Escenas míticas del cine (CCXCI)

Como decía ayer, en 1971 el australiano James Clavell, procedente de la literatura, dirigió un film titulado El último valle, ambientada durante la Guerra de los 30 años (1618-1648), concretamente en 1641. Durante uno de sus viajes, Vogel, al que da vida Omar Shariff, y que era un antiguo profesor, llega a un apacible pueblo ubicado en un precioso valle y que ha tenido la suerte de no ser afectado por la guerra, que si asola los alrededores. A la vez, un ejército de mercenarios comandados por El Capitán (Michael Caine) también lo descubre y aceptan la oferta de Vogel de quedarse a pasar el invierno a cambio de proteger al pueblo, aunque la idea inicial de los mercenarios era saquear el pueblo, como hacían habitualmente cuando necesitaban provisiones. Cerrado el pacto, los mercenarios aceptan respetar la vida de los habitantes muy católicos del pueblo y sus costumbres, y a cambio ellos tendrán comida y mujeres con los que saciar su virilidad. Pero con el paso del tiempo el estilo de vida de los mercenarios choca con el estilo de vida de los habitantes del pueblo, apareciendo entonces la violencia.

La película nos muestra esas complejas relaciones entre los habitantes del valle y los recién llegados, de vidas completamente opuestas y cuyos valores por los que se mueven, también lo son. Cierta reminiscencia a Los siete samurais de Akira Kurosawa la hay, es evidente, un referente siempre.

El Capitán (nunca se dice su nombre a lo largo del film) es un profesional de la guerra, descreído y alejado de idealismos, y como es lógico sin sentimientos a la hora de matar a todo aquel que se interponga en su camino o amenace su autoridad, es su manera de subsistir. En el desarrollo del film, va evolucionando y muestra cierta humanidad. En cambio Vogel, es un intelectual, no un hombre de acción, pero también es un superviviente a su manera. Fue profesor universitario, es inteligente y reflexivo, y a pesar de haber sufrido en carne propia los horrores de la guerra y haber visto morir a toda su familia, es una persona sensible que defiende valores humanistas y racionales. Grüber (Nigel Davenport) es el representante de los habitantes del pueblo, y el que habla con los soldados en nombre de todos, ya que sus vecinos le consideran el más preparado.

Clavell no necesita mucho más para repasar punto por punto todos los aspectos de una sociedad aún medieval, sus miedos, creencias, supersticiones y motivaciones.

En otra escena brutal, Vogel ha estado enfermo y es atendido por Erica (Florinda Bolkan) a la que dio permiso Grüber, pero el padre Sebastian arremete contra Vogel diciendo que puede ser de cualquier religión que no sea la cristiana, a lo que El Capitán le dice que en su grupo de mercenarios están todos esos y también los hay católicos...

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCXC)

En 1971 el australiano James Clavell, procedente de la literatura, dirigió un film titulado El último valle, ambientada durante la Guerra de los 30 años (1618-1648), concretamente en 1641. Durante uno de sus viajes, Vogel, al que da vida Omar Shariff, y que era un antiguo profesor, llega a un apacible pueblo ubicado en un precioso valle y que ha tenido la suerte de no ser afectado por la guerra, que si asola los alrededores. A la vez, un ejército de mercenarios comandados por El Capitán (Michael Caine) también lo descubre y aceptan la oferta de Vogel de quedarse a pasar el invierno a cambio de proteger al pueblo, aunque la idea inicial de los mercenarios era saquear el pueblo, como hacían habitualmente cuando necesitaban provisiones. Cerrado el pacto, los mercenarios aceptan respetar la vida de los habitantes muy católicos del pueblo y sus costumbres, y a cambio ellos tendrán comida y mujeres con los que saciar su virilidad. Pero con el paso del tiempo el estilo de vida de los mercenarios choca con el estilo de vida de los habitantes del pueblo, apareciendo entonces la violencia.

La película nos muestra esas complejas relaciones entre los habitantes del valle y los recién llegados, de vidas completamente opuestas y cuyos valores por los que se mueven, también lo son. Cierta reminiscencia a Los siete samurais de Akira Kurosawa la hay, es evidente, un referente siempre.

El Capitán (nunca se dice su nombre a lo largo del film) es un profesional de la guerra, descreído y alejado de idealismos, y como es lógico sin sentimientos a la hora de matar a todo aquel que se interponga en su camino o amenace su autoridad, es su manera de subsistir. En el desarrollo del film, va evolucionando y muestra cierta humanidad. En cambio Vogel, es un intelectual, no un hombre de acción, pero también es un superviviente a su manera. Fue profesor universitario, es inteligente y reflexivo, y a pesar de haber sufrido en carne propia los horrores de la guerra y haber visto morir a toda su familia, es una persona sensible que defiende valores humanistas y racionales. Grüber (Nigel Davenport) es el representante de los habitantes del pueblo, y el que habla con los soldados en nombre de todos, ya que sus vecinos le consideran el más preparado.

En una escena mítica se produce una conversación entre El Capitán y Grüber, estando Vogel también presente, y en dicha charla El Capitán decide cambiar de bando, a lo que el Padre Sebastian (Per Oscarsson) del pueblo protesta, mientras él le responde que la Guerra la hacen gente fanática e hipócrita y que ninguna es justa, a lo que el padre contesta que los hombres son todos pecadores y que irán todos al infierno, a lo que El Capitán le rebate diciendo que no hay cielo ni infierno... brutal.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas de películas (CXLVII)

Como decía ayer, en 1963 Luchino Visconti adapta la inmortal novela de Giuseppe Tomasi di Lampedusa, El Gatopardo quizás la mejor adaptación de un libro al séptimo arte. Ambientada en el Siglo XIX, es la época de la unificación de Italia en torno al Piamonte, cuyo artífice fue Cavour. La acción se desarrolla en Palermo y el protagonista principal es Don Fabrizio, Príncipe de Salina al que da vida un magnífico Burt Lancaster, y su familia, cuya vida se ve alterada tras la invasión de las tropas de Garibaldi de Sicilia en 1860. Todos correrán a refugiarse en la casa de campo que tiene la familia del Príncipe en Donnafugatta. Hasta allí se desplazan, además de la mujer del Príncipe y sus tres hijos, el joven Tancredi (Alain Delon), sobrino predilecto de Don Fabrizio y simpatizante del movimiento liberal de unificación. 

Con una magistral dirección y una puesta en escena de fuertes influencias pictóricas, la película se sustenta en un guión adaptado rico en detalles y matices de Suso Checci D'Amico y ENrico Medioli, al que Visconti viste con las mejores galas, mientras la fotografía de Giuseppe Rotunno es extraordinaria, el vestuario es magistral por Piero Tosi y la música de Nino Rota es maravillosa, recuperando para la ocasión una sinfonía suya inacabada y un vals inédito de Verdi.

Os dejo con el Main title de dicha banda sonora gloriosa.

Escenas míticas del cine (CCLXXXIX)

En 1963 Luchino Visconti adapta la inmortal novela de Giuseppe Tomasi di Lampedusa, El Gatopardo quizás la mejor adaptación de un libro al séptimo arte. Ambientada en el Siglo XIX, es la época de la unificación de Italia en torno al Piamonte, cuyo artífice fue Cavour. La acción se desarrolla en Palermo y el protagonista principal es Don Fabrizio, Príncipe de Salina al que da vida un magnífico Burt Lancaster, y su familia, cuya vida se ve alterada tras la invasión de las tropas de Garibaldi de Sicilia en 1860. Todos correrán a refugiarse en la casa de campo que tiene la familia del Príncipe en Donnafugatta. Hasta allí se desplazan, además de la mujer del Príncipe y sus tres hijos, el joven Tancredi (Alain Delon), sobrino predilecto de Don Fabrizio y simpatizante del movimiento liberal de unificación. 

Con una magistral dirección y una puesta en escena de fuertes influencias pictóricas, la película se sustenta en un guión adaptado rico en detalles y matices de Suso Checci D'Amico y ENrico Medioli, al que Visconti viste con las mejores galas, mientras la fotografía de Giuseppe Rotunno es extraordinaria, el vestuario es magistral por Piero Tosi y la música de Nino Rota es maravillosa, recuperando para la ocasión una sinfonía suya inacabada y un vals inédito de Verdi.

En la escena mítica del baile sucede una muy interesante conversación entre Don Fabrizio y Angelica (Claudia Cardinale), portentosa secuencia de insuperable diseño y la excelente música que incluye ese "Vals brillante" de Verdi.

Os dejo con la mítica escena.

Boston Strangler (2023)

Matt Ruskin dirige El Estrangulador de Boston, la historia del asesino en serie de los años 60 que tuvo en jaque a la policía de esa ciudad, pero desde el punto de vista de dos periodistas del Record American, Loretta McLaughin a la que da vida Keira Knightley, y Jean Cole a la que interpreta Carrie Coon. Fue Loretta, la que en sus horas fuera de su trabajo normal, empezó a investigar con el consentimiento de su jefe del periódico, que varias víctimas, todas mujeres, registraban una misma tendencia, eran ahorcadas y poniéndole el mote del Estrangulador de Boston. Jack MaClaine (Chris Cooper), director del periódico, decide que Loretta tenga la ayuda de una protegida suya en la oficina para ayudarla, y así Jean y Loretta llevaron juntas una difícil investigación con poca colaboración policial, para tratar de dar con el culpable de esas muertes.

En cuanto al desarrollo de su investigación, había un aparente claro culpable, Albert Desalvo (David Dastmalchian), pero los acontecimientos les llevarán a descubrir, que no sólo era él el implicado y que había más actores que coincidieron en la cárcel e idearon un plan para hacerse ricos con la historia. En este aspecto, viendo el film me recordó en muchos momentos a Zodiac, en la manera de llevar la investigación por gente que no son detectives profesionales y que acaban recopilando una importante información a la vez que descubren una deficiente labor policial, y sobre todo en el asunto de que al dedicarles tanto tiempo a la investigación, esto acabó afectando a sus vidas y provocando el divorcio finalmente en sus relaciones sentimentales, al igual que pasaba con el protagonista de Zodiac.

Pero es evidente que el director ha querido resaltar la labor incansable de estas dos mujeres, en unos tiempos donde no les era nada sencillo destacar.

Os dejo con el tráiler del film.

Bandas sonoras míticas de películas (CXLVI)

En 1994 Frank Darabont dirige Cadena Perpetua adaptando un relato corto de Stephen King, una de mis películas favoritas de siempre, con dos colosos de la interpretación como Tim Robbins interpretando a Andy Dufresne, y Morgan Freeman en el papel de Ellis Boyd 'Red' Redding. Andy es acusado del asesinato de su mujer injustamente, es condenado a cadena perpetua y enviado a la cárcel de Shawshank. Con el paso de los años, y gracias a su inteligencia, se gana la confianza del Alcaide Norton (Bob Gunton) y el respeto de sus compañeros de prisión, especialmente de Red, jefe de las pequeñas mafias de los sobornos en el talego. Gracias a todos los amaños de dinero con Hacienda que Andy hacía al alcaide, era muy bien tratado por todos los agentes de la prisión, también por el Capitán Hadley (Clancy Brown). 

La banda sonora corrió a cargo de Thomas Newman, una extraordinaria música que encajaba a la perfección con todo lo expuesto en el film.

Os dejo con el tema Shawshank prison (Stoic Theme).

Escenas míticas del cine (CCLXXXVIII)

En el año 2003 Tim McCanlies dirige El secreto de los McCann, donde Walter (Haley Joel Osment, el niño del Sexto Sentido), tiene 14 años y es enviado por su frívola madre a la granja de sus tíos, Hub (Robert Duvall) y Garth McCann (Michael Caine) en una finca perdida de Texas. A Walter no le hace ninguna gracia ni ilusión tener que pasar el verano con ellos, ya que se dice y comenta que están medio locos, pero en verdad son dos viejos hermanos cascarrabias de los cuales se cuentan muchas leyendas, entre ellas que en su juventud fueron atracadores de bancos, asesinos a sueldo o criminales de guerra. Pero su madre tiene una misión para él, que es descubrir donde esconden un botín que robaron cuando eran ladrones. A los dos viejos tampoco les hace gracia acoger a Walter, pero el tiempo irá poco a poco haciendo crecer la amistad, y lo que a Walter le parecía al principio un rechazo por parte de ambos, no tarda en ver el lado bueno de sus tíos, y a empaparse de unas experiencias que le valdrán mucho para su futuro adulto.

En una escena mítica, Hub y Garth están con Walter en un bar comiendo, mientras entran unos jóvenes que vienen en plan malote y chuleta, uno se acerca a Hub y le intenta preguntar qué come y quitarle algo de la comida, pero Hub se lo impide, le suelta una charla y le coge del cuello, la soflama es impresionante.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCLXXXVII)

Como he dicho alguna vez, James Cameron hace el guión (junto a Gale Anne Hurd) y dirige The Terminator en 1984, un film donde el eje principal es el conflicto entre la humanidad y la tecnología que en un futuro acabará dominando el mundo. El cineasta, rodea el núcleo de la película con dos factores que serán constantes casi siempre en su filmografía, es decir, una protagonista de fuerte carácter y una sub-trama amorosa de gran incidencia en el transcurso del relato. En esa fortaleza de los personajes de Sarah Connor (Linda Hamilton) y Kyle Reese (Michael Biehn) se basa y sustenta la grandeza de la producción y todo lo que su relación provocará dentro de la historia de la mitología del universo Terminator.

Es el año 2029 y las máquinas dominan el mundo mientras los rebeldes luchan contra ellas con un líder que es John Connor, un hombre nacido en los años 80. Para acabar con dicha rebelión las máquinas deciden enviar al pasado a un robot (Terminator) interpretado por Arnold Schwarzenegger, cuya misión será eliminar a Sarah Connor, la madre de John, y así impedir su nacimiento. Pero en el comienzo de su misión tira de listín telefónico y mata a otras dos Sarahs Connor, antes de ir a por nuestra protagonista, matando a todo aquel o aquella que se pone en su camino, incluidos policías y departamentos enteros.

En otra escena mítica el Terminator va a la comisaría de policía, donde sabe que está Sarah, pregunta por ella haciéndose pasar por un amigo, el policía de la entrada le dice que no puede verla porque está declarando, y el Terminator dice que volverá, ipso facto coge el coche y embiste al policía y se mete en la comisaría matando a todo el que ve. Kyle logra huir y llevarse a Sarah, mientras el Terminator les dispara.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCLXXXVI)

Sergio Leone dirige en 1968 para mi su obra maestra incontestable, después de su trilogía del Spaguetti Western, Once upon a time in the west (traducida aquí como "Hasta que llegó su hora"). Con uno de los comienzos más sangrientos y espectaculares de la historia del cine, Brett McBain (granjero viudo de origen irlandés) y sus hijos que viven en una zona desértica y pobre, son asesinados por una banda de pistoleros, antes de la llegada de su futura esposa Jill (Claudia Cardinale) que viene desde Nueva Orleans (en realidad una fulana). Esa banda de pistoleros la lidera Frank interpretado por un Henry Fonda en estado de gracia, y que en muchos momentos del film es el mejor malo que he visto en el cine. En el lado opuesto está Harmonica (Charles Bronson), cuya venganza será lenta pero segura.

La llegada de Harmonica al pueblo es de las que se hacen notar, se baja del tren por el otro lado, mientras que en el lado normal están tres tipos de la banda de Frank, en una escena mítica que no tiene diálogos (ni falta que le hacen) y donde solo suena la armónica que toca el protagonista, y que está en la banda sonora de Ennio Morricone, se produce el tiroteo, donde Harmonica derriba a los tres rivales, sufriendo una pequeña lesión en un brazo.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCLXXXV)

En 1994 Frank Darabont dirige Cadena Perpetua adaptando un relato corto de Stephen King, una de mis películas favoritas de siempre, con dos colosos de la interpretación como Tim Robbins interpretando a Andy Dufresne, y Morgan Freeman en el papel de Ellis Boyd 'Red' Redding. Andy es acusado del asesinato de su mujer injustamente, es condenado a cadena perpetua y enviado a la cárcel de Shawshank. Con el paso de los años, y gracias a su inteligencia, se gana la confianza del Alcaide Norton (Bob Gunton) y el respeto de sus compañeros de prisión, especialmente de Red, jefe de las pequeñas mafias de los sobornos en el talego. Gracias a todos los amaños de dinero con Hacienda que Andy hacía al alcaide, era muy bien tratado por todos los agentes de la prisión, también por el Capitán Hadley (Clancy Brown). En una escena mítica, una mañana en el recuento de reclusos en las celdas falta Andy, que por la noche estaba, pero por la mañana ya no, ante el estupor general y el cabreo del Alcaide, este intenta saber qué ha pasado con su "recluso favorito" que le blanqueaba todo su dinero sucio, pero al tirar cabreado y accidentalmente una de las piedras que Andy coleccionaba, hace un agujero en el póster de Raquel Welsh, y se dan cuenta del túnel que Dufresne durante años picó para poder huir, y finalmente lo consiguió.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas de películas (CXLV)

Como decía ayer, en el año 2001 Jean-Jacques Annaud dirige Enemigo a las puertas, centrada en plena II Guerra Mundial, en concreto en 1942, en plena lucha de los ejércitos de Alemania y Rusia, desde la entrada alemana en territorio ruso, y la encarnizada lucha que mantienen en la famosa batalla de Stalingrado, donde se combate calle a calle y cuyo desenlace todo el mundo espera. Hay un francotirador ruso llamado Vassili Zaitsev al que da vida Jude Law, que persevera en la empresa de eliminar a sus enemigos uno por uno, siendo un tirador superlativo. El Comisario Danilov (oficial encargado de la propaganda soviética) al que da vida Joseph Fiennes, lo convierte en un héroe nacional (después de salvarle la vida) que debe servir de ejemplo para animar a las tropas a proseguir la lucha contra el ejército alemán, a pesar del gran número de bajas. Para contrarrestar al tirador soviético, los alemanes mandan a su mejor francotirador, el Mayor König (Ed Harris), lo que acabará convirtiendo el film en un duelo entre ambos a vida o muerte.
La música fue compuesta por James Horner, ya conocido por el director con el que había hecho por ejemplo la música de El nombre de la rosa, que como era habitual lo hizo de manera precisa y concisa.

Os dejo con el tema inicial de la banda sonora titulado The river crossing to Stalingrad.

Escenas míticas del cine (CCLXXXIV)

En el año 2001 Jean-Jacques Annaud dirige Enemigo a las puertas, centrada en plena II Guerra Mundial, en concreto en 1942, en plena lucha de los ejércitos de Alemania y Rusia, desde la entrada alemana en territorio ruso, y la encarnizada lucha que mantienen en la famosa batalla de Stalingrado, donde se combate calle a calle y cuyo desenlace todo el mundo espera. Hay un francotirador ruso llamado Vassili Zaitsev al que da vida Jude Law, que persevera en la empresa de eliminar a sus enemigos uno por uno, siendo un tirador superlativo. El Comisario Danilov (oficial encargado de la propaganda soviética) al que da vida Joseph Fiennes, lo convierte en un héroe nacional (después de salvarle la vida) que debe servir de ejemplo para animar a las tropas a proseguir la lucha contra el ejército alemán, a pesar del gran número de bajas. Para contrarrestar al tirador soviético, los alemanes mandan a su mejor francotirador, el Mayor König (Ed Harris), lo que acabará convirtiendo el film en un duelo entre ambos a vida o muerte.

En una escena mítica, Vassili y el Comisario Danilov están en una fuente llena de cadáveres, pero intentan disparar a un pez gordo alemán que va a ducharse, Vassili no sólo matará al alto mando alemán, sino a todos los que están con él, más otro soldado que lo descubre y quiere lanzarle una granada.

Os dejo con la tremenda escena.

Escenas míticas del cine (CCLXXXIII)

Como decía ayer, Douglas Trumbull dirigió en 1983 Proyecto Brianstorm, que tenía de protagonistas a Christopher Walken y a Natalie Wood (en su último film, ya que murió accidentalmente durante el rodaje en 1982). Nos cuenta la historia del Doctor Brace (Christopher Walken) y la Doctora Reynolds (Louise Fletcher), que están a punto de culminar un proyecto, que consiste en una máquina grabadora que, unida a unos sofisticados sensores de ondas cerebrales, puede leer y grabar todas las sensaciones físicas y emocionales del individuo. Como punto álgido del proyecto, se quería conseguir que esa suma de sensaciones, grabadas en una cinta de 10 cm, pudiera ser reexperimentada por otra persona diferente a través de un curioso casco. Durante los experimentos dirigidos a explorar las posibilidades del invento, Lillian muere de un ataque al corazón, pero antes consigue enlazarse a la máquina para grabar su traumática experiencia. Es la excusa que necesitan los militares, que están financiando la idea, para quitársela a los civiles e investigar aplicaciones militares.

Trumbull, es una persona interesante dentro del mundo de la ciencia ficción, y sobre todo dentro del campo de los efectos especiales, donde desplegó su talento en films como 2001: Una Odisea en el espacio (1968), La Amenaza de Andrómeda (1971), Encuentros en la tercera fase (1977), Star Trek: La película (1979) o Blade Runner (1982), y a finales de los 70 se le consideraba el mejor en ese apartado. Su primer film es Naves misteriosas de 1971, pero pasaron doce años hasta este segundo y a la postre último film, este Proyecto Brainstorm de 1983. En esta película se explora casi de manera inicial el asunto de la realidad virtual, que se haría de manera mucho más evidente en películas posteriores como en la muy buena Días extraños (1995), que se basa en conceptos similares. Este film pasó desapercibido, siendo bueno, y con la muerte de Wood y las ganas de acabar con el proyecto de MGM, todo se torció y sin promoción casi pasó sin pena ni gloria, provocando la salida del mundo del cine de Douglas. James Horner compuso la banda sonora del film, por la cual le dieron el Óscar.

Una escena mítica es cuando la Doctora Reynolds está trabajando en su sala, pero sufre un accidente y se le caen materiales al suelo, al intentar recogerlos ve que le empieza a dar un ataque al corazón, pero antes consigue enlazarse a la máquina para grabar su traumática experiencia y que quede grabado.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas de películas (CXLIV)

Douglas Trumbull dirigió en 1983 Proyecto Brianstorm, que tenía de protagonistas a Christopher Walken y a Natalie Wood (en su último film, ya que murió accidentalmente durante el rodaje en 1982). Nos cuenta la historia del Doctor Brace (Christopher Walken) y la Doctora Reynolds (Louise Fletcher), que están a punto de culminar un proyecto, que consiste en una máquina grabadora que, unida a unos sofisticados sensores de ondas cerebrales, puede leer y grabar todas las sensaciones físicas y emocionales del individuo. Como punto álgido del proyecto, se quería conseguir que esa suma de sensaciones, grabadas en una cinta de 10 cm, pudiera ser reexperimentada por otra persona diferente a través de un curioso casco. Durante los experimentos dirigidos a explorar las posibilidades del invento, Lillian muere de un ataque al corazón, pero antes consigue enlazarse a la máquina para grabar su traumática experiencia. Es la excusa que necesitan los militares, que están financiando la idea, para quitársela a los civiles e investigar aplicaciones militares.

Trumbull, es una persona interesante dentro del mundo de la ciencia ficción, y sobre todo dentro del campo de los efectos especiales, donde desplegó su talento en films como 2001: Una Odisea en el espacio (1968), La Amenaza de Andrómeda (1971), Encuentros en la tercera fase (1977), Star Trek: La película (1979) o Blade Runner (1982), y a finales de los 70 se le consideraba el mejor en ese apartado. Su primer film es Naves misteriosas de 1971, pero pasaron doce años hasta este segundo y a la postre último film, este Proyecto Brainstorm de 1983. En esta película se explora casi de manera inicial el asunto de la realidad virtual, que se haría de manera mucho más evidente en películas posteriores como en la muy buena Días extraños (1995), que se basa en conceptos similares. Este film pasó desapercibido, siendo bueno, y con la muerte de Wood y las ganas de acabar con el proyecto de MGM, todo se torció y sin promoción casi pasó sin pena ni gloria, provocando la salida del mundo del cine de Douglas.

La música corrió a cargo de James Horner, recibiendo el Óscar por ella.

Os dejo con el tema principal del film.

Mejores escenas cómicas del cine (XCIX)

La vida de Brian de los Monty Python es sin lugar a dudas una de mis películas favoritas de la que ya hablé aquí en su día largo y tendido. Un film que tuvo unos comienzos difíciles, ya que su controvertido guión provocó que EMI renunciara a producirla y por tanto financiarla días antes de comenzar el rodaje, y fue George Harrison, el Beatle y amigo personal de los Python, quien puso el parné. George dijo que lo hacía porque le apetecía ver el film, y desde luego recuperó con creces su inversión.

Recordemos que Brian es hijo de una feminista judía y un soldado romano. A pesar de ello, desarrolla un profundo odio hacia los romanos y dedica su vida a la lucha por la independencia de su pueblo. Involucrado en el Frente Popular de Judea, pronto comienzan sus problemas con los opresores, y también, con otros grupos independentistas que prefieren pelear entre sí, antes que oponerse al invasor... como en tantos casos (la actualidad me resuena en la cabeza). Pero el infortunio de Brian le hace acabar crucificado como Jesús, llevando así una vida paralela.

En una mítica escena cómica, Brian (Graham Chapman) vende en el circo romano todo tipo de despojos humanos después de la carnicería consumada en el ruedo. Mientras tanto en las gradas ya casi vacías, se discute entre tres hombres y una mujer, adelantándose en el tiempo al menos 43 años, comienzan a utilizar el lenguaje inclusivo, tan de moda en los días actuales, y donde Eric Idle dice que se va a hacer mujer.... para tener hijos ¡¡¡pero si es que estos hombres eran unos visionarios!!!

Os dejo con esta brutal escena.

The Whale (2022)

Darren Aronofsky dirige La Ballena, una película que quizás en la mano de otro director hubiera sido insoportable, por decir algo que suene decente, pero la manera en que este director va llevando la historia, hace que encaje en todo su desarrollo, no chirrie y acabes sintiendo una pena y a la vez una compasión por el protagonista Charlie, al que da vida un Brendan Fraser al que este papel le ha dado su primer Oscar de la Academia a mejor actor principal, mezclando mucho dramatismo y a la vez mucha complejidad, toda la que lleva interpretar a un personaje de más de 200 Kilos y que ha perdido todo el respeto por sí mismo imaginable. Y todo esto sucede en una semana, tiempo que va transcurriendo a lo largo de las casi dos horas, y donde realmente se está diseccionando toda una vida.

Es curioso el comienzo del film, con el protagonista practicándose una masturbación sucia que casi le provoca la muerte mientras ve sexo en el ordenador para ayudarle, y te temes lo peor desde el principio, pero todo se reconduce y acaba con una disección literaria que le puede salvar la vida. El viaje del protagonista es absolutamente personal, y asistimos desde el primer día de esa semana a los restos de una decisión de vida, que él ya tomo hace mucho tiempo y lo cambió todo. Es el retrato de un personaje que ya no quiere vivir y que va cuesta abajo y sin frenos, buscando su autodestrucción, a la vez que intenta recomponer la relación con su hija Ellie, a la que da vida una excelente Sadie Sink, mientras se gana la vida dando clases de inglés online sin mostrar su físico alegando que tiene la cámara rota.

Pero la virtud de este film, es que algo que podría ser muy agónico y un auténtico calvario para el espectador, produce empatía por varias cuestiones, primero un guión que no te cuenta todo de sopetón (de hecho a veces te gustaría saber más detalles exactos de lo que pasó años atrás), mientras te guarda algo gordo para el final, y por otro lado, el personaje principal tiene muchas contradicciones, es educado, desprende ternura y tiene sensibilidad, pero el contraste con su hija que tiene muchos detalles malvados con él, al que siempre culpa de haberla abandonado te produce sensaciones complicadas. Es entonces cuando el espectador va descubriendo, dónde y como quiere el director, quién es Charlie, al que Brendan Fraser transmite una mirada melancólica impresionante, y que mediante sus muecas esconde el dolor constante que soporta estoicamente.

En definitiva un film que trata un tema tan difícil como la obesidad mórbida y que consigue que no te centres en eso y vayas a descubrir la vida real de la persona que hay dentro.

He de decir, que me ha sorprendido muy positivamente la actuación de Fraser, y que se disputaba la estatuilla con Austin Butler, que hizo de Elvis Presley en Elvis, y no sabría bien calibrar porqué uno lo gana y el otro no, pero sinceramente pienso que Butler lo merecía, una vez vistas ambas.

Os dejo con el tráiler del film.

Escenas míticas del cine (CCLXXXII)

En 1974, Francis Ford Coppola realiza la segunda parte del Padrino, basado igualmente en la novela de Mario Puzo. Aquí se desarrolla la continuación de la historia de los Corleone, por medio de dos historias paralelas, primero la elección de Michael Corleone como jefe de los negocios familiares y por otro los orígenes del patriarca, el ya fallecido Don Vito a quien da vida un inmenso y muy joven Robert de Niro, primero en Sicilia y luego en Estados Unidos, donde empezando desde abajo llegó a ser el capo de la mafia de New York.

Aquí suceden hechos realmente importantes en el devenir de la familia, y la película relata el reinado de Michael con todos sus problemas, y su manera de manejar todo.
En una escena inolvidable que en la cinta recrea la noche del 31 de diciembre de 1958 en La Habana, los protagonistas son Michael Corleone (Al Pacino) y Fredo Corleone (John Cazale). Ambos han transitado un largo camino en la ciudad cubana, que les lleva a descubrir una traición que cambiará para siempre la historia de la poderosa familia. Mientras los invitados empiezan a abrazarse y desearse feliz año, en el fondo se ve a Fulgencio Batista, el anfitrión y dictador de la isla cubana, quien manejó sus designios durante casi una década con mano dura. En ese mismo instante Michael busca a Fredo, le toma del cuello y le besa en la boca mientras le dice "Sé que fuiste tú, ¡me destrozaste el corazón!". Es así como Michael descubre a su hermano, quien había mandado a unos matones a matarle en su propia casa. Mientras tanto, un matón de la familia intenta cargarse a Hyman Roth sin éxito.

Pero en otra escena igual de memorable, Fredo, después de engañar y traicionar a su hermano, vuelve a casa para dar una explicación a Michael, a la vez que busca su perdón. Pero Michael le da a entender que es demasiado tarde, es entonces cuando sale el Michael petreo que ni olvida ni perdona, que se ha vuelto desconfiado y muy despiadado ya que tiene enemigos hasta en su propia familia. La suerte de Fredo está echada y Michael ha decidido que ya no es su hermano y la frase "Fredo eres un extraño, ya no eres mi amigo ni mi hermano" es lapidaria.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCLXXXI)

Joel Shumacher dirige en 1992 Falling down, traducida aquí como "Un día de furia", una de esas películas que vi en su día poco después de su estreno (hablo de un par de años) en televisión y en aquel momento no me convenció, fue años después cuando la volví a ver, y me divertí tanto, que comprendí que el film necesitaba mayor conocimiento y experiencia por mi parte para valorarla. Se trata de una extraordinaria película acerca de la condición humana, y de como nuestros comportamientos pueden llegar a generar las más disparatadas situaciones.

Michael Douglas está soberbio interpretando a William Foster, un hombre corriente que supera como puede sus frustraciones diarias en Los Ángeles, y que sólo quiere regresar a casa, pero durante una jornada de intensísimo calor, se juntan el colapso del tráfico, la ansiedad y el agobio, por lo que, de manera violenta, William se rebela contra todo lo que le rodea.

Mientras tanto, un oficial de policía ya veterano, Pendergast (Robert Duvall) intentará poner fin a esta sin razón.

William es un empleado de una importante firma de defensa, y padece un desequilibrio mental que en circunstancias normales no se manifiesta. Hoy, porque la película se desarrolla a lo largo de un día, es el cumpleaños de su hija y quiere ir a visitarla a casa de su ex esposa Beth (Barbara Hershey), de la que se divorció. A partir de su abandono del coche en un intenso tráfico, cruza la ciudad para cumplir su objetivo y le van surgiendo situaciones de lo más variopintas, desde una tienda de un coreano donde la lía, con unos ladrones que le quieren atracar y a los que espanta, en un McDonalds dónde quiere desayunar fuera del horario de desayuno, con un nazi de una tienda al que se acaba cargando... un sinfín de historias de lo más cómicas que sólo hacen que se vaya estrechando el círculo hacia él, para tener un final triste en la playa de Venice.

Precisamente en una de esas situaciones que suceden en su periplo, se cruza con dos hispanos que le quieren hacer pagar un peaje por pasar por su "zona", o lo que es lo mismo, le quieren atracar, y todo se salda con que William se defiende de ellos que le sacan una navaja, pegándoles con el bate de béisbol que él se quedó y era propiedad del coreano de la tienda. No contentos con eso, los hispanos se reagrupan y metidos en un coche llenos de armamento hasta arriba, van en busca de William, al que ven hablando en una cabina de teléfono (está llamando a su ex-mujer, para decirle que va a ir a su casa a ver a su hija por su cumpleaños), y deciden pasar rápido con el coche y disparar a diestro y siniestro, creyendo que matarán a su objetivo, que ni se inmuta y no sufre ni una herida, mientras caen abatidos varios viandantes. Instantes después William llega al sitio donde se han accidentado gravemente sus agresores, y le dice al que todavía vive: "has fallado" mientras coge una de sus armas y falla aposta, al final le dispara en una pierna y se queda con todas las armas que iban en una mochila de gimnasio.

Os dejo con la mítica escena.

Mejores escenas cómicas del cine (XCVIII)

Como decía días atrás, en 1998 Santiago Segura dirigió su primer largometraje, Torrente, el brazo tonto de la ley, una película que con el paso de los años ha quedado como icono del cine casposo y desde luego un referente en cuanto a la taquilla que hizo, que rompió records, describiendo a un personaje no tan alejado de la realidad del país donde vivimos, como es el de Jose Luis Torrente, un ex-policía facha, machista, racista, alcohólico, corrupto, ladrón y bastante negligente en cualquier función que se propone... ahhh y del Atleti. En realidad, es una sátira perfectamente llevada a cabo por Santiago, con un personaje exagerado al extremo en muchos aspectos. 

Se cumplen 25 años del estreno de esta mítica cinta.

En una escena cómica brutal Torrente bebe whiskys para ponerse a tono para el trabajo y le pregunta a Rafi si el no bebe, y le dice que no, porque va contra el aikido que él practica, a lo que Torrente le responde que no tiene... ni puta idea.

Os dejo con la cómica escena (dedicada a mi amiga Merche González).

Mejores escenas cómicas del cine (XCVII)

En 1998 Santiago Segura dirigió su primer largometraje, Torrente, el brazo tonto de la ley, una película que con el paso de los años ha quedado como icono del cine casposo y desde luego un referente en cuanto a la taquilla que hizo, que rompió records, describiendo a un personaje no tan alejado de la realidad del país donde vivimos, como es el de Jose Luis Torrente, un ex-policía facha, machista, racista, alcohólico, corrupto, ladrón y bastante negligente en cualquier función que se propone... ahhh y del Atleti. En realidad, es una sátira perfectamente llevada a cabo por Santiago, con un personaje exagerado al extremo en muchos aspectos.

Se cumplen 25 años del estreno de esta mítica cinta.

En una escena cómica del film Torrente da de comer a su padre las sobras del cocido del bar donde él ha comido antes, y le hace un puré (con más cosas que había dentro como algún cigarro), mientras su padre le pide un bocadillo de jamón, y un pitillo para fumar, cosas ambas que Torrente le niega.

Os dejo con la escena.

Mejores escenas cómicas del cine (XCVI)

En 1993 Chris Columbus dirige Señora Doubtfire, Papá de por vida, comedia relativa a la separación de un matrimonio compuesto por Daniel Hillard (al que da vida Robin Williams) y Miranda Hillard (Sally Field), aunque los tres hijos de ellos consideran a su padre el mejor y están muy unidos a él. Ella está cansada de que se comporte como un niño y pide el divorcio. El juez le concede la custodia a ella, y él solo puede verles un día a la semana, por lo que él decide con una gran treta hacerse pasar por una señora mayor que hará de canguro de sus propios hijos, la manera más ingeniosa de seguir viéndolos.

En una escena cómica muy graciosa, Daniel llega a su casa como la Señora Doubtfire y le está esperando la asistenta social la Señora Sellner (Anne Haney), para ver si todo sigue bien en el cuidado de los niños y como mantiene el apartamento. Le hace ver que la Señora Doubtfire es su hermana, y se irá cambiando de ropa para recibirla, cuando luego se vuelve a vestir de señora sufrirá la caída de la máscara a la calle, con la consiguiente risa de los chavales del edificio de enfrente...

Os dejo con la cómica escena.

Bandas sonoras míticas de películas (CXLIII)

En 1998 Mimi Leder, conocida directora de series de televisión como John Doe o Urgencias, dirigió Deep Impact en 1998, una película de ciencia ficción con tintes catastrofistas. Nos cuenta la historia de Leo Biederman, al que da vida Elijah Wood, que se apuntó al Club de Astronomía del colegio, sobre todo para estar cerca de Sara Hotchner (Leelee Sobieski), más que para mirar al cielo con el telescopio. Un día descubre en un cúmulo de estrellas una gran mancha blanca que resulta ser un cometa que está apunto de chocar con la Tierra y provocar su destrucción. Mientras, Jenny Lerner (Téa Leoni), una ambiciosa reportera de la NBC, que andaba liada con una posible historia escandalosa de un senador, descubre accidentalmente que Ellie (E.L.E.) no es el nombre de su amante, sino el de un cometa que amenaza con destruir nuestro planeta. Completan el elenco de actores Morgan Freeman como el Presidente de los EEUU, o Robert Duvall como capitán Spurgeon "Fish" Tanner. La banda sonora corrió a cargo de James Horner, otra autentica delicia de composiciones.

Os dejo con el tema The wedding.