Bandas sonoras míticas del cine (C)

Como decía hace unos días, Espartaco es una película dirigida por Stanley Kubrick finalmente en 1960. Kubrick había dirigido Senderos de Gloria en 1957, pero su estreno estuvo rodeado de polémica y fue prohibido en muchos países durante años, por lo que su carrera sufría un estancamiento. Pero Kirk Douglas que era una figura muy importante en Hollywood con mucho peso y había trabajado con él, había empezado el rodaje de Espartaco con el primer director Anthony Mann (casado con Sara Montiel por aquel entonces), pero le daba miedo rodar escenas tumultuosas, quería aligerar el guión de Dalton Trumbo, su relación con Douglas era difícil, y ya se acumulaban retrasos en el rodaje. Fue gracias a Kirk que entró en liza Stanley Kubrick (echando a Mann) con sus propias condiciones exigiendo 150.000 dólares, la carta de libertad de Bryna, revisar el material grabado por Mann y sustituir a Sabine Bethmann porque no transmitía, según él, emoción alguna.

Este film era una super producción de las que se estilaban en la época del nivel de Quo Vadis (Mervin LeRoy, 1951), La caída del Imperio Romano (Anthony Mann, 1964) o Ben-Hur (William Wyler, 1959). Kirk Douglas llamó a Jean Simmons (casada con Stewart Granger) para el papel ficticio de Varinia que debía rodar una escena desnuda y bastante subida de tono para la época. este film también sufrió censura, y en la edición restaurada de 1991 se añadieron 37 minutos de metraje que habían quedado guardados en los archivos de los estudios.

En la película se narra la historia de Espartaco, un esclavo tracio que fue vendido como gladiador a Léntulo Batiato (Peter Ustinov), En Italia promovió y dirigió la rebelión de los esclavos contra la República romana (73-71 a.C). A medida que recorrían el país añadían innumerables esclavos a su rebelión, y consiguen formar un ejército que se enfrente a los romanos.

La banda sonora corrió a cargo de Alex North, gran música que tiene momentos conmovedores como el Love theme que suena cuando Espartaco y Varinia están juntos.

Os dejo con el Love theme.

Escenas míticas del cine (CCXXI)

David Fincher dirigió en el año 2008 El curioso caso de Benjamin Button basado en el cuento de F. Scott Fitzgerald y cuyo guión adaptó Eric Roth con bastante libertad tan solo extrayendo del mismo la premisa básica y formando a partir de ahí con muchas licencias una compleja fábula sobre el paso del tiempo, el amor, la durabilidad de los sentimientos, la vida y la muerte.

Hablamos de una producción que se dilató en el tiempo, cara, pero cuyos resultados me parecen excelentes, obteniendo unos resultados maravillosos como por ejemplo su propuesta visual que rebosa gloria, y repleta de momentos álgidos que llegan a tocar la fibra del espectador.

Arranca el film con una catástrofe de fondo, en el marco de un hospital donde una hija descubre de su madre ya moribunda, algunos de los retazos de la vida de Benjamin Button, al que da vida un extraordinario Brad Pitt, a través de la lectura de pasajes del diario de éste. A partir de ahí la película es una sucesión de flashbacks bastante intensos y extensos en los que vamos conociendo la peculiar vida, obra y aventuras de este personaje. Nace con extraño aspecto en un geriátrico y es abandonado, y allí va creciendo junto a otros ancianos con los que comparte aspecto físico y rodeado de cariño y comprensión pero con la decrepitud y muerte como acompañantes. El gran esfuerzo de su madre de adopción (de raza negra) y de gran corazón, hará que conozca a Daisy (Cate Blanchett), la persona que será su gran amor, aunque buena parte de su vida estarán distanciados. Button nace con 80 años y va rejuveneciendo a medida que pasa el tiempo físicamente, mientras mentalmente va creciendo de modo natural, es decir, en lugar de cumplir años, los descumple.

En una escena mítica, Button es muy pequeño mentalmente y va en silla de ruedas porque físicamente es muy mayor, pero en la congregación de su madre adoptiva hay un predicador (al que da vida Lance E. Nichols) que consigue hacerle andar.

Os dejo con la mítica escena.

Nightmare Alley (2021)

Guillermo del Toro. el cineasta mexicano, dirige El Callejón de las Almas Perdidas, su nuevo film basado en la novela de William Lindsay Gresham de 1946. No lo tenía fácil este director, después de que su anterior película La forma del agua fuera premiada y reconocida en multitud de festivales, críticas, etc., y aquí desde luego que no ha elegido el camino fácil y ha arriesgado con un proyecto de aire clásico pero muy alejado de todo lo que hasta ahora había hecho en su filmografía. La novela mostraba el lado oscuro y sórdido del sueño americano, digamos por decirlo así su lado malo y agrietado centrado en la historia de un miserable buscavidas, cuya primera adaptación cinematográfica tuvo a Tyron Power como rostro y de director a Edmund Goulding en 1947.

Desde luego que el riesgo que ha corrido el mexicano lo ha hecho con un reparto de actores espectaculares, lo que amortiguaría un hipotético mal recibimiento, ahí están Bradley Cooper, Cate Blanchett, Willem Dafoe, Ron Perlman, David Strathairn, Ronney Mara, Toni Collette o Richard Jenkins, que realmente lo que consigue es una brutal disección de los hechos de una apasionante historia. Es evidente que esta producción dobla como mínimo el presupuesto de su anterior cinta, pero es hasta cierto punto lógico, solo hay que ver el diseño de producción realmente fantástico.

La historia nos habla de ese buscavidas manipulador y estafador al que da vida Bradley Cooper y que se llama Stanton Carlisle. Primero nos describe su vida al entrar en una feria ambulante donde aprende todo lo necesario, sus primeros pasos, excusa perfecta para que el director, que está en su salsa, nos muestre sus filias pasando por toda una galería de personajes grotescos, extravagantes y detalles como esa galería de fetos en tarros de formol, que si recuerda a otros films pasados suyos y que desde luego deja imágenes imborrables.

En la segunda parte de la película, una vez que Stanton convence a Molly Cahill (Rooney Mara) de que debe irse con él para prosperar previa seducción, es ya la parte en que él es el absoluto protagonista y donde ella empezará a verse arrinconada y echando de menos el circo, algo a lo que contribuirá la aparición de la embaucadora psiquiatra Lilith Ritter (Cate Blanchett) cuya unión de negocios (y placer también) hará que timen a la rica sociedad neoyorkina de principios de los años 40.

Es en esta segunda parte, aparentemente más normal, donde al director le cuesta pillar la medida, no está tan a gusto, algo que se nota en la dirección de arte demasiado elaborada y no muy realista, que transmite el escenario decadente de la historia, pero no representa nada en concreto para los personajes, quedando esa sensación hueca y de vacío.

Quizás esta parte tiene el defecto de ser demasiado poco enérgica y con falta de espontaneidad, generando en el espectador una sensación rara, y sobre todo al final, por lo menos a mí me quedó la sensación de  que no supo acabar el film y lo cortó de repente.

De todas formas a destacar la buena actuación de Cooper, la excelente de Cate Blanchett y el personaje freaki y director del carnaval de Willem Dafoe.

En definitiva un trabajo en el que se pueden encontrar sus referentes al infierno, al alcoholismo y su moraleja macabra, pero en el que el director es un poco monocorde en el tramo medio, y quizás no saca todo su repertorio por ceñirse a la adaptación más fiel a la novela, aún así el resultado es satisfactorio.

Os dejo con el tráiler del film.

Los Oscars 2022

La gala de los Oscars 2021 se celebró la madrugada del 28 de marzo, edición número 94, y que tuvo en Chris Rock a su presentador. Pero esta gala quedará marcada por el momento en el que Rock hizo un chiste sobre la mujer de Will Smith, Jada Pinkett Smith que iba sobre su alopecia, a lo que Smith respondió subiendo al escenario y soltando una bofetada al cómico, y posteriormente hablando en alto y diciendo que no se le ocurriera nombrar más con su boca a su mujer, aunque cuando recogió su Óscar a mejor actor principal por El método Williams, pidió perdón a la Academia. 

Pero vayamos a lo estrictamente cinéfilo, y a los premios que se dieron, cuya mejor película fue Coda, la mejor dirección para Jane Campion por El poder del perro, mejor actor principal a Will Smith por El método Williams, mejor actriz principal para Jessica Chastain por Los ojos de Tammy Faye además del mejor guión original a Kenneth Branagh por Belfast. Sin embargo la que acumuló numéricamente más premios fue Dune, con apartados técnicos y el de mejor banda sonora para Hans Zimmer, y francamente estoy bastante conforme. La mejor actriz de reparto fue Ariana DeBose por el remake de West side story y Troy Kostur por Coda, este último el primer actor sordo en conseguirlo.

También hubo momentos emotivos, como en toda gala que se precie, el homenaje a los actores y actrices que nos dejaron en 2021 y esa aparición de Francis Ford Coppola, Al Pacino y Robert de Niro por los 50 años que se cumplían por el estreno de El Padrino.

En definitiva una gala que quedará marcada por el bofetón de Will Smith a Chris Rock, pero que incluyó un Óscar para nuestro país de Alberto Mielgo y Leo Sánchez por el mejor cortometraje de animación.

Ésta fue la lista de ganadores:

*Mejor Película: CODA

*Mejor Actor:  WILL SMITH por El método Williams

*Mejor Director: JANE CAMPION por El poder del perro

*Mejor Actriz:  JESSICA CHASTAIN por Los ojos de Tammy Faye

*Mejor Guión original:  KENNETH BRANAGH por Belfast

*Mejor Guión adaptado: SIAN HEDER por Coda

*Mejor Actor de reparto:  TROY KOTSUR por Coda

*Mejor Actriz de reparto:  ARIANA DEBOSE por West Side Story

*Mejor Diseño de vestuario: CRUELLA de Jenny Beavan

*Mejor Diseño de producción: DUNE de Patrice Vermette

*Mejor Maquillaje y peluquería: LOS OJOS DE TAMMY FAYE de Linda Dowds, Stephanie Ingram y Justin Raleigh

*Mejor Dirección de Fotografía: DUNE de Greig Fraser

*Mejor Montaje: DUNE de Joe Walker

*Mejor Banda sonora: DUNE de Hans Zimmer

*Mejor canción original: NO TIME TO DIE de Billie Eilish y Finneas O'Conell para Sin tiempo para morir

*Mejores Efectos visuales: DUNE de Paul Lambert y Gerd Nefzer

*Mejor Corto de animación: EL LIMPIAPARABRISAS de Alberto Mielgo

*Mejor Película animada: ENCANTO de Jared Bush, Byron Howard y Charise Castro Smith 

*Mejor Corto documental: THE QUEEN OF BASKETBALL de Ben Proudfoot

*Mejor Largometraje documental: SUMMER OF SOUL (...OR, WHEN THE REVOLUTION NOT BE TELEVISED) de Questlove

*Mejor Cortometraje de ficción: THE LONG GOODBYE de Aneil Karia

*Mejor Película de habla no inglesa: DRIVE MY CAR de Japón

Os dejo con un resumen de la gala.

Escenas míticas del cine (CCXX)

Espartaco es una película dirigida por Stanley Kubrick finalmente en 1960. Kubrick había dirigido Senderos de Gloria en 1957, pero su estreno estuvo rodeado de polémica y fue prohibido en muchos países durante años, por lo que su carrera sufría un estancamiento. Pero Kirk Douglas que era una figura muy importante en Hollywood con mucho peso y había trabajado con él, había empezado el rodaje de Espartaco con el primer director Anthony Mann (casado con Sara Montiel por aquel entonces), pero le daba miedo rodar escenas tumultuosas, quería aligerar el guión de Dalton Trumbo, su relación con Douglas era difícil, y ya se acumulaban retrasos en el rodaje. Fue gracias a Kirk que entró en liza Stanley Kubrick (echando a Mann) con sus propias condiciones exigiendo 150.000 dólares, la carta de libertad de Bryna, revisar el material grabado por Mann y sustituir a Sabine Bethmann porque no transmitía, según él, emoción alguna.

Este film era una super producción de las que se estilaban en la época del nivel de Quo Vadis (Mervin LeRoy, 1951), La caída del Imperio Romano (Anthony Mann, 1964) o Ben-Hur (William Wyler, 1959). Kirk Douglas llamó a Jean Simmons (casada con Stewart Granger) para el papel ficticio de Varinia que debía rodar una escena desnuda y bastante subida de tono para la época. este film también sufrió censura, y en la edición restaurada de 1991 se añadieron 37 minutos de metraje que habían quedado guardados en los archivos de los estudios.

En la película se narra la historia de Espartaco, un esclavo tracio que fue vendido como gladiador a Léntulo Batiato (Peter Ustinov), En Italia promovió y dirigió la rebelión de los esclavos contra la República romana (73-71 a.C). A medida que recorrían el país añadían innumerables esclavos a su rebelión, y consiguen formar un ejército que se enfrente a los romanos.

En esa primera parte del film cuando es gladiador, Batiato premia a sus luchadores con una mujer, cuando le llevan a Espartaco la suya es Varinia, su primer encuentro que no es muy llamativo.

Os dejo con la mítica escena.

Death on the Nile (2022)

Hace 5 años Kenneth Branagh recuperó a Hercule Poirot, quizás el personaje más famoso creado por Agatha Christie, para hacer una nueva versión de Asesinato en el Orient Express, que a mí en su día me gustó, aunque tuvo división de opiniones entre crítica y público. Creo que Branagh es bastante respetuoso con la novela y tiene la virtud de conservar lo bueno de aquella cinta de hace un lustro y ahora con Muerte en el Nilo (novela de 1937) vuelve a estar a un gran nivel. Posee un enorme reparto, uno de los grandes atractivos para el público, y el director y actor se esmera en hacer una buena presentación de todos ellos para que queden situados en la mente del espectador antes de que suceda el crimen, rebosando encanto y clasicismo.

De esta forma, nos encontramos con similitudes con la cinta de hace cinco años casi inevitablemente y en líneas generales, pero a la que se le añade un músculo técnico soberbio, con un diseño de producción muy notable, una fotografía en 65mm sublime (de Haris Zambarloukos) y con un director que borda la puesta en escena. Es precisamente esa mezcla de lo analógico y lo digital lo que le da una pujanza tremenda al film, y enamora como he dicho antes, con el reparto fastuoso bastante coral y de nivel, que evoca al Hollywood clásico con Gal Gadot, Emma Mackey, Armie Hammer, Tom Bateman o una ya veterana Annette Bening, aunque obviamente la auténtica estrella es Poirot al que da vida el propio Kenneth Branagh.

Evidentemente la película sufre un giro a raíz de un crimen que se va mascando ya desde el inicio y que tiene su desenlace en el barco de vapor llamado Karnak. Allí disfruta Poirot de unas vacaciones egipcias, siendo invitado al enlace de una pareja supuestamente perfecta y que conforman Linnet Ridgeway a la que da vida una espléndida Gal Gadot y Simon Doyle al que interpreta Armie Hammer. Pero el nacimiento de esta pareja es algo brusco, ya que antes Simon estaba unido a Jacqueline de Bellefort (Emma Mackey), hasta que esta le presenta a su amiga Linnet bastante adinerada, decidiendo cambiar él una por otra. Jacqueline a partir de ese momento los persigue allá por donde van, por lo que la pareja recurre a Poirot para que les ayude y les sirva de protección. En toda esta parte de lujo en el barco de vapor y antes, la música es de un exquisito gusto.

Quizás la presentación de personajes se extiende demasiado en el tiempo, y es cuando fluye la sangre cuando el film se acelera, las sorpresas empiezan a salir a borbotones en este thriller de misterio, donde como siempre el propio Poirot se las apaña para ir salpicando la trama con pistas falsas, todo tipo de triquiñuelas argumentales y los típicos giros, que a mí a veces me producen algo de sopor, pero que son absolutamente fundamentales en un personaje tan definido.

Amor en exceso que produce dolor, teatralidad, dinero y con una factura deslumbrante se combinan en la película que aconsejo ver con siesta dormida.

Os dejo con el tráiler del film.

Bandas sonoras míticas del cine (XCIX)

Como decía ayer, en 1986 Oliver Stone consigue estrenar Platoon, su primera visión sobre la Guerra de Vietnam (que duró 19 años y 180 días de 1955 a 1975), un proyecto que tardó años en llevar a cabo y que empezó a mover cuando los efectos de esa guerra aún coleaban y su recuerdo de cuando estuvo en primera persona (regresó en 1968) y era una contienda que consideraba muy suya, aunque cierto es que todavía era un tipo que en Hollywood no tenía el peso que tendría después, lo que le retrasó el proyecto. Por si fuera poco tenía el listón muy alto por culpa de dos películas que le precedían, alabadas por crítica y público, El Cazador (Michael Cimino, 1977) y Apocalypse now (Francis Ford Coppola, 1979). Este film siendo vigoroso y notable no supera a las dos citadas estando por debajo en belleza y vuelo estético, pero ya dejaba claro que había un director con mucho talento.

La parte que consigue dejar muy clara en la película, y que me parece importante, es el tipo de gente que iba a luchar a esa contienda, la más baja estofa americana, la llamada chusma de pueblos que casi nadie conoce y que luego cuyos sobrevivientes volverían a su país para trabajar en sitios sin importancia (algo que se refleja muy bien también en Acorralado, Ted Kotcheff, 1982).

En la historia seguimos a un novato soldado con buenas intenciones llamado Chris Taylor, al que da vida con gran actitud y solvencia Charlie Sheen (hijo de Martin Sheen que protagonizaba Apocalypse now), que se convierte en narrador involuntario del relato. Se incorpora a la frontera entre Vietnam y Camboya a un pelotón en pleno frente de batalla contra las tropas norvietnamitas. Allí verá la crueldad de la guerra, pero también sufrirá las difíciles relaciones entre sus camaradas, sobre todo entre el Sargento Elias (Willen Dafoe) y el Sargento Barnes (Tom Berenger).

La música corrió a cargo de Georges Delerue con importantes añadidos de temas del rock, el soul y la música clásica, Jefferson Airplane, Otis Redding, Smokey Robisnson & The Miracles, etc., La pieza de música clásica que conmueve en una parte concreta del film es el Adagio for Strings de Samuel Barber.

Os dejo con el Adagio for strings.

Escenas míticas del cine (CCXIX)

En 1986 Oliver Stone consigue estrenar Platoon, su primera visión sobre la Guerra de Vietnam (que duró 19 años y 180 días de 1955 a 1975), un proyecto que tardó años en llevar a cabo y que empezó a mover cuando los efectos de esa guerra aún coleaban y su recuerdo de cuando estuvo en primera persona (regresó en 1968) y era una contienda que consideraba muy suya, aunque cierto es que todavía era un tipo que en Hollywood no tenía el peso que tendría después, lo que le retrasó el proyecto. Por si fuera poco tenía el listón muy alto por culpa de dos películas que le precedían, alabadas por crítica y público, El Cazador (Michael Cimino, 1977) y Apocalypse now (Francis Ford Coppola, 1979). Este film siendo vigoroso y notable no supera a las dos citadas estando por debajo en belleza y vuelo estético, pero ya dejaba claro que había un director con mucho talento.

La parte que consigue dejar muy clara en la película, y que me parece importante, es el tipo de gente que iba a luchar a esa contienda, la más baja estofa americana, la llamada chusma de pueblos que casi nadie conoce y que luego cuyos sobrevivientes volverían a su país para trabajar en sitios sin importancia (algo que se refleja muy bien también en Acorralado, Ted Kotcheff, 1982).

En la historia seguimos a un novato soldado con buenas intenciones llamado Chris Taylor, al que da vida con gran actitud y solvencia Charlie Sheen (hijo de Martin Sheen que protagonizaba Apocalypse now), que se convierte en narrador involuntario del relato. Se incorpora a la frontera entre Vietnam y Camboya a un pelotón en pleno frente de batalla contra las tropas norvietnamitas. Allí verá la crueldad de la guerra, pero también sufrirá las difíciles relaciones entre sus camaradas, sobre todo entre el Sargento Elias (Willen Dafoe) y el Sargento Barnes (Tom Berenger).

En una escena mítica el pelotón sale de una emboscada en los helicópteros, pero Elias se queda rezagado y va herido, se dan cuenta desde arriba y le intentan cubrir y sacarle, pero ya va muy herido, su caída con los brazos en alto es una de las imágenes del film.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCXVIII)

Stanley Kubrick dirigió en 1987 La Chaqueta Metálica (Full Metal Jacket), un film acerca de la preparación de los Marines americanos en la Academia, antes de partir hacia la Guerra de Vietnam y su posterior manera de desenvolverse en la batalla, y todas las circunstancias en las que se ven envueltos.

En esa primera parte de la película, el Sargento mayor Hartman, un personaje interpretado de manera magistral por R. Lee Ermey, los tiene entrenados de una manera brutal para lo que les espera. La primera parte de la película acaba cuando el recluta patoso (Vincent D'Onofrio) mata al Sargento harto de su ninguneo y su mofa constante, delante de sus compañeros, que provocan su cambio de carácter y su locura. Es en la segunda parte cuando se cuenta como estos reclutas se comportan en el campo de batalla en Vietnam. 

Precisamente en esa primera parte los futuros marines sufren desde el principio el carácter duro y mal hablado del Sargento Hartman, que se refleja en una escena donde tiene estopa física y oral para todos, especialmente impactante es su escena con el Recluta Bufón (Matthew Modine) al que obliga a confesar que dijo algo hasta que lo admite, la represalia es un puño en el estómago de los que duelen de verdad y una soflama hablada de las que humillan y que también hace con el compañero de al lado el Recluta Cowboy (Arliss Howard).

Os dejo con la mítica escena.

Muere William Hurt.

Este pasado domingo 13 de marzo ha fallecido el actor William Hurt como ha señalado la familia en paz y rodeado de sus seres queridos. El veterano intérprete anunció en 2018 que le habían detectado un cáncer de próstata terminal con metástasis en los huesos. Hurt nació en Washington en 1950 y estudió Teología en la prestigiosa universidad de Tufts, aunque finalmente decidiera dedicarse a la interpretación. Así en 1972 se matriculó en la escuela artística de Julliard y su primer oportunidad le llegó con su papel en la película de terror de Ken Rusell "Un viaje alucinante al fondo de la mente". Llegó el éxito profesional siendo toda una estrella en los 80 con títulos como Fuego en el cuerpo (1981), El sueño de una noche de verano (1982), o El beso de la mujer araña (1985) película esta última por la que ganó su único Oscar. En cuanto al terreno personal el actor vivió una vida algo movida ya que la actriz Marlee Matlin, que fue su pareja, publicó unas memorias en 2009 donde aseguraba que él "le había sometido a abusos físicos y psicológicos", algo por lo que el actor pidió perdón públicamente. Aunque es cierto que Hurt huía de la fama y le asustaba la notoriedad, que se unió a sus problemas de alcohol y drogas que le hicieron estar fuera del meollo mediático y renunciar a trabajar en grandes producciones como Parque Jurásico o Misery. En los último años participó en varios títulos de Marvel, dando vida a Thaddeus "Thunderbolt" Ross.

En homenaje os dejo con una escena mítica de la película Fuego en el cuerpo dirigida por Larewnce Kansdan en 1981, donde Ned Racine (William Hurt), joven abogado de Florida, lleva una vida normal hasta que conoce a Matty Walker (Kathleen Turner, que hacía su primer film), una tentadora y sensual mujer casada con un hombre rico de negocios, Edmund Walker al que daba vida Richard Crenna (el coronel Trautman de Acorralado un año después). Ned se enamorará pronto de ella, y se dará cuenta que es de esas mujeres por la que un hombre podría incluso matar. 

En una escena mítica ambos se despiden, pero la atracción es tan fuerte que vuelven a juntarse para estallar la escena sexual.