Green Book (2018)

Peter Farrelly dirige Green Book, un biopic con tintes dramáticos pero con grandes dosis de humor. Ya el tráiler anunciaba una gran película, pero después de ver ayer el pre-estreno en el cine, he de decir que me parece una película extraordinaria y seria candidata a los Oscars.

Viggo Mortensen y Mahershala Ali hacen un ejercicio interpretativo de mucho nivel, el primero interpretando a Tony Lip, un tipo duro e italoamericano del Bronx, que pasó poco por la escuela, y cuyos puños arreglan todo tipo de problemas, mientras el segundo da vida a Don Shirley, un sofisticado pianista, de refinados gustos musicales y también personales, que es afroamericano y de fama mundial. Tony, después de una pelea en un club nocturno donde trabajaba, busca trabajo, y de las muchas ofertas que tiene, decide ser chófer de Don, y realizar juntos una gira por el Sur de Estados Unidos, los estados más racistas, es decir, Pennsylvania, Alabama, Indiana, Carolina del Norte, etc... Hablamos del año 1962...

Pero esta película, y lo digo para calibrar si es una gran joya (que para mi sí lo es) o no, tiene un guión extraordinario, dos actores maravillosos, con gran química y en estado de gracia y una banda sonora memorable.

El film trata una historia real, la de la amistad que acabó surgiendo entre el refinado pianista y su chófer, relaciones públicas y demás cargos que fue sumando, y que se forjó en esa gira de unos dos meses de duración aproximada. Tony es algo racista, pero cuando empieza a escuchar a Don en sus conciertos, queda prendado, y acabará defendiéndole a capa y espada.

Lo mejor de esta historia y de la película, es que todo fluye de manera natural, no hay nada impostado y los pasos que se dan son coherentes y hacen que te creas la historia de principio a fin. Es tan así, que los propios personajes van sufriendo una evolución que permite que sus personalidades antagónicas, vayan poco a poco teniendo acercamientos y puntos de encuentro.
Todo esto se debe también a las magníficas interpretaciones de ambos, añadiendo matices propios de cada actor que hacen de su trabajo algo impecable.

En cuanto a los secundarios, están todos perfectos, la mujer de Tony, Dolores, que interpreta Linda Cardellini, los dos músicos que acompañan a Don, Oleg y Johnny Venere y demás.

Por si fuera poco, el film es un disfrute en cada momento, tiene un encanto especial, no sólo por la amistad que se establece entre los protagonistas, sino por las situaciones absurdas que se producen cuando Don Shirley va a tocar a casas de ricos y es la estrella, pero luego no le dejan utilizar el baño de los blancos, o que vaya a una tienda de ropa y quiera probarse un traje y no le dejen por el color de su piel, etc., algo que refleja que no hace muchos años la sociedad norteamericana era muy diferente a la actual.

Todo ello se disfruta con la banda sonora, que conduce Kris Bowers, y que tiene temas del propio Dr. Shirley y su trío, The Orange Bird Blues Band, Jack's Four, etc...

Os dejo con el tráiler de esta gran película.

Like. (2018)

Jose Luis Eiroa Dovao dirige y protagoniza este corto titulado Like. Todo gira entorno al uso continuo y excesivo en muchos momentos de las redes sociales, y como eso afecta a tu vida cotidiana. Ir en el metro, y ver un símbolo que se utiliza habitualmente en una red social cambiado al revés, puede suponer un bloqueo mental o un cabreo de lo más tonto. Es la idea que se transmite en este corto, creo que muy directa sobre el uso abusivo hoy en día de internet y sobre todo de las redes sociales, que afectan a tu comportamiento.

Os dejo con Like.

Estribillo (2016)

César Tormo dirige este corto llamado Estribillo, en el que participa su hija Ada Tormo. Ellos son los actores que interpretan a un padre y una hija, que tienen un enfrentamiento "musical". Ella es freaki de la música, tiene su habitación llena de pósters y canta sus propias canciones que canta junto a un micrófono y un amplificador donde enchufa una guitarra. Cuando está interpretando un tema, su padre que la escucha desde fuera, decide entrar y reprocharle que no hace bien el estribillo, con tres momentos, como le ha recomendado siempre su papá.

Ahí viene la discusión, dónde ella defiende hacer el estribillo como quiere...

Os dejo con este curioso corto.

Escenas míticas del cine (LXXIX)

Tim Burton dirige en 1994, la que para muchos es su obra maestra, Ed Wood, que emana un amor infinito por el cine en cada uno de sus planos. Johnny Depp (actor fetiche de Burton) da vida a Ed Wood, un joven director de cine, que es un visionario sin formación académica de ningún tipo, pero que tiene aficiones como vestirse de mujer, y además no consigue tener oportunidades de hacer películas en unos grandes estudios. Pero consigue reunir a un curioso grupo de personajes, con los que realiza películas de bajo presupuesto, excéntricas y de cuidado técnico dudoso. Toda rodada en blanco y negro a drede, es un disfrute absoluto desde que empieza hasta que acaba.

A partir del guión de Scott Alexander y Larry Karaszewski, que se acercaron a la figura del considerado "peor director de todos los tiempos" con cariño y respeto, Burton supo interpretar ese guión e ir todavía más allá, estableciendo paralelismos entre él mismo y el cineasta maldito, en su relación particular y profunda con Vincent Price y Bela Lugosi, dos iconos absolutos del cine de terror, de un tiempo ya no recuperable, donde había magia...

En una escena mítica, Ed Wood (Johnny Depp) tiene un momento de tensión en el rodaje, intenta calmarse en el camerino, y su solución consiste en vestirse de mujer...

Os dejo con la mítica escena.

Réquiem (2018)

Réquiem es un corto dirigido por Juanma Juárez, en el que nos habla del caso de una persona mayor que va a ser desahuciada de su casa. La autoridad competente, la comisión judicial, llega a la vivienda de Manuela Delgado, una señora mayor que vive sola y como en muchos casos con una pensión pequeña, no puede hacer frente a la subida del precio del alquiler. Una situación que en los últimos años en nuestro país es muy frecuente por desgracia, y que con la crisis que seguimos padeciendo se ha agudizado. La parte final del corto es muy impactante, y refleja lo cruel del mundo donde vivimos y como la rueda sigue girando.

Os dejo con este impactante corto.

Estampitas (2018)

David García Ahumada dirige este corto donde José Mari, interpretado por Pablo Sánchez, tiene 35 años y sigue viviendo con su madre, a la que da vida María Rojas. Ella es muy de vírgenes y estampitas, algo muy común en Andalucía, y antes de que el chavalote salga de casa, ella le restriega todas esas imágenes por la cabeza y demás, algo muy de supersticiones, y que va casi de la mano con lo anteriormente comentado. Él está un poco cansado de ese trato, pero acepta, y en último extremo sigue las órdenes de su madre, como cuando se le olvida algo muy importante que se dejaba...

Os dejo con Estampitas.

Vacío (2018)

Una enfermedad congénita que provoca cáncer en un 99% de los casos, es lo que lleva a pasar por el quirófano dos veces a nuestro protagonista, interpretado por Juan Dual, que pierde varios órganos en esas operaciones, y se salva milagrosamente de la muerte.

Es a partir de ahí, cuando decide que lo que quede de vida, la va a disfrutar a tope, y empieza desde Nicaragua (donde fue a hacer un voluntariado) un camino de 7000 Km hechos en bici por toda Sudamérica le cambia totalmente la vida. Desde ese momento no dejó de correr, aprendió a divertirse corriendo y también sufriendo, pero ha conocido sitios estupendos gracias a ello. Pero solo hay una causa, le encanta sentirse vivo.

Os dejo con este gran corto.

Glass (2019)

Conviene recordar que M. Night Shyamalan es un director de cine y guionista que saltó al estrellato más absoluto con El Sexto Sentido (1999). A partir de ahí cualquier producción suya era esperada como un gran acontecimiento, El Protegido (2000) es otro gran film, acogido con no tanto entusiasmo, aunque se convirtió en película de culto con el tiempo. Lentamente fue cayendo la atención que se prestaba a sus nuevas películas, que en algunos momentos resurgió, como en Señales (2002) o El Bosque (2004). Pero claro, la pobre repercusión de Airbender, el último guerrero (2010) y After Earth (2013) volvieron a llevar casi al olvido al director de origen hindú. Ya con La Visita (2015), algo cambió a mejor, y con Múltiple, una segunda parte del Protegido, todo volvió a un gran nivel. Ahora llega Glass (Cristal), que sumada a El Protegido y Múltiple, cierra la trilogía.

Es por esto que se torna imprescindible haber visto antes las dos primeras partes de la trilogía, simplemente porque esos personajes están muy bien explicados en ellas. Aquí se funden Protector, Cristal y La Bestia que comanda La Horda, con los que el director ha organizado un discurso donde mezcla la naturaleza del superhéroe, los hombres que tienen virtudes extraordinarias y todo ello relacionado con el universo del cómic.

El primer gran reto al que se enfrentaba el director, era encajar los universos de las dos primeras películas en esta, que siendo el mismo estaban en escenarios distintos, aunque si que es cierto que esas dos películas difieren mucho y hay 17 años de distancia entre ambas. Es por esto, que este film se parece más al universo de Múltiple, aunque he de aplaudir el ensamblaje de ambas.

Bruce Willis es el protector, único superviviente de un accidente de tren provocado por Don Cristal (Samuel L. Jackson) que tiene huesos de mantequilla que le han provocado ya 94 fracturas, pero un cerebro superdotado, a los que se une James McAvoy, poseedor de 23 personalidades distintas, entre ellas la más peligrosa "La Bestia", y los tres articulan el mensaje de Shyamalan, donde extiende el dilema de si tienen realmente superpoderes, o son casos excepcionales de enajenados mentales que necesitan urgentemente tratamiento psiquiátrico. Es curioso como al inicio tanto Willis y McAvoy tienen mayor protagonismo, para en el segundo acto florecer la mente perversa de Cristal para ser la que ejecute todos los fregados.

La diferencia de esta película con las otras dos, es que aquí los tres son internados en un centro psiquiátrico, desarrollándose allí la gran parte de la película, y entrando en acción la Doctora Ellie Staple, interpretada por Sarah Paulson y que será clave a la hora de entender que se está haciendo con ellos realmente dentro del centro.

También aparecen Anya Taylor-Joy, la chica Casey, que sobrevivió a la Bestia, el hijo del Protector Joseph Dunn, interpretado por Spencer Treat Clark (que ha crecido bastante desde El Sexto Sentido, unos 20 años) y Mrs. Price, madre de Elijah (Cristal) que velan por su cuidado.

En cuanto a los tres personaje principales, el de McAvoy es el que menos cambios sufre, es realmente una continuación (está completamente majara, incluso diría que más). Pero el tiempo si ha pasado y se nota en Willis, que vuelve a estar soberbio interpretando a David Dunn (después de un tiempo de flojos films) y un Jackson cuyo lado oscuro y perverso le va como anillo al dedo. Y la película funciona de maravilla cuando ellos tres están en acción, y flojea cuando se centra en sus familiares más cercanos o amigos.

Eso si amigos, el señor Shyamalan ha cerrado la trilogía de una manera brillante, sin dejar indiferente a nadie. 

Os dejo con el tráiler del film.

Vice (2018)

Que los biopics están de moda es algo evidente, pero lo que aún está más en el candelero es mezclar una supuesta biografía con la política, con lo que ello conlleva y además mezclando ficción con la no ficción, y la realidad con una soñada.

Adam Mckay es el director de este gran relato, en el que desde el primer momento demuestra su maestría con frases, tonos y mensajes, todo ellos aderezado con un sentido del humor constante, bastante burdo a veces, aunque en el fondo amargo, que consigue que estés empatizando con las bromas de personajes que resultan ser bastante patéticos, odiosos y poco recomendables.

La película, titulada aquí como El vicio del poder, nos cuenta como Dick Cheney, interpretado por un soberbio Christian Bale, era un zoquete borracho y bastante bronco en sus años jóvenes, lo que le provocaba constantes irritaciones de la que sería su mujer, Lynne Cheney, a la que da vida una magnífica Amy Adams. El plantel de actores, incluidos los cameos, es de un nivel superlativo, y querría destacar en este sentido a Sam Rockwell, que borda literalmente a George W. Bush. Steve Carell como Donald Rumsfeld también está soberbio.

Si que es cierto, que en varios momentos de la película se sale del biopic y se mete en el documental, pero sin maldad y para reflejar hechos concretos de importancia.

En lo que esta cinta está soberbia es en dar unas pinceladas sobre nuestra historia más reciente, siendo bastante mordaz y posicionándose claramente, pero con una capacidad de crítica que realmente nos incluye a todos. Aunque el film se centra en el ascenso de esa calamidad humana que era Dick Cheney, además de reflejar en todos los gabinetes en los que estuvo y las decisiones tan importantes que tomó, y su postura siempre polémica, sobre todo en la Guerra de Irak.

Pero la conclusión, como moraleja del film, es el complejo entramado que gobierna un país como EEUU, donde las víboras sacan la cabeza continuamente para destacar, sigue siendo la base de la estructura de ese país, y que evidentemente influyen en las decisiones que se toman.

Ante todo esta película es muy aclaratoria en todo lo que ha sucedido desde la caída de las Torres Gemelas de New York y todo lo que ocurrió después con las decisiones que se tomaron y que aún hoy las notamos.

Os dejo con el tráiler de este muy interesante película.

Juliet, Naked (2018)

Jesse Peretz dirige esta adaptación del libro de Nick Hornby, al que conocimos en su día por ejemplo por Alta Fidelidad, aunque esta en concreto la escribió en 2009 y ha dado el salto a la pantalla grande ahora. En ella Annie (Rose Byrne) y Duncan (Chris O'Dowd) es una pareja que lleva ya unos quince años juntos y entran en esa época peligrosa de los cuarenta, donde todo empieza a cambiar. Ellos llevan una vida tranquila, pero a ella le preocupa y mucho el paso del tiempo sin novedades, sin tener hijos que cambie sus vidas, etc., Duncan si embargo es fanático de Tucker Crowe (Ethan Hawke), un músico norteamericano que tras publicar su exitoso primer disco Juliet, desapareció.

Esta pareja vive en un pueblo de Inglaterra, mientras ella trabaja preparando una exposición sobre el año 1964, y él, que es profesor, tiene una habitación exclusivamente decorada con pósters, y discos de su ídolo. Todo cambia a partir de un sobre que reciben y que ella abre primero, se trata de unas maquetas de aquel disco, y que haría las delicias de cualquier fan. Eso provoca una discusión, pero es un punto a partir del cual todo cambiará. Ella hace una reseña en el grupo de fans por internet, que gusta al propio Tucker, quien empieza a hablar con Annie. Será cuando Duncan meta un patinazo, cuando provoque que haya un cruce en las vidas de los tres.

La directora intenta reflejar la amargura de la protagonista, pero todo es amable y no resulta ni violento ni grotesco, aunque a veces cae en situaciones algo patosas o patéticas, pero ahí es donde el humor las salva. En todo el film hay toques o resortes humorísticos, que en todo momento hace que el espectador no se aburra y todo transcurra de una manera bastante agradable. Realmente los actores, el trío protagonista, es el que hace que la película salga a flote, los tres están espléndidos.

Sí que es cierto, que la película no intenta dar la sensación en ningún momento de final feliz, la desastrosa vida del músico queda perfectamente reflejada y esa parte está muy bien tratada, ya que todos sus deslices amorosos dejaron hijos en el camino, y con algunos de ellos ni tiene relación. Un problema de salud, hará que vea a muchos de ellos juntos, pero su afán por pedir perdón y reconducir situaciones erróneas del pasado casi se le vuelven en contra, hay una moraleja moral bastante importante ahí.

Una película que se queda en la superficie en algunos momentos, aunque su ligereza hace que pases un buen rato en la butaca.

Os dejo con el tráiler.

Las mejores películas de 2018 (1-5) Parte 1

Y por fin llegamos a las posiciones de honor, cinco películas con las que disfruté de forma increíble en mi butaca. Aquí tenemos un spin-off de Star Wars que es lo mejor que se ha hecho en esta nueva etapa de la saga, una historia real de un submarino ruso que se hundió por la explosión de torpedos y sus tripulantes sobrevivientes intentaban ser rescatados, una película sobre gente discapacitada que aprende a jugar al baloncesto con un entrenador obligado a ello por cumplir condena, un biopic magnífico sobre una banda y su líder británicos, ambos míticos y una película española brillante sobre los difíciles años 20 en la Barcelona de entonces.

1. Solo: A Star Wars History de Ron Howard

Mi decepción con Los Últimos Jedi, donde Rian Johnson arriesgó y no le salió del todo bien, ha tenido recompensa pocos meses después. Los nuevos spin-offs, que con Rogue One ya tuvo una piedra de toque importante, se intercalan entre la salida programada de los episodios VII, VIII y IX, y no solo sirven para expandir el universo (ya enorme) de esta mítica saga, sino que además están incorporando cosas que pensaba ya perdidas en la nueva franquicia, porque y lo vuelvo a decir, para mi desde que Disney se hizo cargo de esta nueva época, hay detalles importantes del pasado que se han perdido, y no me refiero a actores o personajes que van desapareciendo, sino a la aventura. Señoras y señores, Star Wars es y será siempre una película de aventuras, y eso no se debe perder nunca, pues bien, aquí se recupera y de qué forma.

Si bien en Rogue One había un acercamiento claro al cine bélico, y su segunda parte me pareció realmente espectacular, con un final muy brillante, aquí en este spin-off del mercenario y anti-héroe más famoso de la saga, hay una serie de paralelismos en el guión, unos guiños con grandes películas de siempre, que me parecen muy bien llevados a este universo. Hay ecos de Ben-Hur, de El Golpe, incluso de varias películas del western de verdad (sustituyan caballos por naves espaciales por ejemplo), del que sabe a bebida vieja de la buena, pero recuperando ese espíritu aventurero de siempre, y que repito, esta saga nunca debe perder. 

En esto el guión es clave (algo que falla bastante en el Episodio VIII) y Lawrence Kasdan es fundamental, que junto a su hijo Jonathan han sido los responsables, porque aquí hay una uniformidad de los acontecimientos que permite que hasta un neófito se entere, y por otro lado la construcción de la historia y la manera de tratar a cada personaje está muy cuidada.

Os dejo con el tráiler.

2. Kursk de Thomas Vinterberg

El 12 de Agosto del año 2000 el submarino nuclear de la Flota del Norte de la armada rusa K-141 Kursk, mientras realizaba unas extrañas maniobras navales (con armamento pesado) en el Mar de Barents, sufrió explosiones que produjeron su hundimiento. En su interior había 118 tripulantes, muchos de los cuales fallecieron en el acto cuando ocurrieron las explosiones. Hablamos de un submarino botado el 30 de diciembre de 1994, por tanto no tenía ni siquiera seis años de antigüedad. Recuerdo este hecho cuando sucedió como si fuera hoy mismo, era el típico mes de agosto sin noticias y saltó esta, que tuvo en vilo a todo el mundo, ya que los pocos marineros que sobrevivieron a la explosión, en un lado del submarino, luchaban por aguantar dentro hasta poder ser rescatados. Estos son los hechos, pero es más que evidente que desde la propia Rusia nadie se iba a atrever a hacer un film, que reflejara la incompetencia de las autoridades rusas en aquellos terribles momentos. Ha sido una co-producción belga-luxemburguesa la que lo ha realizado.

Con la disolución de la U.R.R.S, toda la flota había experimentado recortes financieros  por la falta de fondos. Muchos submarinos habían sido traídos desde muelles en el Mar de Barents y abandonados para oxidarse. Todos excepto el equipo más esencial de primera línea, incluyendo el equipo de búsqueda y rescate, que fueron inadecuadamente inspeccionados.
Probablemente sea la película de este director que ha contado con mayor presupuesto, cosa que se nota en el reparto actoral de nivel, pero desde luego sabe llevar el drama con una calidad excelente y centrar la película en lo verdaderamente importante.

Os dejo con el traíler de esta gran película.

3. Campeones de Javier Fesser

La trayectoria de Javier Fesser como director, después de un magnífico comienzo con Aquel Ritmillo (1995) y El secdleto de la tlompeta (1995) sus dos primeros cortos y sobre todo con el Milagro de P. Tinto (1998), su primer film largo y especialmente recordado haciendo gala de un tremendo y divertido humor, hizo que su carrera fuera por esos derroteros hasta La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón (2003). A partir de ahí vino un cambio con Binta y la gran idea (2004) y sobre todo con Camino (2008), aquel dramón que le dio muchos Goyas al año siguiente. La vuelta en 2014 con Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo hizo pensar que volvía a su lado humorístico. Pero ahora en Campeones, no sólo sigue con el humor, sino que lo mezcla con la ternura y ciertas dosis de drama, una mezcla que le sale redonda.

Si que es cierto, que el guión y la historia de este film podrían parecer algo arquetípicas, pero la manera de tratarlo de Fesser hace que te llegue al alma, y lo explico a continuación.

El film narra la historia de Marco, interpretado por el gran Javier Gutiérrez, un entrenador profesional de baloncesto, cuyo trabajo es segundo entrenador del Estudiantes, que un día en un partido estalla, dentro de su propia crisis personal, y se enfrenta al primer entrenador en el transcurso de un partido, por la noche se emborracha y tiene un altercado con la policía. El resultado es que se le despide del club, se le retira el carnet de conducir por dos años y se le conmuta la pena de cárcel por 3 meses de trabajos para la comunidad, que la jueza le determina será dirigir a un equipo compuesto por personas con discapacidad intelectual. Él al principio lo llevará mal, pero irá aprendiendo que a esos chicos debe quererlos.
Un film tierno, gracioso e incluso con su drama, una mezcla llevada de lujo.

Os dejo con el tráiler.

4. Bohemian Rhapsody de Bryan Singer

Excelente el biopic dirigido por Bryan Singer sobre la banda Queen, y titulado como una de sus afamadas canciones, Bohemian Rhapsody. Ni que decir tiene que hablamos de una banda de rock británica, cuya historia es fundamental explicar para generaciones como las actuales, que han visto como la imagen de esta banda clave en la década de los 70 y con grandes momentos en los 80 ha sido algo cambiada o modificada, ya bien sea por musicales en teatros, cambios de cantante (después de la muerte de Mercury) que nadie entendía, etc...

Y este film cumple muy bien ese objetivo y además entretiene y mucho. Que Roger Taylor y Brian May hayan estado a cargo de la producción ejecutiva, hace que muchas cosas hayan sido cuidadas al detalle, y que sobre todo, la vida excesiva que llevaba Freddie Mercury fuera del escenario (y que afectó a la banda) haya sido tratada sutilmente y con suavidad, eso si, sin negar la homosexualidad de su protagonista.El film se convierte de esta forma y por derecho propio, en una celebración de la música de la banda, y se centra mucho en un personaje, en su cantante, pianista y compositor Freddie Mercury, al que borda Rami Malek (recordemos que Sacha Baron Cohen abandonó el proyecto porque quería que fuera más adulto), pero de una manera muy inteligente ya que no imita al original, sino que se mimetiza con él y se convierte en él, tanto en sus movimientos, como en sus gestos (el lenguaje no verbal) que simple y llanamente borda. Freddie desafió estereotipos e hizo añicos tradiciones para convertirse en un showman único y de los más queridos del mundo. La explicación del origen de su familia (recordemos que Farrohk Bulsara, su auténtico nombre, nació en Zanzíbar, actual Tanzania) es muy importante y está muy bien explicada.

Os dejo con el tráiler de este gran biopic.

5. La Sombra de la Ley de Dani de La Torre

Pocas veces se hace en el cine español una película de cine negro de gánsteres y menos aún de gánsteres de aquí, siempre ha parecido que el asunto de Al Capone y parecidos era una cuestión exclusivamente americana y como si esa patente fuera única. Dani de la Torre ha dado el paso, y lo ha hecho de manera firme, segura y con calidad. Vi su anterior film El Desconocido (2015), interesante thriller, que aquí mejora de manera meridiana. Es una película con un despliegue mayor, eso se nota rápido, pero en ese siempre arriesgado paso han de tenerse las cosas claras y muy definido el objetivo y este director parece tenerlo. Lo más impactante de todo, es que lo que se describe en este film no dista mucho de la situación actual. 

En la España de los años 20, había una crisis profunda, que vino ocasionada por la nefasta guerra con Marruecos. Aquí se nos cuenta esa época en Barcelona, justo los tiempos antes del golpe de estado de Primero de Rivera en 1923. En esos años complicados los trabajadores estaban descontentos ante unas condiciones laborales lamentables y unos patrones al servicio de la mafia, la lucha de las mujeres por el sufragio universal, mientras el aumento del crimen organizado era imparable. En medio de toda esa situación de polvorín total, un inspector de policía llegado de Madrid, Aníbal Uriarte al que apodarán "El Vasco", con el fin de aclarar el asalto de un tren militar donde se han robado armas al ejército, siendo los anarquistas los señalados en primera instancia. Todo esto le llevará a los bajos fondos de la ciudad, clubs de jazz y baile, etc., de aquella ciudad donde mafiosos, policías corruptos y demás gentecilla dominaban la escena. 

Os dejo con el tráiler del film.

Las mejores películas de 2018 (6-10) Parte 2

Bueno ya llegamos a un tramo de la lista donde hay películas realmente disfrutables, y que por uno u otro motivo les ha faltado algo para estar en las posiciones de honor. Aquí tenemos al gran Steven Spielberg dando señales de su grandeza intacta con una gran película, una saga que cada vez es más divertida y sus films muy espectaculares, una gran película española que habla sobre el tema de la corrupción en la política, otro capítulo de los superhéroes de Marvel juntos y por último un spin-off muy acertado de uno de esos superhéroes de dicha factoría.

6. Ready Player One de Steven Spielberg

Steven Spielberg ha vuelto al cine de ciencia-ficción, después de muchos años alejado del mismo, un proyecto anunciado hace 3 años que muchos pensaban que el director podía abandonarlo, pero lo ha acabado y se ha estrenado afortunadamente. Podríamos decir que esta es la cara más alegre, lúdica y a la vez ligera y atractiva para el espectador, ya que sus últimas películas no siendo malas, daban una sensación de cierto agotamiento creativo.

Esta es la adaptación de la novela de ficción de Ernest Cline, y en la que Spielberg ha montado un festival de referencias de los ochenta, sobre todo, y noventa también tanto en música (excelente banda sonora) como en cine (referencias constantes a películas míticas), incluso juegos (para los más frikies). En definitiva un compendio pop, al que el mítico director ha sabido dotar de mucha calidad, sin caer en banalidades.
La película, es ante todo un entretenimiento brutal, pero hay un detalle muy importante en el desarrollo de la misma que la engrandece, y es que el director con los medios que hay en la actualidad a su alcance, podría haber incurrido en el exceso digital, y sin embargo a pesar de coquetear con ese error sale de lo más airoso, consigue que la narrativa no sufra y el aspecto visual no se coma al resto, algo que resulta ser de los puntos fuertes del film y eso a pesar de que la propia historia del film es, en si, un gran videojuego en cuya historia te metes de lleno desde el principio y ya no puedes despegarte de ella en toda la duración de la cinta, manteniendo siempre un alto nivel de interés.

Os dejo con el tráiler de este gran película.

7. Mission: Impossible - Fall Out de Christopher McQuarrie

Christopher McQuarrie dirige esta nueva secuela de una saga que iniciara Brian de Palma hace la friolera de 22 años. Pero aquí J.J. Abrahams y su talento para la diversión, ha pasado a ser el productor, con un guión cuyo experimento narrativo es archiconocido, la salvación in-extremis en el último minuto. En este caso, hay que admitir que se han superado, han rizado el rizo y la moneda ha salido cara, siendo esta cinta una muy electrizante película con un resultado espectacular y rotundo. Es por esto, que esta nueva parte de la saga puede convertiste por derecho propio en la mejor de todas, porque el equilibrio entre narración y espectáculo es tan alto, que merece y mucho darle ese galardón, ya que ante todo nunca pierde su esencia.

El director ha rodado de manera brutal muchas de las escenas, ha sacado músculo y además ha demostrado un dominio del lenguaje cinematográfico descomunal. Hay escenas de acción en esta película, que para mi pasan directamente a engrosar la lista de las 5 mejores, esa persecución por París en coche y moto, más esa pelea en los baños de la discoteca parisina dan fe de lo que digo. Si a esto le añadimos los giros con dobles juegos, las sorpresas argumentales (a veces argumentos rebuscados), el resultado es realmente excelente. Está claro que esta saga no presenta síntomas de agotamiento ni pausa, desde que remontara el vuelo hace ya un tiempo va hacia arriba de manera increíble.

Os dejo con el tráiler del film.

8. El Reino de Rodrigo Sorogoyen

Rodrigo Sorogoyen dirige y co-guioniza junto a Isabel Peña la película El Reino. Ya en su anterior trabajo "Que Dios nos perdone" (2016) me dejó buenas sensaciones. Pero aquí va más allá y asalta un tema que en los últimos años está en todos los telediarios de todas las televisiones a todas horas, la corrupción.

Manuel López Vidal (Antonio de La Torre) es un influyente vicesecretario autonómico, con carisma y querido en el partido (no se especifica cual en toda la película) en el que milita, y donde le espera una carrera fulgurante que tiene trazas de llegar a lo más alto. en la política nacional. Es el típico tipo al que todo el mundo adora (mientras él es intocable), el rey de la fiesta, amigo de sus amigos y también un duro en el trabajo, al que no le tiembla el pulso para tomar decisiones drásticas. Su vida va de comilona en comilona, reuniones y vida social desahogada. Pero hay un momento en que empieza a observar como ese Imperio que ha construido se desmorona, a partir de unas filtraciones que le implican en una trama de corrupción junto a Paco Castillo (Nacho Fresneda), a quien detienen en primer lugar. Es ahí cuando los medios de comunicación empiezan a hacerse eco de las dimensiones del escándalo y a sacar todos los días algo nuevo, hasta llegar a la implicación del propio Manuel. Cuando todo eso sucede el partido cierra filas y solo Paco sale indemne, sin embargo Manu cae en el pozo siendo expulsado, señalado por la opinión pública y traicionado por los que antes eran sus amigos en los tiempos de vino y rosas.

Os dejo con el tráiler del film.

9. Avengers - Infinity War de Anthony & Jose Russo

Marvel ha vuelto a superarse, si bien con Civil War ya hicieron un juego de malabares impresionante con un nutrido grupo de superhéroes, aquí han rizado el rizo, si es que se podía rizar más. Pero cuidado, estamos ante una cinta oscura, muy intensa, con muchos momentos dramáticos, y con un despliegue espectacular. Pero éste éxito, se debe a una acumulación del trabajo realizado durante los últimos tiempos, aquí, por así decirlo, están agrupadas todas las virtudes de Black Panther, Thor Ragnarok, Doctor Strange, Guardianes de la Galaxia, etc., que han ido poniendo piedras para la construcción de tan magna obra. Se trata de una evolución lógica, repartida en muchos largometrajes y que tiene aquí un punto culminante.

Los hermanos Anthony y Joe Russo han vuelto a acertar de pleno, con una receta sencilla, y es aplicar la fórmula magistral que ha hecho que Marvel sea ese referente innovador y que no se estanca, en el mundo de las adaptaciones de cómics. Es decir, suman fuerzas, no dividen, y aprovechan al máximo todo lo que otros realizadores han aportado a la ya numerosa saga, y sobre todo, incidiendo en ese carisma que cada uno de ellos ya tenía por separado, por lo que el resultado solo podía ser magnífico, la unión de virtudes de todos los implicados, hace que la suma sea beneficiosa siempre.

Os dejo con el tráiler.

10. Black Panther de Ryan Coogler

Ryan Coogler dirige Black Panther, donde Marvel saca su enésimo film con un protagonista ya presentado con anterioridad, en concreto en Capitán América: Civil War. Allí aparecía un hombre pantera negro, y de hecho aquí los hechos que se narran transcurren temporalmente casi inmediatamente después, como nexo de unión, pero para únicamente, a partir de ahí, desarrollar una historia que tiene su propio mundo y que se aleja bastante de lo contado en aquella. Otro spin-off de uno de los superhéroes que todavía no tenía su film propio.
La película en si tiene una trama un tanto normalita, ya que digamos que debe crear la base idónea para el personaje, y la historia alrededor para contar el ascenso a Rey en su país del protagonista, T'Challa. Ese país es Wakanda, una nación aislada pero muy avanzada tecnológicamente, usando el Vibranium, un material que extraen de un meteorito que cayó en la tierra tiempo atrás y a la que Black Panther regresará para defender su trono, no sólo ante otras tribus que le quieren destronar, sino ante amenazas del exterior, que pondrán en peligro la seguridad mundial.

Os dejo con el tráiler del film.

Las mejores películas de 2018 (11-15) Parte 3

Aquí ya vamos con un tramo de películas que aunque no acaban de ser redondas para el que escribe, si que tienen momentos o partes en sus películas que me atraen especialmente, y situaciones, actuaciones o simplemente pasajes de cierta envergadura. Aquí están una película que nos habla de lo que sucedía hace 20.000 años, y como superaban situaciones adversas en una bonita historia, un simbionte de Marvel que ya iba mereciendo un film, una segunda parte de un spinoff de Marvel que está realmente entretenida, una divertida película en la que se mezcla la historia de Don Quijote con la de un director de cine algo curioso, y por último la segunda parte de otro spinoff de Marvel, ese antihéroe tan divertido.

11. Alpha de Albert Hughes

Alpha, es un film dirigido por Albert Hughes, que además es el productor y guionista junto a Daniele Sebastian Wiedenhaupt. En esta historia nos llevan al Paleolítico Superior europeo, hace unos 20.000 años, y nos cuentan como un joven cazador de una tribu, que ha recibido el visto bueno para iniciar el viaje que hacen cíclicamente para cazar, tendrá un dura prueba de vida. Allí sufrirá un aparatoso accidente por un búfalo y caerá por una pared quedando malherido e incosciente. La tribu le dará por muerto, este chico llamado Keda, se sobrepondrá a unas nevadas glaciares que le pisan los talones, a los peligros de la fauna de la zona que le acechan, etc...

Hay, como no, antecedentes de este tipo de films, tanto en el aspecto histórico "En busca del fuego" (Jean-Jacques Annaud, 1981) o en el de la relación con los lobos "Colmillo blanco" (Randal Kleiser, 1991), incluso con aspectos de "El Renacido" (Alejandro González Iñarritu, 2015) obvios.

Pero Alpha sigue las directrices del subgénero, y se acerca de manera original al drama hombre-animal y su unión para sobrevivir a la propia naturaleza. El resultado es sobradamente entretenido (a mi se me hizo corta), consigue que durante la hora y media de proyección no apartes la mirada de la pantalla. A ello contribuye mucho también los sobrecogedores paisajes con una gran fotografía, y el ignoto idioma en el que se han rodado los diálogos (que indudablemente pierde en el doblaje).
La única pega es que la historia del chaval podría tener más profundidad, pero por poner una, que en ningún modo desmerece.

Os dejo con el tráiler del film.

12. Venom de Ruben Fleischer

El Universo Marvel tenía una deuda pendiente con Venom, el simbionte que nunca había sido llevado a la gran pantalla, después de muchos e inacabados intentos. Pero ahora mismo en la franquicia todo es posible, y esta versión ha salido con Ruben Fleischer como director, que prometió un film adulto y parece que la cosa ha quedado bastante suavizada y más enfocada a un público adolescente, además de los 40 minutos recortados. La película se convierte pues en un divertimento sin más, con un guión que no acaba de explotar, y un protagonista como Eddie Brock, encarnado por Tom Hardy, continuamente desquiciado.

Es a partir de cuando el simbionte posee a Eddie, donde todo se vuelve patas arriba e incluso Tom Hardy acabará bastante perdido desde entonces. Lo único que salva la película es la continua sucesión de momentos chanantes, que hacen que no te aburras.

Venom toma elementos que interesan de las aventuras originales de Marvel Comics, pero no el origen ni el propio comportamiento de los protagonistas de David Michelinie y Todd McFarlane.
Por cierto, maravillosa la escena post-créditos, que como casi siempre, abre la puerta a una segunda parte.

Os dejo con el tráiler.

13. Ant-Man and The Wasp de Peyton Reed

Marvel y su universo cinematográfico se ha agrandado tanto, que ya los spin-off de personajes secundarios tienen hasta segundas partes, y en el caso de Ant-Man, que ya en 2015 me pareció muy interesante, vuelve a estar dirigida por Peyton Reed y mejora aún más aquella propuesta inicial. Si bien aquella primera era lógicamente la explicación y el génesis de este pequeño superhéroe que se agiganta y empequeñece, en esta segunda y repitiendo con los mismos actores tiene un ritmo mucho más alto y toques de comedia que la hacen divertidísima.

Un auténtico acierto de film, que además consigue que disfrutes como un crío en la butaca. Hay que destacar como es lógico, que toda segunda parte suele contar con mayor presupuesto, si la primera tuvo éxito, por tanto era de esperar que la factura técnica y visual mejorara y vaya si lo ha hecho. También se han cuidado más los detalles y se han currado una cantidad de guiños, que dan mucho que pensar para los frikies de las anécdotas. Estos claros avances también afectan al director, que se muestra más solvente y resolutivo, con lo que consigue una agilidad espectacular, que quizás la anterior cinta no tenía.

Os dejo con el tráiler.

14. The Man who killed Don Quixote de Terry Gilliam

Terry Gilliam, el ex Monty Python, dirige este film después de llevar detrás de rodarlo 25 años, y haber podido por fin sacar adelante el proyecto. A finales de los años 90 comenzó el rodaje con Johnny Deep como Sancho Panza y Jean Rochefort como Don Quijote, pero aquel rodaje se suspendió por problemas económicos, inundaciones, un accidente del protagonista, etc., algo que obligó a su cancelación y que quedó reflejado en el documental "Perdidos en la Mancha" (con vocación de making of). Después de infinitos problemas, incluso un antiguo productor que quiso impedir su estreno en Cannes, la cinta clausuró el festival y todo salió adelante. Se ha rodado en España casi toda, Navarra, Madrid y Toledo, pero también Portugal. 

Dicho esto, mi concepto global de la película es mejor de lo que esperaba, teniendo en cuenta que la lectura del Quijote y su traslado a la pantalla es algo que ya sucedió en otros trabajos digamos más fieles, y que no resulta fácil, además de que en este caso concreto hay una subpelícula que yace por debajo del propio film. Estaba claro por donde iría el concepto de Gilliam, y de su guionista Tony Grisoni que adaptan a su manera la novela de Miguel de Cervantes, es decir, tiene la exageración, incluso lo grotesco como signos identificativos, y se permite ciertas licencias acorde a su propia historia. Algo que queda claro ya en el inicio, ya que el director de esa nueva versión (niño mimado del jefe) descubre de forma muy sorprendente, una copia de la adaptación que libremente hizo cuando era estudiante, y por tanto era una persona diferente.

Os dejo con el tráiler del film.

15. Deadpool 2 de David Leitch

La segunda parte de Deadpool tiene novedades con respecto a la exitosa primera, por un lado el cambio de director, ya que Tim Miller, por desavenencias creativas con el propio Ryan Reynolds, que aquí es uno de los guionistas, ha sido sustituido por David Leitch, al que recuerdo por Atomic Blonde y la primera parte de John Wick. El resultado es un film muy divertido, que no acaba de llegar al nivel de la primera, pero que asegura entretenimiento.

Conocer la génesis y evolución de este personaje se me antoja esencial, ya que Deadpool representa una conjunción o mezcla de varios temas clásicos en la era moderna del cómic, por un lado el humor negro, la sexualidad por otro, el "anti heroísmo" (el menos convencional de Marvel sin duda) además de la reflexión y la crítica. Incluso y por si fuera poco, hay una similitud curiosa con otro antihéroe de la literatura universal, el Quijote de Cervantes, con el que comparte el delirio y el humor.
Pero el problema que le veo a esta secuela es que mete referencias y parodias a mucha velocidad sin pisar el freno, disfrazándolo de ficción superheroica, aunque por encima de la calidad de esos chistes o gags. Aquí el protagonista, Wade Wilson (Deadpool) es otra vez irrespetuoso, sanguinario, mal hablado e irreverente, de hecho en muchos momentos no cumple en absoluto con las reglas que debe cumplir un superhéroe, se las salta a la torera. Y es ahí, donde parece precisamente que la película resbala, porque se acaba convirtiendo en una historia de redención personal para quizás acoger a otro tipo de público, todo ello mezclado con el personaje que vimos en la primera entrega, y su naturaleza ya conocida.

Os dejo con el tráiler.