jueves, 30 de junio de 2022

Bandas sonoras míticas del cine (CXII)

En 1997-1998 Philip Saville dirige Metroland, un film ambientado en 1977 y que protagonizan Christian Bale, Emily Watson y Lee Ross. El guión pertenece a Adrian Hodges, basado en la novela Metrolandia de Julian Barnes. El film trata de un treintañero Chris, cuya vida muy predecible y tranquila se ve interrumpida por una llamada telefónica de un amigo de juventud llamado Toni (Lee Ross) que está de vuelta en Inglaterra tras algunos años de vida errante como poeta viajando por África, Europa y Estados Unidos. Chris está casado con Marion (Emily Watson) y viven con su bebé Eastwood, en las afueras de Londres conocidas como Metroland (la ciudad dormitorio al final de la Línea de Metro Metropolitan de Londres).
Años atrás ambos amigos compartieron el sueño de escapar de la vida aletargada burguesa para vivir el esplendor de la vanguardia francesa de los 60. Este regreso de Toni desencadena en Chris un río de recuerdos sobre sus frenéticos años en el París del final de los sesenta.
Mark Knopfler escribió y produjo la banda sonora de Metroland, que se complementa con algunos cortes adicionales adecuados al período representado en el film como Francoise Hardy, Django Reinhardt, The Stranglers o Elvis Costello. Esta banda sonora no saldría editada hasta 1999, de hecho el guitarrista y compositor británico estaba enfrascado en ese momento con este trabajo y la banda sonora de Wag the dog que salió en 1998.


Os dejo con el tema Metroland que cierra la banda sonora en el que Knopfler canta, toca la guitarra y compone la canción.

miércoles, 29 de junio de 2022

Bandas sonoras míticas del cine (CXI)

Jerry Kawalerowicz dirige en 1971 Maddalena, una película italiana donde se cuenta la historia de una mujer morena llamada Maddalena (Lisa Gastoni), que quiere satisfacer sus deseos sexuales y termina haciendo dudar de su fe a un joven y apuesto párroco. Por otro lado, una mujer rubia y con el mismo nombre, se reúne con su marido (de quien busca únicamente la protección económica) y se aprovecha de que él está enamorado de ella, hasta tal punto que no le importa concederle el divorcio que pide, con la condición de que siga siendo su amante en lugar de su esposa, y continúe acostándose con él.
La película es sobre todo recordada por presentar por primera vez la obra musical "Chi Mai" de Ennio Morricone, que por supuesto hizo la banda sonora. Chi Mai es de esos temas que te dejan sin palabras, una joya atemporal.


Os dejo con Chi Mai.

martes, 28 de junio de 2022

Bandas sonoras míticas del cine (CX)


Giuseppe Tornatore, el autor entre otras de Cinema Paradiso, regresaba después de 5 años y lo hacía con una película pensada y calculada, y con un reparto de actores realmente excelente. Mención aparte merece Geoffrey Rush, un actor de esos que con el paso de los años ha adquirido un poso y una elegancia y profundidad en sus interpretaciones, que le hace estar entre lo mejor del cine. Virgil Oldman (Geoffrey Rush) es un hombre solitario, excéntrico, sibarita, y hasta algo misógino, experto en arte y agente de subastas, muy apreciado y estimado en todo el mundo del arte. Su vida transcurre sin mujeres, alejado de cualquier sentimiento afectivo, hasta que conoce a una misteriosa y hermosa joven Claire (Sylvia Hoeks) que le encarga tasar y vender las obras de arte heredadas de sus padres en una villa medio abandonada. La aparición de esa joven, que sufre una extraña enfermedad psicológica, hará que el hermetismo de Virgil desaparezca y hará que su vida se transforme para siempre.
Una falsificación tiene siempre algo verdadero en sí misma. Esta frase se convierte en el leit motiv de la película, y la define perfectamente. Pero antes del desenlace final, asistimos a una canónica historia de amores de ultratumba, ya que el protagonista se enamora de una mujer sin rostro emparedada en vida, a la que él consigue ver, esa parte del film, es simplemente gloriosa, dónde voces, necrofilia, irrealidad, autómatas y hasta una enana-sibila es clave en el giro argumental que sigue después.
La música, como no podía ser de otra forma, corre a cargo de Ennio Morricone, fantástica.


Os dejo con el tema Volti e fantasmi.

lunes, 27 de junio de 2022

Bandas sonoras míticas del cine (CIX)

En 1968 el director italiano Sergio Corbucci dirige Salario para matar, en la que se cuenta la historia de un mercenario de origen polaco al que da vida Franco Nero, Sergei Kowalski, que se vende al mejor postor. Llega a México durante la revolución de Pancho Villa y traba amistad con Paco Román (Tony Musante), un bandido sin escrúpulos que tiene trazas de patriota, todo esto durante los enfrentamientos entre los campesinos y las clases altas, ayudadas por el ejército. Para rodar esta película Corbucci buscó infinidad de localizaciones en Madrid y Almeríoa. En Madrid se rodaron escenas en Carabaña, Ciempozuelos, La Pedriza, Nuevo Baztán, Río Jarama, VIllamanta, Colmenar Viejo (Ermita de Nuestra Señora de los Remedios) y Manzanares el Real.
Precisamente en la Plaza de Toros de esta localidad (hoy desaparecida) se rodó la famosa escena final del duelo entre Paco Román, vestido de payaso, y "Ricitos" Curly (Jack Palance).
Es uno de los primeros títulos de lo que se denominó "zapata-western" y cuya banda sonora corrió cargo de Ennio Morricone, otra delicia del gran compositor italiano.


Os dejo con el tema L'Arena de dicha banda sonora.

domingo, 26 de junio de 2022

Elvis (2022)

Baz Luhrman ha sido el director australiano que ha dirigido Elvis, el primer biopic de calado que se hace sobre el rey del rock Elvis Presley, hubo varios intentos pero que se quedaron en agua de borrajas ciertamente. El cineasta acumula en su filmografía títulos como Romeo + Juliet (1996) Moulin Rouge! (2001) o el remake de El Gran Gastby (2013) entre otras, y está claro que si has visto esas películas, algo de ellas hay en esta, de manera detallista si se me apura. Es evidente que aquí ha habido presupuesto alto (85 millones de dólares), actores de mucho nivel, pero también mucho riesgo, y ahí hay un alto porcentaje de acierto, pero también cosas altamente mejorables, como poco a poco iré desgranando. Austin Butler fue el actor elegido para dar vida a Elvis, y la verdad sea dicha, el chico se lo ha currado, y es casi imperceptible la diferencia entre el original y él en algunos momentos, su caracterización es brutal, y los movimientos los calca, algo nada fácil. El gran icono masculino americano de la música del S. XX debía tener una película de importancia que reverenciase su figura, y no sé si esta lo es del todo, pero creo que si en una buena parte.


Lo primero que hay que decir, es que este repaso a la figura de Elvis se hace desde varios prismas, pero no tiene una narración normal, de hecho es el propio Coronel Parker quien la narra, ni va describiendo paso a paso su infancia, ni es estrictamente cronológica, ya que realmente se centra en momentos importantes o clave que van describiendo la figura del personaje en cuestión y que le marcan. Una de esas claves es la influencia en él de la música negra, algo que me parece básico y fundamental, y que Elvis nunca escondió, me parece especialmente tierna esa amistad con B. B. King por ejemplo, o como ya desde pequeño asistía casi furtivamente a convenciones de música negra que le marcaron. Como es lógico, el chispazo que provoca la versión de That' all right Mama grabada con Sun Records, se extiende como la pólvora y será el farsante (él mismo lo dice y no lo niega) del Coronel Parker, al que interpreta un soberbio Tom Hanks, quien atrape a ese diamante en bruto que tenía ante sus ojos. Es evidente que aquí el villano es Parker y la víctima Elvis, además su mánager fue acusado de malas prácticas financieras y también de tener mucha culpa en la muerte de chico de Tupelo en 1977 a los 42 años.


En el aspecto musical están algunas de las cosas mejorables del film. Es, desde mi punto de vista, un despropósito que no cuadra nada, meter temas (dos que yo recuerde) de onda rap y hip-hop trastocando claramente lo que te están contando referido a una época concreta donde esa música no sonaba. Que el director ha querido darle un aire moderno, pues muy bien, pero no pega., que venía de hacer Get down en 2016 (serie para Netflix) sobre el nacimiento del hip-hop, pues muy bien, pero eso aquí no tiene sitio. Hay un salto abismal cuando si suena la música negra de Little Richard por ejemplo y hasta Elvis alucina y dice que grabará su versión que él interpretaba. Por supuesto todo lo que significó Elvis con sus movimientos de cadera (perversos para le época) denotan a un personaje adelantado a su tiempo, y cuya franja que le toca vivir está desfasada y anticuada, ese puritanismo no iba con él. Por otro lado hay un excesivo uso de flashbacks en demasiados momentos, debería ser solo un recurso.

Cierto es que siempre se aprenden cosas, y esa faceta de manipulador y verdadero extorsionador de Elvis que hace el Coronel Parker, te hace comprender en muchos momentos ciertas situaciones que sucedieron con Presley como esas tantísimas noches tocando en el Hotel International de Las Vegas, que nunca tocara en el extranjero, todo tipo de manipulaciones a las que le sometía para actuaciones televisivas bochornosas y todas aquellas películas (muchas de las cuales se las podría haber ahorrado) que provocaron el estancamiento de un artista inigualable y el mejor intérprete que ha habido. Pienso, y esto es una opinión personal, que a Parker la música le daba igual y por eso actuaba así, no tenía ese amor necesario por ella. Hanks de hecho, parece replicar en cierto momento el papel de mánager mezquino del film The Wonders, pero claro aquí más exagerado y con una capa de maquillaje casi rozando lo grotesco.


Lo curioso de este film, es que el narrador de la película, el Coronel Parker, queda realmente mal y la lectura que interpreto es que tuvo mucha culpa de la caída del mito, por no decir una gran parte, todo tejido con artimañas realmente sucias y de ser un farsante muy sangrante. De la parte que mejor recuerdo me queda, son esas interpretaciones de Butler de momentos míticos en el Comeback Special, en el hotel de Las Vegas, o incluso en su última actuación (no parece diferenciarse del original) de 1977, ya en un estado muy lastimoso. La relación de Elvis con su familia y mujer también están bien explicadas, una madre que quería lo mejor para él, pero la bebida la mató, un padre pusilánime y sin ningún valor y una mujer que acabó harta de infidelidades y su adicción a las pastillas.

Os dejo con el tráiler del film.

jueves, 23 de junio de 2022

Escenas míticas del cine (CCXXXIV)

Como decía ayer, en 1993 Harold Ramis dirige Atrapado en el tiempo (Groundhog day), una estupenda comedia que a la vez es una reflexión sobre la vida y la forma en la que decidimos pasar por ella. La historia nos cuenta como Phil, al que da vida un magnífico Bill Murray, es el hombre del tiempo de una cadena de televisión, y como cada año viaja una vez más en febrero a Punxstawnwey a cubrir la información del Día de la Marmota. En el viaje de regreso, Phil y su equipo se ven sorprendidos por una tormenta de nieve que les obliga a regresar a la pequeña ciudad. A la mañana siguiente, el despertador suena como siempre a las 6 de la mañana con la sintonía musical del tema de Sonny & Cher, el mítico I got you babe de 1965, y al desperezarse y despertarse comprueba atónito que es el mismo día que el anterior, es decir, el Día de la Marmota, que se repite día tras día.
Es curioso como mucha gente vivimos algo muy parecido durante el confinamiento de la pandemia, te levantabas muchos días que se parecían al anterior...
En una de sus muchas escenas memorables, en su paseo matinal por el pueblo, Phil se encuentra con Ned (Stephen Tobolowsky), un vendedor de seguros bastante pesadete (como suelen serlo todos) que le intenta encasquetar un seguro (el que sea, vida, o lo que sea), y claro esa escena se repite un día tras otro y la actitud de Phil va cambiando hasta que acaba dándole un puñetazo al bueno de Ned.


Os dejo con la mítica escena.

miércoles, 22 de junio de 2022

Escenas míticas del cine (CCXXXIII)

En 1993 Harold Ramis dirige Atrapado en el tiempo (Groundhog day), una estupenda comedia que a la vez es una reflexión sobre la vida y la forma en la que decidimos pasar por ella. La historia nos cuenta como Phil, al que da vida un magnífico Bill Murray, es el hombre del tiempo de una cadena de televisión, y como cada año viaja una vez más en febrero a Punxstawnwey a cubrir la información del Día de la Marmota. En el viaje de regreso, Phil y su equipo se ven sorprendidos por una tormenta de nieve que les obliga a regresar a la pequeña ciudad. A la mañana siguiente, el despertador suena como siempre a las 6 de la mañana con la sintonía musical del tema de Sonny & Cher, el mítico I got you babe de 1965, y al desperezarse y despertarse comprueba atónito que es el mismo día que el anterior, es decir, el Día de la Marmota, que se repite día tras día.
Es curioso como mucha gente vivimos algo muy parecido durante el confinamiento de la pandemia, te levantabas muchos días que se parecían al anterior...


Os dejo con esa mítica escena donde Phil se da cuenta que todo es igual al día anterior por primera vez...

lunes, 20 de junio de 2022

Bandas sonoras míticas del cine (CVIII)

El director chileno Pedro Larraín dirige en 2021 el biopic Spencer, su particular acercamiento a la figura de Lady Di (de nombre real Diana Frances Spencer), fijándose en el retrato de la mujer que había detrás de la Princesa de Gales. Spencer explora la idea de que fue durante unas navidades, a principios de los años 90, cuando Diana tomó la decisión definitiva de separarse de su marido y alejarse de la familia real inglesa, un mundo en el que no terminaba de encajar. La realidad era más compleja aún, pero en esta muy buena radiografía de Larraín, destaca mucho la magnífica interpretación de Kristen Stewart. El drama tiene lugar durante tres días, en una de sus últimas vacaciones de Navidad en la Casa de Windsor, en su finca de Sandringham en Norfolk, Inglaterra.
La extraordinaria banda sonora corre a cargo del guitarrista de Radiohead Jonny Greenwood, y con melodías de piano y cuartetos de cuerda da en el punto clave de la historia.


Os dejo con el tema New currency.

jueves, 16 de junio de 2022

Escenas míticas del cine (CCXXXII)

En 1998 Gregory Hoblit dirige Fallen, un tremendo thriller de intriga y que genera bastante inquietud en su visionado. Nos cuenta la historia del detective John Hobbes, al que da vida Denzel Washington, que se hace famoso por atrapar al asesino en serie Edgar Reese (Elias Koteas) al que acaban ejecutando en la silla eléctrica. Hobbes piensa que muerto Reese se han acabado los asesinatos y los problemas, pero todo empieza a torcerse cuando toda la gente que conoce empieza a cantar la misma canción que Reese cantó durante su ejecución, la versión que hacían The Rolling Stones en 1964 del Time is on my side. Es entonces cuando Hobbes, a través de una ardua y dura investigación, se da cuenta de que quizás tras esos crímenes se encuentre el ángel caído Azazel, que fue condenado a vagar informe por la Tierra y toma los cuerpos de otras personas como huéspedes.
En la extraordinaria escena inicial, se ve como Reese muere en la silla eléctrica y antes canta Time is on my side hasta que es completamente chamuscado, excelente Elias Koteas.


Os dejo con la mítica escena.

domingo, 12 de junio de 2022

Escenas míticas del cine (CCXXXI)


Como decía días atrás, en el año 1982 el director Costa-Gavras dirige Desaparecido (Missing), un drama basado en hechos reales en el que Charles Horman (John Shea), un joven e idealista periodista norteamericano desaparece de su domicilio en Santiago de Chile tras el golpe de Estado del general Augusto Pinochet en 1973. Su mujer Joyce a la que da vida Sissy Spacek y su padre Ed Horman que interpreta Jack Lemmon se traslada allí desde Estados Unidos, e intentan averiguar su paradero, para lo que pasarán por una auténtica odisea recorriendo instituciones diplomáticas norteamericanas y tropezando con infinitas trabas burocráticas en medio del caos reinante. El problema de Charles es que era un joven que colaboraba con medios progresistas y alternativos y tanto el film como la investigación en la que se apoya apuntan que fue asesinado para ocultar la participación estadounidense en el golpe de Estado.
Costa-Gavras cuenta la historia con una sensibilidad especial y centra la mirada en la búsqueda del padre Ed, un hombre conservador, creyente (pertenece a la iglesia de la Ciencia Cristiana), empresario y absolutamente seguro del sistema y el estilo de vida americano. Con una sutilidad y delicadeza absoluta la película construye, con la ausencia del hijo, la historia de una relación paterno filial.
Para la banda sonora el director no dudó en llamar a su compatriota Vangelis, que venía de hacer Chariots of fire y Blade Runner en 1981 y 1982 respectivamente, dos joyas, dando aquí un armazón a esa historia sensible realmente impresionante.
En una escena mítica Ed va a ver a Peter Chernin (Robert Hitt), responsable de la parte económica de una fundación que se encarga de decirle la verdad ya que tiene contactos importantes, y le dice que su hijo fue ejecutado en el Estadio Nacional, algo que afecta profundamente al señor Horman que intenta ponerse en contacto con el informante. Posteriormente acude a la embajada de EEUU donde le dan la falsa esperanza de que su hijo vive todavía, mientras discute con el Embajador (Richard Venture).


Os dejo con la mítica escena.

martes, 31 de mayo de 2022

Bandas sonoras míticas del cine (CVII)

En 1984 Roger Donaldson dirige la tercera revisión del clásico Motín a bordo, que ya había sido llevado a la pantalla por Frank Lloyd en 1935 y Lewis Milestona en 1962. Como suele ser habitual, excepto notabilísimas excepciones, la primera sigue siendo la mejor, aunque en la segunda tenemos la soberbia interpretación de Marlon Brando y en esta que nos ocupa el duelo interpretativo entre Anthony Hopkins y un joven Mel Gibson. En esta destaca cierto afán desmitificador y una aparatosidad en el tratamiento formal que intenta empequeñecer a sus predecesoras, además de contar con más medios en ese momento de los que tuvieron las antiguas. Sin embargo, no llega a superar a aquellas a pesar de su envoltura.
Basada en hechos históricos, en 1787, La Bounty, una fragata de la armada británica se hizo a la mar. El objetivo de su capitán, el Coronel William Bligh (Anthony Hopkins) es circunnavegar la Tierra siguiendo la ruta del Cabo de Hornos. Después de un larguísimo viaje de más de 3500 millas marinas, lleno de penalidades y peligros, el severo y duro capitán accedió que la tripulación descansara en una remota y paradisíaca isla, cosa que se alargó en exceso, y cuando ordena reanudar el viaje, la indisciplina de la tripulación era ya incontrolable. Es, en esas circunstancias, cuando el segundo de a bordo Fletcher Christian (Mel Gibson) decide encabezar un motín al que apoya la mayor parte de la tripulación.
La banda sonora corrió a cargo de Vangelis, pletórico por aquel entonces, y aquí lo vuelve a bordar.


Os dejo con el End theme de la banda sonora original, deliciosa.

lunes, 30 de mayo de 2022

Bandas sonoras míticas del cine (CVI)

En el año 1983 el veterano director Koreyoshi Kurahara dirige Antártica en la que nos narra la historia de dos científicos japoneses, Ushioda y Ochi, que desarrollan un vínculo especial con los perros de sus trineos durante la expedición a la Antártida. Finalmente ambos vuelven a casa, pero en el regreso se enteran de que los perros han sido abandonados. Antartica se convirtió de forma instantánea después de su estreno, en una de las películas de mayor éxito de taquilla de la historia de Japón, ávido como estaba el público japonés de épicas aventuras y de superación que recordaban a las antiguas historias pretéritas.
Por si fuera poco la música compuesta por Vangelis supo tejer una melodía plena de melancolía, nostalgia pero a la vez heroica, algo que la narrativa elegida por el director pedía a gritos, para apuntalar la trama que vertebra la cinta. Un film claramente sensual, que prefiere deleitarnos con la introspección, con un realismo escalofriante y con silencios que dicen mucho.
Años después en 2006 Disney hizo su remake "Bajo Cero" dirigida por Frank Marshall que desde mi punto de vista dista mucho de esta, pero que tuvo gancho por la presencia de Paul Walker.


Os dejo con el Theme from Antartica, maravilla.

domingo, 29 de mayo de 2022

Bandas sonoras míticas del cine (CV)

En el año 1982 el director Costa-Gavras dirige Desaparecido (Missing), un drama basado en hechos reales en el que Charles Horman (John Shea), un joven e idealista periodista norteamericano desaparece de su domicilio en Santiago de Chile tras el golpe de Estado del general Augusto Pinochet en 1973. Su mujer Joyce a la que da vida Sissy Spacek y su padre Ed Horman que interpreta Jack Lemmon se traslada allí desde Estados Unidos, intentan averiguar su paradero, para lo que pasarán por una auténtica odisea recorriendo instituciones diplomáticas norteamericanas y tropezando con infinitas trabas burocráticas en medio del caos reinante. El problema de Charles es que era un joven que colaboraba con medios progresistas y alternativos y tanto el film como la investigación en la que se apoya apuntan que fue asesinado para ocultar la participación estadounidense en el golpe de Estado.
Costa-Gavras cuenta la historia con una sensibilidad especial y centra la mirada en la búsqueda del padre Ed, un hombre conservador, creyente (pertenece a la iglesia de la Ciencia Cristiana), empresario y absolutamente seguro del sistema y el estilo de vida americano. Con una sutilidad y delicadeza absoluta la película construye, con la ausencia del hijo, la historia de una relación paterno filial.
Para la banda sonora el director no dudó en llamar a su compatriota Vangelis, que venía de hacer Chariots of fire y Blade Runner en 1981 y 1982 respectivamente, dos joyas, dando aquí un armazón a esa historia sensible realmente impresionante.
Sirva esta entrada de homenaje a Vangelis fallecido el pasado 17 de mayo.


Os dejo con el tema principal del film.

sábado, 28 de mayo de 2022

Bandas sonoras míticas del cine (CIV)


Como decía días atrás, en 1980 Stanley Kubrick dirige El resplandor, un film con el que esperaba romper la taquilla después del fracaso en ese sentido de Barry Lyndon (1975) (aunque luego lo remendara el mercado casero). Este film estaba basado en la novela de un joven escritor que tenía sus mismas iniciales curiosamente, y que respondía al nombre de Stephen King, del que no había leído nada pero había visto el film Carrie (1976), dirigida por Brian de Palma, basada en otra novela suya. Kubrick entonces echó mano de la escritora Diane Johnson, y él mismo escribió el guión dejando fuera a King, quien siempre manifestó su rechazo a la película, de hecho decía que Stanley no entendía las reglas del género del terror. Curiosamente años después King recuperó los derechos de la novela para producir y escribir una adaptación televisiva, enormemente fiel al libro, dirigida por Mick Garris y con Rebecca de Mornay en su reparto, y que no resiste comparación con el original. Sea como fuere, El Resplandor ha pasado a la historia del cine como una de las adaptaciones que mejoran con creces el material original.
La historia nos cuenta como Jack Torrance (Jack Nicholson) se traslada con su mujer Wendy (Shelley Duvall) y su hijo de siete años Danny (Danny Lloyd) al impresionante Hotel Overlook en Colorado, para encargarse del mantenimiento de las instalaciones durante la temporada invernal, época en la que permanece cerrado y aislado por la nieve. Buscan paz y sosiego para que Jack escriba una novela. Pero, poco después de llegar al hotel, Jack empieza a padecer inquietantes trastornos de personalidad y se suceden extraños y espeluznantes fenómenos paranormales.
El conjunto de piezas que forman la música del film demuestran el conocimiento y la afición de su director por la música clásica, como ya hizo en 2001: Una odisea en el espacio, y más concretamente la música contemporánea y experimental. La obra muestra numerosos fragmentos mediante una continua inserción en pantalla, con gran equilibrio a pesar de haber varios autores. El director y compositor polaco Krzysztof Penderecki es el eje central sobre el que pivota la banda sonora y sus piezas experimentales, bastante oscuras y complejas, que se muestra muy presente e influyente en la historia llegando a "manejar la mente del espectador" de cierta manera. Wendy Carlos (Walter Carlos se cambió de sexo a principios de los 70, de ahí la transformación de Walter a Wendy) y Rachel Elkind versionan un fragmento de la Sinfonía fantástica de Héctor Berlioz y con él componen el tema final de créditos, excelente idea de Kubrick que la gira hacia el concepto de obra clásica.


Os dejo con el Main tittle compuesto por Wendy Carlos y Rachel Elkind (versión extendida).




Y el tema The awakening of Jakob de Krzysztof Penderecki.

viernes, 27 de mayo de 2022

El buen patrón (2021)

Después de haber hecho dos películas de presupuestos más altos y rodeado de actores de mucho nivel, Fernando León de Aranoa dirigió El buen patrón en 2021, una cinta donde vuelve al cine urbano y social con el que comenzó hace años, pero ahora esa mirada ácida tiene el punto de vista desde el otro lado. Fernando y ese tipo de cine hacen falta en este país, ya que estamos algo hartos del recurrente tema de la Guerra Civil y faltaba salir a la calle y palpar los problemas que existen, y también respirar el ambiente de los bares de cañas y tapas. Los lunes al sol fue su punto álgido de ese cine, una comedia negra con muchas cosas metidas en la case obrera que salían a la luz, y cuya idea tenía algo de visionario de lo que vendría después con la crisis económica de 2008. Javier Bardem empezó con aquella película a forjar una carrera ya brillante, y aquí pasa a encarnar la figura del empresario, justo el lado contrario del que interpretó 20 años atrás.


La película nos cuenta la historia de Julio Blanco (Javier Bardem), un carismático propietario de una empresa que fabrica balanzas industriales "Básculas Blanco" en una ciudad española de provincias. Se nos presenta a este personaje como un tipo que cuida de sus empleados, se preocupa por ellos, e incluso tiene un trato cercano y algo paternalista. Están esperando la visita inminente de una comisión que decidirá la obtención de un premio local a la excelencia empresarial, algo que tiene al jefe bastante obsesionado, ya que todo tiene que estar perfecto para la visita. Pero hay una serie de circunstancias que empiezan a alinearse en su contra, problemas con un empleado despedido que acampa en la entrada a las instalaciones, uno de sus encargados tiene problemas de pareja que afectan a su rendimiento, etc., y para solucionarlos trabaja a contrarreloj, cruzando en ocasiones líneas que ni él mismo imaginaba, lo que da lugar a una serie de acontecimientos de lo más explosivos e inesperados.

Pero el humor impregna casi toda la cinta, y no se embadurna de amargura, de hecho la mirada del director es hacia la comedia clásica y con momentos de enredo casi de vodevil que desde luego le dan ritmo y juego a la película. Javier Bardem está un pelo sobreactuado, pero borda el cinismo que transmite su personaje y cómo ese burgués acomodado actúa ante los problemas que tiene delante de sus narices. Logra crear a un hombre campechano que es capaz de retorcer la realidad de sus afines para conseguir sus objetivos, pero manipulando todo lo posible para parecer que sus decisiones son de un hombre justo y son salomónicas. La metáfora de la balanza que el dueño nunca consigue equilibrar, es estupenda.

Los momentos surrealistas me recuerdan a la película Familia, aunque algunas subtramas de becarias y sexo con jovencitas parecen llevarnos otra época. En este punto el personaje de Liliana que interpreta Almudena Amor está muy presente en una parte del film, y me resulta algo torrentiano. El personaje que me parece algo forzado y tibio es Miralles al que da vida un siempre digno Manolo Solo.

En definitiva una película con la que se pasa un rato muy divertido, con su crítica ácida y sus momentos de humor, pero que no me parece que sea una cinta muy exportable al extranjero y mucho más entendible en nuestro país.

Os dejo con el tráiler del film.

jueves, 26 de mayo de 2022

Muere Ray Liotta a los 67 años de edad.

Hemos conocido la noticia de la muerte del actor norteamericano Ray Liotta a los 67 años de edad en República Dominicana, donde se encontraba rodando la película Dangerous waters. El motivo del fallecimiento se desconoce, pero lo único que ha transcendido es que se produjo mientras dormía. Nacido el 18 de diciembre de 1954 en New Jersey, fue adoptado a los seis meses por Mary, una secretaria, y Alfred Liotta, dueño de una tienda de piezas para automóviles y presidente del partido demócrata local. Él se enteró de niño que era adoptado y ya mayor contrató a un detective privado encontrando a su madre biológica a principios de siglo. Sus padres adoptivos eran de ascendencia italiana él y escocesa e irlandesa ella. Después de investigar y hablar con su madre verdadera, descubrió que su ascendencia era mayoritariamente escocesa, además de tener bastantes hermanastros y hermanastras.

Liotta debutó en 1978 en la serie televisiva "Otro mundo" participando en más de treinta capítulos. Tras aparecer en otras series, saltó a la gran pantalla en 1983 con "Chica solitaria", para luego estar en producciones mayores como "Algo salvaje" (1986) o "Campo de sueños" (1989), pero todo cambió con el punto de inflexión que fue para él en 1990 "Uno de los nuestros" cinta de criminales dirigida por Martin Scorsese. Participó en muchas películas ya como actor consagrado tales como "Escape de Absolom" (1994), "Cop Land" (1997), "Hannibal" (2001), "Narc" (2002), "Identidad" (2003), "Ases calientes" (2006), "Cerdos salvajes" (2007) o "The iceman" (2012), esta última donde recuperaba un papel de mafioso que siempre le iba al pelo. Además siguió trabajando en televisión, llegando a ganar un Emmy al mejor actor invitado por su interpretación en Urgencias. Era un trabajador incansable, y los últimos años no paraba, había participado en películas como "Historia de un matrimonio" o "El Halloween de Hubie", teniendo varias producciones pendientes de estreno como "Black Bird" o "Cocaine Bear".


Su rostro mineral, levemente picado por los restos de la pubertad y sus ojos de azul muy puro conquistaron a todo el mundo en Uno de los nuestros, con su papel de Henry Hill. En este film cristalizan todas las obsesiones, todos los logros narrativos y estilísticos, todas las ramificaciones temáticas que durante décadas Scorsese fue atesorando y haciendo crecer en su interior. Un film de gángsters de origen italiano cuyas ambiciones y pretensiones quedan perfectamente reflejadas en la película. La primera frase del film (que dice Henry que es el narrador) es: "Que yo recuerde, desde que tuve uso de razón, quise ser un gángster". Una de las obras cumbre del género de mafiosos, una cinta trepidante e intensa, dónde Robert de Niro, Joe Pesci y Ray Liotta llevan el peso de los papeles más importantes. Como anécdota, la palabra "fuck" es usada en 300 ocasiones durante la cinta.
Y ahora me refiero al personaje de Ray Liotta, Henry Hill, el que me daba más repeluco, un tipo que tenía la casa a nombre de la suegra, los coches a nombre de su mujer, sus carnets de la Seguridad Social y de conducir eran falsos, nunca votaba y nunca pagaba impuestos, un fiera que iba de gorra a todos los sitios y siempre a lo mejor y más caro, claro.
En una escena mítica lleva a su novia, que luego sería su mujer Karen (Lorraine Bracco), a un restaurante, paga a un chico para que le guarde el coche, entran por la parte de atrás y la cocina dando 20 dólares a todo el que se encuentra, para luego llegar al salón y ver como el director le saluda e inmediatamente le pone una mesa en primera fila, mientras suena la canción de The Crystals del tema Then he kissed me. Ella asombrada le pregunta a Henry en qué trabaja, y el responde: "en la construcción".

Os dejo en homenaje con la mítica escena.

miércoles, 25 de mayo de 2022

Escenas míticas del cine (CCXXX)


En 1968 Stanley Kubrick dirige ésta obra maestra del cine, en colaboración con Arthur C.Clarke, que co-escribió el guión. Es quizás, y sin exagerar, la película más compleja jamás realizada, fascinante desde los títulos de créditos hasta el enigmático y "todopoderoso" final, explorando por el camino nuevos conceptos visuales y narrativos, eliminando casi los diálogos (la primera palabra es en el minuto 20 del film), y capaz de mezclar y agitar en una misma coctelera filosofía, historia, ciencia-ficción, antropología, teología, tesis morales, etc., capaz de inventar el paisaje y nuevos caminos para la fotografía, de hacer de una película un concepto metafísico que va más allá, y de utilizar la música clásica como banda sonora, provocando un resultado portentoso.
En definitiva, marcó un hito por su estilo de comunicación visual, sus revolucionarios efectos especiales, su realismo científico y sus proyecciones vanguardistas. Todo esto antes de que el hombre hubiera llegado a la Luna supuestamente...
Su trama se centra en un equipo de astronautas, que trata de seguir las señales acústicas emitidas por un extraño monolito hallado en La Luna, el satélite de la Tierra, y que parece ser obra de una civilización extraterrestre. El reparto está integrado por Keir Dullea como Dave Bowman, Gary Lockwood como Frank Poole, Douglas Rain como la voz de HAL 9000 y William Sylvester como el Dr.Heywood Floyd.
Es una cuenta atrás hacia el futuro, un mapa del destino humano, una conquista del infinito, un apasionante drama sobre el hombre que lucha contra la máquina.
No voy a engañar a nadie, 2001: Una Odisea en el espacio, es una experiencia tan diferente, tan puramente subjetiva, que se hace muy cuesta arriba para un espectador normal. Muchas secuencias son duras de soportar, alumbradas únicamente por el silencio, la atmósfera de la soledad en el espacio, por el frío y descorazonador ambiente que transmite la nave espacial, todo ello puede resultar incluso aburrido en un primer visionado... y entonces ¿qué es lo que hace de ésta película el cénit de la ciencia-ficción? ¿qué tiene para que legiones de espectadores la contemplen, la comenten con entusiasmo (como yo con un amigo hace años en uno de mis garitos favoritos), la hagan objeto de estudio, la desmonten y analicen hasta sus mínimos detalles?... Es difícil de explicar, porque toda la película en si es un enigma, hipnótico y especial...


En una de sus muchas escenas míticas, se muestra la muerte como creación, ya que cuando el simio tira el hueso al aire se produce la famosa elipsis que nos lleva al espacio en el que unas naves espaciales parecen bailar al ritmo del Danubio Azul de Johann Strauss, Kubrick en otro alarde técnico consigue en un solo plano que el espectador repase mentalmente toda la historia artística del hombre, por lo menos fue su intención.

Os dejo con la mítica escena.

domingo, 22 de mayo de 2022

Escenas míticas del cine (CCXXIX)

Stanley Kubrick dirige en 1957 Senderos de Gloria, la primera película que protagonizó Kirk Douglas a las órdenes del mítico director. En ese film, el escenario es la Primera Guerra Mundial, año 1916, donde el General francés Boulard (Adolphe Menjou) ordena la conquista de una inexpugnable posición alemana y encarga esa misión al ambicioso general Mireau (George MacReady), cuyo encargado de llevarlo a cabo será el Coronel Dax (Kirk Douglas). El ataque a la colina resulta un desastre y un infierno, y el regimiento se retira a las trincheras. El alto mando, muy irritado por la derrota, infringe un terrible castigo al regimiento como ejemplo a los demás soldados. Se trata de un film histórico, que además contiene pasajes memorables como la cita del doctor Samuel Johnson "El patriotismo es el último refugio de los canallas" que el coronel Dax lanza al general Mireau. Brillantísima historia sobre la utilización de los combatientes y soldados rasos que luchan en las trincheras, frente a la inhumanidad y ambición que se respiraba en los lujosos cuarteles de los generales en la I Guerra Mundial. El soldado es un simple número, carne de cañón.
Por esto y más razones, quizás esta película sea el mejor film antibélico de la historia del cine.
Mención monstruosa para Kirk Douglas, cuya cara descompuesta tanto cuando atraviesa las infectas trincheras o cuando dirige el ataque a la colina de las hormigas, o como no, cuando se dirige a sus superiores para desafiarles y avergonzarles, son momentos históricos del cine.
Precisamente la escena entre el General Boulard y el Coronel Dax es uno de esos momentos memorables, cuando Boulard insinúa que Dax quiere el puesto de Mireau, a lo que Dax contesta enojado y con rotunda negativa.


Os dejo con la mítica escena.

lunes, 16 de mayo de 2022

Lawless (2012)

En el año 2012 el director australiano John Hillcoat dirige Lawless (Sin ley), un film ambientado en la época de la Ley Seca (1920 a 1933). Basada en la novela de Matt Bondurant "The Wettest County in the world" y guionizado por el cantante Nick Cave, nos cuenta la historia de los tres hermanos Bondurant que dominaron la producción clandestina de alcohol ilegal durante los años 20. Tenían fama de duros, resistentes y violentos, y se creó a su alrededor una leyenda que hacía que sus potenciales enemigos, incluso los grupos del crimen organizado que se formaron en grandes ciudades como Philadelphia, Chicago o New York, les temiesen. Encarnan a los tres hermanos grandes actores, Tom Hardy da vida al mayor y jefe Forrest Bondurant, Jason Clarke a Howard Bondurant y Shia LaBeouf al más joven de los tres Jack Bondurant. El reparto es de gran nivel y tenemos también a un sensacional y fugaz Gary Oldman que da vida a Floyd Bunner uno de los más duros gángsters de la época, o Jessica Chastain que interpreta a Maggie Beaufort, una mujer que huye de Chicago y su mala gente para trabajar en la hacienda de los hermanos.


La cualidad que les hacía diferentes a los hermanos Bondurant, es que ellos mismos fabricaban el whisky casero y lo destilaban, algo que en la tierra de las oportunidades no siempre es fácil, porque ganarse la vida y hacer fortuna siempre tendrá trabas, y aquí se las pondrá el agente especial Charley Rakes, al que da vida un gran Guy Pearce, cuyos métodos son duros y muy cuestionables. Lo curioso de la película es que consigue que dicho policía, quede como el villano de la historia, siendo supuestamente el que velaba por la ley.
Shia LaBeouf que encarna al pequeño Jack, es el que nos narra la historia, y su personaje es el que me falla algo en la película, ya que se ve su maduración que será clave en el devenir de la familia, pero al actor le falta algo de cuajo para rematar ese papel.

También resulta interesante destacar a Dane DeHaan que da vida a Cricket Pate, el socio del pequeño Jack Bondurant, y que tiene una deficiencia física en la pierna ocasionada por el raquitismo que tuvo de pequeño que evidentemente le provoca una minusvalía, que suple con su inteligencia y habilidad para destilar el alcohol, además de ser un excelente mecánico de coches. El film cuenta con un gran trabajo fotográfico de Benoit Delhomme, por ejemplo muy destacable el plano del anochecer iluminado por las destilerías ilegales, y destaca por su violencia seca, directa y dolorosa (hay alguna escena realmente impactante) a la que colabora mucho la presencia del inquietante personaje que interpreta Guy Pearce y que emparenta a esta cinta con el debut de Hillcoat-Cave en el muy violento film The proposition.


La narración se basa mucho en el fallido personaje de Shia LaBeouf, que quiere entrar en el negocio del tráfico de alcohol, si bien su falta de físico e ideas (es descrito muchas veces como la parte débil de la familia) ponen en peligro a su familia. Es cierto que no se abusa de su voz en off, pero si que es cierto que cuando aparece agiliza la historia. También hay historias de amor, evidentemente, la del propio Jack con la religiosa Bertha Minnix (Mia Wasikowska) también fallida y la más coherente y lograda de los personajes de Chastain y Hardy.
El film ironiza sobre la inmortalidad de los hermanos, de hecho a Forrest le cortan el cuello y salva el pellejo gracias a ella (aunque la leyenda decía que él fue caminando 20Km al hospital, algo impensable), al propio Jack le disparan, etc., pero como se ve en el final la muerte puede venir de la forma más tonta. 


En definitiva y en conjunto una muy recomendable cinta, sobre unos hechos reales que sucedieron paralelos a gente como Al Capone y que merecía ser contado.

Os dejo con el tráiler del film.

jueves, 12 de mayo de 2022

Escenas míticas del cine (CCXXVIII)


Como decía días atrás, en 1980 Stanley Kubrick dirige El resplandor, un film con el que esperaba romper la taquilla después del fracaso en ese sentido de Barry Lyndon (1975) (aunque luego lo remendara el mercado casero). Este film estaba basado en la novela de un joven escritor que tenía sus mismas iniciales curiosamente, y que respondía al nombre de Stephen King, del que no había leído nada pero había visto el film Carrie (1976), dirigida por Brian de Palma, basada en otra novela suya. Kubrick entonces echó mano de la escritora Diane Johnson, y él mismo escribió el guión dejando fuera a King, quien siempre manifestó su rechazo a la película, de hecho decía que Stanley no entendía las reglas del género del terror. Curiosamente años después King recuperó los derechos de la novela para producir y escribir una adaptación televisiva, enormemente fiel al libro, dirigida por Mick Garris y con Rebecca de Mornay en su reparto, y que no resiste comparación con el original. Sea como fuere, El Resplandor ha pasado a la historia del cine como una de las adaptaciones que mejoran con creces el material original.
La historia nos cuenta como Jack Torrance (Jack Nicholson) se traslada con su mujer Wendy (Shelley Duvall) y su hijo de siete años Danny (Danny Lloyd) al impresionante Hotel Overlook en Colorado, para encargarse del mantenimiento de las instalaciones durante la temporada invernal, época en la que permanece cerrado y aislado por la nieve. Buscan paz y sosiego para que Jack escriba una novela. Pero, poco después de llegar al hotel, Jack empieza a padecer inquietantes trastornos de personalidad y se suceden extraños y espeluznantes fenómenos paranormales.
En una escena absolutamente mítica, Jack está ya claramente trastornado y quiere hacer daño a su mujer e hijo, que huyen y tratan de escapar a través de la habitación del baño, el niño al ser pequeño lo consigue y sale por la ventanita, pero ella no, entonces se produce las escena del hacha, cuando Jack quiere entrar a base de hachazos en la puerta y ella se defiende con un cuchillo largo, la cara que pone Jack de auténtico psicópata no tiene precio.


Os dejo con la mítica escena.