En 1994 Frank Darabont dirige Cadena Perpetua adaptando un relato corto de Stephen King, una de mis películas favoritas de siempre, con dos colosos de la interpretación como Tim Robbins interpretando a Andy Dufresne, y Morgan Freeman en el papel de Ellis Boyd 'Red' Redding. Andy es acusado del asesinato de su mujer injustamente, es condenado a cadena perpetua y enviado a la cárcel de Shawshank. Con el paso de los años, y gracias a su inteligencia, se gana la confianza del Alcaide Norton (Bob Gunton) y el respeto de sus compañeros de prisión, especialmente de Red, jefe de las pequeñas mafias de los sobornos en el talego. Gracias a todos los amaños de dinero con Hacienda que Andy hacía al alcaide, era muy bien tratado por todos los agentes de la prisión, también por el Capitán Hadley (Clancy Brown). En una escena mítica, una mañana en el recuento de reclusos en las celdas falta Andy, que por la noche estaba, pero por la mañana ya no, ante el estupor general y el cabreo del Alcaide, este intenta saber qué ha pasado con su "recluso favorito" que le blanqueaba todo su dinero sucio, pero al tirar cabreado y accidentalmente una de las piedras que Andy coleccionaba, hace un agujero en el póster de Raquel Welsh, y se dan cuenta del túnel que Dufresne durante años picó para poder huir, y finalmente lo consiguió.
Como decía ayer, en el año 2001 Jean-Jacques Annaud dirige Enemigo a las puertas, centrada en plena II Guerra Mundial, en concreto en 1942, en plena lucha de los ejércitos de Alemania y Rusia, desde la entrada alemana en territorio ruso, y la encarnizada lucha que mantienen en la famosa batalla de Stalingrado, donde se combate calle a calle y cuyo desenlace todo el mundo espera. Hay un francotirador ruso llamado Vassili Zaitsev al que da vida Jude Law, que persevera en la empresa de eliminar a sus enemigos uno por uno, siendo un tirador superlativo. El Comisario Danilov (oficial encargado de la propaganda soviética) al que da vida Joseph Fiennes, lo convierte en un héroe nacional (después de salvarle la vida) que debe servir de ejemplo para animar a las tropas a proseguir la lucha contra el ejército alemán, a pesar del gran número de bajas. Para contrarrestar al tirador soviético, los alemanes mandan a su mejor francotirador, el Mayor König (Ed Harris), lo que acabará convirtiendo el film en un duelo entre ambos a vida o muerte. La música fue compuesta por James Horner, ya conocido por el director con el que había hecho por ejemplo la música de El nombre de la rosa, que como era habitual lo hizo de manera precisa y concisa.
Os dejo con el tema inicial de la banda sonora titulado The river crossing to Stalingrad.
En el año 2001 Jean-Jacques Annaud dirige Enemigo a las puertas, centrada en plena II Guerra Mundial, en concreto en 1942, en plena lucha de los ejércitos de Alemania y Rusia, desde la entrada alemana en territorio ruso, y la encarnizada lucha que mantienen en la famosa batalla de Stalingrado, donde se combate calle a calle y cuyo desenlace todo el mundo espera. Hay un francotirador ruso llamado Vassili Zaitsev al que da vida Jude Law, que persevera en la empresa de eliminar a sus enemigos uno por uno, siendo un tirador superlativo. El Comisario Danilov (oficial encargado de la propaganda soviética) al que da vida Joseph Fiennes, lo convierte en un héroe nacional (después de salvarle la vida) que debe servir de ejemplo para animar a las tropas a proseguir la lucha contra el ejército alemán, a pesar del gran número de bajas. Para contrarrestar al tirador soviético, los alemanes mandan a su mejor francotirador, el Mayor König (Ed Harris), lo que acabará convirtiendo el film en un duelo entre ambos a vida o muerte.
En una escena mítica, Vassili y el Comisario Danilov están en una fuente llena de cadáveres, pero intentan disparar a un pez gordo alemán que va a ducharse, Vassili no sólo matará al alto mando alemán, sino a todos los que están con él, más otro soldado que lo descubre y quiere lanzarle una granada.
Como decía ayer, Douglas Trumbull dirigió en 1983 Proyecto Brianstorm, que tenía de protagonistas a Christopher Walken y a Natalie Wood (en su último film, ya que murió accidentalmente durante el rodaje en 1982). Nos cuenta la historia del Doctor Brace (Christopher Walken) y la Doctora Reynolds (Louise Fletcher), que están a punto de culminar un proyecto, que consiste en una máquina grabadora que, unida a unos sofisticados sensores de ondas cerebrales, puede leer y grabar todas las sensaciones físicas y emocionales del individuo. Como punto álgido del proyecto, se quería conseguir que esa suma de sensaciones, grabadas en una cinta de 10 cm, pudiera ser reexperimentada por otra persona diferente a través de un curioso casco. Durante los experimentos dirigidos a explorar las posibilidades del invento, Lillian muere de un ataque al corazón, pero antes consigue enlazarse a la máquina para grabar su traumática experiencia. Es la excusa que necesitan los militares, que están financiando la idea, para quitársela a los civiles e investigar aplicaciones militares.
Trumbull, es una persona interesante dentro del mundo de la ciencia ficción, y sobre todo dentro del campo de los efectos especiales, donde desplegó su talento en films como 2001: Una Odisea en el espacio (1968), La Amenaza de Andrómeda (1971), Encuentros en la tercera fase (1977), Star Trek: La película (1979) o Blade Runner (1982), y a finales de los 70 se le consideraba el mejor en ese apartado. Su primer film es Naves misteriosas de 1971, pero pasaron doce años hasta este segundo y a la postre último film, este Proyecto Brainstorm de 1983. En esta película se explora casi de manera inicial el asunto de la realidad virtual, que se haría de manera mucho más evidente en películas posteriores como en la muy buena Días extraños (1995), que se basa en conceptos similares. Este film pasó desapercibido, siendo bueno, y con la muerte de Wood y las ganas de acabar con el proyecto de MGM, todo se torció y sin promoción casi pasó sin pena ni gloria, provocando la salida del mundo del cine de Douglas. James Horner compuso la banda sonora del film, por la cual le dieron el Óscar.
Una escena mítica es cuando la Doctora Reynolds está trabajando en su sala, pero sufre un accidente y se le caen materiales al suelo, al intentar recogerlos ve que le empieza a dar un ataque al corazón, pero antes consigue enlazarse a la máquina para grabar su traumática experiencia y que quede grabado.
Douglas Trumbull dirigió en 1983 Proyecto Brianstorm, que tenía de protagonistas a Christopher Walken y a Natalie Wood (en su último film, ya que murió accidentalmente durante el rodaje en 1982). Nos cuenta la historia del Doctor Brace (Christopher Walken) y la Doctora Reynolds (Louise Fletcher), que están a punto de culminar un proyecto, que consiste en una máquina grabadora que, unida a unos sofisticados sensores de ondas cerebrales, puede leer y grabar todas las sensaciones físicas y emocionales del individuo. Como punto álgido del proyecto, se quería conseguir que esa suma de sensaciones, grabadas en una cinta de 10 cm, pudiera ser reexperimentada por otra persona diferente a través de un curioso casco. Durante los experimentos dirigidos a explorar las posibilidades del invento, Lillian muere de un ataque al corazón, pero antes consigue enlazarse a la máquina para grabar su traumática experiencia. Es la excusa que necesitan los militares, que están financiando la idea, para quitársela a los civiles e investigar aplicaciones militares.
Trumbull, es una persona interesante dentro del mundo de la ciencia ficción, y sobre todo dentro del campo de los efectos especiales, donde desplegó su talento en films como 2001: Una Odisea en el espacio (1968), La Amenaza de Andrómeda (1971), Encuentros en la tercera fase (1977), Star Trek: La película (1979) o Blade Runner (1982), y a finales de los 70 se le consideraba el mejor en ese apartado. Su primer film es Naves misteriosas de 1971, pero pasaron doce años hasta este segundo y a la postre último film, este Proyecto Brainstorm de 1983. En esta película se explora casi de manera inicial el asunto de la realidad virtual, que se haría de manera mucho más evidente en películas posteriores como en la muy buena Días extraños (1995), que se basa en conceptos similares. Este film pasó desapercibido, siendo bueno, y con la muerte de Wood y las ganas de acabar con el proyecto de MGM, todo se torció y sin promoción casi pasó sin pena ni gloria, provocando la salida del mundo del cine de Douglas.
La música corrió a cargo de James Horner, recibiendo el Óscar por ella.
La vida de Brian de los Monty Python es sin lugar a dudas una de mis películas favoritas de la que ya hablé aquí en su día largo y tendido. Un film que tuvo unos comienzos difíciles, ya que su controvertido guión provocó que EMI renunciara a producirla y por tanto financiarla días antes de comenzar el rodaje, y fue George Harrison, el Beatle y amigo personal de los Python, quien puso el parné. George dijo que lo hacía porque le apetecía ver el film, y desde luego recuperó con creces su inversión.
Recordemos que Brian es hijo de una feminista judía y un soldado romano. A pesar de ello, desarrolla un profundo odio hacia los romanos y dedica su vida a la lucha por la independencia de su pueblo. Involucrado en el Frente Popular de Judea, pronto comienzan sus problemas con los opresores, y también, con otros grupos independentistas que prefieren pelear entre sí, antes que oponerse al invasor... como en tantos casos (la actualidad me resuena en la cabeza). Pero el infortunio de Brian le hace acabar crucificado como Jesús, llevando así una vida paralela.
En una mítica escena cómica, Brian (Graham Chapman) vende en el circo romano todo tipo de despojos humanos después de la carnicería consumada en el ruedo. Mientras tanto en las gradas ya casi vacías, se discute entre tres hombres y una mujer, adelantándose en el tiempo al menos 43 años, comienzan a utilizar el lenguaje inclusivo, tan de moda en los días actuales, y donde Eric Idle dice que se va a hacer mujer.... para tener hijos ¡¡¡pero si es que estos hombres eran unos visionarios!!!
Darren Aronofsky dirige La Ballena, una película que quizás en la mano de otro director hubiera sido insoportable, por decir algo que suene decente, pero la manera en que este director va llevando la historia, hace que encaje en todo su desarrollo, no chirrie y acabes sintiendo una pena y a la vez una compasión por el protagonista Charlie, al que da vida un Brendan Fraser al que este papel le ha dado su primer Oscar de la Academia a mejor actor principal, mezclando mucho dramatismo y a la vez mucha complejidad, toda la que lleva interpretar a un personaje de más de 200 Kilos y que ha perdido todo el respeto por sí mismo imaginable. Y todo esto sucede en una semana, tiempo que va transcurriendo a lo largo de las casi dos horas, y donde realmente se está diseccionando toda una vida.
Es curioso el comienzo del film, con el protagonista practicándose una masturbación sucia que casi le provoca la muerte mientras ve sexo en el ordenador para ayudarle, y te temes lo peor desde el principio, pero todo se reconduce y acaba con una disección literaria que le puede salvar la vida. El viaje del protagonista es absolutamente personal, y asistimos desde el primer día de esa semana a los restos de una decisión de vida, que él ya tomo hace mucho tiempo y lo cambió todo. Es el retrato de un personaje que ya no quiere vivir y que va cuesta abajo y sin frenos, buscando su autodestrucción, a la vez que intenta recomponer la relación con su hija Ellie, a la que da vida una excelente Sadie Sink, mientras se gana la vida dando clases de inglés online sin mostrar su físico alegando que tiene la cámara rota.
Pero la virtud de este film, es que algo que podría ser muy agónico y un auténtico calvario para el espectador, produce empatía por varias cuestiones, primero un guión que no te cuenta todo de sopetón (de hecho a veces te gustaría saber más detalles exactos de lo que pasó años atrás), mientras te guarda algo gordo para el final, y por otro lado, el personaje principal tiene muchas contradicciones, es educado, desprende ternura y tiene sensibilidad, pero el contraste con su hija que tiene muchos detalles malvados con él, al que siempre culpa de haberla abandonado te produce sensaciones complicadas. Es entonces cuando el espectador va descubriendo, dónde y como quiere el director, quién es Charlie, al que Brendan Fraser transmite una mirada melancólica impresionante, y que mediante sus muecas esconde el dolor constante que soporta estoicamente.
En definitiva un film que trata un tema tan difícil como la obesidad mórbida y que consigue que no te centres en eso y vayas a descubrir la vida real de la persona que hay dentro.
He de decir, que me ha sorprendido muy positivamente la actuación de Fraser, y que se disputaba la estatuilla con Austin Butler, que hizo de Elvis Presley en Elvis, y no sabría bien calibrar porqué uno lo gana y el otro no, pero sinceramente pienso que Butler lo merecía, una vez vistas ambas.
En 1974, Francis Ford Coppola realiza la segunda parte del Padrino, basado igualmente en la novela de Mario Puzo. Aquí se desarrolla la continuación de la historia de los Corleone, por medio de dos historias paralelas, primero la elección de Michael Corleone como jefe de los negocios familiares y por otro los orígenes del patriarca, el ya fallecido Don Vito a quien da vida un inmenso y muy joven Robert de Niro, primero en Sicilia y luego en Estados Unidos, donde empezando desde abajo llegó a ser el capo de la mafia de New York.
Aquí suceden hechos realmente importantes en el devenir de la familia, y la película relata el reinado de Michael con todos sus problemas, y su manera de manejar todo. En una escena inolvidable que en la cinta recrea la noche del 31 de diciembre de 1958 en La Habana, los protagonistas son Michael Corleone (Al Pacino) y Fredo Corleone (John Cazale). Ambos han transitado un largo camino en la ciudad cubana, que les lleva a descubrir una traición que cambiará para siempre la historia de la poderosa familia. Mientras los invitados empiezan a abrazarse y desearse feliz año, en el fondo se ve a Fulgencio Batista, el anfitrión y dictador de la isla cubana, quien manejó sus designios durante casi una década con mano dura. En ese mismo instante Michael busca a Fredo, le toma del cuello y le besa en la boca mientras le dice "Sé que fuiste tú, ¡me destrozaste el corazón!". Es así como Michael descubre a su hermano, quien había mandado a unos matones a matarle en su propia casa. Mientras tanto, un matón de la familia intenta cargarse a Hyman Roth sin éxito.
Pero en otra escena igual de memorable, Fredo, después de engañar y traicionar a su hermano, vuelve a casa para dar una explicación a Michael, a la vez que busca su perdón. Pero Michael le da a entender que es demasiado tarde, es entonces cuando sale el Michael petreo que ni olvida ni perdona, que se ha vuelto desconfiado y muy despiadado ya que tiene enemigos hasta en su propia familia. La suerte de Fredo está echada y Michael ha decidido que ya no es su hermano y la frase "Fredo eres un extraño, ya no eres mi amigo ni mi hermano" es lapidaria.
Joel Shumacher dirige en 1992 Falling down, traducida aquí como "Un día de furia", una de esas películas que vi en su día poco después de su estreno (hablo de un par de años) en televisión y en aquel momento no me convenció, fue años después cuando la volví a ver, y me divertí tanto, que comprendí que el film necesitaba mayor conocimiento y experiencia por mi parte para valorarla. Se trata de una extraordinaria película acerca de la condición humana, y de como nuestros comportamientos pueden llegar a generar las más disparatadas situaciones.
Michael Douglas está soberbio interpretando a William Foster, un hombre corriente que supera como puede sus frustraciones diarias en Los Ángeles, y que sólo quiere regresar a casa, pero durante una jornada de intensísimo calor, se juntan el colapso del tráfico, la ansiedad y el agobio, por lo que, de manera violenta, William se rebela contra todo lo que le rodea.
Mientras tanto, un oficial de policía ya veterano, Pendergast (Robert Duvall) intentará poner fin a esta sin razón.
William es un empleado de una importante firma de defensa, y padece un desequilibrio mental que en circunstancias normales no se manifiesta. Hoy, porque la película se desarrolla a lo largo de un día, es el cumpleaños de su hija y quiere ir a visitarla a casa de su ex esposa Beth (Barbara Hershey), de la que se divorció. A partir de su abandono del coche en un intenso tráfico, cruza la ciudad para cumplir su objetivo y le van surgiendo situaciones de lo más variopintas, desde una tienda de un coreano donde la lía, con unos ladrones que le quieren atracar y a los que espanta, en un McDonalds dónde quiere desayunar fuera del horario de desayuno, con un nazi de una tienda al que se acaba cargando... un sinfín de historias de lo más cómicas que sólo hacen que se vaya estrechando el círculo hacia él, para tener un final triste en la playa de Venice.
Precisamente en una de esas situaciones que suceden en su periplo, se cruza con dos hispanos que le quieren hacer pagar un peaje por pasar por su "zona", o lo que es lo mismo, le quieren atracar, y todo se salda con que William se defiende de ellos que le sacan una navaja, pegándoles con el bate de béisbol que él se quedó y era propiedad del coreano de la tienda. No contentos con eso, los hispanos se reagrupan y metidos en un coche llenos de armamento hasta arriba, van en busca de William, al que ven hablando en una cabina de teléfono (está llamando a su ex-mujer, para decirle que va a ir a su casa a ver a su hija por su cumpleaños), y deciden pasar rápido con el coche y disparar a diestro y siniestro, creyendo que matarán a su objetivo, que ni se inmuta y no sufre ni una herida, mientras caen abatidos varios viandantes. Instantes después William llega al sitio donde se han accidentado gravemente sus agresores, y le dice al que todavía vive: "has fallado" mientras coge una de sus armas y falla aposta, al final le dispara en una pierna y se queda con todas las armas que iban en una mochila de gimnasio.
Como decía días atrás, en 1998 Santiago Segura dirigió su primer largometraje, Torrente, el brazo tonto de la ley, una película que con el paso de los años ha quedado como icono del cine casposo y desde luego un referente en cuanto a la taquilla que hizo, que rompió records, describiendo a un personaje no tan alejado de la realidad del país donde vivimos, como es el de Jose Luis Torrente, un ex-policía facha, machista, racista, alcohólico, corrupto, ladrón y bastante negligente en cualquier función que se propone... ahhh y del Atleti. En realidad, es una sátira perfectamente llevada a cabo por Santiago, con un personaje exagerado al extremo en muchos aspectos.
Se cumplen 25 años del estreno de esta mítica cinta.
En una escena cómica brutal Torrente bebe whiskys para ponerse a tono para el trabajo y le pregunta a Rafi si el no bebe, y le dice que no, porque va contra el aikido que él practica, a lo que Torrente le responde que no tiene... ni puta idea.
Os dejo con la cómica escena (dedicada a mi amiga Merche González).
En 1998 Santiago Segura dirigió su primer largometraje, Torrente, el brazo tonto de la ley, una película que con el paso de los años ha quedado como icono del cine casposo y desde luego un referente en cuanto a la taquilla que hizo, que rompió records, describiendo a un personaje no tan alejado de la realidad del país donde vivimos, como es el de Jose Luis Torrente, un ex-policía facha, machista, racista, alcohólico, corrupto, ladrón y bastante negligente en cualquier función que se propone... ahhh y del Atleti. En realidad, es una sátira perfectamente llevada a cabo por Santiago, con un personaje exagerado al extremo en muchos aspectos.
Se cumplen 25 años del estreno de esta mítica cinta.
En una escena cómica del film Torrente da de comer a su padre las sobras del cocido del bar donde él ha comido antes, y le hace un puré (con más cosas que había dentro como algún cigarro), mientras su padre le pide un bocadillo de jamón, y un pitillo para fumar, cosas ambas que Torrente le niega.
En 1993 Chris Columbus dirige Señora Doubtfire, Papá de por vida, comedia relativa a la separación de un matrimonio compuesto por Daniel Hillard (al que da vida Robin Williams) y Miranda Hillard (Sally Field), aunque los tres hijos de ellos consideran a su padre el mejor y están muy unidos a él. Ella está cansada de que se comporte como un niño y pide el divorcio. El juez le concede la custodia a ella, y él solo puede verles un día a la semana, por lo que él decide con una gran treta hacerse pasar por una señora mayor que hará de canguro de sus propios hijos, la manera más ingeniosa de seguir viéndolos.
En una escena cómica muy graciosa, Daniel llega a su casa como la Señora Doubtfire y le está esperando la asistenta social la Señora Sellner (Anne Haney), para ver si todo sigue bien en el cuidado de los niños y como mantiene el apartamento. Le hace ver que la Señora Doubtfire es su hermana, y se irá cambiando de ropa para recibirla, cuando luego se vuelve a vestir de señora sufrirá la caída de la máscara a la calle, con la consiguiente risa de los chavales del edificio de enfrente...
En 1998 Mimi Leder, conocida directora de series de televisión como John Doe o Urgencias, dirigió Deep Impact en 1998, una película de ciencia ficción con tintes catastrofistas. Nos cuenta la historia de Leo Biederman, al que da vida Elijah Wood, que se apuntó al Club de Astronomía del colegio, sobre todo para estar cerca de Sara Hotchner (Leelee Sobieski), más que para mirar al cielo con el telescopio. Un día descubre en un cúmulo de estrellas una gran mancha blanca que resulta ser un cometa que está apunto de chocar con la Tierra y provocar su destrucción. Mientras, Jenny Lerner (Téa Leoni), una ambiciosa reportera de la NBC, que andaba liada con una posible historia escandalosa de un senador, descubre accidentalmente que Ellie (E.L.E.) no es el nombre de su amante, sino el de un cometa que amenaza con destruir nuestro planeta. Completan el elenco de actores Morgan Freeman como el Presidente de los EEUU, o Robert Duvall como capitán Spurgeon "Fish" Tanner. La banda sonora corrió a cargo de James Horner, otra autentica delicia de composiciones.
Como llevo diciendo estos días, Edward Zwick dirigó Tiempos de gloria en 1989, y que está basada en hechos reales. Entre 1861 y 1865 se libró la Guerra de Secesión en Estados Unidos que enfrentó al ejército confederado del Sur contra las tropas de la Unión del Norte. Los militares del Norte eran reacios a reclutar negros y armarlos para luchar contra el Sur, pero finalmente hubo una ley que lo aprobó y se permitía. El regimiento número 54 de Massachusetts fue el primero y el más valeroso de los batallones formados por negros libres (no esclavos), aunque antes de eso fueron destinados a otras funciones, previo a entrar en combate. De hecho en la película apenas se ve algo del entrenamiento, solo el asalto a una población, una escaramuza bélica y la última escena, un tour de force con el asalto suicida a Fort Wagner, cuyo trágico pero glorioso desenlace siempre es lo más recordado del film. El instructor del batallón es el recién nombrado Coronel Robert Gould Shaw, recuperado poco antes de una cruenta batalla y al que da vida Matthew Broderick. Morgan Freeman da vida al Sargento John Rawlins o "Mamá Ganso", duro pero con corazón que cuida de sus soldados, mientras Denzel Washington da vida al esclavo Trip y por el que recibió el Oscar a mejor actor secundario, mientras Cary Elwes (el guaperas de La Princesa Prometida) encarna al Mayor Cabot Forbes.
En una escena mítica Trip se quiere enfrentar a un compañero y pelear, pero el Sargento John Rawlins consigue detenerlo y le suelta un guantazo y una soflama de las que hacen historia, para que sepa cual es su sitio y no quedar en ridículo ante todos, un momento cumbre del film.
Como decía ayer, Edward Zwick dirigó Tiempos de gloria en 1989, y que está basada en hechos reales. Entre 1861 y 1865 se libró la Guerra de Secesión en Estados Unidos que enfrentó al ejército confederado del Sur contra las tropas de la Unión del Norte. Los militares del Norte eran reacios a reclutar negros y armarlos para luchar contra el Sur, pero finalmente hubo una ley que lo aprobó y se permitía. El regimiento número 54 de Massachusetts fue el primero y el más valeroso de los batallones formados por negros libres (no esclavos), aunque antes de eso fueron destinados a otras funciones, previo a entrar en combate. De hecho en la película apenas se ve algo del entrenamiento, solo el asalto a una población, una escaramuza bélica y la última escena, un tour de force con el asalto suicida a Fort Wagner, cuyo trágico pero glorioso desenlace siempre es lo más recordado del film. El instructor del batallón es el recién nombrado Coronel Robert Gould Shaw, recuperado poco antes de una cruenta batalla y al que da vida Matthew Broderick. Morgan Freeman da vida al Sargento John Rawlins o "Mamá Ganso", duro pero con corazón que cuida de sus soldados, mientras Denzel Washington da vida al esclavo Trip y por el que recibió el Oscar a mejor actor secundario, mientras Cary Elwes (el guaperas de La Princesa Prometida) encarna al Mayor Cabot Forbes.
En una mítica escena, llegan las armas para los soldados que el Sargento Rawlins reparte entre todos, mientras uno de ellos le pregunta al Coronel si van a usarlas de verdad, o les tienen para otras labores. Cuando hacen pruebas de tiro, el Coronel se da cuenta de la buena puntería al disparar de uno de ellos, pero le obliga a hacerlo más rápido cada vez, para que aprenda que en el campo de batalla la rapidez en cargar de nuevo el arma le puede salvar la vida, y le deja encargado al mayor que los instruya como dios manda.
Edward Zwick dirigó Tiempos de gloria en 1989, y que está basada en hechos reales. Entre 1861 y 1865 se libró la Guerra de Secesión en Estados Unidos que enfrentó al ejército confederado del Sur contra las tropas de la Unión del Norte. Los militares del Norte eran reacios a reclutar negros y armarlos para luchar contra el Sur, pero finalmente hubo una ley que lo aprobó y se permitía. El regimiento número 54 de Massachusetts fue el primero y el más valeroso de los batallones formados por negros libres (no esclavos), aunque antes de eso fueron destinados a otras funciones, previo a entrar en combate. De hecho en la película apenas se ve algo del entrenamiento, solo el asalto a una población, una escaramuza bélica y la última escena, un tour de force con el asalto suicida a Fort Wagner, cuyo trágico pero glorioso desenlace siempre es lo más recordado del film. El instructor del batallón es el recién nombrado Coronel Robert Gould Shaw, recuperado poco antes de una cruenta batalla y al que da vida Matthew Broderick. Morgan Freeman da vida al Sargento John Rawlins o "Mamá Ganso", duro pero con corazón que cuida de sus soldados, mientras Denzel Washington da vida al esclavo Trip y por el que recibió el Oscar a mejor actor secundario.
La banda sonora corrió a cargo de James Horner, en otra portentosa demostración de calidad compositiva.
Os dejo con el tema A call to arms, que iniciaba esa banda sonora.
Carlos Vermut es un director al que tengo en un gran lugar desde que viese allá por 2015, su película de 2014 Magical girl, un film que me dejó de lo más descolocado, pensativo y a la vez con un gran regusto, cine diferente y de calidad. Si es cierto, que en todo lo que ha hecho este director, se caracteriza por sacar lo más decadente de la sociedad y abrir como si fuera una operación, con su cámara, para mostrarnos su visión del tema en cuestión. Aquí, ante un tema bastante feo, se arma de sutileza para contarnos la vida de Julián, al que da vida Nacho Sánchez, un exitoso diseñador o modelador de bestias de videojuegos, cuya vida está atormentada por un oscuro secreto que esconde.
La definición de Mantícora es: "criatura mitológica, un tipo de quimera con cabeza humana, el cuerpo de un león, y la cola de un dragón o escorpión, capaz de disparar espinas venenosas para incapacitar o matar a sus presas". En la Edad Media la mantícora era la personificación del mal, por ejemplo. Este film se pudo ver en el Festival de Sitges, ese extraordinario festival de cine de terror, pero aquí el terror no está en lo que se muestra, si no en lo que todos pensamos cuando vemos como transcurre la historia. Hablamos de monstruos interiores, los exteriores que dibuja el protagonista son la fachada para esconder su horrible interior, por lo que no hay nada de efectos especiales, ni falta que hace.
La primera escena de la película, muestra a Julián creando un monstruo desde cero, con las herramientas de las que le provee la empresa. Es una metáfora, ese monstruo interior que él tiene, irá creciendo a lo largo del metraje. A partir de ahí se viven situaciones incómodas, pero que el director sabe llevar de manera perfecta, como si de un sabio anciano se tratase. La historia de como se conocen Julián y Diana (una gran Zoe Stein), es la apropiada en principio para que él intente dejar atrás todo lo que lleva dentro y poder ser feliz. Hasta la mitad del film, todo se lleva de manera consecuente, pero hay una nube negra que sobrevuela constantemente, que hace que la tensión vaya creciendo, e intuyes que hay algo en la relación que la va a acabar matando.
Quizás la primera parte es algo monótona (en general el film tiene poco ritmo), donde permite que conozcamos a los personajes, sus vidas, etc., toda una gran cortina de humo, para que en el último tercio, ese nubarrón descargue y nos suelte una tormenta virulenta.
Mantícora es una película con bastante aire malvado, es dura, y sobre todo tiene mucho de terror humano, pero en la parte final, el comportamiento de ella hacia él, da mucho que pensar, sobre si tendríamos que tener empatía con los monstruos... ahí lo dejo.
Como decía estos días, en 1976 Clint Eastwood dirige y protagoniza un western realmente espectacular, traducido aquí como El Fuera de la Ley, que cuenta la historia, dentro de la Guerra de secesión americana (1861-1865), de Josey Wales, quien tras el asesinato de su familia por soldados yanquis (algunos botas rojas incluidos) decidirá cobrar venganza y se convertirá en perseguido fugitivo, al ser el último hombre que se ha negado a firmar un acuerdo de paz con los vencedores de la Guerra. Este granjero de Missouri se une a guerrilleros confederados que siguen luchando contra La Unión, incluso después de haber finalizado la Guerra.
Este film es la adaptación cinematográfica de la excelente novela de Forrest Carter (1925-1978) titulada Huido a Texas (Gone to Texas, 1973) y que guionizó Philip Kaufman al principio y de cuya labor fue sustituido por el propio Eastwood, después de unos días de rodaje.
Pero éste film, dentro de los westerns hechos por Eastwood se diferencia de los otros en su lado oscuro (en su fotografía), sucio, con su parte psicodélica, algo pesimista en su mensaje central, pero con unos toques de humor realmente impresionantes y acertados.
Es un personaje, el de Wales, marcado por la tragedia y el odio, y que se mete en una guerra que ni le iba ni le venía, sólo por conseguir vengar la muerte de su familia. Pero al finalizar la guerra, él no los encuentra y encima está en el bando perdedor. Pero Josey, inicia una huida hacia adelante que deja un reguero de sangre a su paso. En ese camino conocerá, asaltados por comancheros a Lone Watie (Chief Dan George), un indio mayorcete que le refugiará, como favor por salvarles la vida, en las Naciones Indias. También formarán parte de la troupe la abuela Sarah (Paula Trueman) y Laura Lee (Sondra Locke) por la que Josey se interesará.
En la parte final del film llegan a un pueblo, en el que la abuela Sarah dice que su hijo habitó, y tenía una casa cercana al río. Allí en el bar, en el que el tiempo pasa despacio, y quedan pocas personas dispuestas a complicarse la vida, aparece un cazarrecompensas que busca a Wales, a lo que Josey le contesta que "morir no es manera de vivir", y el hombre en principio se va, pero regresa y dice: "tenía que volver", por supuesto Josey le dispara primero.
Como decía ayer, en 1976 Clint Eastwood dirige y protagoniza un western realmente espectacular, traducido aquí como El Fuera de la Ley, que cuenta la historia, dentro de la Guerra de secesión americana (1861-1865), de Josey Wales, quien tras el asesinato de su familia por soldados yanquis (algunos botas rojas incluidos) decidirá cobrar venganza y se convertirá en perseguido fugitivo, al ser el último hombre que se ha negado a firmar un acuerdo de paz con los vencedores de la Guerra. Este granjero de Missouri se une a guerrilleros confederados que siguen luchando contra La Unión, incluso después de haber finalizado la Guerra.
Este film es la adaptación cinematográfica de la excelente novela de Forrest Carter (1925-1978) titulada Huido a Texas (Gone to Texas, 1973) y que guionizó Philip Kaufman al principio y de cuya labor fue sustituido por el propio Eastwood, después de unos días de rodaje.
Pero éste film, dentro de los westerns hechos por Eastwood se diferencia de los otros en su lado oscuro (en su fotografía), sucio, con su parte psicodélica, algo pesimista en su mensaje central, pero con unos toques de humor realmente impresionantes y acertados.
Es un personaje, el de Wales, marcado por la tragedia y el odio, y que se mete en una guerra que ni le iba ni le venía, sólo por conseguir vengar la muerte de su familia. Pero al finalizar la guerra, él no los encuentra y encima está en el bando perdedor. Pero Josey, inicia una huida hacia adelante que deja un reguero de sangre a su paso. En ese camino conocerá, asaltados por comancheros a Lone Watie (Chief Dan George), un indio mayorcete que le refugiará, como favor por salvarles la vida, en las Naciones Indias.
En una conversación a caballo entre Wales y Watie, Josey se queja de que las personas que le gustan desaparecen pronto de su lado, a lo que Watie le dice que los que no le gustan también desaparecen, a lo que el indio le acaba preguntando en un tiroteo reciente en el pueblo al que habían ido por provisiones, como adivinaba quién iba a ser el primero en disparar, a lo que le da una cumplida información de los cuatro soldados a los que liquidó.
En 1976, Clint Eastwood dirige y protagoniza un western realmente espectacular, traducido aquí como El Fuera de la Ley, que cuenta la historia, dentro de la Guerra de secesión americana (1861-1865), de Josey Wales, quien tras el asesinato de su familia por soldados yanquis (algunos botas rojas incluidos) decidirá cobrar venganza y se convertirá en perseguido fugitivo, al ser el último hombre que se ha negado a firmar un acuerdo de paz con los vencedores de la Guerra. Este granjero de Missouri se une a guerrilleros confederados que siguen luchando contra La Unión, incluso después de haber finalizado la Guerra.
Este film es la adaptación cinematográfica de la excelente novela de Forrest Carter (1925-1978) titulada Huido a Texas (Gone to Texas, 1973) y que guionizó Philip Kaufman al principio y de cuya labor fue sustituido por el propio Eastwood, después de unos días de rodaje.
Pero éste film, dentro de los westerns hechos por Eastwood se diferencia de los otros en su lado oscuro (en su fotografía), sucio, con su parte psicodélica, algo pesimista en su mensaje central, pero con unos toques de humor realmente impresionantes y acertados.
Es un personaje, el de Wales, marcado por la tragedia y el odio, y que se mete en una guerra que ni le iba ni le venía, sólo por conseguir vengar la muerte de su familia. Pero al finalizar la guerra, él no los encuentra y encima está en el bando perdedor. Pero Josey, inicia una huida hacia adelante que deja un reguero de sangre a su paso. En ese camino conocerá, asaltados por comancheros a Lone Watie (Chief Dan George), un indio mayorcete que le refugiará, como favor por salvarles la vida, en las Naciones Indias.
En una escena mítica, Josey compra provisiones en una tienda, y a su paso se cruza con un vendedor de elixires (al que da vida Woodrow Parfrey), y le intenta vender su producto, pero no le hace mucho caso. En ese momento el vendedor se da cuenta de quien acaba de pasar a su lado y lo exclama a viva voz, a lo que cuatro soldados de la unión se giran y le miran, Josey después de unos momentos de visualización y duda de ellos les exclama: "¿Vais a disparar o necesitáis permiso del sargento? A lo que se desenfundan pistolas y Wales mata a tres, mientras el cuarto es mandado al cielo por Lone Watie (Chief Dan George).
En 1995 Mike Figgis dirige Leaving Las Vegas, un film cuyo protagonista principal es Nicolas Cage que da vida a Ben Sanderson, un guionista de cine alcohólico, que acaba de perder su trabajo en Hollywood debido a sus problemas con la bebida, que afectan claramente a su rendimiento. Sin amigos, sin familia, sin nada, solo el finiquito de la empresa que le ha despedido, decide ir a Las Vegas con el propósito de beber hasta morir, según sus cálculos en unas cuatro semanas hasta que se pula el dinero, gastando 200 0 300 dólares al día. Nada más llegar, va en coche y conoce a Sera (Elisabeth Shue), una atractiva prostituta que trabaja en la calle, pero que provoca algo tremendo en Ben que se queda prendado de ella, tanto que inician una relación.
Nicolas Cage es un actor que siempre me ha parecido que sobreactúa en la mayoría del films que ha hecho, pero este papel le va como anillo al dedo, de hecho le dieron el Oscar, y sinceramente creo que no lo ha superado.
En una escena mítica, ella le dice a Ben si no le gusta, pero él lo que le quiere decir es que nunca le pida que deje de beber, ella lo entiende y le besa.
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