor, a pesar de que le puso cuernos en varias ocasiones y nunca le dio un heredero, algo que atormentaba a Bonaparte. En este asunto, hay una de esas licencias que como dice Ridley Scott tienes que hacer, porque el rigor histórico te encorseta, y es que se ve en el film como Napoleón guiado por su madre tiene un hijo con otra mujer, para probar que quien tenía el problema era Josefina, a pesar de que ella tenía hijos con su primer marido, algo que no es cierto, ya que el único heredero que tuvo fue con su segunda mujer María Luisa de Austria, Napoleón II, que solo vivió 21 años y no pudo reinar, pero de esto no se dice nada en la cinta (no sabemos si también fue recortado). Para mi gusto la historia con Josefina ocupa demasiado metraje y ralentiza el ritmo del film.
Mientras tanto, Napoleón prosigue ya como Emperador con su Bloqueo continental, con su embargo contra Gran Bretaña, su gran enemigo de siempre, invade la Península Ibérica y declara Rey de España a su hermano José en 1808 (el conocido como Pepe Botella por estos lares), pero los españoles echamos a los franceses ayudados por el ejército británico curiosamente (El Duque de Wellington tuvo mucho que ver), esta parte o bien se ha cortado en el film o ni siquiera se grabó (me extrañaría) pero así fue. Ya escaldado Napoleón intenta invadir la Rusia de Alejandro I en el verano de 1812, pensando que la arrasaría en pocos meses, llegó el invierno y su derrota fue grande, entre el frío y los rusos que quemaron las inmediaciones de Moscú se volvió a retirar con muchas bajas. Después de esta catástrofe y la derrota en Leizpig en 1813, desde ahí la Coalición de Prusia, Austria y Rusia le hizo abdicar en 1814. Fue exiliado a la isla de Elba, entre Córcega e Italia, lo que provocó el regreso de los Borbones en Francia. Napoleón escapó en febrero de 1815, y retomó el control de Francia. Los aliados respondieron formando la Séptima Coalición, que le derrotaron en Waterloo, con el Duque de Wellington como máximo responsable de las tropas británicas, que le volvieron a exiliar, esta vez a la Isla de Santa Elena en el Atlántico donde murió en 1821 a los 51 años.
La labor de los actores es realmente apreciable, Joaquin Phoenix, se parezca más o menos a Napoleón, tiene una actuación bastante consecuente (aunque en ningún momento le veo meterse la mano en el pecho), Vanessa Kirby como Josefina está muy bien en su papel, y me gusta Rupert Everett como Duque de Wellington, y también Paul Rhys como Talleyrand, magnífico.
En definitiva un film que teniendo la historia tan grande en sus manos para contarla bien, al final ha quedado como un divertimento (se lo pasa uno bien viéndola) cuando podría haber sido grandiosa con los mimbres que había.
Como decía ayer, en 1982 Peter Weir dirige el año que vivimos peligrosamente, una intriga romántica-periodística de ambientación histórica. El director australiano (conocido por Único testigo tres años posterior, el Club de los poetas muertos siete después o el Show de Truman), escogió a su compatriota y actor fetiche Mel Gibson que venía de hacer Gallipoli y a la siempre espléndida Sigourney Weaver, convertida en estrella tres años antes gracias a Alien, además de una sorprendente Linda Hunt, que se alzó con el Óscar a mejor actriz de reparto por su papel en este film.
La historia se desarrolla en Yakarta en 1965, donde al inexperto reportero Guy Hamilton al que da vida Mel Gibson se le presenta la oportunidad de su vida, cuando lo mandan como enviado especial a Indonesia, allí hay un turbulento escenario con la insurrección comunista que protesta contra el presidente Sukarno. Conoce a Billy Kwan (Linda Hunt) un enigmático fotógrafo de pequeña estatura y a una atractiva mujer Jill Bryant (Sigourney Weaver) que trabaja en la embajada inglesa.
La banda sonora corrió a cargo de Maurice Jarre, una auténtica maravilla con aires asiáticos constantes y melodías preciosas.
En 1982 Peter Weir dirige el año que vivimos peligrosamente, una intriga romántica-periodística de ambientación histórica. El director australiano (conocido por Único testigo tres años posterior, el Club de los poetas muertos siete después o el Show de Truman), escogió a su compatriota y actor fetiche Mel Gibson que venía de hacer Gallipoli y a la siempre espléndida Sigourney Weaver, convertida en estrella tres años antes gracias a Alien, además de una sorprendente Linda Hunt, que se alzó con el Óscar a mejor actriz de reparto por su papel en este film.
La historia se desarrolla en Yakarta en 1965, donde al inexperto reportero Guy Hamilton al que da vida Mel Gibson se le presenta la oportunidad de su vida, cuando lo mandan como enviado especial a Indonesia, allí hay un turbulento escenario con la insurrección comunista que protesta contra el presidente Sukarno. Conoce a Billy Kwan (Linda Hunt) un enigmático fotógrafo de pequeña estatura y a una atractiva mujer Jill Bryant (Sigourney Weaver) que trabaja en la embajada inglesa.
En una muy interesante escena, Guy y Billy hablan de la miseria que ven en el país, y partiendo de una referencia bíblica de San Lucas en la que se preguntaba ¿qué debemos hacer?, Billy expone la postura de Tolstoi, que escribió incluso un libro con ese título, y no solo eso, si no que se fue indignado por la pobreza que veía en Moscú, y repartió por la calle su dinero a los necesitados, e invita a Guy a que de 5 dólares a las personas pobres que tienen alrededor, a lo que Guy contesta que solo arreglaría muy poco, sería como una gota en el desierto...
Como llevo diciendo estos días pasados, en 1987 el director británico Adrian Lyne dirige Atracción fatal, un severo thriller erótico que fue el germen de películas posteriores como Instinto Básico. La cinta contaba con dos actores que por aquel entonces estaban en un auge total, y ya eran famosos, por un lado Michael Douglas y por otro Glenn Close y que acabaron convirtiendo el trabajo en un pequeño clásico del cine y de la década de los 80.
Dan Gallagher, al que da vida Michael Douglas, lleva una vida perfecta, está casado y tiene una maravillosa esposa, una hija encantadora y un buen trabajo. En una fiesta conoce a Alex (Glenn Close), una atractiva mujer que le seduce y tienen una aventura, que para Dan es sólo eso, sin embargo para ella no. Cuando él le anuncia el fin de la relación reacciona con una violencia inaudita, en plan sicótico, no acepta ser rechazada y sus sentimientos se convierten en una obsesión enfermiza y peligrosa.
La banda sonora corrió a cargo de Maurice Jarre, que ayuda mucho a sonorizar escenas importantes de manera crucial y se compone de seis temas, yo os dejo con los tres últimos Where is Ellen, Beth y Confrontation.
Como decía ayer, en 1987 el director británico Adrian Lyne dirige Atracción fatal, un severo thriller erótico que fue el germen de películas posteriores como Instinto Básico. La cinta contaba con dos actores que por aquel entonces estaban en un auge total, y ya eran famosos, por un lado Michael Douglas y por otro Glenn Close y que acabaron convirtiendo el trabajo en un pequeño clásico del cine y de la década de los 80.
Dan Gallagher, al que da vida Michael Douglas, lleva una vida perfecta, está casado y tiene una maravillosa esposa, una hija encantadora y un buen trabajo. En una fiesta conoce a Alex (Glenn Close), una atractiva mujer que le seduce y tienen una aventura, que para Dan es sólo eso, sin embargo para ella no. Cuando él le anuncia el fin de la relación reacciona con una violencia inaudita, en plan sicótico, no acepta ser rechazada y sus sentimientos se convierten en una obsesión enfermiza y peligrosa.
En una escena mítica Dan llega a casa y se encuentra con que Alex está hablando con su esposa Beth (Anne Archer) sobre venir a vivir a su casa, ya que ellos se van a ir a vivir al campo, y se saludan como si no se conocieran...
En 1987 el director británico Adrian Lyne dirige Atracción fatal, un severo thriller erótico que fue el germen de películas posteriores como Instinto Básico. La cinta contaba con dos actores que por aquel entonces estaban en un auge total, y ya eran famosos, por un lado Michael Douglas y por otro Glenn Close y que acabaron convirtiendo el trabajo en un pequeño clásico del cine y de la década de los 80.
Dan Gallagher, al que da vida Michael Douglas, lleva una vida perfecta, está casado y tiene una maravillosa esposa, una hija encantadora y un buen trabajo. En una fiesta conoce a Alex (Glenn Close), una atractiva mujer que le seduce y tienen una aventura, que para Dan es sólo eso, sin embargo para ella no. Cuando él le anuncia el fin de la relación reacciona con una violencia inaudita, en plan sicótico, no acepta ser rechazada y sus sentimientos se convierten en una obsesión enfermiza y peligrosa.
En una escena mítica llegan juntos y tienen una conversación acalorada, en la que ella le recuerda que está embarazada, y él empieza a estar bastante nervioso, mientras ella le suelta una frase lapidaria... "no toleraré que me ignores..."
Como decía ayer, en 1984 Jim Abrahams, y los hermanos David Zucker y Jerry Zucker guionizan y dirigen esta disparatada historia, donde Val Kilmer tiene el papel protagonista interpretando a la estrella del rock americano Nick Rivers, que inicia un viaje a Alemania Oriental para presentarse a un importante festival cultural, pero es una tapadera para distraer la atención mundial sobre las ideas del Alto Mando de Alemania Oriental, encabezados por el general Streck, que quiere reunir las dos Alemanias bajo un sólo gobierno. Nick se involucra de tal manera, que ayuda a la resistencia francesa. Omar Sharif interpreta al Agente Cedric, los Zucker querían a un actor de prestigio que nunca hubiera participado en una comedia loca, en palabras de David Zucker: "creo que el director de casting sugirió a Omar Sharif", y reaccionamos ": ¿Estás bromeando? ¡Nunca tendremos a Omar Sharif!, pero ellos mismos se quedaron sorprendidos de la gente que se puede conseguir. Se reunieron con él y entró en el juego, ya que le gustó el guión. Quién iba a decir que el Doctor Zhivago terminaría recogiendo zurullos de coña.
Bien, pues en una escena tremenda Nick y la resistencia son sorprendidos por el ejército alemán que los rodea en una casa, y disparan sin cesar, la sucesión de gags en medio de los disparos de unos y otros es memorable.
En 1984 Jim Abrahams, y los hermanos David Zucker y Jerry Zucker guionizan y dirigen esta disparatada historia, donde Val Kilmer tiene el papel protagonista interpretando a la estrella del rock americano Nick Rivers, que inicia un viaje a Alemania Oriental para presentarse a un importante festival cultural, pero es una tapadera para distraer la atención mundial sobre las ideas del Alto Mando de Alemania Oriental, encabezados por el general Streck, que quiere reunir las dos Alemanias bajo un sólo gobierno. Nick se involucra de tal manera, que ayuda a la resistencia francesa. Omar Sharif interpreta al Agente Cedric, los Zucker querían a un actor de prestigio que nunca hubiera participado en una comedia loca, en palabras de David Zucker: "creo que el director de casting sugirió a Omar Sharif", y reaccionamos ": ¿Estás bromeando? ¡Nunca tendremos a Omar Sharif!, pero ellos mismos se quedaron sorprendidos de la gente que se puede conseguir. Se reunieron con él y entró en el juego, ya que le gustó el guión. Quién iba a decir que el Doctor Zivagho terminaría recogiendo zurullos de coña.
Recordemos esa mítica escena, Cedric, llega cerca de un contacto que vente artículos de coña, después de una contraseña de bienvenida inician la conversación, en medio de ella le va ofreciendo coñas que van dejando su cara hecha un trapo, al finalizar la charla y pasarse información, Cedric intenta gastarle una broma diciendo que se la caído un zurullo de coña... a lo que el vendedor contesta "¿zurullo? yo no trabajo ese artículo...".
En el año 2001 Frank Oz dirige teóricamente Un golpe maestro (The Score), un director que hacía comedias y que cambia radicalmente de género para hacer este film, firmándolo, que no filmándolo del todo, ya que Marlon Brando no quería ser dirigido por Oz, a quien consideraba un director sin talento, y ya sabemos a esas alturas que Brando era mucho Brando. Es por esto, que muchas escenas eran dirigidas por Robert de Niro cuando aparecía Brando y muchas otras, puesto que una de las estrellas de siempre del celuloide (considerado por muchos el mejor actor de todos los tiempos) en ocasiones se negaba a abandonar el set de rodaje, para que Frank OZ no tomara el control. Eso hace que el film adolezca de una dirección firme, está poco trabajada en ese aspecto, y fue una conjunto de guionistas, productores y creadores de la historia los que definieron la cinta, con sus fallos obviamente. Pero claro, hay un elenco de actores impresionante, Robert de Niro está inmenso, también Edward Norton y por supuesto Marlon Brando (aunque su rol es secundario).
La historia nos cuenta como Nick Wells (Robert de Niro), un ladrón profesional, proyecta un robo tan complejo que se ve obligado a buscar la ayuda de un hábil cómplice, Jackie Teller (Edward Norton), vulnerando así la regla de oro de su trabajo, que es actuar siempre solo. Por otro lado, este golpe echaría por tierra los planes de Nick de abandonar el mundo del crimen para irse a vivir con su novia. Un thriller de atracos, engaños y situaciones tensas que cuenta con tres actores soberbios, que quizás sean los mejores de sus respectivas generaciones.
En la escena final mítica, Jackie llama a Nick para hacerle ver que se ha salido con la suya y que el cetro objetivo del robo estaba en su poder, intentando traicionarle, pero la respuesta de Wells es antológica y demuestra su extraordinaria inteligencia, dejándole en evidencia.
El director australiano Peter Weir dirige en 1985 Único Testigo (Witness), un muy buen thriller que se apoya en una ambientación dentro de la comunidad amish (una secta religiosa muy conservadora que vive como en el siglo XVIII) para darle un toque de originalidad a una intriga que funciona de lujo. La historia nos cuenta como en su primer viaje a Philadelphia, el pequeño Samuel Lap (Lukas Haas), miembro de una comunidad amish, es testigo en los baños de la estación, de un brutal asesinato. John Book (Harrison Ford), el policía encargado del caso, descubre que en el crimen están implicados compañeros policías que son corruptos, por lo que desde ese momento tanto la vida de Samuel como la suya propia, están en serio peligro. Book decide infiltrarse en la comunidad amish para protegerse, y llega a tener una aventura con la madre de Samuel, Rachel (Kelly McGuillis). Este film es casi un oasis en el desierto, y nos da una grata sorpresa, ya que sin necesidad de un despliegue de medios demasiado asombroso, saca todo el jugo a un argumento realmente sencillo.
En una escena mítica que sucede al principio del film y es la clave de todo el relato, Samuel va al baño de la estación y mientras hace sus necesidades ve como matan a un hombre entre dos individuos, uno de ellos es McFee (Danny Glover) que cree que hay alguien en los baños que lo ha visto todo y lo busca en los urinarios, pero el chico se busca la vida para no ser descubierto.
En el año 1972 Woody Allen dirige y protagoniza "Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar", una comedia absurda en la que a lo largo de siete capítulos contesta a su manera a las preguntas planteadas en un libro de divulgación sexual en el que se apoya la película, abordando de forma descarada y muy humorística alguno de los tabúes relativos a la sexualidad humana. Un bufón que trata de conseguir los favores de la reina con un afrodisíaco, un médico que se enamora perdidamente de una oveja, una mujer que sólo se excita en lugares públicos, un absurdo programa de televisión sobre fetichismos, un científico loco que crea un pecho gigante y monstruoso, y por último, y aquí me detengo, un espermatozoide aterrado ante su inminente salida al exterior, al que da vida el propio Allen.
Con abundante despliegue de imaginación, el genial cómico norteamericano ya se muestra aquí como un consumado maestro en el dominio de su elemental y muy eficaz mecanismo humorístico.
En la parte ¿qué es sodomía? el Doctor Ross interpretado por Gene Wilder recibe a un paciente que es pastor llamado Milos (Titos Vandis) y que dice estar enamorado de una oveja con la que tuvo relaciones sexuales...
El director australiano Peter Weir dirige en 1985 Único Testigo (Witness), un muy buen thriller que se apoya en una ambientación dentro de la comunidad amish (una secta religiosa muy conservadora que vive como en el siglo XVIII) para darle un toque de originalidad a una intriga que funciona de lujo. La historia nos cuenta como en su primer viaje a Philadelphia, el pequeño Samuel Lap (Lukas Haas), miembro de una comunidad amish, es testigo en los baños de la estación, de un brutal asesinato. John Book (Harrison Ford), el policía encargado del caso, descubre que en el crimen están implicados compañeros policías que son corruptos, por lo que desde ese momento tanto la vida de Samuel como la suya propia, están en serio peligro. Book decide infiltrarse en la comunidad amish para protegerse, y llega a tener una aventura con la madre de Samuel, Rachel (Kelly McGuillis). Este film es casi un oasis en el desierto, y nos da una grata sorpresa, ya que sin necesidad de un despliegue de medios demasiado asombroso, saca todo el jugo a un argumento realmente sencillo.
En una escena mítica Samuel está en la comisaría con Book, intentando identificar al asesino, John le enseña muchas fotos pero no es ninguno, la cosa se enfría y el niño empieza a caminar por las dependencias, pasa al lado de un reo que está deseando quitarse las esposas, una mujer que le mira y comenta, etc., hasta que llega a un sitio donde hay un recorte de periódico en cuya portada sale una foto de un policía (Danny Glover) y el niño alza el dedo para indicar que él es el asesino.
El director australiano Peter Weir dirige en 1985 Único Testigo (Witness), un muy buen thriller que se apoya en una ambientación dentro de la comunidad amish (una secta religiosa muy conservadora que vive como en el siglo XVIII) para darle un toque de originalidad a una intriga que funciona de lujo. La historia nos cuenta como en su primer viaje a Philadelphia, el pequeño Samuel Lap (Lukas Haas), miembro de una comunidad amish, es testigo en los baños de la estación, de un brutal asesinato. John Book (Harrison Ford), el policía encargado del caso, descubre que en el crimen están implicados compañeros policías que son corruptos, por lo que desde ese momento tanto la vida de Samuel como la suya propia, están en serio peligro. Book decide infiltrarse en la comunidad amish para protegerse, y llega a tener una aventura con la madre de Samuel, Rachel (Kelly McGuillis). Este film es casi un oasis en el desierto, y nos da una grata sorpresa, ya que sin necesidad de un despliegue de medios demasiado asombroso, saca todo el jugo a un argumento realmente sencillo.
Maurice Jarre fue el encargado de la banda sonora de la película, y sin duda acierta en musicar el thriller de una manera genial.
David Lean dirigió en 1984 Pasaje a la India, que es una novela del escrito inglés E.M. Foster. En esta su última película hace una censura sin concesiones a la política que El Imperio Británico ejerció sobre los territorios ocupados, sin caer en la apología nacionalista ni en la perspectiva tendenciosa para canalizar voluntades hacia sus convicciones. Ambientada en la India colonial de los años 20 nos cuenta la historia de Adela (Judy Davis), una joven inglesa acomodada que viaja por la India, en compañía de su futura suegra Mrs. Moore (Peggy Ashcroft), para contraer matrimonio con un magistrado de Chandrapore. La joven está obsesionada por conocer a fondo la realidad del país, y encuentra la oportunidad de satisfacer su deseo gracias al doctor Aziz (Victor Banerjee), un médico hindú. Sin embargo todo se complicará cuando éste organiza una excursión para mostrarle las cuevas de Marabar, allí la película tomará un rumbo totalmente opuesto.
La música corrió a cargo de Maurice Jarre y también recibió el Oscar de la academia, como sucedió con Lawrence de Arabia, una auténtica maravilla.
En el año 2008 Craig Mazin dirige Superhero movie, una parodia de las películas de superhéroes, desde Spider-Man hasta Batman Begins o Los 4 Fantásticos, de nuevo a cargo de los creadores de Scary Movie. En esta ocasión la historia se centra en Rick Riker (Drake Bell), un joven agradable pero muy torpe, el clásico perdedor de instituto, que como consecuencia de la mordedura de una libélula, genéticamente modificada, desarrolla capacidades sobrehumanas como una fuerza increíble y una piel armada, vamos que adquiere superpoderes. Su tío Albert (Leslie Nielsen) en una escena descacharrante, comprueba que su sobrino desde su entrada en casa tiene superpoderes, atrapando un clavo de la máquina de clavar clavos que tiene su tío y que se le había desviado, luego también comprueba que su amigo Trey (Kevin Hart) no los tiene. Para seguir comprobando que tiene superpoderes intenta clavarle un cuchillo que se dobla... la escena no tiene desperdicio ninguno y es de risa continua.
Matt Reeves dirigió el año pasado The Batman, que tenía la novedad de el cambio de actor que interpreta al murciélago más famoso, en este caso Robert Pattinson. Reeves ha elegido en esta cinta por hacer un enfoque diferente al habitual y emparentarse en cierto modo con la manera de mostrarnos al personaje, al igual que hiciera de manera magnífica Todd Phillips en Joker. El asunto es que le quedó un film oscuro y donde convierte al hombre murciélago en el mejor investigador privado con el que puede contar la policía de Gotham, convirtiéndolo en algo distinto. Yo tenía controlado a Reeves por su trabajo en La Guerra del planeta de los simios (2017), excelente cierre de la trilogía última, y aquí aplica varias cuestiones parecidas.
Después de dos años acechando por las calles de la ciudad como Batman, e infundiendo miedo en las mentes perversas de los criminales, Bruce Wayne está sumido en las profundidades de las sombras de Gotham City. Es entonces cuando el vigilante solitario se encuentra con muy pocos aliados de confianza y eso le ha llevado a convertirse en la única encarnación de la venganza entre sus conciudadanos. Aquí hay un asesino y villano llamado Enigma (Paul Dano) que apunta a la élite de Gotham con una serie de maquinaciones sádicas, que va dejando un rastro de pistas crípticas que llevan a Batman a investigar profundamente por el inframundo. Allí tiene que tratar con el Pingüino (un irreconocible Colin Farrell) y con la ayuda "forzada" por las circunstancias de Catwoman (Zóe Kravitz).
Si que es cierto que la narración fluye bastante, pero con este film me pasa como con algunos otros, demasiado metraje, y eso que el personaje me encanta, pero veinte minutos menos haría de la cinta algo más ligero y llevadero. También hay acción en momentos puntuales, algo atenuada con respecto a otras partes de la saga (las de Nolan sobre todo), aunque a decir verdad hay una escena en concreto entre Batman y el Pingüino que es la estrella del film. En el plano actoral me cuesta ver a Robert Pattinson en el papel de Batman, quizás a Christian Bale lo tengo muy unido al personaje, Paul Dano cuando descubre su rostro es un buen villano, y Zóe Kravitz está muy bien como Catwoman.
Sin ser mi favorita del hombre murciélago, se deja ver y está muy interesante.
Como decía días atrás, en 1994 Quentin Tarantino dirige Pulp Fiction, su segundo film, el de la confirmación y éxito mundial, después de llamar mucho la atención dos años antes con Reservoir Dogs. Aquí nos cuenta la historia de Jules (Samuel L. Jackson) y Vincent (John Travolta), dos asesinos a sueldo de no muchas luces que trabajan para el gángster Marsellus Wallace (Ving Rhames). Vincent tiene una misión, que es cuidar de Mia (Urma Thurman), la atractiva mujer del jefe, y Jules le recomienda prudencia ya que es peligroso sobrepasarse con la mujer del jefe. Un chute de droga hará que la velada sea toda una fiesta de resultado incierto. En toda esa historia, hay un boxeador, Butch (Bruce Willis) que engaña a Wallace llevándose un maletín, que ellos dos deben recuperar... Todo esto está trastocado en los espacios temporales, y es lo que te cuesta la primera vez que ves el film, tratar de colocar todo en su orden correcto, por decirlo resumido empieza casi por el final y termina por el principio, más o menos. Por si fuera poco Tarantino hizo una selección musical asombrosa, rescatando grupos antiguos de surf entre ellos el Rey del surf, crooners míticos, sensuales voces femeninas, bandas de funky legendarias, en fin, un cóctel memorable para musicar esta tremenda historia.
En otra escena mítica (este film las tiene a patadas) Marsellus se cruza con Butch y tienen un accidente de coche, y se inicia una persecución que acaba en una tienda de armas, donde ambos quedan atrapados y retenidos por el dueño. A Marsellus le toca la peor parte y es enculado por Zed (Peter Greene). Para suerte suya, Butch logra escaparse de sus captores, matar con una katana al dueño y liberar a Marsellus que lo primero que hace es pegarle un tiro en sus partes a Zed, es entonces cuando Butch le pregunta si está bien, a lo que Wallace dice: "No estoy bien, estoy a mil jodidas millas de estar bien" (mientras se escuchan los gritos de dolor de Zed) a lo que Butch pregunta ¿y ahora qué? a lo que Wallace, muy lúcido, contesta: "¿y ahora qué? Voy a decirte lo que pasará, llamaré a un par de negros empapados en crack, quiero que disequen a este colega empleando un soplete y un par de alicates ¿has apuntado lo que he dicho maldito capullo? Aún no he acabado contigo, ni lo sueñes, practicaremos el medievo con tu culo..." y después de dejar todo claro queda en paz con Butch, en un pacto de no agresión.
Como decía ayer, en 1987, Tony Scott (hermano de Ridley Scott, fallecido ya hace un tiempo) dirigió la segunda parte de esta saga, dónde Eddie Murphy volvió a encarnar al detective Axel Foley, acompañado de los detectives Billy Rosewood (Judge Reinhold) y John Taggart (John Ashton).
El detective de Detroit Axel Foley se entera por las noticias de la tele de que su amigo Andrew Bogomil (Ronny Cox), capitán de la policía de Beverly Hills, ha sido tiroteado por una mujer. Cuando va a visitarlo al hospital, conoce a su hija Jan (Alice Adair). Ella precisamente le pregunta que donde se ha instalado, y le comenta que eso está solucionado.
EN una escena cómica tremenda, Axel, Taggart y Rosewood están en persecución de los ladrones que han robado en el centro de depósitos, han dejado el furgón y se han refugiado en la mansión de Playboy en una fiesta que organiza Hugh Hefner. Para poder entrar Axel se inventa que es un limpia piscinas ya que alguien ha hecho algo "indebido" en la piscina, una de sus múltiples tretas.
En 1987, Tony Scott (hermano de Ridley Scott, fallecido ya hace un tiempo) dirigió la segunda parte de esta saga, dónde Eddie Murphy volvió a encarnar al detective Axel Foley, acompañado de los detectives Billy Rosewood (Judge Reinhold) y John Taggert (John Ashton).
El detective de Detroit Axel Foley se entera por las noticias de la tele de que su amigo Andrew Bogomil (Ronny Cox), capitán de la policía de Beverly Hills, ha sido tiroteado por una mujer. Cuando va a visitarlo al hospital, conoce a su hija Jan (Alice Adair). Ella precisamente le pregunta que donde se ha instalado, y le comenta que eso está solucionado.
Pero antes de todo eso, Axel sigue con sus investigaciones, tratos y demás historias en Detroit, donde anda en un lío de tarjetas de crédito, para pillar a unos ladrones. En una escena, Foly ha quedado con Vinnie (Robert Pastorelli) para cerrar el trato en un bar, y él está con una rubia llamativa, pero Axel quiere ir al negocio y tener el dinero para las tarjetas en tres horas, a lo que el detective le responde que es un hombre de negocios que se mueve constantemente...
Michael Cimino dirige en 1978 esta tremenda epopeya, que desde mi punto de vista es una obra maestra. Antes todo he de decir, que pocas películas saben tratar el tema de la amistad como en esta, y lo desgarrador que puede ser haber perdido las cosas bonitas que hemos tenido, de la forma más cruel, además de ser un canto a la supervivencia. Muy emotivo film, dónde la guerra de Vietnam también tiene su punto importante, para la explicación de muchas cosas, pero no es una película bélica, ya que en sus casi 3 horas de duración, sólo una media hora o algo más alcanza el tema de la guerra.
Cinco inseparables amigos trabajan en los altos hornos de Pennsylvania, entre metal fundido y altas temperaturas. Tres de ellos, Michael (Robert de Niro), Steven (John Savage) y Nick (Christopher Walken), se alistan para ir a luchar a Vietnam. Dos años más tarde, se vuelven a encontrar allí en plena batalla, cuando se produce la invasión del Vietcong. Cuando son capturados, los vietnamitas les obligan a participar en un juego suicida, la ruleta rusa, en el que sólo puede haber un vencedor. Aunque consiguen escapar, esta experiencia les deja marcados toda la vida.
Es, a las claras un film lírico, atormentado, un viaje de amistad con dolor de por medio, de muerte, de amor y de desesperación incalculable, pero que nos deja una sensación de derrota y de pérdida, ante todo de mucha pérdida. El verdadero fondo de la película nos muestra como una generación de hombres que van a una guerra absurda (como todas) vuelven completamente trastornados y sus vidas, ya no serán las que fueron.
Lo mejor de este film, es que es imperecedero, ya que habla de cosas que importan, la dificultad de la amistad, la certeza de la muerte, y lo hace a través de personajes verdaderos, ahí donde Cimino lo borda.
En una escena mítica durante la boda, hay un parecido a la escena donde se casa Connie Corleone en la primera parte de El Padrino (1972). Son dos escenas llenas de alegría, algarabía, borracheras, pero en esta cuando entra el sargento del ejército que solo dice una palabra "mierda", vaticinan un horrendo y trágico final, a partir de ahí todo va a peor.
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