Big Bang Theory

 

Si hay una serie, que cuando entras en ella no paras de pasarlo bien, esa es Big Bang Theory.

La serie comienza con la llegada de Penny (Kaley Cuoco), aspirante a actriz, al apartamento vecino que comparten Sheldon (Jim Parsons) y Leonard (Johnny Galecki), dos físicos que trabajan en el Instituto Tecnológico de California (Caltech). Leonard se enamora a primera vista de Penny con la que acabará siendo pareja.

Leonard y Sheldon son intelectuales brillantes en su trabajo, son doctores en física, amigos a su vez de Howard (Simon Helberg) y Raj (Kunal Nayyar), que son auténticos geeks, unos freakis de mucho cuidado.

Howard Wolowitz es un ingeniero pseudo-galán de origen judío, paradigma de una película psicodélica de los sesenta. Rajesh Koothrappali es astrofísico de nacionalidad india. En el curso de la serie, se muestra la dificultad de los protagonistas masculinos para relacionarse con personas fuera de su entorno, principalmente de sexo femenino, dando lugar a situaciones cómicas de una calidad extraordinaria.

Os dejo con el principio de uno de los capítulos, dónde Sheldon enseña física a Penny.

 

Y también ese capítulo dónde Penny le regala a Sheldon un regalo de navidad.

 

Rush (2013)

Cartel del film

 

 

Para un apasionado de la Fórmula 1 desde hace muchos años como yo, era imprescindible ver ésta película centrada en la rivalidad entre el británico James Hunt (Chris Hemsworth) y el austriaco Niki Lauda (Daniel Brühl) desde la Fórmula 3 hasta su llegada a la Fórmula 1 y la lucha que ambos mantuvieron por los campeonatos mundiales, centrándose ante todo en los de 1975 y 1976. Especialmente centrada en la temporada de 1976, dónde Lauda sufrió un accidente que casi le cuesta la vida.

   Chris Hemsworth & Daniel Brühl

 

La cinta no es exactamente una película de carreras en el sentido estricto. No trata tanto de recrear el mundo de la F1 (como fue el caso de 'Grand Prix') sino el enfrentamiento de dos estrellas de carácteres opuestos, del juerguista y de vida alegre Hunt, y el metódico, trabajador y frío Lauda (un hombre que cambió muchos aspectos de la vida profesional de un piloto), cuya relación con el resto de compañeros era difícil.

James Hunt, de la vieja escuela, quizás el último gran playboy piloto y a la vez 'enfant terrible' sin ningún pelo en la lengua y políticamente  incorrecto... está magníficamente interpretado por el australiano Chris Hemsworth, aunque en sus inicios fuera piloto del equipo de Lord Hesketh, el último aristócrata del automovilismo. Un hombre, James, capaz de pedir matrimonio a Susie prácticamente el mismo día de conocerse en una juerga y casarse con ella dos meses más tarde; Susie y James se divorciaron y ésta se caso con Richard Burton.

 

 

El duelo se centra en dos carreras de ese 1976, la de el GP de Alemania en Nurburgring, dónde Lauda se quemó gran parte de su cuerpo en un terrible accidente, y el GP de Japón en Fuji, dónde se decidía el campeonato en una carrera marcada por la lluvia incesante. También se hace referencia al no menos importante GP de España en el Jarama, dónde Hunt fue desposeído de la victoria, para tiempo más tarde serle devuelta, lo que le dió grandes opciones para ganar el campeonato.

 

Extraordinaria película, en el que Niki Lauda está espectacularmente caracterizado, y todos los actores secundarios están perfectos.

El film recrea fielmente la época. Los coches empleados son auténticos, propiedad de coleccionistas y museos o todavía en poder de las propias marcas. Como dato, el Tyrrell de seis ruedas no era un modelo de 1976 sino de 1977, pero se reconstruyó una carrocería del 76 para que fuese fiel. También el vestuario corresponde a la época.

Os dejo con el tráiler de ésta muy recomendable película.

 

Escenas míticas del cine (XVI)

Corría el año 1992, y un joven Quentin Tarantino realiza su primera y gran película. Tarantino, quien en sus inicios trabajó de empleado en una tienda de vídeos en Los Ángeles, originalmente iba a filmar la película junto a unos amigos con un presupuesto de 30.000 dólares, y en un formato de 16 mm, sin embargo la implicación de Harvey Keitel, no sólo como actor sino como productor, fueron capaces de aumentar el presupuesto a 1'2 millones de dólares, un gran logro para una película independiente, en todo caso una pequeña fracción de lo que sería una típica producción de Hollywood de la época. Por eso se la considera un hito dentro de la escena independiente americana.

 

Seis criminales profesionales son contratados por Joe Cabot (Lawrence Tierney) y su hijo Nice Guy Eddie (Chris Penn) para un trabajo. No se conocen entre sí y se mantienen en el anonimato, escondidos bajo nombres de colores: el señor Naranja (Tim Roth), el señor Blanco (Harvey Keitel), el señor Rosa (Steve Buscemi), el señor Rubio (Michael Madsen), el señor Marrón (Quentin Tarantino) y el señor Azul (Edward Bunker).
Me quedo con la mítica escena en la que les son asignados los colores a cada uno y las consecuencias que ello genera en el grupo. "¿Porqué yo Señor Rosa? Por maricón!!!"

Disfrutad de esta mítica escena.

 

Rope (1948)

Cartel del film

Y volvamos con el maestro del suspense, Alfred Hitchcock, en una de sus películas que logran por momentos alcanzar la perfección, o por lo menos se le acerca. Quizás sea el mayor capricho del cineasta inglés, ya que se trata de una película de un único escenario (el interior de un apartamento) que Alfred (quien por primera vez se hacía cargo de la producción en solitario) pretendió rodar un único plano y en tiempo real. Eso la hace única en su filmografía, y también el hecho de que fue la primera en color. La soga está rodada en 10 planos secuencias de 8 minutos, justo la cantidad de película que podía soportar la cámara. Las transiciones entre dichos planos son sutiles durante el metraje de la película, utilizando elementos como las chaquetas de los actores.

  

 Farley Granger, James Stewart y John Dall

 

Dos compañeros de piso y estudiantes, Brandon y Phillip (John Dall y Farley Granger), asesinan (con una soga, por supuesto) a su otro compañero de piso, David (Dick Hogan), para demostrar que el crimen perfecto es posible. Tras el asesinato, ocultan el cuerpo en un baúl, poco antes de que empiece la fiesta que habían organizado en su apartamento a la que están invitados, entre otros, los padres de David, su prometida, y el ex novio de la misma y amigo común. Un invitado destacará por encima de los demás. El antiguo tutor de instituto de los tres compañeros, Rupert (James Stewart) que es un hombre extréncico y extremadamente inteligente, el único realmente capaz de llegar a sospechar algo de un asesinato milimétrico y cuidado al detalle. A medida que transcurre la fiesta y todos los invitados se preguntan dónde esta David, las sospechas empiezan a despertarse, el ambiente se enrarece y los nervios se desatan... El resultado es, como cabría esperar de Hitchcock, una velada inolvidable.

 

                                                     

Disfrutad de esta obra maestra.

 

Balada Triste de Trompeta (2010)

  Cartel del film

Anoche pusieron en la 2 ésta película de Álex de la Iglesia, que en su día no pude ver en el cine (menudo añito el 2010) y en cuyo debate posterior estaba el director y Antonio de la Torre, uno de los protagonistas principales. Mucho se escuchó en su día de que si era la mejor película en años de Alex, que si Tarantino aplaudió como un poseso en la proyección de un famoso festival, etc.,

  Fernando Guillén Cuervo

En el año 1937 en plena guerra civil, tropas republicanas irrumpen en un circo, durante un espectáculo para reclutar a sus empleados y utilizarlos como soldados para luchar contra las tropas nacionales. Uno es el payaso tonto (Santiago Segura) y otro el triste (Fofito).

Sin embargo, el payaso triste se niega debido a que el lugar está lleno de ancianos y niños, entre ellos, Javier, el hijo del payaso tonto. Después de haberlos metido en la guerra, comienza una batalla donde el payaso tonto mata a varios soldados a machetazos, pero los sublevados lo atrapan, y tras el fin de la guerra lo meten en la cárcel.

Muchos años después, uno de los niños de aquella escena, ya adulto, y en los últimos años del Franquismo lucha con otro payaso (Carlos Areces y Antonio de la Torre son ambos payasos protagonistas) por el amor de una muy atractiva trapecista (Carolina Bang).

Santiago Segura

Javier (Carlos Areces) consigue empleo en un circo y se enamora de Natalia (Carolina Bang) la trapecista, novia del payaso tonto del circo, Sergio (Antonio de La Torre) que es un tipo torturador, maltratador, agresivo y machista.

El problema llega cuando ambos payasos se pelean por el amor de Natalia, y Javier deja desfigurado a Sergio, huyendo por el bosque, y siendo atrapado por los fascistas enemigos del padre de Javier, que lo reconocen por un collar que lleva. A partir de ahí, Salcedo (Sancho Gracia) lo humillará, lo que hará nacer en su interior a un personaje totalmente destructivo. 

Carlos Areces

Javier consigue escaparse de los fascistas, después de morder la mano de Franco (mítico momento), vestido de un terrorífico payaso y pertrechado de ametralladoras... acaba convirtiéndose en el payaso vengador.

Para liberarse de todas las injusticias, comienza a asesinar gente por la calle, tal y como le había mandado una aparición de su padre en una película de Raphael, producida por una alucinación. "El humor es para los débiles. Si no se ríen, acojónalos".

Carolina Bang

  

Para mi, de los films realizados por Alex de La Iglesia, tengo en un altar a El Día de la Bestia, y La Comunidad, auténticas obras maestras, y en muy buena estima a Crimen Ferpecto y Muertos de risa, y ésta película anoche me dió la sensación por momentos de estar a la altura de las mejores y por otro terminar de contar algo que ya había reflejado en películas precedentes, pero con cierta irregularidad.

 La dupla de los protagonistas se me asemeja a la de Muertos de risa, dónde ambos acaban luchando por lo mismo, y por otro lado la parte violenta (que está muy bien) me recuerda al Día de la Bestia, pero con menos humor. Aquí tanto Antonio de la Torre como Carlos Areces están soberbios.

  

Siendo una película muy buena por momentos, me parece que le falta rematar la faena, con una coherencia mayor en todo el film.

Os dejo con el traíler del film.

2001: A Space Odyssey (1968)

 Cartel del film

En 1968 Stanley Kubrick dirige ésta obra maestra del cine, en colaboración con Arthur C.Clarke, que co-escribió el guión. Es quizás, y sin exagerar, la película más compleja jamás realizada, fascinante desde los títulos de créditos hasta el enigmático y "todopoderoso" final, explorando por el camino nuevos conceptos visuales y narrativos, eliminando casi los diálogos (la primera palabra es en el minuto 20 del film), y capaz de mezclar y agitar en una misma coctelera filosofía, historia, ciencia-ficción, antropología, teología, tesis morales, etc., capaz de inventar el paisaje y nuevos caminos para la fotografía, de hacer de una película un concepto metafísico que va más allá, y de utilizar la música clásica como banda sonora, provocando un resultado portentoso.

En definitiva, marcó un hito por su estilo de comunicación visual, sus revolucionarios efectos especiales, su realismo científico y sus proyecciones vanguardistas. Todo esto antes de que el hombre hubiera llegado a la Luna...

The dawn of man

Su trama se centra en un equipo de astronautas, que trata de seguir las señales acústicas emitidas por un extraño monolito hallado en La Luna, el satélite de la Tierra, y que parece ser obra de una civilización extraterrestre. El reparto está integrado por Keir Dullea como Dave Bowman, Gary Lockwood como Frank Poole, Douglas Rain como la voz de HAL 9000 y William Sylvester como el Dr.Heywood Floyd.
Es una cuenta atrás hacia el futuro, un mapa del destino humano, una conquista del infinito, un apasionante drama sobre el hombre que lucha contra la máquina.

No voy a engañar a nadie, 2001: Una Odisea en el espacio, es una experiencia tan diferente, tan puramente subjetiva, que se hace muy cuesta arriba para un espectador normal. Muchas secuencias son duras de soportar, alumbradas únicamente por el silencio, la atmósfera de la soledad en el espacio, por el frío y descorazonador ambiente que transmite la nave espacial, todo ello puede resultar incluso aburrido en un primer visionado... y entonces ¿qué es lo que hace de ésta película el cénit de la ciencia-ficción? ¿qué tiene para que legiones de espectadores la contemplen, la comenten con entusiasmo (como yo con un amigo el viernes en uno de mis garitos favoritos), la hagan objeto de estudio, la desmonten y analicen hasta sus mínimos detalles?... Es difícil de explicar, porque toda la película en si es un enigma, hipnótico y especial...

Recordemos que Kubrick era un detallista impresionante y toda su labor de documentación antes de hacer cualquier película era inmensa. Pareciera que Kubrick, en todo momento, trata de eliminar el elemento humano de la cinta, de hacer una película tan futurista (ojo en 1968 y lo hace de manera espectacular) que parece estar pensada para droides del futuro y no para los espectadores del presente, sin ir más lejos cuando suena el Danubio Azul de Johan Strauss, las conversaciones entre los miembros de la tripulación no se oyen aposta.

De hecho, quizás el personaje más importante de la película sea un no humano, una voz en off que hace de la máquina HAL 9000, y que además tiene un efecto determinante en la trama inicial principal de la película.

Pero lo que realmente fascina de éste film, es la atmósfera con la que cuenta, partiendo de una fotografía fuera de lo normal, salvaje, arriesgada, de colores que queman la retina desde los amaneceres en rojizos en un remotísimo pasado, cuando el hombre aún no era hombre, sino un primate, saltan a la vista, dónde los blancos impolutos de la nave espacial (incluídos los de la azafata fantástica) estallan en el espacio con la Tierra de fondo, llena de colores, el cielo desprende una gran gama de luces, hay imágenes preciosas en si mismas inolvidables.

Quisiera destacar varias escenas.

Primera:

La secuencia inicial del filme se inicia con la imagen de la Tierra ascendiendo sobre la Luna, mientras que el Sol asciende a su vez sobre la Tierra, todos en alineación. En este momento comienza a escucharse la composición musical "Así habló Zarathustra" de Richard Strauss, la misma que acompaña, en su mayoría, la primera parte de la película titulada El amanecer del hombre.

Luego está la Misión a Júpiter.

Segunda:

En el año 2001 la nave espacial Discovery 1 viaja hacia Júpiter con cinco tripulantes, tres en hibernación, dos despiertos, David Bowman y Frank Poole, y un supercomputador de última generación llamado HAL 9000 que gobierna la nave utilizando inteligencia artificial, lo que le permite comunicarse con los humanos mediante el habla.

Aquí el Adagio con el que empieza la segunda parte.

Y por último Júpiter y más allá del Infinito.

Tercera:

Cuando desactiva al ordenador HAL 9000 y su voz en off, que antes de apagarse está cantando una canción.

Tal vez el paso del tiempo, hace ya más de una década que dejamos atrás el 2001, y la llegada de nuevas tecnologías que dejan obsoletas algunos de los efectos especiales que se muestran en la cinta, hacen que el film haya perdido algo de vigencia. Pero cuando algo se convierte en un símbolo, da igual la edad que tenga y las arrugas que le salgan.

Monty Python - El chiste más gracioso del mundo (1969)

El chiste más gracioso del mundo (The Funniest Joke in the World), también conocido como Chiste asesino o Chiste de guerra es un sketch del programa Monty Python's Flying Circus. El gag apareció en el primer capítulo de la serie el 5 de Octubre de 1969, y la premisa de la escena trata sobre un chiste tan gracioso, que aquel que lo lea o lo oiga se muere de risa.

 

Inglaterra en tiempos de la Segunda Guerra Mundial, dónde un escritor de chistes británico (Michael Palin) consigue crear el chiste más gracioso del mundo, pero tras leerlo, yace muerto por la risa.

Su madre (Eric Idle), pensando que se trata de una nota de suicidio corre la misma suerte al leerlo. La alarma se extiende por todo el país, y un inspector de Scotland Yard (Graham Chapman) intenta sacar el chiste de la casa, ayudado por un grupo de policías que se encargan de cantar lamentos y crear una atmósfera depresiva... pero dicha argucia acaba con la vida del inspector, que muere en el intento.

 

Uno de los sketcks de humor absurdo más geniales de la historia, de uno de los grupos humorísitcos más grandes que ha habido.

 

Disfrutad del tremendo gag.

 

 

The King's Speech (2010)

Cartel del film

 

 

 

 

 

Tom Hooper dirige en 2010, éste drama histórico biográfico basado en hechos reales. El Duque de York (Colin Firth), Bertie para su familia, se convirtió en Rey de Inglaterra con el nombre de Jorge VI (1936-1952), tras la abdicación de su hermano mayor, Eduardo VIII (dedicado a la buena vida). Su tartamudez, a la hora de hablar en público, era un gran inconveniente en el ejercicio de sus funciones, por lo que su esposa (Helena Bonham Carter)  decide buscar la ayuda de Lionel Logue (Geoffrey Rush), un experto logopeda australiano, que consiguió, empleando una serie de técnicas poco ortodoxas pero efectivas, eliminar el defecto del Rey.

Colin Firth y Geoffrey Rush

 

Lo que nos muestra ésta película británica son muchas cosas, pero ante todo, me quedo con dos, primero que hablamos de los años 30, dónde cualquier discurso era oído sólo por radio, no había ni televisiones, ni internet, por lo que en aquella época los discursos eran muy preparados y había grandes oradores, siendo las apariciones públicas más bien escasas, lo que permitía esconder muchos fallos o errores.

En segundo lugar, la relación de amistad que va surgiendo entre el Rey y el Señor Logue, un logopeda en el que confiará ciegamente para realizar su discurso radiado a toda la Nación, en momentos históricos delicados, pero que además aquí en el film están salpicados de momentos de humor de muy buen tono.

 Colin Firth

 

Realmente espectacular el comienzo del film, dónde Bertie se enfrenta aterrorizado a un micrófono y a su tartamudez, cumpliendo el encargo de su padre, el Rey George V, de clausurar la exposición universal de Londres. La cámara, tras presentarnos a su "enemigo" el micrófono, dedica unos primeros planos a un nerviosísimo Colin Firth, abre el angular y nos pone en la piel de el entonces Príncipe, enfocado por multitud de rostros que esperan impacientes su discurso, y que poco a poco se tornan en caras de decepción, disgusto y compasión. Contraplano al rostro de Helena Bonham Carter que, sin apenas moverse, muestra su amor incondicional por su marido, y el sufrimiento que conlleva su problema, para volver al rostro del abatido Firth.

Geoffrey Rush, Colin Firth & Helena Bonham Carter

 

 

 

 

 

A destacar las interpretaciones de Firth y Rush, que me parecen impecables, en un duelo de altura. Firth es un prodigio de sensibilidad, cada gesto implica un mundo de sensaciones, sus miradas de pánico conmovedoras, mide los tempos, administra la energía, y humaniza a un personaje difícil, con muchas aristas. Rush, al que venero, está simplemente genial, un tipo rebosante de humanidad, y a pesar de ser un actor fracasado, ve el potencial de Bertie y no duda en sacar todo lo que lleva dentro, para ser el Rey sin complejos que debe ser. Su personaje del logopeda Lionel Logue está chispeante, su energía brota y casi se sale de la pantalla, y nos anima e infunde ánimos, de que podemos ser mucho mejores.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Film espléndido que recibió 4 Óscars, a mejor película, director, guión y actor principal (Colin Firth). Ahí dejo la reflexión, pero si la casta política que tenemos en éste país tomara nota y fuera más humilde, lo mismo otro gallo cantaría...

 

Os dejo con la relatada escena inicial, para mi impresionante.

 

 

Y también, el último discurso, dónde se ve la clara evolución.

 

Curro Jiménez y los bandoleros.

Cartel de la serie

 

 

 

 

Una de las series de mi vida, es sin duda, Curro Jiménez. Una serie española, emitida en TVE entre 1976 y 1978, creada por el dramaturgo uruguayo Antonio Larreta.

Está basada en el bandolerismo andaluz del siglo XIX, cuya acción tenía como escenario principal la Serranía de Ronda. Aunque, la figura de Curro Jiménez, está basada en la de un bandolero que realmente exitió, Andrés López, el Barquero de Cantillana, personaje de ese siglo, al que por pleitos con la justicia le fue arrebatado su oficio de barquero y tuvo que abandonar su pueblo (Cantillana, en Sevilla) y echarse al monte.

 

 

 

 

 

 

Curro Jiménez

 

Sus protagonistas eran cuatro bandoleros, que conformaban la banda de Curro Jiménez (Sancho Gracia), El Algarrobo (Álvaro de Luna), El Estudiante (Pepe Sancho) y el Fraile (Francisco Algora), que al morir en la serie, fue sustituido por El Gitano (Eduardo García), como personaje principal, aunque ya en los primeros capítulos salía como uno más de la banda.

 

Visto lo visto, con la situación que tenemos, habrá que echarse al monte, porque esto tiene muy mala pinta.

El Estudiante, Curro y Algarrobo

 

 

 

 

 

El personaje de Curro demuestra a lo largo de toda la serie dos cosas, primero que es un luchador listo, nato, y muy bueno a la navaja, además de un buen negociador, y respetando siempre a los más débiles, pero también un conquistador de bellas mujeres.

Además se complementa a la perfección con Algarrobo, el más fuerte y terco de la banda (y menos listo, pero más noble), El Estudiante como un Don Juan, que también cuaja a la perfección en su papel de segundo de abordo, y El Gitano, cuya sorda labor es fundamental.

Cada vez que repiten capítulos de la serie me los veo con devoción, porque me recuerda a mi abuelo, con quien veía la serie de pequeño, cosa que le encantaba, a él se lo dedico.

 

Os dejo con dos capítulos de la serie y disfrutarlo los que no lo conozcáis, y a los que si, el recuerdo fantástico.

 

 

Capítulo 10 (Primera temporada), "Los Rehenes" dirigido por Pilar Miró.

 

 

 

 

 

Capítulo 19 (Segunda Temporada), "En la Boca del Diablo" dirigido por Mario Camus.

 

The colour of money (1986)

Cartel del film

El color del dinero es una película de 1986 dirigida por Martin Scorsese y protagonizada por Tom Cruise y Paul Newman. Podría considerarse que es como la segunda parte de la historia de Eddie "Relámpago" Felson, narrada en el film El Buscavidas de Robert Rossen (1961).

Paul Newman, que ya fue protagonista de la película de 1961, vuelve a interpretar al enigmático personaje de Eddie, quien después de más de 20 años sin jugar al billar, vuelve a la vida cuando ve aparecer en su local de retiro al jóven Vincent Lauria (Tom Cruise).

Tom Cruise y Paul Newman

El viejo"Buscavidas", al que sólo vencían sus propios fantasmas, vuelve a renacer al verse feflejado veinte años atrás en ese jóven chico que, ante sus ojos, da una paliza de escándalo a Julian (papel que interpreta un jóven John Turturro).

Ello hará que un ya retirado y oxidado Eddie Felson vuelva a desenfundar su viejo "Balabushka" y ponga rumbo a la carretera, como antaño, junto a su jóven e inexperto aprendiz.

El buscavidas es uno de los filmes capitales del cine americano de los años 60 y un título mítico dentro de la dilatada y fascinante carrera de Newman. El color del dinero parte desde la inferioridad estética y, sin embargo, se erige en un poderoso retrato de la ambición, el peso del pasado, la redención, el reencontrarse con uno mismo.

Es un relato áspero, acerado, poco complaciente de cara al espectador, que indaga de manera incisiva en la personalidad de un sujeto a menudo despreciable o moralmente ambíguo, cuya lucha interior por averiguar quien fue, es una de las historias más emocionantes del cine americano de los 80.

Escena de El Buscavidas

A Paul Newman éste film le proporcionó el Óscar que la academia no le quiso dar por El Buscavidas.

En cuanto a la música, corre a cargo de Robbie Robertson, pero Martin recurre a Phil Collins, Eric Clapton y otros artistas en boga de la época, además de que Iggy Pop hace un cameo en el film.

Disfrutad de ésta gran película.

60 años de Vacaciones en Roma.

 Cartel del film

60 años se cumplen del estreno de Vacaciones en Roma de William Wyler, una de esas películas inolvidables que encima sirvió para el descubrimiento de una enorme actriz, en este caso Audrey Hepburn, muy jovencita en aquel momento, y que por si fuera poco recibió el Óscar de la Academia por su interpretación. Una de las anécdotas, de las muchas que tiene éste rodaje, es que William Wyler, en la prueba a Audrey, a la que notó nerviosa, prefirió que siguiese interpretando, a pesar de haberle dicho que la prueba había acabado, es ahí dónde ella le convenció.

Otra de las grandes anécdotas, es que el papel de Joe Bradley estaba preparado para Cary Grant, pero el galán lo rechazó, ya que se veía demasiado mayor para compartir reparto con la jovencita Audrey, papel que pasó a manos del gran Gregory Peck que lo borda, y además tuvo el detallazo de pedir que en los títulos de crédito, su nombre y el de ella tuvieran el mismo tamaño.

Anna (Audrey Hepburn) es una muchacha aburrida de sus monótonos quehaceres como princesa.

Cuando llega a Roma, se escapará de su jaula dorada para visitar anónimamente la ciudad eterna en compañía del periodista Joe Bradley (Gregory Peck), quien junto a su amigo fotógrafo Irving (Eddie Albert), intentarán aprovechar la coyuntura para realizar el reportaje del año.

Ella está encantada por conocer la ciudad como una persona más. Durante el día que pasan juntos, se divierten, pasan bochornos en la vía pública, van a una fiesta nocturna, surge algo entre ellos hasta que descubren que se han enamorado. Cuando la ausencia de la princesa ya no se puede prolongar, surge el conflicto entre el deber y los sentimientos y ella debe tomar una dura decisión. La princesa se despide de Bradley diciendo que jamás olvidará esos momentos y se besan apasionadamente como despedida final.

"La princesa está triste, ¿qué tendrá la princesa?", decían unos versos del poeta Rubén Darío. En esta ocasión lo que le sucede a la muchacha, es que está harta de sus responsabilidades diplomáticas, le duelen los pies de tanta recepción a embajadores y nobleza de la vieja Europa, y quiere volar libre por las dicharacheras vías romanas, con sus vespas (un detalle muy mod en el 53), bicicletas y antiguos monumentos iluminados por un tórrido sol.

En definitiva Vacaciones En Roma es una seductora y elegante comedia romántica, de esas que da gusto recordar en muchos momentos, y que pasa muy bien el tiempo.

Os dejo con una mítica escena, cuando Bradley enseña La boca de la verdad a la princesa...

Das Leben der Anderen (La vida de los otros) (2006)

  Cartel del film

Florian Henckel von Donnersmarck dirige en 2006 ésta extraordinaria película, La vida de los otros, que recibió el Óscar a la mejor película de habla no inglesa, que en su día pude ver de estreno en el cine, en una semana santa, y tal fue su impacto en mi, que a día de hoy sea posiblemente una de las películas de las que mejor recuerdo tengo después de haber sido vista más veces, ya que pasa muy bien el tiempo y sigue muy vigente.

George Dreyman y otros escritores

Se sitúa en el año 1984, en la antígua República Democrática Alemana, dónde el capitán Gerd Wiesler (Ulrich Mühe) es un hombre solitario y componente oficial del servicio de inteligencia y espionaje de la Stasi, la todopoderosa policía secreta del régimen comunista de la RDA.

Todo cambiará para él cuando le encomiendan que espíe a la pareja formada por el "peligroso" escritor Georg Dreyman (Sebastian Koch) y la popular actriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedenk, una auténtica belleza de actriz), pero ni se le pasa por la cabeza que esa misión influirá en su concepción de la vida y el mundo.

Gerd Wiesler

Gerd Wiesler es un convencido comunista y firma sus informes como HGW XX/7, pero no sospecha que el ministro de cultura Bruno Hempf (Thomas Thieme) respalda el proyecto con la intención de quitarse del medio a Dreyman y quedarse con su novia. Ésta había cedido a los avances del ministro, porque de lo contrario, su carrera de actriz peligraba. En esas, el teniente coronel Anton Grubitz (Ulrich Tukur), superior de Wiesler, intenta estimular su ya pronunciado olfato de espía, y seducirle con un ascenso si el proyecto es un éxito. 

La pareja

Un equipo de hombres de la Stasi cablea la vivienda de Dreyman, instalando micrófonos ocultos y se instala la central técnica en el desván del edificio. El espionaje permite a Wiesler, soltero y con una vida privada insignificante en su piso dormitorio decorado de la manera más espartana, observar el mundo del arte y los librepensadores, así como las relaciones interpersonales y la vida privada de ellos, de las que él no disfruta.

Eso acaba produciendo un cambio en el propio Wiesler, quien se siente atraido por un libro de Bertolt Brecht que había traido a casa de Dreyman en su cumpleaños su amigo y director teatral Albert Jeska (Volkmar Kleinert) quien tiene prohibición de trabajo por ser crítico con el régimen. Ese libro cambiará a Wiesler de arriba a abajo.

Christa-Maria Sieland

Casi todo el film fue rodado en Berlín, y el esfuerzo por hacer la reconstrucción de todos los detalles de la época muy logrado. La interpretación de Ulrich Mühe es espectacular, lo que en principio parece inexpresión, se encuentra regulado por él para apreciar a través de la vida de los demás como de triste es realmente su vida. Gélido, escrupuloso, encarna a un hombre inflexible y convencido de sus principios comunistas, en los que el régimen está por encima de todo. Sin embargo, debajo de cada impávido gesto, se engendran cambios en su personalidad, que con posterioridad hacen que cada pequeña variación en su rostro, sea traducida perfectamente por el espectador para descifrar los sentimientos de tan adusto personaje.

Lo más triste es que este actor falleció justo al año siguiente del estreno de la película, cuyo éxito fue evidente.

Os dejo con el trailer de ésta extraordinaria película, profunda y cargada de ritmo, cuyo final todavía me conmueve de una manera especial.

Black Swan (2010)

Cartel del film

 

 

 

 

 

Darren Aronofsky dirige en 2010 éste estresante y por momentos rayante drama que habla de la dureza que conlleva ser una bailarina de danza de alto nivel. La protagonista principal, Natalie Portman fua galardonada con un Óscar de la Academia por su impresionante interpretación de Nina.

 

 

 

 

 

Natalie Portman

 

 

 

Nina (Natalie Portman) es una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York, cuya vida, como la de todos los de su profesión gira y está completamente abosrvida por la danza. Nina vive con su madre, Erica (Barbara Hershey), una bailarina retirada que no consiguió ser famosa, que apoya con entusiasmo la ambición de su hija, y controlándola muy estrechamente. Cuando el director artístico Thomas Leroy (Vincent Cassel) decide sustituir a la primera bailarina Beth Macintyre (Winona Ryder) en la nueva producción de la temporada "El Lago de los Cisnes", Nina es su primera y sorprendente elección.

Natalie Portman & Vincent Cassel

 

Pero Nina tiene competencia, y muy dura, una nueva bailarina Lily (Mila Kunis) ha impresionado gratamente a Leroy. La obra requiere de una bailarina que interprete tanto al Cisne Blanco con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad. Nina se adecua sin problemas al Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Así surge una rivalidad entre ambas, que va más allá de una encrespada relación, y es ahí dónde Nina conecta con su lado más oscuro, una temeridad tal que amenaza con autodestruirla.

 

 

 

 

 

La lucha sin cuartel por el puesto de Reina Cisne es tan intenso como el de la lucha por la vida. Ambas actrices se dejan el alma y la carne, nunca mejor dicho, y comprometen hasta la última célula de su ser, en unos personajes que sufren constantemente. Ambas parecen obsesionadas por la autolesión, por la sublimación física de sus cicatrices. En éste film, asisitimos a una experiencia única de una intensidad que raya la paranoia, con tintes psicotrópicos en algúnos momentos y con aspectos algo barrocos.

Natalie Portman & Winona Ryder

 

 

 

El coreógrafo Thomas Leroy repite mil veces que Nina necesita descubrir su lado oscuro, incluso su más íntima sexualidad para interpretar a los dos cisnes del ballet de Tchaikovsky.

"La perfección no se trata sólo de control. También se trata de dejar ir, soprenderse uno mismo para que pueda sorprender a la audiencia. Eso es Transcendencia, muy pocos la tienen".

 

Mila Kunis & Natalie Portman

 

 

 

 

 

El reparto de actores y actrices es bárbaro, todos están rayando la perfección, aunque la película tiene una protagonista femenina principal que destaca y Aronofsky ve el mundo con los ojos de su heroína, y se mete dentro de su cuerpo y de su cabeza para que lo veamos y lo pensemos igual que ella, una delirante transformación.

 

 

Os dejo con el trailer de ésta buena película.