sábado, 28 de diciembre de 2019

Escenas míticas del cine (CXIII)


En su día entre el Episodio VII y el VIII Garteh Edwards dirigió Rogue One, temporalmente, y eso es algo que hay que dejar claro desde el inicio, se sitúa entre el Episodio III y La Guerra de las Galaxias (Parte IV en orden cronológico), finalizando realmente, donde comenzaba la que fue en su día primera película de la saga. Pero aquí, se nos cuenta una historia paralela que sucedía mientras en el viejo film se nos contó entre otras cosas, lo perverso que era Darth Vader, y se nos presentaba a personajes míticos y sus andanzas como La Princesa Leia, Han Solo o Luke Skywalker.
Pero de todos ellos, aquí sólo aparece y un poco, Darth Vader, y eso si, el personaje más malvado del cine (o uno de ellos) deja claro en pocos planos que eso de matar gente a distancia, sigue siendo su seña de identidad. Pero aquí no hay ni jedis, ni aquellos personajes antológicos, excepto el citado malvado.


La escena final, donde Darth Vader llega a la nave, en la que una importante información está siendo trasladada para que llegue a la Princesa Leia, y su aparición es estelar, arrasando con todo aquel que se encuentra a su paso.

Os dejo con la mítica escena en versión original.

viernes, 27 de diciembre de 2019

Richard Jewell (2019)


Clint Eastwood a sus 89 años sigue en plena forma y nunca decepciona, habrá películas unas mejores que otras y aunque siempre se anda buscando la obra maestra perfecta, sigue haciendo films que están claramente en el notable alto. Y Richard Jewell no es una excepción, muy notable película en la que nos cuenta la historia basada en hechos reales de Richard, al que da vida Paul Walter Hauser, un héroe convertido en villano debido a una actuación mala del FBI, que se unió a un mundo periodístico lleno de sanguijuelas, que sólo buscaban culpar a alguien de algo que no eran capaces de averiguar, o simplemente no se lo propusieron, todo ello en medio de los Juegos Olímpicos de Atlanta de 1996.


Primero Clint, con mucho tino, nos presenta el señor Jewell, un tipo modesto que trabaja en un buffete de abogados llevando material a los miembros de la empresa, y siendo detallista con uno en concreto, Watson Bryant (Interpretado de manera bestial por Sam Rockwell) al que le comenta que su intención es ser policía y ayudar a los demás, por eso estudiaba el Código Penal por las noches. Consigue trabajos de guarda de seguridad, y en un campus universitario tendrá problemas al excederse más allá de sus competencias, por intentar mantener a raya a universitarios jóvenes dados a la bebida, situación que el rector del campus (bastante inepto) lo considera suficiente razón para despedirle.
Pero Richard vuelve a trabajar de agente de seguridad, y está en un parque, el Centennial Olympic Park, donde se celebran conciertos relacionados con los eventos de los Juegos Olímpicos. Se da cuenta de una mochila sospechosa, avisa a los policías y empiezan a despejar la zona, su actuación evitó males mayores, y es convertido en héroe, se le suceden entrevistas y demás.


Es ahí donde está la clave del film, cuando los periodistas, en concreto Kathy Scruggs (Olivia Wilde) busca noticia desesperadamente y utilizando sus artes consigue saber que el FBI investiga a Jewell como posible culpable del atentado por su pasado. Una torpe investigación, que al salir a la luz pública por una portada de periódico, hará que Richard y su madre Bobi Jewell, a la que da vida una magnífica y ya veterana Kathy Bates, empiecen a sufrir un calvario que hará que su vida privada salte por los aires. Entonces, Richard recurre a Watson, aquel abogado al que él consideraba bueno, y será el que le ayude en un proceso muy duro.
Aquí Eastwood es muy crítico con la administración, sea del color que sea, gobernaba Clinton por aquel entonces, pero la investigación nefasta del FBI se lleva la peor parte.


Pero una idea queda muy clara en esta película y es algo que a día de hoy se ha convertido en el pan nuestro de cada día, las fake news. Se trata de una epidemia que hace mucho daño, se trata de una prensa amarilla cuya labor resulta muy destructiva, y puede volver las tornas de muchas situaciones y destrozar la vida de muchas personas. Las acusaciones falsas, la presunción de inocencia que se salta a la torera, cosas que a día de hoy están mucho peor y no sabemos donde van a acabar. Ese papel de diabla lo encarna a la perfección Olivia Wilde, pero diría que representa a muchos como ella.
Otro punto tremendo del film es la entrañable relación que se establece entre la madre de Richard y su abogado Watson, unos memorables Kathy Bates y Sam Rockwell.


Os dejo con el tráiler del film.

sábado, 21 de diciembre de 2019

Star Wars: Episode IX - The Rise of Skywalker (2019)


J. J. Abrams ha retomado la dirección en el que se supone es el cierre de la trilogía Star Wars, y no sólo eso, el cierre de una saga entera de 9 episodios. No conviene olvidar que desde 2012 George Lucas ya no tenía el control de la saga, que pasó a Disney. Y he de decir, como ya dije en su día del Episodio VIII, donde había unos fallos de guión de Rian Johnson que hacían bajar el nivel, que en esta última entrega era en la que muchas cosas debían quedar resueltas, y en la que debían desaparecer los pocos personajes antiguos que quedaban y hacerlo de una manera digna para ellos. Como ya hizo en el Episodio VII, Abrams despliega su maestría para el entretenimiento, y en la primera parte de la película sobre todo, lo hay a raudales. En eso sigue sin decepcionar, otro tema es como lidia con cuestiones fundamentales. Se trata de un traca final arriesgada, donde hay aciertos, pero también errores dolorosos.


Qué duda cabe que el director debía dar mucha información y desde luego hay sobreabundancia de ella y da la sensación de que ha tratado por todos los medios de que nada se quedara en el tintero, que todo tuviera su explicación y que se disiparan todas las dudas que episodios anteriores habían provocado. Pero para mí, una clave muy importante en toda esta última trilogía, era el personaje de Kylo Ren, ya que sustituir nada más y nada menos que al mejor villano de la historia como era Darth Vader, no es tarea sencilla, y aquí era donde ese personaje debía explotar, y sinceramente la decepción ha sido tremenda, eso hace que cojee todo el film, a pesar de recuperar al malvado Palpatine. Y cuando digo explotar, es que fuera lo más parecido a aquel malvado Vader, pero está a años luz.


Por otro lado, en el sentido positivo, Rey descubre su linaje, algo que nos tenían oculto desde hacía dos películas, pero que sale a la luz aquí, aunque no es una Skywalker, si es la heredera del legado y ha adquirido todas sus habilidades por sus dos grandes mentores Luke y la Princesa Leia. Es la que se torna en protagonista principal y lo asume muy bien, de hecho es la que salva los muebles en todos los sentidos, contando con la inestimable ayuda de Finn y Poe. Esa unión del grupo protagonista es uno de los mayores aciertos del director, que ya lo iniciara dos capítulos atrás.


Se ha buscado provocar emociones en el público, y desde luego que las hay, pero en los clímax es donde da una de cal y una de arena, por un lado dices siii, y por otro dices ¿pero esto qué es?
Se corrigen cosas de Los Últimos Jedi, como que cada personaje iba por su lado, sino que aquí es el grupo el que comanda y una líder dentro de él que toma decisiones. Además Abrams juguetea bastante con el exceso continuamente, y eso hay que dominarlo muy bien cuando te estás jugando el cuello. Por eso avanza sin parar e intentando tocar la fibra en cada una de las secuencias, y hay veces que lo consigue sin duda, golpes de efecto fuertes, pero como ya he dicho para que un film sea grandioso, el villano debe ser muy bueno...


Os dejo con el tráiler del film.

sábado, 14 de diciembre de 2019

Knives out (2019)


Rian Johnson dirige y guioniza Puñales por la espalda, como se ha traducido aquí su nuevo film Knives out. Se trata de una novela de misterio en onda Agatha Christie, llevada por fin a la gran pantalla por este cineasta, aunque también tira de otras influencias. Johnson ha tirado de chequera y ha contratado a actores veteranos de renombre y otros más jóvenes de gran nivel, un gran elenco para contarnos la historia de la misteriosa muerte de Harlan Thrombey, al que da vida Christopher Plummer, un nombre que hace homenaje a las novelas de "Elige tu propia aventura". Lo que hace es una tragicomedia, a través de un adictivo juego, consiguiendo momentos muy interesantes y brillantes.


Toda la trama está en un único escenario, una casa, la de Harlan Thrombey, y todo sucede allí, la fiesta de su 85 cumpleaños, las discusiones con sus hijos y familiares, y finalmente su muerte esa misma noche. Si bien es un film juguetón, consigue tener un equilibrio bastante bueno entre el aire a novela de misterio y la parte cómica, aunque para mi gusto se alargue en exceso en su último tramo y hubiera quedado más aseada con unos veinte minutos menos.
Pero hay dos personajes que empiezan a crecer en la película, a partir de su primer tercio y acabarán siendo el eje central, y son el detective privado afrancesado Benoit Blanc, al que da vida un magnífico Daniel Craig, y la cuidadora de Harlan, la emigrante Marta Cabrera, que protagoniza una no menos fenomenal Ana de Armas.


Lo que si es cierto, es que el pastel, a pesar de descubrirse a mitad de la película, tiene muchas incertidumbres, que unidas juntas harán que no todo sea lo que parece y que lo que se intuía sencillo acabe teniendo muchas más interpretaciones y conviertan la investigación en una galimatías, que sólo un buen detective sabrá ver, eliminando pistas falsas y sabiendo buscar la verdad. Pero de cara al espectador las pistas son muy claras y directas, para que cada uno se vaya haciendo su encaje de piezas en su cabeza, de hecho yo hice la mía y se aproximaba mucho al resultado final. Aunque aquí, y esto si que es algo quizás reprochable, el ritmo no acaba de volverse rápido, y eso en determinados momentos aplatana.


En cuanto al reparto de actores quisiera destacar a un Don Johnson rejuvenecido, a la ya mayor pero siempre eficaz Jamie Lee Curtis, un Michael Shannon soberbio y un Chris Evans (que también vale para más cosas que hacer de Capitán América) que está especialmente brillante, sobre todo en alguna escena como la de la lectura del testamento de Harlan.
Todos los giros en los que intervienen ellos están muy bien medidos, y navegan al son que les marca el director, incluso se nota que se han divertido en el rodaje.


Os dejo con el tráiler de esta interesante película.

miércoles, 4 de diciembre de 2019

Midway (2019)


Roland Emmerich es el director de Midway, un cineasta alemán al que le han llovido palos de toda clase y condición por muchas de sus cintas anteriores. Hablamos del director de Soldado Universal, Godzilla, Independence Day o 2012, en tono grandilocuente o catastrofista, o más serias como El Patriota. Pero es precisamente, en la onda seria de esta última, en la que ha enfocado Midway. Y no nos olvidemos de que tiene una gran calidad y sabe dar forma a historias como gusta en Hollywood.
Y aquí se mete en una historia de la que ya hay muchos antecedentes, pero que él convierte en puro espectáculo y con un sabor vintage que le queda realmente fastuoso, una mezcla de antiguo y moderno que alcanza momentos de excelencia.


Es importante reflejar una cosa que se dice al inicio, que está basada en hechos reales, pero claro siempre te queda la duda, los hechos reales para los ganadores son unos y para los perdedores son otros. Pero si he de mojarme, diré que el relato aquí es bastante fidedigno y se explican claves fundamentales de todo lo que sucedió tanto en el ataque japonés a Pearl Harbor, que recordemos está en Hawai, como las posteriores reacciones de todo tipo de Estados Unidos, y un amplio desarrollo de la decisiva Batalla de Midway. Pero la primera escena se desarrolla en Japón en 1937, y da muchas pistas del porqué del conflicto.
Sólo ya la escena del ataque a Pearl Harbor es una gozada visual, pero eso irá a más hasta explotar de manera grandilocuente en la mítica batalla del pacífico.
Por si fuera poco el reparto es brutal, Ed Skrien, Patrick Wilson, Luke Evans, Dennis Quaid (¡cómo está de mayor!), Woody Harrelson (excelso), Aaron Eckhart, etc., cuya labor es muy buena, aunque la construcción de los personajes les lleva a explotar los tópicos y no aportar mucho.


Pero el Señor Emmerich, y esta es la gran virtud del film, ha hecho un tratamiento de la acción realmente brillante con unas batallas aéreas de lo mejor que se ha visto, que tienen una precisión, un ritmo y una devoción a su vez, absolutamente brutales. Evidentemente la tecnología del siglo XXI ayuda y la sabe aprovechar al máximo. Eso provoca que la narrativa quede algo coja, y no por su rigor histórico que diría es del 100%, sino porque la diferencia de intensidad y clímax entre las escenas bélicas y el resto de escenas es importante, aunque he de decir que incluso eso se lo perdono, porque con las batallas aéreas disfruta uno como un niño con zapatos nuevos.


En última instancia me parece un gran acierto el homenaje (que ya se lo merecían) que tienen en este film los criptógrafos, que ayudaron de manera decisiva y clave a la victoria en la batalla de Midway descifrando los mensajes en clave de el ejército nipón, lo que fue fundamental para saber cuando y donde atacarían, y poder así preparar una respuesta con trampa incluida, teniendo una flota marina de menos portaaviones que la japonesa y estando en clara inferioridad a priori. Los detalles de aviones, acorazados, submarinos, portaaviones, cazas, etc., están cuidados al máximo, y también el desarrollo exacto de la batalla, que en muchos momentos hacía que te sintieras dentro de ella, con lo que eso supone.


Os dejo con el tráiler del film.

sábado, 30 de noviembre de 2019

Bandas sonoras míticas de películas (XXVI)


Después de intentos fallidos, Sergio Leone logró rodar Érase una vez en América, una fastuosa película cuya idea original estaba en seis horas de película, que se vio obligado el director a recortar a cuatro y media, y finalmente a tres y media para que se pudiera estrenar en salas en dos partes en 1984. Posiblemente sea una de las obras maestras del cine más conseguidas, y con un resultado más redondo, y eso que en los recortes que sufrió hay personajes que lo notan y sus historias quedan sin verse (la nueva versión parece que los recupera).
Una película que está ambientada en los años de la Ley Seca en New York, desde 1920 a 1933, pero no llega a ser un film de gangsters al uso, sino una visión personal del director sobre el género y su devoción por una época ya pasada del cine, el de las grandes superproducciones.
Se trata de un gran cuadro sobre la historia de Estados Unidos en esos años, y poco complaciente con el público, con personajes muy odiosos en su totalidad, además de lograr que el verdadero protagonista de todo fuera el tiempo.
David Aaronson, un pobre chaval judío conoce en los suburbios de Manhattan a Max, otro joven hebreo dispuesto a llegar lejos a toda costa y por cualquier método. Noodles (Robert de Niro) y Max (James Woods) hacen muy buena amistad y con otros amigos forman una banda que prospera a base de robos, y se convierten en mafiosos importantes.
Todo esto está narrado musicalmente por la maravillosa banda sonora de Ennio Morricone, viejo colaborador ya por entonces de Leone, una banda sonora de las primeras que compré original en su día.


Os dejo con el tema central del film.

viernes, 29 de noviembre de 2019

Escenas míticas del cine (CXII)


En 1965 David Lean dirige Doctor Zhivago, una memorable película basada en la novela de Boris Pasternak, maldita y en el ostracismo en Rusia durante 30 años, y que interpretan un espléndido Omar Shariff, Julie Christie y Geraldine Chaplin entre otros. Shariff da vida al Doctor Zhivago que es poeta, cirujano, marido y amante pero cuya vida queda trastornada por una época muy convulsa en Rusia, 1917, la revolución bolchevique, y la guerra civil que sigue a la revolución, que provocan conflictos en todas las familias. El drama de este hombre, en el que se centra el film, cuya lucha contínua por sobrevivir es épica, centra el metraje y también su vida amorosa, quizás con una disyuntiva entre no saber amar o amar demasiado.
En una escena mítica, en la estación ferroviaria de Moscú, miles de personas esperan al tren para salir de allí y marchar lejos. Zhivago y su familia consiguen plaza en el tren (donde sólo dejan entrar a 50 almas por vagón). Allí ya hay gente que viene de más lejos, "voluntarios", como el personaje que interpreta Klaus Kinski, esposado a la litera y clamando por su libertad.


Os dejo con la mítica escena.

jueves, 28 de noviembre de 2019

Negación (2019)


Beatriz Mbula y Helena M. Cabrera dirigen este corto donde un chico y una chica quedan por internet, algo muy habitual en la actualidad. Él le pregunta a ella que cual es su profesión, a lo que ella contesta que ponía actriz en el perfil. Pero el chico se queda un poco sorprendido ya que no hay muchas actrices de color en España, a lo que ella contesta de una manera un tanto irónica... no tiene desperdicio.
La duda que me queda es de esa gente que niega la realidad como forma de vida.... curioso al menos.

Os dejo con el minicorto.

miércoles, 27 de noviembre de 2019

Escenas míticas del cine (CXI)


Bernardo Bertolucci dirige en 1976 Novecento, ambientada, cómo no, en el principio del Siglo XX, en una pequeña parte de Italia. Como todo el mundo sabe, o debería saber, Italia es un país muy convulso política y socialmente, en la actualidad también y en esta película están expuestas muchas de las causas. Hablamos de una película muy larga, le sobra algo de metraje (excesivos 314 minutos) y en el que se explican muchas de las luchas sociales en aquel país, a través de un microcosmos, el de la región de Emilia, al norte, en el que nacen el mismo día el hijo de un terrateniente, Alfredo Berlinghieri (Robert De Niro) y el hijo de un bracero Olmo Dalcò (Gerard Depardieu), que serán amigos inseparables, aunque su relación se verá ensombrecida por diferentes actitudes frente al fascismo.
Hablamos de una tragicomedia con un extenso recorrido político y social y que ha entrado a formar parte de los clásicos del cine ya que está ajeno a modas, tecnologías, paso del tiempo, etc...


Os dejo con una escena mítica en la que Alfredo y Olmo se dicen verdades a la cara.

martes, 26 de noviembre de 2019

Escenas míticas del cine (CX)


En 1992 Clint Eastwood, que hasta ese momento no tenía el reconocimiento por su carrera de actor y mucho menos por la de director, hizo Sin Perdón, que revitalizó de manera increíble el western, aunque años antes con El Jinete Pálido ya tuvo un gran intento, pero en este trabajo confluyeron varias circunstancias que hicieron que fuera un éxito absoluto y que recibiera Oscars y premios de toda índole. Pero cuidado, estamos hablando de que Clint en ese momento llevaba ya dirigiendo películas desde 1971, ahí es nada, 21 años, y con una calidad muy buena. De hecho esto no fue más que un espaldarazo a su carrera, y desde entonces no ha dejado de hacer grandes films.
En este interpretaba a William Munny, que junto a Ned Logan (Morgan Freeman) vuelven a cabalgar juntos después de años, por una recompensa de 1000 dólares que unas prostitutas ofrecen por matar a dos tipos que acuchillaron a una de sus compañeras y la desfiguraron. El sheriff del pueblo en cuestión, de Big Whiskey, Little Bill Daggett (Gene Hackman) que no permite armas ni delincuentes en su ciudad, había indultado a esos dos hombres, a pesar de sus hechos.
Esa ayuda exterior que las mujeres piden, hará que William vuelva con su amigo Ned, recaiga en la bebida, y se convierta en el asesino implacable que fue, como se puede ver en la escena de venganza cuando entra en la taberna, por la muerte a manos del Sheriff de su amigo Ned y en la que suelta una de sus frases míticas: "todo el que quiera seguir con vida, será mejor que se largue".


Os dejo con la mítica escena.

lunes, 25 de noviembre de 2019

Mejores escenas cómicas del cine (LXXVI)


Mi película favorita cómica, sin duda es El Jovencito Frankestein, dirigida por Mel Brooks en 1974. Una de las comedias más disparatadas, delirantes, ingeniosas y divertidas de la historia del cine. Se trata de una de esas conjunciones donde todo funciona, y no sólo eso, sino que lo hace con un encanto especial, algo tocado con una varita mágica e irrepetible. Además y por si fuera poco, tiene la capacidad curativa de hacer olvidar problemas de la vida cotidiana, y te sientes completamente absorbido por la pantalla, en su hora y tres cuartos de duración.
Rodada en blanco y negro aposta, en ella, el joven doctor Frederick Frankestein (Gene Wilder), un neurocirujano norteamericano, ha huído siempre del estigma legado por su abuelo, quien creó años más tarde un monstruo. Ahí, es donde el guión perpetrado por Brooks y Wilder hace un desprejuiciado homenaje, que a la vez es parodia, y cómo no, revisión del mito cinematográfico, cuya creación era de Mary Shelley.
En una escena cómica bestial Herald (al que interpreta Gene Hackman...) es ciego y vive solo y recibe la visita del monstruo,con el que trata de ser hospitalario ofreciéndole sopa, pero al ser ciego lo echa de manera dubitativa y no en el cuenco, también le invita a beber vino y brindan... un brindis muy efusivo, quizás demasiado y también hay puro... que el ciego enciende de manera confusa... todas esas buenas intenciones llevadas a cabo con torpeza harán que el monstruo salga despavorido.


Os dejo con la tremenda escena cómica.

domingo, 24 de noviembre de 2019

Mejores escenas cómicas del cine (LXXV)


En 1916 Charles Chaplin, dentro de su enorme actividad, hizo un cortometraje mudo, el octavo para Mutual Films. El título de la película tuvo varias traducciones al español, entre las que están Charlot, Héroe del patín, Patinador, Como sobre ruedas o Sobre ruedas.
Él trabaja de camarero y tras unas divertidas escenas trabajando en un restaurante, Charlie se va a patinar durante su descanso para el almuerzo y empieza a organizar un desmadre con los demás patinadores, mientras todos se van cayendo a su alrededor muchas veces originado por él, provocando la carcajada a mandíbula batiente.


Os dejo con un fragmento de la mítica escena cómica.

sábado, 23 de noviembre de 2019

Amigas para siempre (2019)


Jesús Martínez Asencio dirige este mini corto en el que dos amigas, interpretadas por María Ortiz e Irene Álvarez, quedan para tomar un café. Una de ellas va a abrir el sobre del azucarillo y dice que pone en el mismo que si "una amistad dura más de siete años es para siempre" a lo que la otra responde que no llegarán, a partir de ahí empiezan las divergencias. Hoy en día todo es efímero, las amistades, las relaciones, vivimos en un mundo en el que todo pasa a velocidad de vértigo, como este corto...


Os dejo con el interesante mini corto.

viernes, 22 de noviembre de 2019

Ford v. Ferrari (2019)


James Mangold dirige este extraordinario biopic, Le Mans' 66 se ha titulado aquí, que tiene como gran virtud construir una gran película basada en dos pilares tremendos, como son las grandes actuaciones de Matt Damon y Christian Bale, además de reconstruir fielmente una de las rivalidades más fuertes de la historia de las carreras de coches, la que hubo entre Ford y Ferrari en los años 60, y que tuvo a la pista del circuito galo de Le Mans y su mítica prueba de las 24 horas como protagonista.
Ferrari llevaba años ganando esa mítica carrera, pero Enzo Ferrari tenía poca liquidez, por lo que Ford intenta comprar a la escuadra italiana, Enzo se niega y despide a sus emisarios, es entonces cuando Ford recluta a los mejores ingenieros, pilotos y mecánicos para hacer un coche que gane la mítica carrera.


Matt Damon encarna a Carroll Shelby, un tipo que fue piloto y ganó la mítica carrera, pero cuyos problemas de salud le obligaron a retirarse, a partir de ahí decide hacer coches y se convierte en un visionario automovilístico. Conseguirá, no sin reparos por parte de la empresa Ford, que su amigo y gran piloto, el británico Ken Miles, al que da vida Christian Bale, construya un coche desde cero para conseguir ganar esa carrera en Francia. Todo ese tipo de procesos son largos, y los resultados no suelen ser buenos al principio, pero la perseverancia de ambos y las gestiones de Shelby con Henry Ford II, hicieron que al final Miles llevara ese coche a competir de igual a igual con los Ferrari. 


Hay muchas veces que digo, que hay cintas excesivamente largas que con un recorte funcionarían mejor, aquí las dos horas y media están totalmente justificadas, ya que el proceso de construcción del bólido es la clave de todo, y por supuesto los riesgos que conlleva. Pero aparte, está la vida de Miles con su sufrida mujer y su hijo que le adora, y luego las personalidades digamos no muy simpáticas que había dentro de una gran empresa como Ford, donde su máximo responsable se rodeaba de personas poco llevaderas, por decirlo finamente.
Pero qué bien está centrado el film en la pasión que une a dos hombres como Shelby y Miles, que personalmente son bastante distintos y eso provoca roces, e incluso peleas.


Lee Iacocca era el responsable de la parte comercial de Ford, al que interpreta Jon Bernthal y cuyo papel al principio parece ser el antagónico de los dos protagonistas, pero cuyo relevo en el papel de villano lo toma a mitad de película Leo Beebe, al que da vida Josh Lucas y que quizás es demasiado arquetípico, aunque siempre debe haber uno.
Pero al final, todo son palos en las ruedas que van poniéndose en el camino, y que el dúo protagonista va salvando una y otra vez.
En definitiva Mangold consigue que el film se te pase volando, yo disfruté en mi butaca de manera increíble, además de que todas las recreaciones de las carreras, entrenamientos, primeros planos de seguimiento y más detalles, estén perfectamente hechos en este drama deportivo.


Os dejo con el tráiler del film.

sábado, 9 de noviembre de 2019

Doctor Sleep (2019)


Doctor sueño es un film dirigido por Mike Flanagan, que es una secuela del film El resplandor de 1980 que en su día dirigió Stanley Kubrick basado en la famosa novela de Stephen King, de 1977, tercer libro del creador de It, y la que le consolidó como líder en el género de terror. La secuela de ese libro se publicó en 2013, en la que el hijo de Jack Torrance (al que daba vida Jack Nicholson en la vieja cinta de Kubrick), Danny, ahora adulto (que ahora interpreta Ewan McGregor), usa su resplandor en un hospicio de personas moribundas, a los que él ayuda a morir plácidamente. Pero Danny, es un hombre al que le persigue su pasado, ya que sigue traumatizado, tiene problemas de ira y alcoholismo, asuntos heredados de su padre. El resurgimiento de sus habilidades psíquicas en la ciudad que le acoge, hará que una niña contacte con él, Abra Stone, de una potencia sensorial brutal, que está perseguida por un grupo de vampiros casi inmortales, que se alimentan del vapor liberado por personas que poseen el resplandor, mientras son torturados hasta la muerte.



Aquí lo que se produce, aún habiendo escuchado a su director que el centro de este película es el personaje de Danny cuando ya es mayor, es la unión de varias películas en una sola, la adaptación de King, la de Kubrick, su secuela y la propia del director Flanagan. La película en si, y esto es innegable, es un remake de la de 1980, de hecho la historia parte en su primera escena en ese año, con la presentación de los vampiros y sus fechorías. Pero aquí no sólo hay un homenaje a aquel film de Kubrick, sino que hay elementos de los que se ha apropiado y a otros (incluidos los actores) les han puesto otras caras, eso si, sin perder la fidelidad a la novela de King. No quiero decir con esto que este film se apodere de cosas de la cinta de Kubrick, pero desde luego hay algunas evidencias notables.


Pero cierto es que la atmósfera que invade esta película, partiendo de la base que es la misma, es bastante diferente, y los caminos a los que quiere llegar también. Que esta película esté dentro del género de terror es bastante lógico, Kubrick hizo una película de miedo sin ser un director encasillado en ese género, pero su pericia le hacía estar a gusto en cualquier estilo.
Lo que si es innegable es el respeto y las continuas reverencias a ese mítico film, con esos flashbacks y esa reinterpretación de momentos escogidos que te llevan de manera clara 39 años atrás. La parte psicodélica de la secta funesta y terrible de los vampiros, es la parte más novedosa y currada del film, aunque también la que atesora las secuencias más duras. Gran papel de Rebecca Ferguson como la líder de los vampiros.


Una de las mejores cosas de esta cinta está en su banda sonora de The Newton Brothers (y que abría la película de Kubrick), que se convierte en una presencia constante, incrementando las sensaciones y actualizando la seña de identidad musical que ya tenía la otra obra en su día. Es ahí, donde hay otro punto de paralelismo y conexión entre ambas películas, y sinceramente algunas de ellas son aportaciones que hubieran mejorado aún más a la antigua, pero que le da aún más valor a aquella por tener todas esas ideas ya en aquel momento, cosas de los genios como Stanley, un adelantado a su tiempo y un perfeccionista absoluto.


Es evidente que la vida de Danny Torrance ya de mayor merecía una película, y si había novela de por medio casi mejor, pero también es cierto que las referencias a la película de 1980 son muchas, tanto en escenarios utilizados, como en personajes y escenas recurrentes, quizás una adaptación más libre y con menos conexiones hubiera evitado comparaciones, pero más allá de todo eso, la cinta se me hizo larga, una tijera de veinte minutos no hubiera venido mal.

Os dejo con el tráiler.

jueves, 31 de octubre de 2019

Escenas míticas del cine (CIX)


Mel Gibson dirige Apocalypto en 2006, su cuarta película como director. Se trata de un film impresionante de principio a fin, en una historia ambientada en la época del Imperio Maya. En unos años en los que los efectos especiales dentro del celuloide eran dominantes ya, el australiano hace una película extraordinaria y de una calidad soberbia, de esas que te hacen vibrar en el patio de butacas y te estremecen, hasta tal punto de identificarte con el protagonista, interpretado de manera tremenda por un hasta entonces desconocido Rudy Youngblood, y su angustiosa escapada de la muerte constante. Pero contando una historia, que no necesita de los adelantos técnicos de última generación para despuntar.
Otro detalle muy importante, es que el dialecto original de los mayas es el que se escucha en la película, cosa que también hizo dos años atrás con el arameo en La Pasión de Cristo la estrella australiana.


Estamos hablando de una época, donde se trataba de sobrevivir y el director nos recuerda que este mundo era muy distinto al nuestro, y los conceptos de crueldad y vivir al límite aquí no tienen el mismo significado que ahora. La violencia es implícita a la vida, y no se concibe la una sin la otra.
Tras un inicio en el que conocemos al protagonista y su entorno, una primitiva y humilde aldea en medio de la selva, pronto llega el conflicto, cuando una salvaje tribu rival y violenta asalta el poblado diezmando a sus habitantes y capturando al resto, salvo a los niños que quedan abandonados a su propia suerte. Los cautivos son vendidos como esclavos o directamente ofrecidos a sacrificios humanos al dios Kukulkan. Pero a unos les dan la "oportunidad" de escapar mientras corren y les lanzan flechas, piedras o lanzas. Todos van cayendo y los que quedan heridos son rematados. El protagonista, más inteligente, va en zig zag y consigue esquivar la muerte, aunque es herido, cuando le quieren rematar se revuelve y mata. Empieza su huída, que será su vida hasta el final del film. Esta escena me parece brutal.


Os dejo con la mítica escena.