lunes, 10 de mayo de 2021

Bandas sonoras míticas de películas (LXXIII)


En 2015 se estrenó la octava película dirigida por Quentin Tarantino, Los Odiosos Ocho, donde el director norteamericano volvió a hacer un western, después de que ya se introdujera en ese terreno con Django Desencadenado, en la que para mi abusaba algo de metraje, a pesar de ser una extraordinaria película. Pero aquí, vuelve a hacer su homenaje al spaguetti western, los géneros de serie B, además de cierta intriga, suspense e incluso thriller, además de tener ecos de films míticos como Río Bravo, por ejemplo. 
Para esta ocasión, Tarantino consiguió reunir a varios actores que, digamos, son fetiche para él, como es el caso de Samuel L. Jackson, Kurt Russell con el que vuelve a contar después de Death Proof, Tim Roth al que vuelve a recuperar y uno de los actores con los que más contó en su primera época, el algo cascado Michael Madsen. Por otro lado Jennifer Jason Leigh, Bruce Dern, Walton Goggins y Channing Tatum completan el glorioso reparto, sin olvidar a Demian Bichir. 
La historia se centra pocos años después de la Guerra de Secesión, donde una diligencia (guiño también a la mítica película de John Ford) va a toda velocidad por Wyoming. Los pasajeros son el cazarrecompensas John Ruth (Kurt Russell) y su fugitiva Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh) a la que no duda en mantener firme, que intentan llegar al pueblo de Red Rock donde la entregará a la justicia por un suculento botín de 10000 dólares. Por el camino se encuentran a dos desconocidos, primero el Mayor Marquis Warren (Samuel L. Jackson), un antiguo soldado de la Unión convertido también en cazarrecompensas de mala reputación y Chris Mannix (Walton Goggins), un renegado sureño que afirma ser el nuevo sheriff de Red Rock. Al aproximarse una ventisca, se refugian en la Mercería de Minnie, parada habitual de las diligencias en puerto de montaña. Allí se topan con cuatro rostros no habituales, Bob (Demian Bichir) con acento mexicano, Oswaldo Mobray (Tim Roth) el verdugo de Red Rock, el vaquero Joe Cage (Michael Madsen) y el general confederado Sanford Smithers (Bruce Dern). Mientras se refugian de la condenada tormenta en la mercería, los 8 viajeros descubren que llegar a Red Rock será complicado. 
La banda sonora corrió a cargo del mítico Ennio Morricone, quien consiguió su único Oscar de la Academia de Hollywood por este trabajo. Cierto que es que hay temas elegidos por Tarantino que suenan en el film y complementan la labor del italiano como The White Stripes o Roy Orbison, pero la música de Ennio es fantástica.


Os dejo con el tema inicial del film titulado Última diligencia a Red Rock.

viernes, 30 de abril de 2021

Escenas míticas del cine (CLXXV)

Como decía ayer, corría el año 1992, y un joven Quentin Tarantino realiza su primera y gran película. Tarantino, quien en sus inicios trabajó de empleado en una tienda de vídeos en Los Ángeles, originalmente iba a filmar la película junto a unos amigos con un presupuesto de 30.000 dólares, y en un formato de 16 mm, sin embargo la implicación de Harvey Keitel, no sólo como actor sino como productor, fueron capaces de aumentar el presupuesto a 1'2 millones de dólares, un gran logro para una película independiente, en todo caso una pequeña fracción de lo que sería una típica producción de Hollywood de la época. Por eso se la considera un hito dentro de la escena independiente americana. Seis criminales profesionales son contratados por Joe Cabot (Lawrence Tierney) y su hijo Nice Guy Eddie (Chris Penn) para un trabajo. No se conocen entre sí y se mantienen en el anonimato, escondidos bajo nombres de colores: el señor Naranja (Tim Roth), el señor Blanco (Harvey Keitel), el señor Rosa (Steve Buscemi), el señor Rubio (Michael Madsen), el señor Marrón (Quentin Tarantino) y el señor Azul (Edward Bunker).
En una escena mítica por su dureza, el Señor Rubio tortura a un policía hasta cortarle una oreja (ese momento no se ve a drede) mientras suena el tema Stuck in the middle with you de Stealers Wheel.


Os dejo con la mítica escena.

jueves, 29 de abril de 2021

Bandas sonoras míticas de películas (LXXII)


Corría el año 1992, y un joven Quentin Tarantino realiza su primera y gran película. Tarantino, quien en sus inicios trabajó de empleado en una tienda de vídeos en Los Ángeles, originalmente iba a filmar la película junto a unos amigos con un presupuesto de 30.000 dólares, y en un formato de 16 mm, sin embargo la implicación de Harvey Keitel, no sólo como actor sino como productor, fueron capaces de aumentar el presupuesto a 1'2 millones de dólares, un gran logro para una película independiente, en todo caso una pequeña fracción de lo que sería una típica producción de Hollywood de la época. Por eso se la considera un hito dentro de la escena independiente americana. Seis criminales profesionales son contratados por Joe Cabot (Lawrence Tierney) y su hijo Nice Guy Eddie (Chris Penn) para un trabajo. No se conocen entre sí y se mantienen en el anonimato, escondidos bajo nombres de colores: el señor Naranja (Tim Roth), el señor Blanco (Harvey Keitel), el señor Rosa (Steve Buscemi), el señor Rubio (Michael Madsen), el señor Marrón (Quentin Tarantino) y el señor Azul (Edward Bunker). Se van desarrollando los acontecimientos de manera bastante especial mientras la banda sonora seleccionada por el director es realmente impactante, tema de pop, rock, funky, etc...


Os dejo con el tema Little green bag de George Baker Selection.

miércoles, 28 de abril de 2021

Bandas sonoras míticas de películas (LXXI)

En 1997 Quentin Tarantino dirige su tercer film, Jackie Brown, una de sus grandes obras maestras desde mi punto de vista. Jackie Brown (Pam Grier) es una azafata de vuelo que necesita dinero por lo que hace de correo para un mafioso buscado por la policía llamado Ordell Robbie (Samuel L. Jackson). Pero un día es sorprendida en la aduana y acusada de tráfico de drogas y evasión de capital. Para evitar su ingreso en prisión debe aceptar la propuesta de la policía, ayudarles a llegar hasta Ordell cuyo compinche es un ex-convicto llamado Louis Gara (Robert de Niro). Quizás este film sea el menos Tarantinesco de su filmografía, no había tanta sangre y violencia como en otras, pero quizás es que aquí estaba demostrando que sabía hacer muchas más cosas y de mucha calidad. No debemos olvidar que por medio estaban sus colaboraciones con Robert Rodríguez, su gran amigo, en Abierto hasta el amanecer o Four Rooms. Además aquí hará una cosa para mi tremenda, y es que visionará desde todos los puntos de vista la escena clave del film, algo espectacular.
Aquí por si fuera poco musicaba con una selección de música negra de soul y funky de un nivel extraordinario que completaba el film de manera gloriosa.


Os dejo con el tema Across 110th Street de Bobby Womack.

martes, 27 de abril de 2021

Bandas sonoras míticas de películas (LXX)

En 1994 Quentin Tarantino dirige Pulp Fiction, su segundo film, el de la confirmación y éxito mundial, después de llamar mucho la atención dos años antes con Reservoir Dogs. Aquí nos cuenta la historia de Jules (Samuel L. Jackson) y Vincent (John Travolta), dos asesinos a sueldo de no muchas luces que trabajan para el gángster Marsellus Wallace (Ving Rhames). Vincent tiene una misión, que es cuidar de Mia (Urma Thurman), la atractiva mujer del jefe, y Jules le recomienda prudencia ya que es peligroso sobrepasarse con la mujer del jefe. Un chute de droga hará que la velada sea toda una fiesta de resultado incierto. En toda esa historia, hay un boxeador que engaña a Wallace llevándose un maletín, que ellos dos deben recuperar... Todo esto está trastocado en los espacios temporales, y es lo que te cuesta la primera vez que ves el film, tratar de colocar todo en su orden correcto, por decirlo resumido empieza casi por el final y termina por el principio, más o menos. Por si fuera poco Tarantino hizo una selección musical asombrosa, rescatando grupos antiguos de surf entre ellos el Rey del surf, crooners míticos, sensuales voces femeninas, bandas de funky legendarias, en fin, un cóctel memorable para musicar esta tremenda historia.


Os dejo con la banda sonora entera, mezclada como siempre con diálogos de la película original.

lunes, 26 de abril de 2021

Los Oscars 2021

La gala de los Oscars 2021 se celebró la madrugada del pasado 25 de abril y como en las dos ceremonias de premios anteriores no hubo un presentador oficial de la entrega de los premios. Al igual que en la gala de los Globos de Oro, los Oscars han ofrecido un formato de gala mixto con apariciones presenciales desde su tradicional Dolby Theatre de Los Ángeles y conexiones mediante videollamada. Nomadland se alzó como la gran triunfadora con 3 estatuillas importantes como Mejor película, mejor dirección y mejor actriz protagonista. Anthony Hopkins se llevó el de mejor actor protagonista por "El Padre" con un discurso en rindió homenaje a Chadwick Boseman, fallecido en agosto del año pasado y que optaba al mismo premio de manera póstuma, pero más emotivas aún fueron las palabraas de Thomas Vinterberg, ganador a la estatuilla a la mejor película extranjera por Otra ronda y que se wemocionó al recordar a su hija Ida, fallecida pocos días después de comenzar el rodaje en un accidente de tráfico.

 

Aunque ha sido una gala más floja que en ocasiones anteriores, influenciado por la situación actual, no han faltado momentazos como el de Glenn Close al celebrar su octava nominación sin premio perreando, con mucho sentido del humor.
Es increíble si pensamos que en la temporada de premios de hace 3 años, Frances McDormand, que se disponía a ganar su segundo Oscar por mejor actriz en Tres anuncios a las afueras, se acercó a Chloé Zhao (que recibía honores por The Rider) y le dijo que quería adaptar el libro "País Nómada, Supervivientes del siglo XXI" de Jessica Bruder. De ese gérmen nació Nomadland, que le ha dado a la actriz su tercer Oscar, uniéndose a un selecto club donde están Meryl Streep o Daniel Day-Lewis.


Ésta fue la lista de ganadores:


*Mejor Película: NOMADLAND

*Mejor Actor:  ANTHONY HOPKINS por El padre

*Mejor Director: CHLOÉ ZHAO por Nomadland

*Mejor Actriz:  FRANCES McDORMAND por Nomadland

*Mejor Guión original:  EMERALD FENNEL por Una joven prometedora

*Mejor Guión adaptado: FLORIAN ZELLER  and CHRISTOPHER HAMPTON por El Padre

*Mejor Actor de reparto:  DANIEL KALUUYA por Judas y el Mesías Negro

*Mejor Actriz de reparto:  YOUN YUH-JUNG por Minari

*Mejor Diseño de vestuario: ANN ROTH por La madre del blues

*Mejor Diseño de producción: MANK de Donald Graham Burt, decorados Jan Pascale

*Mejor Maquillaje y peluquería: LA MADRE DEL BLUES de Sergio López-Rivera, Mia Neal y Jamika Wilson

*Mejor Dirección de Fotografía: MANK de Erik Messerschmidt

*Mejor Montaje: SOUND OF METAL de Mikkel E. G. Nielsen 

*Mejor Montaje de sonido: SOUND OF METAL de Nicolas Beckeer, Jaime Baksht, Michelle Couttolenc, Carlos Cortés y Phillip Bladh.

*Mejor Banda sonora: SOUL de Trent Reznor, Atticus Ross y John Batiste

*Mejor canción original: FIGHT FOR YOU de Judas y el Mesías Negro (D'Mile, H.E.R. y Tiara Thomas)

*Mejores Efectos visuales: TENET de Andrew Jackson, David Lee, Andrew Lockley y Scott Fisher

*Mejor Corto de animación: SI ME PASA ALGO, OS QUIERO de Will McCormack y Michael Govier

*Mejor Película animada: SOUL de Peter Docter y Dana Murray 

*Mejor Corto documental: COLETTE de Anthony Giacchino

*Mejor Largometraje documental: LO QUE EL PULPO ME ENSEÑÓ, de Pippa Ehrlich, James Reed y Craig Foster

*Mejor Cortometraje de ficción: DOS COMPLETOS DESCONOCIDOS de Travon Free y Martin Desmond Roe

*Mejor Película de habla no inglesa: OTRA RONDA de Dinamarca


Os dejo con un resumen de la gala.

domingo, 25 de abril de 2021

Crock of Gold: A few rounds with Shane MacGowan (2020)

Julian Temple ha dirigido Crock of gold-Bebiendo con Shane MacGowan, un documental sobre el que durante muchos años fue el líder de The Pogues. Para este trabajo el actor Johnny Depp, amigo desde hace mucho de Shane, lo ha producido y el resultado es una visión muy personal sobre este músico y sus problemas con el alcohol y las drogas, que tanto le han afectado. Un salvaje retrato en tono punk de este icono de origen irlandés y que vivió muy intensamente el final de los años 70 con la explosión del punk en Londres para luego liderar su banda sobre todo en la década de los 80. El retrato se centra totalmente en Shane y aunque evidentemente trata la carrera de The Pogues, digamos que no se centra en la carrera de la banda a fondo, si no en la época en la que él lideró al grupo. También hace referencia a su otra banda The Popes.


La primera parte del film nos narra su muy humilde origen en Irlanda, la familia que le educó, una tía muy religiosa que le daba de fumar y beber ya a temprana edad, y como desde esa tierna edad ya llamaba la atención cuando cantaba temas, parte que tiene ilustraciones y animaciones de Ralph Steadman. Su hermana quizás sea la persona que mejor le conoce, y desde mi punto de vista da muchas de las claves de la difícil personalidad de su hermano y como el éxito le consumió y le llevó a una vida oscura. Temple compara a MacGowan con uno de los personajes de la mitología irlandesa, como hombre engañado por el Leprechaun y su caldero de oro, en la que para el cantante y compositor puede ser el éxito que acelera y aumenta con el alcohol, una parte muy oscura que le lleva a convertirse en esclavo de sus propios desenfrenos y excesos.


Salen muchos amigos, músicos, familia y demás personas que bien conocen a Shane o simplemente le adoran, entre ellos Bobbie Gillespie (cantante de Primal Scream), el propio Johnny Depp, su esposa, el líder del Sinn Féin Gerry Adams (MacGowan era hijo de un fiel seguidor del IRA), entrevistándose con el protagonista pintas de por medio, mientras su estado de salud actual es bastante pobre (cuando se rodó tenía 61, ahora tiene 63). Toda su implicación política con muchos de los temas que hizo con The Pogues aparecen en la película, y tanto los cuatro de Guilford como los 6 de Birmingham agradecieron ese detalle.
Pero es obvio que el traslado a Inglaterra, cambió a Shane y le empapó de todo lo que sucedía en el Londres de finales de los 70, mítico cuando aparece de público en un concierto de los Sex Pistols (¡quién hubiera podido!).


Hay actuaciones de The Pogues en el film, tanto en conciertos como en apariciones televisivas, también se habla de la desaparecida Kirsty MacColl, que cantó con The Pogues el tema más vendedor de su carrera, Fairtyle of New York, y que Shane llegó a odiar.
El estado patético de salud de MacGowan, es el colofón, junto al concierto de homenaje por su 60 cumpleaños, donde estuvieron Nick Cave, Bono, Johnny Depp, Bobbie Gillespie, etc., como impacto de su propia vida, ya que se mueve en silla de ruedas. Sus raíces gaélicas, las referencias a la hambruna que su país vivió, la emigración, el terrorismo y como usaban camisetas del IRA para provocar, además de reivindicar su papel como renovador de la música tradicional de Irlanda componen este retrato de un gran músico y letrista de vida autodestructiva.

Os dejo con el traíler del film.

jueves, 22 de abril de 2021

Bandas sonoras míticas de películas (LXIX)

En 1970 Robert Altman dirigió M*A*S*H que narraba las aventuras y desventuras de dos cirujanos del ejército destinados en una unidad móvil durante la Guerra de Corea en aquella parte del mundo. Tanto ellos como el equipo de enfermeras se tomaban su trabajo muy en serio, pero en su tiempo libre, las bromas constantes y la ironía hacían más llevadera una situación que no dejaba de ser dura y difícil. Donald Sutherland daba vida a Hawkeye Pierce y Elliott Gould a John McIntyre. Dos años después saldría la serie de televisión que partía del film, y que duró 11 años en antena con Alan Alda entre los protagonistas.
La banda sonora corría a cargo de Johnny Mandel, cuya sintonía inicial me parece mítica.


Os dejo con el tema principal de M*A*S*H.

martes, 20 de abril de 2021

Mejores escenas cómicas del cine (LXXXIX)

En 1993 Chris Columbus dirige Señora Doubtfire, Papá de por vida, comedia relativa a la separación de un matrimonio compuesto por Daniel Hillard (al que da vida Robin Williams) y Miranda Hillard (Sally Field), aunque los tres hijos de ellos consideran a su padre el mejor y están muy unidos a él. Ella está cansada de que se comporte como un niño y pide el divorcio. El juez le concede la custodia a ella, y él solo puede verles un día a la semana, por lo que él decide con una gran treta hacerse pasar por una señora mayor que hará de canguro de sus propios hijos, la manera más ingeniosa de seguir viéndolos.
En una escena cómica muy graciosa, Daniel consigue después de cambiarle los números de teléfono del anuncio a su ex-mujer, que sólo reciba llamadas suyas interpretando diversos personajes todos bastante chalados, hasta que con la Señora Doubtfire consigue la entrevista.


Os dejo con la graciosa escena.

miércoles, 14 de abril de 2021

Escenas míticas del cine (CLXXIV)


En 1995 Michael Mann dirige Heat, una película cuyo mayor reclamo sería ver por primera vez juntos en rodaje y escenas a Al Pacino y Robert de Niro, que coincidieron en El Padrino II en el reparto, pero no grabaron juntos. Esta es la primera película de la trilogía urbanita de Mann que luego completaría con Collateral y Corrupción en Miami (el film). Aquí Neil McCauley (Robert de Niro) es un experto ladrón cuya filosofía consiste en vivir sin ataduras ni vínculos que puedan constituir obstáculos, si las cosas se complican. Su banda la forman criminales profesionales muy cualificados, que impresionan al detective Vincent Hanna (Al Pacino), un hombre obsesionado con su trabajo que incluso llega a poner en riesgo su vida sentimental. Chris Shiherlis (Val Kilmer) y Michael Cheritto (Tom Sizemore) son los hombres de confianza de Neil, con los que traza y ejecuta el que espera que sea su último golpe antes de desaparecer.
En una escena brutal, la banda ejecuta el robo al banco, pero la policía es avisada a tiempo por un soplón y logran interceptarles cuando están sacando el dinero del banco, produciéndose un tiroteo espectacular.


Os dejo con la mítica escena.

martes, 6 de abril de 2021

At Eternity's Gate (2018)

Julian Schnabel dirige este biopic sobre la figura del pintor holandés Vincent Van Gogh, realizado en 2018. Como todo el mundo sabe, o debería saber, ya se hizo una primera película acerca de este enorme pintor al que daba vida Kirk Douglas (El loco del pelo rojo, 1956) y por el que el actor fue nominado al Oscar, y que tenía como compañero de reparto a Anthony Quinn (al que si dieron el Óscar como mejor actor de reparto) en el papel de Paul Gaughin, el que fue su mejor amigo. En esta revisión de la figura del artista es Willem Dafoe quien se encarga del papel de Vincent Van Gogh, es una actuación realmente importante, mientras que Oscar Isaac da vida a Paul Gaughin.
El enfoque del film es evidentemente muy distinto al de aquella primera película, ya que este director es pintor y quizás por eso, su enfoque es más técnico y se centra en su proceso creativo y en cierta manera en sus problemas mentales que le influían a la hora de pintar, aunque aporta poco nuevo que no se sepa de su biografía.


Schnabel está irregular, pero se esfuerza y hace un trabajo encomiable, de hecho su director de fotografía Benoît Delhomme está soberbio, ya que consigue un tratamiento plástico con un uso de la luz, el color y las texturas maravilloso, así la experiencia audiovisual plasma mejor en pantalla los detalles y muy particulares peculiaridades de su autor, como dibujaba con el lienzo. Pero todo esto se mezcla con una narrativa muy errática, que provoca falta de ritmo y en momentos bastante desesperante, lo que hace fracasar al conjunto por desgracia.


Las escenas digamos psicodélicas en las que Van Gogh divaga, son difíciles de digerir, con textos repetidos una y otra vez y la música con notas de piano repetitivas. Pero se me antoja que en realidad la película quiere ser más, quiere ser diferente y provocativa, tiene delirios de grandeza y se acaba quedando en una película insulsa. Cortes abruptos, voces en off abrasivas, el excesivo meneo de esa cámara libre que acaba mareando, hacen que este trabajo me deje una sensación rara y desde luego inferior al de aquella obra maestra del 56.

En cuanto al reparto, es lo más solvente de la película. Un Dafoe entregadísimo, que da mucho empaque al verdadero protagonista, me gusta mucho su mirada de ido pero que esconde genialidad, Oscar Isaac perfecto en su Gaughin, un Mads Mikkelsen soberbio en su tremenda escena, o una Emmanuelle Seigner que sigue estando admirable a su edad. Desde luego lo mejor del film es cuando Willem Dafoe da rienda suelta a su talento y va libre, sin ataduras, ahí se ve hasta donde podía haber llegado este film.


Os dejo con el tráiler del film.

miércoles, 31 de marzo de 2021

Mejores escenas cómicas del cine (LXXXVIII)



Dany Boon dirige y es uno de los protagonistas de esta comedia genial de 2008. Phillipe Abrams (Kad Merad) es el encargado de una oficina de correos en una cuidad al Sur de Francia, que está desesperado porque le destinen a la Costa Azul ya que los episodios depresivos de su mujer Julie convierten su vida en un infierno. Pero hace trampas y es castigado, destinándole a una ciudad al Norte, llamada Bergues, en contra de su voluntad. Bergues es un pueblo que linda casi con la frontera de Bélgica, un lugar supuestamente inhóspito y con un clima muy frío, y en el que sus habitantes hablan con un dialecto raro e incomprensible llamado "ch'tmi". Así, Phillipe al principio se va sólo, y con bastante pesimismo sobre sus dos años en ese destino.
Al principio tiene que aprender como es la vida allí, pero congenia con sus compañeros de trabajo de manera increíble y es aceptado de manera tremenda, hasta tal punto que es uno más de ellos. Las situaciones se vuelven desternillantes, y hacen levantar el ánimo a cualquier espectador deprimido.


En una de esas escenas cómicas Antoine y Phillipe van borrachos en bici y Phillipe se salta un stop, por lo que la policía le persigue hasta que se da un trompazo con una terraza llena de gente.

Os dejo con la cómica escena.

martes, 30 de marzo de 2021

Bandas sonoras míticas de películas (LXVIII)


La cuarta entrega de Mad Max en 2015 me dejó realmente satisfecho en su día, pude asegurar entonces que había un antes y un después de haber visto esta obra maestra. George Miller consiguió que el público que asiste a ver su trabajo saliese flipando en colores, descolocado, aturdido, pero con una sonrisa en la cara, como si hubieras asistido a un fiestón. Pero claro, no olvidemos una cosa fundamental, nos encontramos ante una película básica y visceral, que no sólo mantiene sino que eleva a la máxima potencia esas coordenadas referenciales de sus predecesoras, es decir, el apocalíptico y postnuclear futuro que nos presenta.
Fury Road, bajo un brillantísimo despliegue de desguace motorizado, tubos de escape tuneados, V8 que corren que se las pelan y demás, construye un entramado de personajes profundos, motivaciones con sentido y, sí, cosas para pensar, porque aquí hay de todo, feminismo, misoginia e intento de priorizar una estirpe, todo ello mezclado en una montaña rusa de sensaciones, escenas trepidantes que no dan descanso al espectador y una puesta en escena, que es tan abrumadora que sólo cabe aplaudir al director por su esfuerzo incansable en llevar adelante el proyecto (con todos los problemas que hubo en el rodaje). Tom Hardy, Charlize Theron y Nicholas Hoult son los protagonistas principales, dentro de un gran reparto.
La banda sonora corre a cargo de Tom Holkenborg aka Junkie XL, un Dj y productor que hizo una música que cuadraba perfectamente con la historia.


Os dejo con el tema Brothers in arms.

lunes, 29 de marzo de 2021

Escenas míticas del cine (CLXXIII)

En 1988 Clint Eastwood dirige y produce Bird, el biopic sobre Charlie Parker, al que da vida un magnífico Forest Whitaker. Aquí se narra la corta pero intensa vida de este mítico saxofonista considerado uno de los mejores intérpretes del saxofón alto y padre del bebop junto a Dizzy Gillespie. Nacido en Kansas City, ya desde joven destaca y su fama se desata en su llegada a New York en 1940. Toda esa fama no es bien digerida por la persona, que comienza a abusar del alcohol y las drogas, por lo que su vida se acaba convirtiendo en un infierno. 
En la escena inicial de la película y mientras salen los créditos se ve al joven Charlie que ya toca el saxo por casa, y una de sus actuaciones en un club neoyorkino donde hace un solo espectacular que jalean sus músicos.


Os dejo con el mítico comienzo del film.

domingo, 28 de marzo de 2021

Escenas míticas del cine (CLXXII)

Sam Peckinpah dirigió Grupo salvaje en 1969, un western muy violento y que deslumbró en su día a medio mundo, escandalizando al otro medio. La orgía de violencia descrita en el film, ya desde su impresionante escena inicial, hablamos de una cinta de 4 horas de duración original, que se redujo a dos horas y veinte minutos. Pero una de las decisiones perfectas del director, fue quien encarnaría el personaje principal de Pike Bishop, que estaba enfocado para Lee Marvin, quien acabó dejando el papel que llegaría a William Holden, que no estaba ya en sus momentos gloriosos de galán de Hollywood y pasaba por una época personal complicada con problemas de alcohol. Bishop es un pistolero, asesino, vive para robar e incluso matar gente inocente si es necesario, pero en su mirada madura y experta hay un guiño a la esperanza, todavía quiere ser buena persona.


En la mítica escena inicial, Bishop y sus hombres entran a robar en las oficinas del ferrocarril del sur de Texas, pero detectan que les esperan armados en las azoteas de los edificios cazadores de recompensas a la salida, comandados por Thornton (Robert Ryan). El tiroteo que se produce es una escena tremenda.

Os dejo con la mítica escena.

sábado, 27 de marzo de 2021

El Equipo A - Escena mítica

En 1972, un comando compuesto por cuatro de los mejores hombres del ejército americano fueron encarcelados por un delito que no había cometido. No tardaron en fugarse de la prisión en la que se encontraban recluidos. Hoy, buscados todavía por el gobierno, sobreviven como soldados de fortuna. Si usted tiene algún problema y si los encuentra, quizá pueda contratarlos. Después de esa introducción que comenzaba cada capítulo de esta mítica serie de El Equipo A, estaba la sintonía inmortal de Mike Post, que se convirtió en referente absoluto. El Equipo A estaba formado por el coronel "Hannibal" Smith (George Peppard) fumando su puro y con su eterna frase "me encanta que los planes salgan bien", El teniente Templeton Peck "Fénix" (Dirk Benedict) el sex symbol del grupo, el capitán H. M. Murdock (Dwight Schultz) y el sargento MA Barracus (Mr. T). Esta serie se emitió durante cinco temporadas en la cadena  NBC y daba mucha paz, aunque parezca un contrasentido, ya que siempre transcurría en términos parecidos de guión, es decir, alguien tenía un problema, una familia de granjeros acosada por una banda mafiosa, o gente que debe dinero a alguien, que no dudaban en contactar con el Equipo que les solucionaba el problema.


En un capítulo Fénix y el coronel Hannibal Smith dan con sus huesos en una cárcel, donde el policía al cargo dice que no saldrán de allí jamás. A la espera de que llegue la policía militar ya que son buscados por el gobierno, la treta para salir de allí les sale de lujo, y no es muy complicada.

Os dejo con la mítica escena.

viernes, 26 de marzo de 2021

Bandas sonoras míticas de películas (LXVII)


En 1969 Joshua Logan dirige Paint your wagon, traducida aquí como La Leyenda de la ciudad sin nombre (que, sin que sirva de precedente, hace mucho más honor a este gran film). En esta película Lee Marvin y Clint Eastwood son los principales actores dentro de un gran elenco. El guión, es una adaptación de un musical de 1951, por tanto hay mucha y buena música en el film.
Pero un western convencional, que es lo que parece al principio, a raíz del descubrimiento del oro en el accidente, da un giro y se convierte en una comedia musical, dónde dos colonos se convierten en buscadores de oro y la historia de amor de una hermosa mujer que comparte su vida con dos hombres a la vez. Frederick Loewe fue el encargado de la música pero el actor Lee Marvin canta un par de temas, uno de ellos se hizo famoso, el mítico Wanderin' star, dónde Marvin derrocha una potente y grave voz.


Disfrutad de la escena dónde suena este maravilloso tema y silbad...





domingo, 21 de marzo de 2021

Bandas sonoras míticas de películas (LXVI)

En 1993 Sydney Pollack dirige La Tapadera, como se tituló aquí The Firm, en el que Tom Cruise y Gene Hackman tienen los papeles principales. Nos cuenta la historia de Mitch McDeere (Tom Cruise), un joven y brillante abogado recién salido de la facultad de Harvard, que se deja seducir por las promesas y regalos de un prestigioso bufete de abogados de Memphis. Pero pronto empieza a sospechar que algo extraño sucede en la empresa donde Avery Tolar (Gene Hackman) mueve los hilos. Una película mejorable, se me antoja demasiado larga y hay muy poca química entre un buen Cruise y Jeanne Tripplehorn.
Pero en lo musical, la banda sonora compuesta al piano por Dave Grusin es simple y llanamente una obra maestra, uno de esos casos donde la música está por encima del nivel del film.


Os dejo con el título principal de la película.

miércoles, 17 de marzo de 2021

Mejores escenas cómicas del cine (LXXXVII)


Harold Ramis, dirige en 1999 Una terapia peligrosa, donde Paul Vitti (Robert de Niro) es un importante mafioso de New York, que sufre una aguda crisis de ansiedad. El motivo es que está cercana una reunión donde se elegirá al nuevo capo de todos los capos, y eso le tiene bloqueado. Aterrado por la situación, contrata a Ben Sobol (Billy Cristal), un psiquiatra divorciado que está a punto de casarse y que le impone una terapia. Pero es entonces, cuando empieza a seguir el tratamiento, cuando Sobol se dará cuenta de que tiene que olvidarse de su vida privada y estar disponible 24 horas para Vitti, para cualquier emergencia, ya que una negativa podría acabar mal para él.
Vitti está contento con su trabajo y confía ciegamente en su psiquiatra al que le dice que (en una escena mítica) "eres muy bueno, usted tiene un don, tiene un don cojonudo... es bueno".
En otra escena muy graciosa el Doctor Sobol le dice a Vitti que cuando está enfadado le da a un cojín, y así se siente mejor por lo que le dice al mafioso que lo haga y su manera de hacerlo es con la pistola... y se siente mejor...


Os dejo con la cómica escena.

viernes, 12 de marzo de 2021

Bandas sonoras míticas de películas (LXV)

En 1986 Adrian Lyne dirigió Nueve semanas y media, una película que para mí es de un nivel no muy elevado, pero que causó mucha sensación en su día. Con un guión que deja bastante que desear escrito por Sarah Kernochan, Zalman King y Patricia Louisianna Knop basado en la novela de Elisabeth McNeill, es por así decirlo lo que se hacía hace 35 años en el ámbito de lo erótico, y que hace no mucho se repitió con 50 Sombras de Grey (E.L. James) o incluso la saga Crepúsculo (Stephanie Meyer). La historia que nos cuenta es la de Elisabeth (Kim Basinger), una bella marchante de arte que entabla relación con John (Mickey Rourke), que es un broker de Wall Street. Los inicios son muy apasionados, pero empezarán por deseo de él una serie de juegos eróticos que se van complicando y que confundirán a ella, que está enamorada del tipo, pero desconoce los verdaderos sentimientos de él.
La música es una selección de grandes temas que elige Jack Nitzsche y que incluyen a Eurythmics, Joe Cocker, Bryan Ferry, Stewart Copeland, etc...
En concreto el tema de Joe Cocker era una versión del clásico de Rady Newman You can leave your hat on y que sonaba en la escena del striptease a contraluz de Kim Basinger que la convirtió en mito erótico. Eso hizo que a partir de ese momento esa canción fuera la más utilizada en todas las sesiones de striptease del mundo, algo que seguramente no estaba en la cabeza de Randy Newman cuando la compuso. El mismo Joe Cocker declaró en su día: "Parece que esta canción provoca una especie de alteración romántica en quien la escucha. Muchos hombres me han dado las gracias porque sus mujeres han hecho un striptease mientras la escuchan"...


Os dejo con el mítico tema y retales de la escena...

martes, 9 de marzo de 2021

Los Premios Goya 2021

El pasado día 6 de marzo se celebró la gala de la edición número 35 de los Premios Goya. Había varias novedades en la misma, primero un ligero cambio de fechas, casi un mes después de las fechas habituales, luego sin público y con los nominados conectados online y cuyo lugar de celebración fue el Teatro del Soho Caixabank de Málaga. La ceremonia tenía a Antonio Banderas como presentador junto a María Casado (codirectora y copresentadora de la gala, además de responsable de la productora de televisión del teatro Soho) y Mariano Barroso presidente de la Academia de cine, además de ellos pisaron el escenario los artistas invitados que cantaron, los 40 que abrían los sobres entregados por el notario donde aparecían los nombres de los galardonados, los técnicos y Ángela Molina. Por si fuera poco, amigos y compañeros de Hollywood de Antonio Banderas dejaron mensajes de ánimo y apoyo al cine español como Monica Belluci, Julian Moore, Benicio del Toro, Laura Dern, Mel Gibson, Al Pacino, Emma Thompson, Glenn Close, Dustin Hoffman, Robert de Niro, Charlize Theron, Tom Cruise, Sylvester Stallone, etc...


Los grandes ganadores fueron Las Niñas y Adú con cuatro cabezones cada uno. Las niñas, el drama de la debutante Pilar Palomero obtuvo mejor película, dirección novel, guión original y fotografía para Daniela Cajías. Su visión distinta de la infancia, contada a través de los ojos de una muchacha que entra en la adolescencia y que siente la presión del mundo adulto, ha convencido mucho a los académicos, que la han aupado en un año muy triste en el cine y la vida en general. El premio a mejor película lo entregó Ana María Ruiz, enfermera del Summa 112. Adú se llevó mejor dirección, mejor actor de reparto, mejor actor revelación y mejor sonido. Aquelarre se llevó Goyas menores, pero un total de cinco. Adam Nourou es el primer actor negro en recibir un Goya por su papel en Adú, dirigida por Salvador Calvo. Ane se llevó 3 Goyas mejor actriz protagonista, mejor actriz revelación y mejor guión adaptado. La boda de Rosa, de Icíar Bollaín, película que habla de cuidarse a si misma y de sororidad ganó dos Goyas, mejor actriz secundaria Nathalie Poza y mejor canción de Rozalén por su canción Que no, que no. Alberto San Juan se llevó el mejor actor secundario por Sentimental de Cesc Gay y Mario Casas su primer Goya en su primera candidatura a mejor actor protagonista por No matarás. Ángela Molina recibió el Goya de Honor.


En cuanto a las actuaciones cantaron Nathy Peluso, Vanessa Martín, o un homenaje a Luis García Berlanga con Diana Navarro y Carlos Latre. Y por supuesto decir que lo de Antonio Banderas es algo increíble, un hombre que superó un problema de corazón, que fue positivo por covid-19 justo el día que cumplía 60 años en agosto de 2020 y que si le vieron el pasado sábado parece tener por lo menos veinte años menos, me alegro por él, porque es uno de nuestros mejores embajadores culturales por el mundo.



Aquí está la lista de ganadores:



*Mejor película: Las Niñas


*Mejor dirección: Salvador Calvo por Adú


*Mejor interpretación femenina protagonista: Patricia López Arnaiz por Ane


*Mejor interpretación masculina protagonista: Mario Casas por No matarás


*Mejor interpretación femenina de reparto:  Nathalie Poza por La boda de Rosa


*Mejor interpretación masculina de reparto: Alberto San Juan por Sentimental


*Mejor actriz revelación: Jone Lasplur por Ane


*Mejor actor revelación: Adam Nourou por Adú


*Mejor guión original: Pilar Palomero por Las Niñas


*Mejor guión adaptado: David Pérez Sañudo y Marina Parés Pulido por Ane


*Mejor dirección novel: Pilar Palomero por Las Niñas


*Mejor película Iberoamericana: El olvido que seremos (Colombia)


*Mejor película europea: El Padre (Reino Unido) de Florian Zeller


*Mejor película de animación: La Gallina Turuleca de Eduardo Gondell y Victor Monigote


*Mejor música original: Aránzazu Calleja y Maite Arroitajauregi por Aquelarre


*Mejor canción original: Que no, que no de Rozalén por La boda de Rosa


*Mejor dirección de producción: Ana Parra y Luis Fernández Lago por Adú

*Mejor montaje: Sergio Jiménez por El año del descubrimiento


*Mejor dirección de fotografía: Daniela Cajías por Las Niñas


*Mejor dirección artística: Mikel Serrano por Aquelarre


*Mejor diseño de vestuario: Nerea Torrijos por Aquelarre


*Mejor maquillaje y peluquería: Beathuska Wojtowicz y Ricardo Molina por Aquelarre


*Mejor sonido: Eduardo Esquide, Jamaica Ruiz García, Juan Ferro y Nicolás de Poulpiquet por Adú


*Mejores efectos especiales: Mariano García Marty y Ana Rubio por Aquelarre


*Mejor película documental: El año del descubrimiento de Luis López Carrasco


*Mejor cortometraje de ficción: A la cara de Javier Marco


*Mejor cortometraje de animación español: Blue & Malone (Casos imposibles) de Abraham López Guerrero


*Mejor cortometraje documental español: Biografía del cadáver de una mujer de Mabel Lozano


*Goya de Honor: Ángela Molina


Os dejo con un resumen de la gala.