Finding Nemo (2003)

 Cartel del film

 

 

Ahora que estamos en fechas navideñas, que mejor que ver una película de animación y si puede ser acompañado de seres pequeños de edad, pero grandes en imaginación. Éste fabuloso largometraje de animación que consiguió el Óscar en su día, es una obra magna de los estudios Pixar.

Merlín es un pez payaso feliz de su futura paternidad con Coral, otro pez de su misma  especie.

Más de 400 huevos hacen que la pareja pez payaso rebose de felicidad, pero tras un trágico suceso con una barracuda, Marlin pierde a Coral y los huevos que esperaba. Menos uno, al que llamará "Nemo" en deseo de Coral. El pececillo Nemo, que es hijo único, es muy querido y protegido por su padre. Después de ser capturado en un arrecife australiano va a parar a la pecera de la oficina de un dentista de Sidney. Su tímido padre emprenderá una peligrosa aventura para rescatarlo. Pero Nemo y sus nuevos amigos tienen también un astuto plan para escapar de la pecera y volver al mar.

 

Del guión de la película Buscando a Nemo me llamó mucho la atención cuando Marlin y Dory estaban en el interior de la ballena en el momento que empieza a vaciarse y Marlin dice: "Ya está medio vacío" y Dory contesta: "Pues yo lo veo medio lleno." Es la típica confrontación de la persona negativa con la persona positiva (que ha marcado buena parte de una relación mía), está claro que Dory era mucho más positiva que Marlin.

 

 

 

Grandes actores ponen voz a los pececillos... Albert Brooks es Marlin, Ellen DeGeneres es Dory, Alexander Gould es Nemo, William Dafoe es Gill, Brad Garrte es Globo, Allison Janney es Peach, Austin Pendelton es Gurglú o Stephen Root Burbujas, entre otros.

 

 

La película es de las mejores que he visto de animación, trae un buen mensaje tanto para niños y grandes.

 

Os dejo con la película.

 

 

Ha muerto Peter O'Toole.

El irlandés Peter O'Toole murió el sábado, en el hospital de Wellington de Londres, a los 81 años de edad, según ha confirmado el agente del actor. Superó un cáncer en 1970, y siempre fue un empedernido bebedor, abusando del alcohol. El año pasado anunció su retirada con estas palabras: " El cine me ha proporcionado todo el apoyo emocional posible por parte del público. También me ha permitido conocer gente maravillosa y compañeros de profesión inolvidables, por lo que le estaré agradecido para siempre". Aunque no lo cumplió en totalidad, ya que dejó grabado un título sin estrenar, que verá la luz en 2014, Katherine of Alexandria, que rodó después de decir que se jubilaba.

Peter O'Toole iba para periodista, pero se convirtió en actor, oficio en el que desde luego llegó a lo más alto. Mucha culpa de ese estrellato tuvo David Lean en 1962, cuando siendo un desconocido le llamó para el papel principal (que habían rechazado gente del calibre de Marlon Brando o Albert Finney) de la superproducción Lawrence de Arabia, dentro de un reparto excelente en el que estaban Alec Guiness, Anthony Quinn, Omar Sharif, etc., 

A partir de ahí, el éxito con títulos como Lord Jim, Adiós Mr.Chips, Mi Año favorito, Becket, El León en invierno, La clase dirigente y Profesión: El especialista o Venus por todas ellas fue nominado al Óscar y nunca lo ganó, aunque la Academia de Hollywood le daría el premio honorífico a su carrera en 2003.

En su extensa filmografía, figuran títulos como La Biblia, El Hombre de la Mancha, Amanecer Zulú, Calígula, El último emperador o Troya. También apareció en series como Los Tudor.

Como homenaje os pongo el film Lawrence de Arabia. En el Cairo en 1917, durante la Gran Guerra (1914-1918), T.E.Lawrence (Peter O'Toole), un conflictivo y enigmático oficial británico, es enviado al desierto para participar en una campaña de apoyo a los árabes en Turquía. Él y su amigo Sherif Alí (Omar Sharif) pondrán en dicha misión toda su alma.

Los nativos adoran a Lawrence, porque ha demostrado sobradamente ser un amante del desierto y del pueblo árabe. En cambio, sus superiores británicos creen que se ha vuelto loco. A pesar de que los planes de Lawrence se ven coronados por el éxito, su sueño de una Arabia independiente fracasará.

  

Os dejo con el film, dónde Peter O'Toole está simplemente extraordinario, dentro de un elenco de actores maravilloso. Una película que recibió 7 Óscars en 1962, entre ellos mejor película, director, música y fotografía, menos el de actor principal.

 

Sweeney Tood: The Demon Barber of Fleet Street (2007)

 Cartel del film

En 2007 Tim Burton hizo el remake de este famoso musical de Broadway que narra la historia de Benjamin Barker "Sweeney Tood" a quien da vida Johnny Depp, un siniestro personaje que tiene una barbería en Londres y cuya navaja de afeitar apura más de lo debido... 

El barbero lleva una vida idílica junto a su mujer Lucy (Laura Michelle Kelly), y la hija de ambos, un bebé por entonces. Sin embargo, hay otro hombre interesado en la bella esposa de Barker, aunque sus intereses son bastante más turbios, el juez Turpin (Alan Rickman). Con tal de saciar su fijación, Turpin no duda en condenar al barbero por un delito que no ha cometido y envía a su fiel lacayo, el infame alguacil Bamford (Timothy Spall), a detenerle, quien ejerce su misión sin escatimar en brutalidad.

Quince años más tarde, Benjamin Barker regresa a Londres junto al marinero Anthony Hope (Jamie Campbell Bower) (de lo que se deduce que el barbero fue exiliado de su ciudad natal). Sin embargo, de aquel hombre feliz que se ganaba la vida honradamente queda bien poco. Barker vuelve como un hombre consumido por el odio y la sed de venganza. Cuando regresa a la calle Fleet, donde vivía antaño, se encuentra con la señora Nellie Lovett (Helena Bonham Carter), que le cuenta lo que ha sido de su esposa. La desgraciada Lucy, tras ser atraída a una trampa por el juez Turpin, es violada por éste. Destrozada, Lucy se suicida con arsénico. La hija de Barker, Johanna (Jayne Wisener), vive recluída en la mansión del juez como su pupila.

Tras conocer estos hechos, Benjamin Barker está más decidido que nunca a dejarse llevar por su odio y todo su ser clama venganza (A tiempos desesperados... medidas desesperadas). Desde ese momento, abandona su nombre real para convertirse en Sweeney Todd, el barbero diabólico de la calle Fleet. Ni que decir tiene que su nuevo amor será Nellie, y además su cómplice.

El sentido macabro del musical original atrapó por completo a Tim Burton, que decidió llevar a la pantalla contando con ello con sus actores fetiche favoritos, Johnny Deep y su mujer Helena Bonham Carter. La película es una jodida obra maestra, aunque al final acabes casi vomitando, debido a las fechorías que comete una y otra vez el barbero, al que definitivamente se le acaba por ir la cabeza al limbo, despachando con su cuchilla de afeitar a todo aquel que le lleve la contraria.

Si algo tuvo claro el director desde el principio, es que la película debía ser muy sangrienta, hasta límites surrealistas, convirtiéndolo en un espectáculo macabro y gótico, y desde luego así fue.

Os dejo con el tráiler de ésta gran película.

The Counselor (2013)

 Cartel del film

 

Ayer tuve la oportunidad de ver la nueva película de Ridley Scott, basada en el primer guión cinematográfico del noveslita Cormac McCarthy (La carretera, No es país para viejos). Lo primero que destaca es un poderoso reparto, y una historia que está contada de una manera un tanto peculiar, que teniendo sus momentos álgidos no acaba de explotar como debería. Película con diálogos brillantes, personajes muy vivos, y escenas trepidantes, pero bajo mi punto de vista hay algo que no termina de rematar en el film, sobre todo en el tramo final.

    Javier Bardem

La película nos presenta a 5 personajes que dominan la película y las relaciones entre ellos. Un abogado (Michael Fassbender), su novia Laura (Penélope Cruz), y un trío que tiene en marcha una operación de tráfico de drogas con un cártel, y en el que ha metido el cuello el abogado y se ha aliado con ellos: Reiner (Javier Bardem), su despampanante novia Malkina (Cameron Diaz) y Westray (Brad Pitt).

Una trama aparentemente sencilla, que podría tener cualquier thriller, pero el guionista estructura el film de manera atípica, de hecho cuando empieza la película la trama ya está en marcha, y todos los personajes están a la espera de lo que puede pasar, por lo que durante todo el metraje asistimos a las consecuencias de los actos de todos ellos.

Brad Pitt & Michael Fassbender

 

El problema del film es que puede ser fácilmente acusada de ser simplona, y de sorprender poco, pero realmente transgrede más allá y te da un punto de vista duro y cruel sobre el amor, la vida y la muerte, toda su injusticia y decepción que ella implica. No es la típica película dónde triunfan los buenos, porque más bien es todo lo contrario.

La actuación de Fassbender es excepcional, pero a su personaje es como si le faltara algo, Bardem está sublime, de hecho no paré de reír hasta que desaparece (y el film lo nota), Cameron Diaz haciendo de madurita muy mala está más que bien (lo que ha mejorado esta actriz), Penélope en un corto papel de intensidad breve, y Brad Pitt en un papel que le viene bordado y además es clave. Arropados por secundarios de lujo como Bruno Ganz, Rosie Pérez o Rubén Blades, también destaca la aparición del español Fernando Cayo.

Cameron Diaz & Penélope Cruz

 

El problema de la película es que sabes que algo gordo va a pasar, pero no te explica demasiado el porqué se va a producir eso, ni quien decide las situaciones, ni tiene un desarrollo final demasiado claro ni convincente.

Aún así, es un film con el que disfruté bastante hasta tres cuartos del mismo, para caer en un final algo simple y menos divertido.

Ni que decir tiene que el trabajo de Ridley Scott es muy bueno y certero, acompañado de una excelente dirección de fotografía y de su maestría a los mandos.

 

Os dejo con el tráiler de la película.

 

When we were kings (1996)

   Cartel del film

 

When we were kings es un documental estadounidense, dirigido por Leon Gast en 1996. La cinta se centra en el evento deportivo "Rumble in the jungle", que comprendía la pelea del peso pesado entre los boxeadores Muhammad Alí (el boxeador más grande de todos los tiempos que buscaba revivir deportivamente) y George Foreman (campeón en título en aquel momento). La pelea tuvo lugar el 30 de octubre de 1974 en Zaire (actual República del Congo). Es el retrato de la época en EEUU, la resaca del Watergate, la dimisión de Nixon y el activismo negro.

La película fue galardonada con un Óscar al mejor documental largo.

   Muhammad Alí en Zaire

 

La película narra los preparativos y acontecimientos previos en los días a la celebración del histórico combate entre ambos boxeadores, una pelea que nació el día en que Don King, el pintoresco personaje que tan pronto se declaraba partidario de Hugo Chávez, como perdía el culo por estrechar la mano del Papa de turno, ofreció 5 millones de dólares a cada uno de los contendientes. Los dos aceptaron y King buscó la financiación en el dictador zaireño Mobutu Sese Seko, quien no dudó en organizar un verdadero festival popular en la capital, Kinshasa, que llamaría la atención de todo el mundo, rodeado todo ellos de figuras negras de la música como B.B.King y James Brown.

  James Brown y Alí

 

 

La película retrata aquellos días desde una perspectiva no deportiva sólo, sino sobre todo desde el punto de vista social, histórico, popular y político del momento. El documental cuenta con valiosas aportaciones como la de Norman Mailer, Spike Lee (mentor e introductor en la religión musulmana de Clay) además de recoger imágenes con material de un valor incalculable, y el testimonio de unos acontecimientos que sirvieron para poner a la cultura afroamericana en su lugar en el mundo.

El film muestra a un Alí, verdadero protagonista, espontáneo, presuntuoso y provocador si se quiere, pero sincero y orgulloso de su fe en Alá. Los fragmentos de algunas de sus intervenciones tienen el sabor de lo auténtico.

La presencia de Don King en la película no tiene desperdicio, habida cuenta de su increíble y fantasmagórica forma de ser. 

 

   Cartel del combate

 

 

Como Spike Lee comenta en el documental "Muhamad Alí era un raro especímen, era guapo, atlético, el más fuerte, el más rápido, carismático", era único e intransferible. Su boxeo era elegante, impredecible con un juego de piernas único, unos puños muy veloces y dañinos para su peso, en definitiva se movía como un peso pluma, pero con 100 Kg en la báscula. Además su cara casi no se hinchaba en el ring, cosa reservada a los genios.

Socialmente era igual de admirable, Alí aún jugándose su carrera deportiva por sus ideales, nunca renunció a ellos. Un genio de los discursos y la verborrea, un personaje de película que con éste film tuvo su justa recompensa.

Alí venía de un castigo y marginamiento de 3 años y medio por su país, por no haber ido a Vietnam, y con un físico menor con el que fusiló a Liston, sorprendió a todos delante de Foreman que era una bestia y cuyos rivales no les aguantaban ni dos asaltos.

Alí ganó por inteligencia, algo en lo que también era un fenómeno. Además había puesto a todo el país de su parte, hablando con la gente en la calle, adulaba a los zaireños con la palabra.

 

 

Disfrutad de éste magnífico documental que va mucho más allá de un sólo combate de boxeo, aunque es evidente que si te gusta este deporte te gustará todavía más.

 

 

Allan Stewart Könisgsberg cumple hoy 78 años.

 

Hoy cumple 78 años Woody Allen, nacido en Brooklyn, Nueva York. Director, guionista, actor, músico y escritor que ha ganado el Óscar en cuatro ocasiones, nueve Bafta y dos Globos de Oro, que se dice pronto.

Quizás puede que sea uno de los directores más respetados, influyentes y prolíficos de la era moderna (es un clásico que cada año presente una nueva película en el festival de Venecia), rodando una película al año desde 1969.

Sus influencias abarcan a directores europeos como Ingmar Bergman o Federico Felini, hasta comediantes como Groucho Marx o Bob Hope.

 

Quiero recordar hoy algunas frases del genio.

1.“El hombre consta de mente y cuerpo, pero el cuerpo es el único que se divierte”. (“La última noche de Boris Grushenko”, 1975. Comedia de contexto histórico realizada, escrita y protagonizada por Woody Allen).

 

 

2.“Mi psicoanalista me advirtió que no saliera contigo, pero eras tan guapa que cambié de psicoanalista”. (Manhattan, 1979. Película dirigida y protagonizada por Woody Allen. Considerada un clásico en la historia del cine. Obtuvo dos nominaciones a los Óscar).

 

3.“Por alguna razón me aprecian más en Francia que aquí. Los subtítulos deben de ser realmente buenos”. (“Un final made in Hollywood”, 2002. Cinta en la que Woody Allen muestra su lado más crítico respecto a la propia industria del cine).

 

 

4.“No es que tenga miedo a morirme, es tan solo que no quiero estar allí cuando suceda”. (“Cuentos sin plumas”. Edición española de la recopilación de relatos de Woody Allen, escritos por el artista entre 1975 y 1980).

 

 

5.“Le quiero como a un hermano: como Caín a Abel”. (“Delitos y faltas”, 1989. Película que mezcla la comedia y el drama en un guión que gira alrededor de un asesinato. Dirigida, escrita y protagonizada por Woody Allen).

 

 

6.“Lo mejor que te pueden decir en la vida no es “te quiero” sino “es benigno”. (“Desmontando a Harry”, 1997. Es una de las películas más agresivas de Woody Allen. Dirigida, escrita y protagonizada por el afamado artista).

 

Os dejo con el extracto de una entrevista que le hicieron en 1970 en un programa de televisión británico, en la que está brutal.

 

Ha muerto Paul Walker.

 

 

El actor Paul Walker falleció ayer a los 40 años de edad en un accidente de tráfico en Valencia (California). El escueto comunicado de prensa de sus publicistas desde la página oficial del intéprete en Facebook, decía esto:

 

"Lamentamos confirmar que Paul murió hoy en un trágico accidente de coche durante un evento benéfico para su organización Reach Out Worldwide". "Era el pasajero en el coche de un amigo, en el que ambos perdieron la vida", añadieron.

 

Es curioso, que el actor que se hizo famoso por su participación en la saga Fast and Furious, haya muerto en un accidente de coche y encima cuando iba de copiloto. Como casi todos/as sabréis la película traducida aquí como "A todo gas", una película de chicas guapas y coches rápidos además del tunning, dirigida en principio al público juvenil. Ese film hizo que Vin Diesel y Paul Walker saltaran a la fama, cuando no eran nada conocidos.

 

Como recuerdo al actor pongo una escena de Fast and furious del año 2001, cuando se pican en la carretera con el conductor de otro coche.

 

Pipas (2013)

 

 

Manuela Moreno dirige este curioso corto que sólo tiene una cámara frontal y dos protagonistas femeninas que hablan de sus temas comiendo pipas. Este cortometraje de escasos tres minutos de duración es genial en su concepción, ya que con una sóla cámara te cuenta una historia y mínimos recursos, dos actrices.

Las dos amigas que están hablando en un parque se cuentan cosas, intimidades, entre ellas la de una de ellas que piensa que su novio se la está pegando con otra... una tal Pi... palabra que suelta después de hacer el acto, siendo la excusa del novio que ese es un número que indica que la quiere infinito...

 

Disfrutar de éste pequeño gran corto.

 

El hombre que no podía llorar (2012)

 

 

 

 

 

El hombre que no podía llorar es un cortometraje dirigido por Alberto Gallego Ortíz en elaño 2012 y que fue finalista en el festival Notodofilmfest. Se trata de un melodrama cómico de 3 minutos y medio dónde el protagonista, Fernando, tiene un problema y es un tumor en la cabeza que cada vez debe llorar, le hace reir. Eso provocará problemas en su relación de pareja, que no aguantará esa situación.

 

 

 

 

 

 

 

Os dejo con éste corto realmente impactante, que en el fondo esconde un problema y una situación que desgraciadamente es ya casi habitual, la de que mucha gente padezca cualquier tipo de tumor.

 

 

Modern times (1936)

Cartel del film

En 1936, Charles Chaplin dirige y protagoniza Tiempos modernos, una extraordinaria película, que sigue vigente a día de hoy del cine norteamericano de los años 30. Chaplin vió que la crisis no era más que una excusa para una mayor explotación del capitalismo, como ahora mismo podemos comprobar a día de hoy, para un mayor sometimiento y eliminación de los derechos sociales y de los avances laborales. Aquí la película refleja la situación de La Gran Depresión, dónde hubo una crisis descomunal.

Pero hay dos planos iniciales en ésta película muy esplícitos, el primero es un rebaño de ovejas, desfilando por un plano en picado, para a continuación convertirse dichas ovejas en personas vestidas con sombrero que se dirigen a una fábrica a fichar y trabajar. El interior de la fábrica nos muestra una cadena de montaje, ese sistema instaurado por el empresario modelo de aquellos tiempos, osea, Henry Ford. Es decir, da a entender que ese empresario ha conseguido tener al trabajador como un esclavo, con tiempos justitos para almuerzo, u ocio, y sometido a una dinámica que le convierte en una máquina, quedándose el trabajador con escasa respuesta.

Más adelante hay una secuencia en la que el trabajador está paseando por la calle en una zona obrera dónde abundan la pobreza y el hacinamiento. Le han despedido de la fábrica y de repente pasa un camión y se le cae una bandera roja que indica la carga que sobresale, el hombre la coge y empieza a ondearla para avisar al conductor del camión, lo que provoca que involuntariamente se ponga al frente de una manifestación de trabajadores y tomado por líder sindical de la protesta, así que sufre la carga policial y es llevado a la cárcel.

La verdadera historia de la película no es la conquista de una chica, sino la búsqueda de trabajo. El vagabundo y la chica quieren pertenecer a la clase media, tener una casa y montar un jardín con árboles frutales.

Disfrutad de éste gran film con un trasfondo de crítica social.

The Candidate (1972)

Cartel del film

 

Michael Ritchie dirige este drama político en 1972, en el que Robert Redford encarna a Bill McKay, un senador de California descarado y altivo que se toma la carrera para llegar a la Casa Blanca como un mero pasatiempo: sabe que su forma de ser no encaja con los cánones establecidos, pero quiere experimentar qué ocurrirá si se comporta de forma políticamente incorrecta frente a millones de estadounidenses.

 

Robert Redford

 

Tremendo el tratamiento de la trastienda de las campañas electorales y la lucha por el poder y como ésta lucha termina barriendo los principios y valores de los que persiguen este poder. Como escribiera George Orwell " El lenguaje político está diseñado para que las mentiras parezcan verdades, el asesinato una acción respetable y para dar al viento apariencia de solidez." Por eso no hay que dejarse arrastrar por los discursos, las proclamas y hacer un esfuerzo constante para descubrir la verdad detrás de las palabras . Tenemos que contemplar la política como una función de magia, donde el político es el mago que usa sus trucos para convencernos de que lo que estamos viendo es real cuando no es más que una ilusión...

 

Disfrutad de ésta película que consiguió el Óscar al mejor guión.

 

El fantasma de Oswald (2007)

J.F.Kennedy

 

 

 

 

Hoy se cumplen 50 años del asesinato de John Fitzgerald Kennedy, trigésimo quinto presidente de los Estados Unidos de América. Elegido en 1960, Kennedy se convirtió en el segundo presidente más joven de su país, después de Theodore Rooselvet. Ejerció de presidente desde el 20 de enero de 1961 hasta su asesinato el 22 de noviembre de 1963. Durante su gobierno tuvo lugar la invasión de la Bahía de Cochinos, la Crisis de los misiles de Cuba, la construcción del Muro de Berlín, el inicio de la carrera espacial y la consolidación de los Derechos Civiles en su país, así como lo que fue el inicio de los eventos previos a la Guerra de Vietnam.

 

 

 

 

                                             Escena en Dallas justo antes de los disparos

 

 

El cineasta Robert Stone se ha mostrado crítico con la versión oficial y en el documental "El fantasma de Oswald" destaca que este asesinato transformó la cultura americana.

El fantasma de Oswald, dirigida por Robert Stone, de 80 minutos de duración, desmonta el asesinato del Presidente John Fitzgerald Kennedy, desvelando cómo este acontecimiento transformó para siempre el rostro de la cultura norteamericana. Sirviéndose de abundante material de archivo, en buena medida inédito.

La cara oculta de los Kennedy nos acerca al clan familiar y a la figura de un presidente de Estados Unidos que además de tomar importantes decisiones de Estado, también mantuvo sonados romances como el de Judith Campbell, quien también fue amante de un famoso cabecilla de la mafia.

Stone traza la historia de la obsesión que durante cuarenta y cinco años ha vivido el pueblo norteamericano, y subraya un paralelismo con los sucesos del 11 de septiembre de 2001 y sus consecuencias.

 

 

Lee Harvey Oswald

 

 

 

 

El realizador Robert Stone entrevista a personalidades relevantes del periodismo como Dan Arder o la senadora Hart y nos muestra los hechos que sucedieron en noviembre de 1963, la inmediata detención de Oswald en un cine, su asesinato ante las cámaras mientras era escoltado por los agentes y la instantánea detención de su asesino Jack Ruby, un empresario de un garito de streptease, lo que impidió que Oswald fuera juzgado.

 

Os dejo con éste muy interesante documental, con una visión diferente de todo lo que pasó.

 

 

Captain Phillips (2013)

Cartel del film

 

Capitán Phillips es una película basada en hechos reales, eso para empezar. Éste thriller de acción está protagonizado por Tom Hanks y dirigido por Paul Greengrass (United 93, El Ultimátum de Bourne) con guión de Bill Ray. En el film el actor, que vuelve por sus fueros, da vida al capitán de la marina mercante estadounidense, Richard Phillips, quien a mando del carguero "Maersk Alabama" fue retenido en 2009 por piratas somalíes, primer barco norteamericano secuestrado en 200 años.

La interpretación de Hanks en Capitán Phillips es sobresaliente por la manera en que hace suyo el personaje. Todo el bagaje y la experiencia de Hanks, se materializa con maestría en una asunción más que instantánea del rol de capitán de la marina mercante. El actor se hace creíble en todo momento con sus actos, presencia y gestos. Además su brillantez radica en el aumento de intensidad que le va confinando en una situación caustrofóbica total.

 

 

    Piratas somalíes

 

 

Pero vayamos por partes, la película describe el secuestro del mercante, pero todo se complica cuando el Capitán Phillips es metido por los piratas en el bote, lo que convierte el resto del film es una olla a presión y un infierno camboyano. Gracias al halo de Tom Hanks, que logra que cualquier hombre común supere cualquier adversidad, hace que conectes rápidamente con su personaje, que desde el primer momento sabe que va a un trabajo con muchos riesgos, por los problemas que ya había en esa época por la zona del cuerno de África.

Eso provoca ciertas discusiones con la tripulación, pero todos deciden ir a una juntos y tratar de deshacerse de los piratas.

Tom Hanks y piratas

 

 

En el tratamiento de los secuestradores, no hay maniqueísmo, cosa que se agradece. En la banda de los piratas, cada uno es una historia, un espectro de personalidades que van desde buenos, regulares, malos, a muy malos. Van a por el dinero, y mastican el khat (planta narcótica que no dejan de masticar) y forman un grupo liderado por Muse (Barkhad Abdi), un tipo que esconde dentro de si mucho, que no sabemos nunca lo que está pensando o que va a hacer en cada momento. Todo eso unido a su potente rostro, como el de sus compañeros secuestradores, da como resultado unos villanos peculiares que no es que den pena, sino más bien que generan más preguntas, por el origen de ese viaje de piratería que decidieron emprender.

 

 

Extraordinario film, en el que una vez metido a saco en la historia no paras de sufrir junto al protagonista hasta el durísimo final, dónde Hanks refleja la sensación de vivir, la de que todo está perdido y mete al espectador tan a fondo en su situación desesperada, que pareces visor de primera mano, gracias a un Greengrass que lo borda un trabajo fuera de serie.

 

Os dejo con el tráiler de esta muy recomendable película.

 

Hay dos clases de personas (2013)

 

 

 

 

Soren Kierkegaad decía:

Hay dos clases de personas: las que viven dormidas y las que están despiertas; las que no se plantean nada y las que no paran de hacerse preguntas; los cómodos conformistas y los incansables buscadores; los pasotas pasivos y los angustiados activistas; los creyentes y los creativos; las ovejas blancas y las negras; los explotados y los explotadores; los que se dejan comprar y los que no están en venta; los estúpidos cortos de mente y los listos que se las saben todas; los pragmáticos y los románticos; los que viven distraídos y los que están pendientes del trabajo; los realistas y los utopistas; los ingenuos y los cínicos; los que llevan corbata y los hippies; los gregarios y los individualistas; los urbanitas y los rústicos; los fanáticos y los me importa un bledo; los violentos y los pacifistas; los adaptados y los outsiders; los que lo tienen todo muy claro y los que a menudo se contradicen…

No, no hay dos clases de personas. 

Bajo la premisa de una historia de amor que se va torciendo, Eva Moreno y Juanca Vellido, nos presentan éste cortometraje, que protagonizan la guapísima Manuela Vallés y Miguel Ángel Muñoz. El corto nos muestra que podemos comportarnos de una determinada manera, y en otras circunstancias, actuar de un modo totalmente opuesto. Que no existen categorías fijas de personas, y que el etiquetado marca a las personas por las connotaciones (normalmente negativas) que llevan asociadas.

Al final en realidad, cada persona puede ser muchas a la vez, muchas máscaras o personalidades dentro de una misma, como si fuesen varias caras de la misma persona. Pero lo más importante no es llegar a comprender quienes somos de verdad, sino jugar a ser todo lo que podemos ver, y experimentar sin miedo a las infinitas posibilidades que nos ofrece la vida.

 

Disfrutad de este buen corto.

 

Escenas míticas del cine (XVIII)

En 1984, Milos Forman dirige Amadeus, una película en la que se supone se habla sobre la vida de Wolfgang Amadeus Mozart, y su rivalidad con Antonio Salieri (recurso literario, trasladado al guión cinematográfico, sin fundamento histórico).

La película cuenta la vida de Mozart narrada por su rival, Salieri (F.Murray Abraham), que ya anciano al principio del film intenta suicidarse mientras grita que él fue quien asesinó a Mozart. Salieri se convirtió en maestro de cámara del Emperador José II de Habsburgo (Jeffrey Jones), pero todo se le torció hasta que llegó él, Mozart (Tom Hulce), un hombre infantil, sin modales, atontado y soñador, pero eso sí, un genio para la música, dotado de habilidades increíbles, como él mismo dijo "la encarnación musical de Dios".

Os dejo con la mítica escena en la que Mozart deja a Salieri por los suelos, cuando ridiculiza delante del emperador una pieza del maestro de cámara... gloriosa escena.

The Great Dictator (1940)

   Cartel del film

El gran dictador es una película escrita, dirigida y protagonizada por Charles Chaplin en 1940. Era el único cineasta en Hollywood que seguía realizando películas mudas cuando el sonido ya estaba plenamente implantado en el cine, siendo ésta su primera película sonora y curiosamente la de mayor éxito. En el momento de su estreno, Estados Unidos no estaba en guerra todavía con la Alemania Nazi, pero la película ya demostraba una feroz y controvertida condena al nazismo, el fascismo y el antisemitismo, pero realmente lo era a las dictaduras en general.

Un humilde barbero judío tiene un parecido asombroso con el dictador de Tomania, un tirano que culpa a los judíos de la crítica situación que atraviesa el país. Un día, sus propios guardias lo confunden con el barbero y lo llevan a un campo de concentración. Al mismo tiempo, al pobre barbero lo confunden con el tirano. Chaplin interpreta ambos papeles, el del dictador Adenoid Hynkel (clara parodia de Adolf Hitler) y el barbero judío que guarda similitudes con el personaje del vagabundo de Charlot, aunque no hay referencias explícitas del mismo, se considera que en éste film está la última aparición de Charlot.

Hynkel, el dictador de Tomania, es presentado como un hombre egoísta, infantil, inseguro, incapaz de tomar decisiones de ninguna clase y todavía menos de gobernar un país, la bola del mundo con la que juega en una de las escenas más memorables del film, que acaba explotando, física y simbólicamente, en sus manos. Pero Hitler no es el único personaje de carne y hueso que inspiró a Chaplin, el dictador de Bacteria, Benzino Napoloni (Jack Oakie), está inspirado en el dictador fascista italiano Benito Mussolini. Garbitsch (del inglés garbage=basura), interpretado por Henry Daniell, secretario del interior y ministro de propaganda de Hynkel, está inspirado en Joseph Paul Goebbels (1897-1945), ministro de educación popular y propaganda del gobierno nazi, y el Mariscal Herring (Billy Gilbert) evoca al Mariscal Hermann Wilhelm Göring (1893-1946), responsable de las fuerzas aéreas y uno de los máximos dirigentes de la Gestapo, los servicios secretos alemanes. La cruz gamada de los nazis, al mismo tiempo, aparece transformada en una doble cruz aprovechando un juego de palabras anglosajón que implica la idea de estafar.

Una, sin duda, de las obras maestras del cine, una película atemporal, y que describe muchas de las miserias de la raza humana, las dictaduras como un cáncer absoluto y totalmente realista y visionaria a la vez.

Os dejo con la última escena de la película con el discurso final.

College (1927)

Cartel del film

 

En 1927 James W. Horne dirige a Buster Keaton y un gran elenco de actores en El Colegial, película muda de gran nivel.

Ronald (Buster Keaton) es el estudiante más brillante del instituto que antepone el intelecto a la fuerza muscular de los deportistas y en la fiesta de fin de curso, y tras su graduación, pronuncia un discurso sobre la nefasta influencia del deporte sobre los estudios. El tema resulta tan impopular que hasta Mary Haynes, la chica de sus sueños, le rechaza hasta que cambie de parecer. Para pagarse los estudios en la universidad, Ronald trabaja como barman, evidenciando de inmediato su torpeza en los juegos malabares con los vasos. Más adelante obtendrá un empleo como camarero "negro" en un restaurante, aunque al ser descubierto su disfraz, es despedido.

 

 

 

Al mismo tiempo, y decidido a conquistar el amor de Mary (Anne Cornwall), que es ahora cortejada por el atlético Jeff (Harold Goodwin), Ronald se apunta primero en el equipo de béisbol y, luego, en el de atletismo (salto de longitud, carrera, pértiga, jabalina, peso, etc...) pero su concurso en cada uno de ellos resulta un desastre, Ronald es un negado para cualquier deporte.

Citado por el decano Edwards, que había puesto en Ronald sus esperanzas de que la universidad vuelva a ser una fuente de saber, le refiere el motivo de su bajo rendimiento académico, y el decano, dispuesto a ayudarle, le ofrece el puesto de timonel del equipo de remo, en contra de la opinión de todos sus componentes.

 

 

El entrenador decide librarse de él poniéndole algo en la bebida, aunque es su timonel el que acaba dormido. Durante la carrera Ronald rompe el timón de la embarcación, aunque, tras atárselo a la espalda, logra llevar al equipo a la victoria. Al acabar la regata recibe una llamada

telefónica de su amada pidiéndole ayuda, pues el rival en amores de Ronald, otro estudiante que ha sido expulsado, se ha encerrado con la chica en la habitación de ésta, con la pretensión de que les pillen y también ella sea expulsada. Ronald corre al socorro de su amada, sorteando para ello todo tipo de obstáculos, a modo de improvisado decathlón, donde demuestra que el entrenamiento sirvió para algo, curiosamente.

Finalmente, en apenas unos segundos de metraje, Ronald y su chica se casan, tienen hijos, envejecen y son enterrados en tumbas adyacentes.

 

Extraordinaria película, con escenas inolvidables, en uno de los mejores momentos de éste enorme actor y cómico al que venero. Fue en esta época cuando modeló su personaje, un joven tragicómico, que se enfrenta a las desgracias con una absoluta inexpresividad, que hizo que le bautizaran como Stone face (cara de piedra, en España fue conocido como Cara de Palo). Para darle expresión a su personaje, utilizaba las acrobacias, para las que se negaba a usar dobles o especialistas, como en ésta y en otras películas.

 

Disfrutad de éste gran film.