En 1981 Georges Lautner dirige El Profesional, que tiene a Jean Paul Belmondo como protagonista principal que interpreta a Joss Beaumont, un agente secreto del servicio francés que es enviado a Malagawi, un país africano, con la misión de matar al presidente N'Jala, que dirige con mano de hierro el país como el dictador que es, y es enemigo de Francia. En cuestión de horas la situación política cambia de manera radical, y se ordena la detención de Joss, al que torturan brutalmente. Dos años después, consigue escapar y volver a París, donde ajustará cuentas con sus superiores.
La banda sonora corre a cargo del mítico Ennio Morricone, cuyo tema principal es una joya absoluta, que sobrevoló mi mente durante muchos años.
Este pasado 6 de septiembre se ha conocido el fallecimiento a los 88 años de edad, el actor, productor y director de cine y teatro. Un francés muy ilustre, figura esencial de todas las escuelas cinematográficas de su tiempo, de la Nouvelle Vague, donde se inventó un nuevo lenguaje, además de ser uno de los grandes seductores del cine galo. Tras un accidente mal cicatrizado y una larga enfermedad, nos deja esta leyenda que como se ha podido ver en los días posteriores, ha tenido un funeral de estado en Les Invalides (equivalentes a los de un Jefe de Estado), además de la ceremonia religiosa posterior. Además tenía la cualidad de caer bien a casi todo el mundo, por lo que su pérdida ha sido muy sentida.
Jean-Paul Belmondo era el segundo de tres hermanos, nacido el 9 de abril de 1933 en Neuilly-sur-Seine. Era mal estudiante, pero mostró era bueno en los deportes donde era versátil y hacía ciclismo, fútbol, e incluso boxeo. Una tuberculosis le obligó a dejar el deporte, y le tuvo postrado en Allanche, aunque consiguió salir de ella sin consecuencias severas.
Después de debutar en los escenarios sin conseguir destacar mucho, dio sus primeros pasos en el cine en 1958 en la película "Sois belle et tais-toi" donde se cruza con el debutante Alain Delon con quien se haría muy amigo. Pronto orienta su carrera en películas de acción y humor, donde realizaba personalmente las escenas de riesgo sin dobles. Con L'Homme de Rio (1965) su carrera tira hacia un cine más comercial, comedias y películas de acción. Rodó a las órdenes de grandes directores franceses como Alain Resnais, Louis Malle, Phillipe de Brioca, Henri Verneuil, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, François Truffaut, Claude Sautet, Jean-Pierre Melville, Georges Lautner, etc., y también con directores de otros países como Vittorio de Sica, Mauro Bolognini o Peter Brook. Películas suyas se han convertido en clásicos del cine como Breathless (1960), Lèon Morin, prêtre (1961), E en hiver (1962), One hundred thousand dollars au soleil (1964), Borsalino (1970), Le Professionnel (1981) o Hold-up (1985).
Aupado por su propio éxito, Belmondo creó su productora, Cerito Films, con la que saca adelante proyectos como "La Scoumoune" al lado de Claudia Cardinale. Los premios llegaban a finales de los 80, en concreto en 1989 gana el César por "El imperio del león" y en 2011 recibió la Palma de Oro a toda su carrera en el Festival de Cannes. Su ritmo de trabajo bajó mucho en los 90 y se acrecienta después de sufrir un derrame cerebral el 8 de agosto de 2001, de cuyas secuelas estuvo años recuperándose. En 2019 sufrió una fuerte caída que le deja fuertes dolores en hombros, costillas y piernas, pero siempre estuvo cuidado por su familia hasta el final.
Os dejo con este vídeo de tributo al gran actor galo.
Antes de convertirse en megaestrella Tom Hanks era especialista en comedias muy divertidas, una de las más famosas fue Esta casa es una ruina, dirigida en 1986 por Richard Benjamin. Anna Crowley (a la que da vida Shelley Long) una atractiva violinista, vive provisionalmente con su novio Walter Fielding (Tom Hanks) en el apartamento de su ex-marido. Cuando éste descubre la situación, la pareja se ve obligada a buscar otra vivienda. Pero ellos, a través de un amigo de Walter, que es agente de la propiedad, les proporciona una auténtica "ganga" a las afueras de la ciudad, que resulta ser un desastre y se cae a cachos.
En una escena cómica delirante llega el fontanero Brad Shirk (Carmine Caridi) que antes de ver nada pide ser invitado a una copa, aunque realmente tiene pocas ganas de ponerse a trabajar en una casa que ya conoce...
Como he dicho en alguna que otra ocasión, en 1994 Robert Zemekis dirigió Forrest Gump, basada en la novela homónima del escritor Winston Groom. Tom Hanks hacía de Forrest Gump, un hombre nativo de Alabama, y cuya vida es descrita en el film, una persona con una leve discapacidad intelectual, algo que no le impide ser testigo privilegiado y en algunos casos decisivo, de muchos momentos trascendentales de la historia de su país, Estados Unidos, en la segunda mitad del siglo XX, entre 1945 y 1982 para ser concretos. Robin Wright hace de Jenny, la chica por la que Forrest se enamora, aunque su vida fue una continua locura, mientras Sally Field hace de su madre y Haley Joel Osment hace de su hijo.
En una escena impactante, Forrest formaba parte de la selección americana de fútbol americano y él y sus compañeros son recibidos a principios de los años 60 por el presidente de aquel momento, J. F. Kennedy. El reservado donde les sirven comida y bebida es muy del gusto de Gump que bebe muchos refrescos, demasiados. Justo cuando le toca saludar al presidente y a la pregunta de ¿qué siente usted? que repetía a todos, Forrest dijo la verdad... que "tenía que hacer pis...".
En el año 2001, Antoine Fuqua dirige esta extraordinaria película donde todos los días, en las calles de las zonas urbanas deprimidas de los Estados Unidos se libra una guerra, una guerra entre residentes, traficantes de droga y los que han jurado proteger a unos de los otros.
Esta guerra tiene sus víctimas y sus verdugos, y una de sus figuras más importantes es el sargento Alonzo Harris (Denzel Washington), un agente de narcóticos con 13 años de experiencia cuyos discutibles métodos hacen difusa la línea entre la legalidad y la corrupción. Jake Hoyt (Ethan Hawke), un joven policía recién asignado a narcóticos, comienza sus rondas a las órdenes de Alonzo para aprender de él, pero no todo lo que va viendo y aprendiendo dice nada bueno de su supuesto gran compañero.
Muy interesante thriller en el que ambos actores tienen una gran actuación acompañados de grandes secundarios.
En una de las últimas escenas, Hoyt ya está en contra de Alonzo y le quita la bolsa del dinero, pero tienen una confrontación en el barrio negro donde él ve a su novia, que antes le protegía pero ya no, lo que provoca el cabreo de Alonzo que blasfema contra sus antiguos protectores.
Alan Parker dirige en 1988 Arde Mississippi, un extraordinario film cuyos sucesos ocurren en 1964 y que tiene en los principales papeles a Gene Hackman y Willem Dafoe, además de una joven Frances McDormand. En ese año en un pueblo sureño del estado de Mississippi, donde el racismo es aún potente y está muy arraigado, el Ku Klux Klan reivindica de manera muy violenta la supremacía blanca, como por ejemplo cuando al principio del film tres activistas defensores de los derechos humanos desaparecen sin dejar rastro. Dos agentes del FBI de caracteres opuestos, se hacen cargo de la investigación, llamados Anderson (Gene Hackman) y Ward (Willem Dafoe).
El film, lleno de escenas violentas, apunta y analiza el odio racial buscando su origen e intenta comprender una reacción tan salvaje, hasta que los investigadores se van dando cuenta que el propio Sheriff y sus ayudantes también son racistas.
En una mítica escena, Ward (Willem Dafoe) revisa material de la investigación y ve fotos desgarradoras de muertes de gente de color en ese estado y en ese pueblo y se pregunta que de dónde sale tanto odio, a lo que Anderson (Gene Hackman) le cuenta una historia de su propio pueblo, y en el que su padre estaba involucrado, muy revelador.
Robert Zemeckis dirige Náufrago en el año 2000, una obra de arte de película, en la que Chuck Noland (Tom Hanks), un ejecutivo de la empresa multinacional de mensajería FedEx sufre un accidente de avión y se ve apartado de su vida y su prometida, quedando aislado completamente en una isla tropical en medio del Océano Pacífico. Durante cuatro años lucha por su supervivencia, absolutamente solo, aprendiendo técnicas de subsistencia, mientras la dura soledad le va torturando. La actuación es portentosa, a la vez que el director demuestra un virtuosismo detrás de la cámara realmente asombroso.
Cuando Chuck va recogiendo paquetes de FedEx del avión siniestrado, que llegan a la orilla de los que se va sirviendo para curarse heridas, pescar o incluso poder hablar, los utiliza para todo. Una de ellas es una pelota de la marca Wilson, a la que mancha de sangre de una de sus heridas con la mano, y luego le dibuja una cara, y se la pone para acompañarle. Es tal la compañía que le hace que le llama como a una persona y le dice "Wilson". Cuando decide que su única salida es hacer una pequeña embarcación y surcar el mar hasta que le salven, lo hace con su inseparable Wilson, ese escape de la isla, sorteando olas enormes con esa precaria embarcación es toda una lucha por sobrevivir.
En 1994 Robert Zemekis dirigió Forrest Gump, basada en la novela homónima del escritor Winston Groom. Tom Hanks hacía de Forrest Gump, un hombre nativo de Alabama, y cuya vida es descrita en el film, una persona con una leve discapacidad intelectual, algo que no le impide ser testigo privilegiado y en algunos casos decisivo, de muchos momentos trascendentales de la historia de su país, Estados Unidos, en la segunda mitad del siglo XX, entre 1945 y 1982 para ser concretos. Robin Wright hace de Jenny, la chica por la que Forrest se enamora, aunque su vida fue una continua locura, mientras Sally Field hace de su madre y Haley Joel Osment hace de su hijo.
En una escena mítica al principio del film, Forrest sentado en el banco cuenta su vida a la persona que se sienta a su lado, y recuerda la primera vez que fue al colegio. Él de pequeño (interpretado por Michael Conner Humphreys) iba con unos muelles en las piernas para corregir su desviación de columna, y cuando sube al autobús ningún chico le quiere dejar un asiento a su lado, sólo una chica, Jenny (a la que da vida Hanna Hall) le dice que se siente a su lado, a partir de ahí creció una relación para siempre.
Alan Parker dirige en 1988 Arde Mississippi, un extraordinario film cuyos sucesos ocurren en 1964 y que tiene en los principales papeles a Gene Hackman y Willem Dafoe, además de una joven Frances McDormand. En ese año en un pueblo sureño del estado de Mississippi, donde el racismo es aún potente y está muy arraigado, el Ku Klux Klan reivindica de manera muy violenta la supremacía blanca, como por ejemplo cuando al principio del film tres activistas defensores de los derechos humanos desaparecen sin dejar rastro. Dos agentes del FBI de caracteres opuestos, se hacen cargo de la investigación, llamados Anderson (Gene Hackman) y Ward (Willem Dafoe).
El film, lleno de escenas violentas, apunta y analiza el odio racial buscando su origen e intenta comprender una reacción tan salvaje, hasta que los investigadores se van dando cuenta que el propio Sheriff y sus ayudantes también son racistas.
En una mítica escena, Anderson (Gene Hackman) va al bar donde suelen reunirse Deputy Pell (Brad Dourif) ayudante del Sheriff y Frank Bailey (Michael Rooker) uno de los tipos duros que está lleno de odio y racismo por dentro, además de otros palmeros. Anderson llega, pide una cerveza y entabla conversación con ellos hasta que estos, sobre todo Bailey, le deja claro agarrándole de la solapa que mataría a cualquier tipo de color si le dejaran, a lo que Anderson contraataca agarrándole de los testículos y apretando mientras deja claro que han venido al pueblo a acabar la investigación y no se van a ir.
M. Night Shyamalan regresa con la película Tiempo, después de cerrar la trilogía de El Protegido de manera brillante. Lo hace con una adaptación de Castillo de arena, una novela gráfica de Frederik Peeters y Pierre Oscar Lévy, con un resultado algo irregular y oscuro, aunque atesora buenos momentos, pero con falta de ritmo en la parte central del trabajo y lo digo porque está lejos de ese producto vertiginoso y trepidante de horror playero que engañosamente aparece en los tráilers, horror playero hay, pero no tan vertiginoso, más espaciado.
El problema esencial de este film, es que te invade la tristeza ya desde la primera escena con la llegada de la familia al supuesto lugar idílico de vacaciones. La puesta en escena del director sigue siendo excelente, con dominio de la toma larga, hasta que la película queda varada en una localización muy limitada como la orilla de una playa muy especial. Es ahí donde los protagonistas sobrepasados por los acontecimientos que les pasan, intentarán poner soluciones a sus inevitables problemas. Hay una evidente sensación de que eso también puede pasarte a ti en cualquier momento y empatizas con los personajes aturdidos e incapaces de salir de allí.
Lo que es cierto e inevitable, es el paso del tiempo, pero en esta película es realmente implacable y no tiene piedad con nadie, pero es algo torpe en la exposición, a veces no comprendes detalles, que luego vas descubriendo cuando ya no te interesa tanto, cosas explicadas tarde y con poco sentido, ahí este director sigue fallando, creo. Hay veces, y en este film se nota, que intenta contentar a un público de menor edad, convirtiendo la historia en algo más infantil y que pierde la idea original, que podría haber sido. En cuanto a los actores Gael García Bernal y Vicky Krieps están bien con su matrimonio condenado, mientras Rufus Sewell y Abbey Lee defienden los personajes más complicados, no complejos.
En definitiva un drama aterrador sobre la vejez y la enfermedad que funciona bien durante un tramo, pero su ambición por alejarse y intentar explotar el material básico acaba volviéndose en su contra.
En 1969 tuvo lugar el multitudinario Festival de Woodstock que musicalmente lo eclipsó todo, pero a unos 170 Km en Harlem, New York, tuvo lugar el Harlem Cultural Festival en el que se rindió homenaje a la cultura y música afroamericana con grandes grupos y artistas, además de promover el "black pride" y la unidad entre personas de la misma raza, que en su momento no tuvo la repercusión necesaria y que 50 años después se ha podido sacar de un sótano donde estaban sus grabaciones capturadas por un gran equipo de filmación, para poder disfrutar como se merece de un evento de tal magnitud. Ha sido el músico Questlove el que decidió recuperarlo, desempolvarlo y convertirlo en un documental vibrante y conmovedor.
La nómina de estrellas que por allí pasaron es increíble y es un auténtico disfrute poder ver (con un excelente sonido por cierto) a gente de la talla de B. B. King, Stevie Wonder, 5th Dimension, Mahalia Jackson, The Staples Singers, Gladys Knight and the Pips, Sly and the Family Stone, Nina Simone, David Ruffin como gran representante de la Motown, etc., un nivel de actuaciones realmente extraordinarias y además se muestra la conexión que había entre diferentes estilos musicales como el blues, el gospel, el soul o el funky con otros como la salsa o el son cubano que representaba gente como Ray Barretto el gran percusionista de ascendencia puertorriqueña y nacido en New York, esos puentes realmente brutales.
Otro aspecto importante del film, además de tener testimonios de gente que acudió al festival y músicos aún vivos que tocaron en el mismo, es la enorme y variopinta audiencia de los conciertos, casi toda gente afroamericana con sus peinados monumentales, las camisas coloridas de cuello gigante, los niños pequeños que se retorcían al ritmo de la música, demostrando la sublime experiencia que fue ese festival, y como muchos años después se transmite la alegría que proporcionó a miles y miles de personas que abarrotaron aquel parque de Harlem donde se celebró. También es importante reseñar que aquel acontecimiento, tuvo lugar poco después del asesinato de Martin Luther King, a quien Mahalia Jackson y Mavis Staples rinden homenaje interpretando el tema favorito de él, "Take my hand, precious Lord". Esas luchas por los movimientos civiles, en un momento en el que hay división entre quienes apuestan por la violencia y otros por los medios pacíficos, también queda claro en la cinta.
Es espectacular ver a bandas y artistas que estaban en su mejor momento, tal es el caso de Sly and the family stone, brutal su actuación, la tremenda personalidad y calidad musical de Nina Simone (muy reivindicativa) y un jovencito Stevie Wonder que incluso toca la batería, aunque cuando se ponía a los teclados era una furia desatada.
Os dejo con el tráiler de este interesantísimo documental.
En 1980 Alan Parker dirige Fame, que gracias al productor estadounidense David De Silva pudo crear este film que llegó a las salas el 12 de mayo de 1980. La película cautivó a millones de personas en todo el mundo con las historias de jóvenes artistas que ansiaban ser admitidos en la reputada High School of Performing Arts of New York (hoy llamada Fiorello H. La Guardia High School tras haberse unido con otra institución en 1984). Allí se aprendía a bailar, cantar, actuar, pintar, esculpir o fotografiar, un salvavidas para mucha gente. Una trama dinámica y una banda sonora pegadiza, que luego se transformó en serie, seis temporadas que en los años 80 arrasó en la pequeña pantalla, conservando a casi todos los actores de la película como Irene Cara que hacía de Coco Hernández, Lee Curreri de Bruno Martelli, Laura Dean de Lisa Monroe o Gene Anthony Ray como Leroy Johnson, y otros más que daban vida a esos alumnos que lo pasaban mal en una realidad que reflejaba un mundo extremadamente competitivo.
La banda sonora compuesta por Michael Gore, tenía en el tema estrella a la propia Irene Cara cantando, un tema mítico.
Os dejo con Fame de Michael Gore e Irene Cara a la voz.
En 1994 Robert Zemekis dirigió Forrest Gump, basada en la novela homónima del escritor Winston Groom. Tom Hanks hacía de Forrest Gump, un hombre nativo de Alabama, y cuya vida es descrita en el film, una persona con una leve discapacidad intelectual, algo que no le impide ser testigo privilegiado y en algunos casos decisivo, de muchos momentos trascendentales de la historia de su país, Estados Unidos, en la segunda mitad del siglo XX, entre 1945 y 1982 para ser concretos. Robin Wright hace de Jenny, la chica por la que Forrest se enamora, aunque su vida fue una continua locura, mientras Sally Field hace de su madre y Haley Joel Osment hace de su hijo.
En una escena mítica, cuando están en Vietnam, Forrest decía que hacían largas caminatas y que buscaban a un tío llamado Charlie... aunque no siempre era divertido...
En 1986 David Lynch dirige Blue Velvet después de haber hecho la trilogía que se componía de Cabeza borradora, El hombre Elefante y Dune, donde el joven David Lynch demostraba un profundo conocimiento del cine clásico, pero también un hábil tejedor de atmósferas postmodernas, aunque en el fondo su cine es de autor. De Laurentiis después del fracaso de Dune, se la jugó con Terciopelo Azul, ya que quedó fascinado por el guión, cuando Lynch ya pensaba que no lo haría.
La historia parte una mañana en la que Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan), después de visitar a su padre en el hospital, encuentra entre unos arbustos una oreja humana. La guarda en una bolsa de papel y la lleva a la comisaría de policía, donde le atiende el detective Williams (George Dickinson), que es vecino suyo. Comienza así una misteriosa intriga que desvelará extraños sucesos acontecidos en un pequeño pueblo de Carolina del Norte.
Os dejo con la escena inicial del film extraordinaria.
Walter Hill, Nick Nolte y Eddie Murphy volvieron a unir fuerzas para la secuela de una gran cinta de acción y comedia de los 80 como fue Límite 48 horas y parieron 48 Horas más en 1990. En esta segunda entrega Murphy es una estrella absoluta, Nolte sigue dando muestras de su talento y Hill volviendo a dominar un género en el que estaba como pez en el agua. En este film Cte vuelve a tener que tirar de Reggie, cuando se ve entre la espada y la pared acuciado por el agente especial Wilson (Kevin Tighe) de asuntos internos. Cates solo tiene una pista para probar la existencia de "El Témpano", un escurridizo traficante de drogas y armas al que lleva persiguiendo durante 4 años. Al parecer Hammond es el objetivo principal de El Témpano y e quiere borrar del mapa, porque conoce su rostro. En la escena inicial Reggie es por fin libre, pero lo primero que sufre en el bus de la penitenciaria es un ataque de dos motoristas que le quieren eliminar.
En 1982 Walter Hill dirige Límite 48 horas, un film de género policíaco pero con grandes dosis de humor y bastante violencia inaugurando el género de las "buddy movies".
Un par de asesinos sin escrúpulos consiguen huir de prisión, dejando un horrible reguero de sangre, mientras al malhumorado detective Jack Cates (Nick Nolte) no le queda más remedio que sacar al timador Reggie Hammond (Eddie Murphy) de la cárcel para que le ayude a encontrar a los criminales que él conoce. Sólo disponen de 48 horas porque Hammond tiene un permiso que expira en es tiempo.
En un escena imborrable el Capitán Haden (Frank McRae) acusa a Cates de no hacer nada y a Hammond le llama negro despectivamente siéndolo él también...
Como decía ayer, En 1994 Robert Zemekis dirigió Forrest Gump, basada en la novela homónima del escritor Winston Groom. Tom Hanks hacía de Forrest Gump, un hombre nativo de Alabama, y cuya vida es descrita en el film, una persona con una leve discapacidad intelectual, algo que no le impide ser testigo privilegiado y en algunos casos decisivo, de muchos momentos trascendentales de la historia de su país, Estados Unidos, en la segunda mitad del siglo XX, entre 1945 y 1982 para ser concretos. Robin Wright hace de Jenny, la chica por la que Forrest se enamora, aunque su vida fue una continua locura, mientras Sally Field hace de su madre y Haley Joel Osment hace de su hijo.
La banda sonora es un selección de temas de primer nivel de música de los años 50, 60 y 70, de los mejores artistas y bandas de entonces, Elvis Presley, Aretha Franklin, The Doors, Creedence Clearwater Revival, Bob Dylan, The Beach Boys, etc., y en el final del segundo disco había una suite compuesta por Alan Silvestri y que suena en los momentos más emotivos.
Os dejo con Forrest Gump suite por Alan Silvestri.
En 1994 Robert Zemekis dirigió Forrest Gump, basada en la novela homónima del escritor Winston Groom. Tom Hanks hacía de Forrest Gump, un hombre nativo de Alabama, y cuya vida es descrita en el film, una persona con una leve discapacidad intelectual, algo que no le impide ser testigo privilegiado y en algunos casos decisivo, de muchos momentos trascendentales de la historia de su país, Estados Unidos, en la segunda mitad del siglo XX, entre 1945 y 1982 para ser concretos. Robin Wright hace de Jenny, la chica por la que Forrest se enamora, aunque su vida fue una continua locura, mientras Sally Field hace de su madre y Haley Joel Osment hace de su hijo.
Después de volver de Vietnam hay muchas protestas contra la guerra, y en uno de esos discursos los hippies animan a Forrest a hablar, un militar desenchufa los cables del micro y solo se escucha el final, pero eso sirve para que Jenny le reconozca y vuelva a reencontrarse con Gump.
Armano Iannucci dirigió en 2017 La muerte de Stalin, basada en hechos reales y que lo hace desde el punto de vista del humor negro, la sátira política donde abundan momentos tremendamente absurdos, divertidas réplicas, y un reparto de actores muy bien elegido y extraordinariamente bien utilizado. La noche del 2 de marzo de 1953 murió Josef Stalin, dictador, tirano, genocida (el mayor de la historia junto a Hitler) y Secretario General de la U.R.S.S. A partir con dos hijos bastante inútiles, en esos días previos al funeral se suceden todo tipo de peleas por el poder, en los que hay manipulaciones, lujurias, traiciones y movimientos de toda índole.
En el inicio del film hay un concierto, y el encargado del mismo Andreyev recibe la llamada del propio Stalin aún vivo, pidiendo la grabación de dicho concierto, y teniendo en cuenta que era una orden directa, ocasiona pavor (todo el mundo le tenía pánico) entre los dos personajes encargados del marrón.
Como decía ayer, John Badham dirige en 1977 Fiebre del sábado noche, un film que fue todo un bombazo en su momento y que 44 años después sigue mucho más vigente de lo que se pudiese pensar. Tony Manero interpretado por un magnífico John Travolta es un joven italoamericano que vive con su familia en Brooklyn, con pocas aspiraciones, un empleo mejor y sobre todo salir a la discoteca los sábados por la noche y hacer lo que más le gusta, bailar, y donde da lo mejor de sí. Con 19 años tiene la típica crisis existencial de esa edad, con acontecimientos que lo reflejan como que su hermano deje los hábitos, las historias de su pareja de baile Stephanie Mangano (Karen Lynn Gorney) unido a la relación con sus amigos hará que se replantee el futuro.
Cuando Tony iba a la discoteca 2001 se transformaba y bailaba como nadie, era la época de la música disco y la banda sonora tenía un ramillete de temas de ese estilo entre los que destacaban varios, cuatro en concreto, de Bee Gees, pero había uno Stayin' alive que se convirtió en un absoluto bombazo, con sus falsetes míticos.
Os dejo con la versión extendida de Stayin' alive que es la que aparece en la banda sonora.
John Badham dirige en 1977 Fiebre del sábado noche, un film que fue todo un bombazo en su momento y que 44 años después sigue mucho más vigente de lo que se pudiese pensar. Tony Manero interpretado por un magnífico John Travolta es un joven italoamericano que vive con su familia en Brooklyn, con pocas aspiraciones, un empleo mejor y sobre todo salir a la discoteca los sábados por la noche y hacer lo que más le gusta, bailar, y donde da lo mejor de sí. Con 19 años tiene la típica crisis existencial de esa edad, con acontecimientos que lo reflejan como que su hermano deje los hábitos, las historias de su pareja de baile Stephanie Mangano (Karen Lynn Gorney) unido a la relación con sus amigos hará que se replantee el futuro.
En una escena mítica Tony intenta ligar con Stephanie, pero dice que ella es una lianta.
En el año 1991 Oliver Stone dirigió el biopic acerca de Jim Morrison y su banda The Doors, donde Val Kilmer interpretaba de manera genial a Jim casi acabando mimetizado, Meg Ryan a su novia Pamela Courson, Kyle MacLachlan daba vida a Ray Manzarek el teclista y organista, Franke Whaley a Robbie Krieger el guitarrista y Kevin Dillon a John Densmore el batería. Buena parte de la película está centrada en la desastrosa vida de Morrison, una anárquica carrera autodestructiva, salpicada de escándalos, arrebatos de ira y pasión, todo dentro de una mezcla de sexo, alcohol y drogas que acabaron con su vida en 1971, cuando gordo y barbudo parecía ya una persona de más edad.
Pero al principio del film, están ensayando cuando se fragua el montaje del grupo e interpretan Break on through (To the other side), hasta que Krieger viene con la letra y melodía de una canción que tenía preparada y se llamaba Light my fire, Jim enseguida le pilla el hilo con la letra y Ray pide unos minutos para hacer la melodía al teclado y órgano, el resultado es uno de los mayores hits de la historia de la música.
