En el año 2004 Clint Eastwood dirige y protagoniza Million Dollar Baby haciendo el papel de Frankie Dunn, que ha entrenado y representado a los mejores púgiles y regenta un gimnasio con la ayuda de Scrap (Morgan Freeman), un ex-boxeador que es también su único amigo. Frankie es un hombre solitario y adusto que se refugia en la religión hace años, buscando una redención que no consigue. Un día entra en su gimnasio Maggie Fitzgerald (Hilary Swank), una chica muy voluntariosa, cabezota, que quiere boxear y que está dispuesta a luchar de todas formas para conseguirlo. Frankie la rechaza con la excusa de que él no entrena a chicas y que ya es demasiado mayor, pero ella no se rinde y se machaca a diario en el gimnasio para llamar la atención de Frankie, con el único apoyo de Scrap.
Hay ocasiones en que el cine nos regala historias tan humanas y sentidas, honestas y sinceras, que difícilmente pueden abandonar ese sitio en nuestra memoria debido a la emotividad que ocuparon en su momento. Aún recuerdo cuando vi este film en una sala de cine, salí muy impactado por la durísima historia que se cuenta y sobre todo por sus duras imágenes. La actuación de Hilary Swank es portentosa, de hecho consiguió el Oscar, que también se llevaron a mejor película, director y actor secundario. Además se trata de un film que utiliza el boxeo como vehículo para contarte una historia donde hay muchos sentimientos y experiencias vitales que trascienden más allá de la pantalla. Eastwood, con su sabiduría, da otra lección de las grandes.
En una escena al principio del film, Frankie va hacia Maggie a pedirle que le devuelva el punching que utiliza torpemente para entrenarse, realmente no lo quiere de vuelta, lo que intenta es que ella no tenga nada suyo, y nada que les pueda unir, emperrado en no entrenarla.
Como decía ayer, en el año 1973, el director George Roy Hill dirige "The Sting", El Golpe, una obra maestra atemporal del cine con dos actores en estado de gracia como Paul Newman (Henry Gondorff) y Robert Redford (Johnny Hooker) a los que daba una réplica bestial Robert Shaw en el papel del mafioso y gángster Doyle Lonegan. La unión de los timadores Gondorff y Hooker para vengar la muerte de un compañero, viejo amigo de ambos, mandado matar por Lonegan, hace de la cinta una maravilla absoluta con escenas imborrables.
Redford y Newman ya habían trabajado años atrás en Dos Hombres y un destino y aquí vuelven a destilar una química muy especial entre ambos. Mucha culpa del éxito del film la tenía un guión soberbio de David S. Ward (daba giros de 180º en cada secuencia) que dio pie a una de las grandes películas de la historia, ya que El golpe pertenece a ese distinguido y escaso club de obras que tras su visionado nos quedamos absolutamente perplejos, pero a la vez con una sonrisa de oreja a oreja por haber visto tal peliculón. Hablamos de una película que se llevó 7 estatuillas en su día, mejor película, director, guión original, dirección artística, diseño de vestuario, montaje y banda sonora.
Y es precisamente ahí, donde me detengo hoy, en la banda sonora, ¿quién no ha silbado o tarareado alguna vez la música de este film? Esa melodía que aparece en la película unas veces a ritmo de piano u otras con sonido de metales, es sin duda una de las más conocidas de la historia del cine. El Oscar por la banda sonora se lo llevó Marvin Hamlisch (que también se llevó otro por el tema The way we were del film "Tal como éramos", en la que también aparecía como actor Robert Redford), que utilizó composiciones de Scott Joplin de finales del siglo XIX y principios del XX, aunque la película está basada en la época posterior a la Gran Depresión, en 1936. Scott Joplin fue la gran figura del Ragtime (música muy sincopada) que con el paso del tiempo y su evolución se convertiría en lo que hoy día conocemos como Jazz. En el film su melodía más famosa es The Entertainer que fue compuesta en 1902.
En el año 1973, el director George Roy Hill dirige "The Sting", El Golpe, una obra maestra atemporal del cine con dos actores en estado de gracia como Paul Newman (Henry Gondorff) y Robert Redford (Johnny Hooker) a los que daba una réplica bestial Robert Shaw en el papel del mafioso y gángster Doyle Lonegan. La unión de los timadores Gondorff y Hooker para vengar la muerte de un compañero, viejo amigo de ambos, mandado matar por Lonegan, hace de la cinta una maravilla absoluta con escenas imborrables.
Redford y Newman ya habían trabajado años atrás en Dos Hombres y un destino y aquí vuelven a destilar una química muy especial entre ambos. Mucha culpa del éxito del film la tenía un guión soberbio de David S. Ward (daba giros de 180º en cada secuencia) que dio pie a una de las grandes películas de la historia, ya que El golpe pertenece a ese distinguido y escaso club de obras que tras su visionado nos quedamos absolutamente perplejos, pero a la vez con una sonrisa de oreja a oreja por haber visto tal peliculón.
Una de las escenas más míticas desde mi punto de vista es la de la partida de póker en el tren, donde Gondorff está sublime y consigue ganar la partida y mucho dinero haciendo trampas mejor que Lonegan, memorable.
En 1988 Giuseppe Tornatore dirigió Cinema Paradiso, una historia de amor por el cine. Se narra la historia de Salvatore (Salvatore Cascio), un niño de un pueblecito italiano en el que el único pasatiempo es ir al cine, el Paradiso. El chico está alucinado por las imágenes en movimiento, y cree ciegamente que el cine es magia, pero un día Alfredo (Philippe Noiret), el operador, accede a enseñarle al pequeño los misterios y secretos que se ocultan detrás de una película. Salvatore crece (le da vida Marco Leonardi) y llega el momento en el que debe abandonar el pueblo para buscarse la vida. Treinta años después recibe un mensaje en el que le dicen que debe volver a casa. La declaración de amor más grande al cine jamás hecha por un cineasta es la que hizo Tornatore con este film. Por si fuera poco eligió a Ennio Morricone para la hacer la banda sonora. La carrera de Morricone se suele asociar mucho a Sergio Leone, pero el compositor italiano colaboró con infinidad de directores, y otro de los más asiduos y fieles es Giuseppe Tornatore, que precisamente es el encargado del reciente documental "Ennio: El maestro".
3 años y medio después de la muerte de Little Richard (9 de Mayo de 2020, en plena pandemia) ha salido a la luz un documental acerca de su vida dirigido por Lisa Cortés. Se trata de uno de los arquitectos del rock and roll, y del que muchos músicos han bebido y han sido influenciados como The Beatles, The Rolling Stones, etc., que sin embargo, durante muchos años costó que tuviera su reconocimiento en cuanto a premios y demás, algo en lo que se incide bastante en el film y que a él le dolía especialmente. Otro aspecto que sale bastante en la cinta es su personalidad, algo egocéntrica, vanidosa, etc., y su homosexualidad (algo que sinceramente creo que se repite demasiado durante buena parte del film). Muchos músicos y gente que le conoció salen hablando de él en el film, Paul McCartney, Mick Jagger, Tom Jones, y un largo etcétera.
En la primera parte de la cinta se refleja como fue la vida en la ciudad donde nació en Macon, Georgia, Richard Wayne Penniman tenía 11 hermanos, fue el cuarto de 12 hijos y vivían en condiciones muy humildes, siendo su madre lavandera y su padre destilador ilegal de whisky. Se identificó más con su madre que con su severo padre y recibió clases de piano que le influyeron luego mucho en su carrera. Pertenecía a la Iglesia Adventista del Séptimo Día y aprendió música góspel en las iglesias pentecostales del sur de Estados Unidos.
Luego viene la parte musical, quienes fueron sus referentes, a quien se quería parecer sobre todo estéticamente, y también como en una época en la que había todavía segregación racial como los negros debían buscarse sus lugares para bailar, cantar, pero sin mezclarse con los blancos. Lo curioso es que a los blancos les gustaba la música que hacían la gente de color, lógicamente. Richard siempre llamaba la atención, no solo por sus atuendos, si no por la manera salvaje en la que hacía sus interpretaciones, realmente llamativas.
En 1951 ganó un concurso local y fue invitado por RCA Records con la que grabó ocho singles que no terminaron de cuajar aunque su potencial era evidente. En 1952 conoció a Sugarfoot Sam con quien actuaba en sus números de vodevil, también actuó con Tidy Jolly Steppers en el estado de Alabama, y luego fue solista en la banda de J.L. Health con los que actuó en Georgia. Conoció a Billy Wright, que le propuso grabar un disco ya como Little Richard, mientras que unos meses después su padre moría asesinado. En 1953 formó su propio grupo The Upstters, y en 1954 grabó para la nueva discográfica Peacock, sin lograr aún el éxito. Viendo que su carrera no despegaba del todo, se puso a trabajar como lavaplatos en la estación de autobuses de su pueblo en Macon, y en 1955 mandó una maqueta a Speciality Records, cuya contestación fue seis meses después para una sesión de grabación en Nueva Orleas, con la condición de dejar a su grupo y ser acompañado por músicos de prestigio. Las primeras sesiones no acababan de convencer, pero durante una pausa en las sesiones, Richard comenzó a cantar de manera improvisada Tutti Frutti, una canción de letra obscena y llena de lascivia (en clave homosexual) que cantaba en sus actuaciones: "Tutti Frutti, good booty/If you don't fit, don't force it/You can grease it, maeke it easy" ("Tutti Frutti, buen culito/Si no entra, no lo fuerces/puedes engrasarlo, para facilitarlo) a "Tutti Frutti, all rooty, a wop-bop-a-loon-bop-a-boom-bam-boom", pero como es evidente hubo que cambiar la letra ya que el productor Roberte Bumps Blackwell lo veía un exceso, incluso su compositora Dorothy La Bostrie consideraba aquellos versos inaceptables, me encanta como Little Richard se mete cariñosamente con Dorothy en el documental.
Su cambio a principio de los años 60 a la música góspel y el cambio de registro vocal (no parecía él en absoluto) me parece una de las mejores cosas y más destacables en el aspecto musical, en la que se podía haber metido más la directora.
En el lado negativo de la cinta, y es una cosa que domina la segunda parte de la misma, es lo sobrecargado que acaba uno de escuchar todo el rato referencias continuas a su abierta homosexualidad (se refleja su matrimonio con una mujer Ernestina Harvin con quien tuvo un hijo), a que por ser negro no se le reconocía, y a ver es evidente que su vida no fue fácil, tuvo un padre que le repudió y nunca tuvo su aprobación, por eso siempre buscaba el reconocimiento, pero musicalmente y se ve cuando recibe un premio en 1997, le felicitan Keith Richards que le adora, David Bowie al que le pasaba lo mismo, etc., Quizás me hubiera gustado un poco más de detenimiento en su faceta musical, a partir de los 70 poco se habla o nada y hasta el año 1974 siguió haciendo discos.
Su legado es impresionante y nunca dejaremos de admirarle, era indómito, era salvaje, era único, siempre decía que era el mejor y el más guapo... y yo no se lo voy a negar. Además puedo decir que le vi en directo en 2005 en Gijón.
Como decía ayer, en 1993 Harold Ramis dirige Atrapado en el tiempo (Groundhog day), una estupenda comedia que a la vez es una reflexión sobre la vida y la forma en la que decidimos pasar por ella. La historia nos cuenta como Phil, al que da vida un magnífico Bill Murray, es el hombre del tiempo de una cadena de televisión, y como cada año viaja una vez más en febrero a Punxstawnwey a cubrir la información del Día de la Marmota. En el viaje de regreso, Phil y su equipo se ven sorprendidos por una tormenta de nieve que les obliga a regresar a la pequeña ciudad. A la mañana siguiente, el despertador suena como siempre a las 6 de la mañana con la sintonía musical del tema de Sonny & Cher, el mítico I got you babe de 1965, y al desperezarse y despertarse comprueba atónito que es el mismo día que el anterior, es decir, el Día de la Marmota, que se repite día tras día, pero sólo le pasa a él.
Es curioso como mucha gente vivimos algo muy parecido durante el confinamiento de la pandemia, te levantabas muchos días que se parecían al anterior...
En una escena mítica Phil lleva a Rita (Andie MacDowell) a la cafetería para decirle que se conoce la vida de todos los que van allí porque vive atrapado en el día de la marmota, y se sabe todo lo que a ella le gusta.
Como he dicho alguna vez, en 1993 Harold Ramis dirige Atrapado en el tiempo (Groundhog day), una estupenda comedia que a la vez es una reflexión sobre la vida y la forma en la que decidimos pasar por ella. La historia nos cuenta como Phil, al que da vida un magnífico Bill Murray, es el hombre del tiempo de una cadena de televisión, y como cada año viaja una vez más en febrero a Punxstawnwey a cubrir la información del Día de la Marmota. En el viaje de regreso, Phil y su equipo se ven sorprendidos por una tormenta de nieve que les obliga a regresar a la pequeña ciudad. A la mañana siguiente, el despertador suena como siempre a las 6 de la mañana con la sintonía musical del tema de Sonny & Cher, el mítico I got you babe de 1965, y al desperezarse y despertarse comprueba atónito que es el mismo día que el anterior, es decir, el Día de la Marmota, que se repite día tras día, pero sólo le pasa a él.
Es curioso como mucha gente vivimos algo muy parecido durante el confinamiento de la pandemia, te levantabas muchos días que se parecían al anterior...
En una escena mítica de las muchas del film, Phil ha comprobado que su vida ha dado un cambio en ese pueblo y vive eternamente el mismo día, por lo que decide cuando vuelve a hacer la retransmisión que como está cabreado pues dirá lo que quiera, y en ese momento dice que el invierno será gris y les va a durar el resto de sus vidas.
En 1982 John Milius dirigió Conan, el bárbaro que tenía como protagonista principal a un joven y musculoso Arnold Schwarzenegger. Se trata de una película fantástica en todas sus acepciones y que estaba basado en el cómic de Robert E. Howard cuya imaginación era grande y afirmaba aterrorizado que el personaje le visitaba por las noches, se ponía detrás de él con un enorme hacha y le decía: "quédate ahí y escribe, y si no lo haces tal y como te lo digo, te cortaré por la mitad", así se pasaba las noches enteras escribiendo aventuras, murió con solo 30 años.
En el film, cuyo guión fue co-escrito por Milius y su amigo Oliver Stone se habla de un niño que pertenece a una tribu primitiva, y que graba en su memoria los rostros de los guerreros que han exterminado a su familia y a él lo han vendido a unos mercaderes de esclavos, ese niño pequeño es interpretado por un jovencito Jorge Sanz. Años después, ese joven se ha convertido en un forzudo y valiente guerrero.
Basil Poledouris se encargó de la banda sonora del film, que transmite la épica del personaje interpretado por Arnold y al mismo tiempo su contundencia y rudeza, a través de instrumentos de viento y de cuerda.
En 1989 Tim Burton dirigió Batman, que revolucionó en su momento el cine de superhéroes a finales de la década de los 80. La cinta por supuesto está basada en el cómic homónimo, donde la oscura y peligrosa ciudad de Gotham City tan sólo se halla protegida por su corrupto cuerpo de policía, mientras el crimen organizado está representado por Carl Grissom (Jack Palance), el gran capo local. A pesar de los esfuerzos del fiscal del distrito, Harvey Dent (Billy Dee Williams) y el comisario de policía Jim Gordon (Pat Hingle), la ciudad sigue siendo insegura hasta que surge un misterioso enmascarado en la noche que empieza a combatir el crimen a espaldas de la policía disfrazado como un murciélago y haciéndose llamar Batman. Este misterioso justiciero es Bruce Wayne (Michael Keaton), un millonario, que siendo niño, vio como sus padres eran asesinados por un atracador, lo que hizo que hiciera dedicar su vida a la lucha contra el crimen, labor en la que le ayuda su fiel mayordomo Alfred Pennyworth (Micahel Gough). Por otro lado la peutada periodista Vicky Vale (Kim Basinger) intenta descubrir el secreto que se oculta tras el hombre murciélago.
Este film, y después de que Christopher Nolan hiciera su trilogía maravillosa, ha quedado con el paso del tiempo algo por debajo, quizás salen a la luz más los defectos que las virtudes, pero me sigue pareciendo que para su momento era muy lograda.
La banda sonora corrió a cargo de Danny Elfman, mezclado con temas de Prince, un dueto el de Elfman y Burton de los más sólidos que se conocen.
Qué puedo decir de una de mis películas favoritas... dirigida por los Hermanos Cohen en 1998, que la veo cada cierto tiempo porque no paro de reir, que ver al Nota a menudo es un estilo de vida, o sacar parecidos entre la gente normal con Donny o Walter puede llegar a ser de lo más chanante... pues eso y muchas cosas más. Pero ante todo estamos ante una comedia redonda, dónde los hermanos Ethan y Joel Cohen lo bordan al crear el personaje de "El Nota". El año pasado se cumplieron 25 años del estreno del film.
Jeff Bridges da vida a Jeffrey Leboswki, El Nota, un vago y jugador de bolos desempleado de Los Ángeles que se presenta ante un multimillonario llamado igual que él, después de un caso de identidad errónea. Entonces, cuando la joven esposa del millonario es secuestrada, le pide al Nota que se encargue del rescate para una segura liberación.
El plan sale mal cuando el amigo de El Nota, Walter Sobchak (John Goodman) pretende quedarse con el dinero del rescate y utiliza un señuelo. El problema de Walter es que algún casquillo de bala debió de quedársele alojada en alguna zona del cerebro, vaya usted a saber cual, en Vietnam, por lo que cualquier situación que se tercia la relaciona con aquella guerra. Donny (Steve Buscemi) suele ser el contrapunto dentro de las amistades del Nota, un tipo callado y apocado, el cual relaciona todo curiosamente con los Beatles.
A partir de ahí, conocemos la vida de El Nota, sus partidas de bolos, sus amigos, y sus contrincantes, entre ellos Jesús Quintana (John Turturro) cuya aparición en la película no tiene desperdicio.
Por otro lado, la relación que mantiene El Nota con la hija del otro Lebowski, Maude Lebowski (Julian Moore) que es feminista, artista avant-garde y cuyo trabajo ha sido elogiado por ser "fuertemente vaginal", mete a nuestro protagonista en todavía más líos.
Sam Elliott hace de Stranger, un vaquero que narra el film y dice que la vida de El Nota transcurre sin sobresaltos, es un tipo tranquilo que escribió la declaración de Port Huron (no del segundo borrador pactado), fue uno de los 7 de Seattle junto a otros 6 tipos, y se dedica a jugar a los bolos, conducir por ahí, darse un viaje ácido de vez en cuando, escuchar a los Creedence y odia a los Eagles. Todo se complica cuando un asiático americano de nacionalidad indefinida orina en su alfombra...
A Donny le da un infarto a la salida de la bolera, en una escena mítica Walter y El Nota van a tirar sus cenizas al mar, Walter suelta un discurso (en el que mete su cuña sobre el Vietnam) y tira las cenizas en contra del viento y le dan en la cara a El Nota, que se cabrea mucho con Walter y le dice que lo convierte todo en una parodia.
