jueves, 23 de febrero de 2017

Jackie (2016)

Cartel del film

Jackie es un film dirigido por el director chileno Pablo Larraín, que se centra en la figura de Jacqueline Kennedy, justo en los momentos y días posteriores al asesinato de su marido JFK en Dallas el 22 de noviembre de 1963. Es evidente que la familia Kennedy ha dado para biografías, películas, libros y demás, de sobra y parecía difícil que alrededor del asunto más impactante de todos, se pudiera sacar algo más, pero si, era la figura de la ex-primera dama, Jackie, interpretada por una soberbia Natalie Portman. A veces los biopics no son del todo satisfactorios, pero en este caso la visión del director me ha gustado.


Aquí Larraín nos inicia la historia justo cuando ha sucedido, de manera sórdida, pero muy incisiva y penetrante, que nos va acercando a la protagonista marcada y completamente en shock, por la tragedia que acaba de vivir en primera persona. Pero aquí se reflejan varias cosas espeluznantes, no sólo el cruel asesinato de su marido, sino la forma en que la Casa Blanca y las personas que en ella trabajan, que intentan dar carpetazo al asunto, mientras ella procuraba enterrar a su marido de la forma más digna y solemne posible.
A la vez se van haciendo flashbacks, de una entrevista que ella tuvo una semana después con un periodista, Theodore H. White de la revista Life (al que da vida Billy Crudup) y que relata, más calmada como sucedió todo.


A Jackie Kennedy siempre se la tachó de frívola, superficial, calculadora, etc., pero en este film sale la persona a flor de piel, destrozada totalmente e incluso que llega a estar en algunos momentos algo paranoica, casi perdiendo la cordura. Tuvo que aguantar cosas como que mientras acababan de asesinar a su esposo, veía como Lyndon B. Johnson tomaba juramento en el Air Force One como nuevo presidente, mientras ella todavía estaba cubierta de sangre, donde demuestra una compostura, entereza, valentía y a la vez discrección, impresionantes.
Pero, teniendo en cuenta que el relato tiene una historia corta, está retratado de una manera muy inteligente, bien narrado y con estructura sólida. A ello contribuye mucho una banda sonora de Mica Levi, que apuntilla perfectamente esa sensación de asfixia, desasosiego y sordidez.


También hay una mezcla de imágenes documentales que se rodaron en 1961, de ella como primera dama enseñando las estancias de la Casa Blanca para un programa de televisión. Pero la cinta funciona de manera brutal, y ojo, estamos hablando en todo momento de un dramón (lo digo porque hubo protestas en la sala de público) y si alguien no se ha leído la sinopsis que no se sorprenda, gracias a la brutal interpretación de la Portman, que porqué no decirlo también, es inmensamente más guapa que la propia Jackie Kennedy. Por otro lado también están mostrados sus defectos, la vanidad por ejemplo, y ese lado romántico, pero a la vez temperamental y madre de sus dos hijos.
Me puedo equivocar, pero podemos estar ante la interpretación que le de a esta actriz un Oscar. Y señalar la presencia de John Hurt, en el que probablemente fue su último trabajo antes de morir, aquí haciendo de cura. 


Os dejo con el tráiler del film.

miércoles, 22 de febrero de 2017

Bandas sonoras míticas de películas (IX)


En el año 1993 Steven Spielberg dirigió La Lista de Schindler, un tremendo film cuyo argumento se desarrollaba en la Segunda Guerra Mundial. Liam Neeson en una memorable interpretación, daba vida a Oskar Schindler, un hombre de gran astucia y talento para las relaciones públicas, que organiza un ambicioso plan para ganarse la simpatía de los nazis. Después de la invasión de Polonia por loa alemanes al principio de la guerra, 1939, consigue, gracias a esas relaciones que se había ganado, la propiedad de una fábrica en Cracovia. Allí emplea a cientos de operarios judíos, cuya explotación le hace prosperar de forma rápida. Su gerente Itzhak Stern, al que da vida Ben Kingsley, será el verdadero director en la sombra, ya que Schindler carece de los conocimientos para dirigir la empresa. Mientras Ralph Fiennes, brutal, interpreta al despiadado Amon Goeth.
Para mi, es una obra clave en la carrera de Spielberg, quizás no una obra maestra, eso quizás por unos pequeños detalles se le escapa, pero sin duda estamos ante una formidable película.
La música de John Williams completa la cinta de manera maravillosa, ese hacedor de joyas.


Os dejo con el tema principal del film.

viernes, 17 de febrero de 2017

The Great Wall (2017)

Cartel del film

La Gran Muralla está dirigida por Zhan Yimou, director entre otras de Las Flores de la Guerra, Amor bajo el espino blanco o La Maldición de la flor dorada, aquí maneja una película de ciencia ficción, fantasía, acción, aventuras y embadurnado con algo de historia. Es la producción más cara hecha en China, pero eso si, ha contado con estudios y dinero procedente de Hollywood, una colaboración yanki-china, que no sé si al amigo Trump le gustará demasiado. El caso es que el despliegue es enorme, y se han buscado también actores de peso para la cinta, Matt Damon, Andy Lau, Pedro Pascal, Jing Tian, Zhang Hanyu y Willem Dafoe.
Me chirría tanto guionista, tres en una sola película, americanos todos eso si, que parte de una historia perpetrada por otros tres.


Todo se ambienta en la China del Siglo XV, mientras se construye la que será la muralla más grande y larga del mundo, los soldados que llegan allí, muchos de ellos mercenarios, en busca de la pólvora negra, deben convivir y ayudar a los oriundos. Pero hay un secreto, y es cuando los foráneos descubren que la edificación no sólo vale para defenderse de los vecinos mongoles, sino también y sobre todo, sirve como barrera para resguardarse de una amenaza mayor, algo sobrenatural e inhumano. Ese misterioso fenómeno, será una auténtica pesadilla contra la que tendrán que luchar y sufrir la llamada Orden sin nombre, que gobierna y defiende la muralla.



Aquí observamos en la narrativa algo muy curioso, y es lo pronto que el hombre blanco se convierte en líder y héroe de una civilización que está en peligro de ser extinguida por una fuerza mayor. William (Matt Damon), se cepilla a un monstruo y asciende a salvador al cargarse a otros dos en el asedio. Pero a diferencia de otros protagonistas anteriores, comparte la gloria con sus semejantes chinos, en vez de quedarse con toda para él. Hasta allí llegó acompañado por Tovar (Pedro Pascal), otro mercenario español, mezcla de valiente y cobarde, pero con agudas frases cómicas como "No me alisté para esto", "Tengo hambre" u otras...
Allí coinciden con Ballard, un personaje que en 25 años ha sido incapaz de salir de allí, y ve en ellos la oportunidad para escaparse.


Pero lo mejor de este film sin duda, es la maestría que demuestra el director a la hora de describir la organización del ejército que defiende la muralla, y todas las escenas de batalla y acción, rodadas con una pulcritud absoluta, como hacía en las ceremonias de apertura y cierre de los Juegos Olímpicos de Pekín 2008. Destacar también esos códigos de honor, fuertemente arraigados dentro de la orden, y la presencia como luchadoras infatigables de las mujeres, al mismo nivel que los hombres.
El problema radica en que hay cosas forzadas, a pesar de tener momentos brillantes, y los actores en general tampoco es que hagan deleites muy espectaculares.


Os dejo con el tráiler de La Gran Muralla.

miércoles, 15 de febrero de 2017

El Cine Palafox de Madrid cierra. Últimas proyecciones.


El próximo 28 de febrero, el Cine Palafox cerrará definitivamente como tal, y como despedida, en su última semana abierto, del 20 al 27 de febrero, lo hará proyectando una serie de clásicos que van desde Con faldas a la loco a Pulp Fiction, de El Padrino a Blade Runner, de Memorias de África a Casablanca, etc., todas ellas en versión original subtitulada.
El Cine Palafox, situado en Calle Luchana, 15, se inauguró en los años 60, con Barrabás como la primera de sus proyecciones. Juan Ramón Gómez, director de la empresa familiar que explota y da servicio desde su inauguración a finales de 1962, ha confirmado a EFE que "Yelmo Cines ha adquirido el espacio". Por lo menos así, no será pasto de grandes marcas de ropa, y seguiremos disfrutando de cine en estas instalaciones.
Esto supone, el fin de casi 55 años de la segunda sala más grande de la capital, con 856 butacas, sólo superada por la del cine Capitol de Callao.


Me apetece mucho ver en pantalla grande un film que en su año de estreno, 1994, no pude ver en los cines, la enorme Pulp Fiction. Os dejo con el traíler.

viernes, 10 de febrero de 2017

La La Land (2016)

Cartel del film

No soy yo precisamente un fan de los musicales ni mucho menos, recuerdo en su día las alabanzas continuas a Moulin Rouge o a Chicago, y sinceramente no me interesaban, de hecho no llegué ni a verlas en cine. Pero con La La Land (La ciudad de las estrellas) pasaba algo que me animaba ciegamente a verla, y primero era el dúo de actores protagonista, al que considero estupendos, y que desde luego están soberbios como tanto se decía, pero es que en segundo lugar la película no es sólo un musical al uso, tiene su base clásica que se refleja en cosas de West Side Story o de Singing in the rain, pero es actual y todo está expuesto en su justa medida. Ni hay bailes de más, ni la historia de amor se hace empalagosa porque también se pelean, etc...


Según parece arrasará en los Oscars (ya lo ha hecho en los Globos de Oro con 7 galardones), y tenía que verla para saber el porqué, y ahora ya lo sé. Pues ese era mi miedo inicial, que tanta pompa y tanta buena crítica hicieran un efecto en sentido contrario, y que la película no llegara a las expectativas creadas, pero después de un inicio que no acababa de arrancar, es de esas películas que te van engatusando poco a poco hasta llevarte al huerto, por lo menos en mi caso.
Ante todo hablamos de una película romántica y de soñadores, y los soñadores por norma general suelen ser perdedores, pero en este caso la historia de amor que surge entre los protagonistas está tan bien hilada, tan bien fotografiada y expuesta, que hace que el público se vea involucrado en la misma.


Mia (Emma Stone), es una joven aspirante a actriz que trabaja como camarera en una cafetería de Hollywood, mientras acude a castings donde continuamente es rechazada , y Sebastian (Ryan Gosling) es un pianista de jazz que se gana la vida tocando en sórdidos tugurios. Después de varios cruces curiosos, primero en un atasco, luego en una fiesta y finalmente en un club donde él toca, acaban por enamorarse. Pero como toda historia de soñadores, su ambición se centra en triunfar en sus respectivas carreras, y primero lo consigue él, y luego irá ella, algo que amenazará con separaralos.


Pero creo que el director Damien Chazelle ha acertado en una cosa, y es en dejar de lado ciertas cosas intrascendentes en el film para darle protagonismo exclusivo a la pareja, que por otro lado despachan una química entre ambos brutal. La amplitud de registros que está demostrando Ryan Gosling es impresionante, y Emma Stone con esos ojazos y esa expresividad se come la pantalla (y ojo que hay actrices que son mucho más guapas, o espectaculares). Así, el director consigue que amemos a la pareja, que no se abandone el musical, pero además lo adereza con una parte de amor al jazz, que le queda al film, por lo menos bajo mi punto de vista, brutal, amor a una música antigua que se regenera y que se sigue tocando en garitos pequeños, donde ganarse el jornal cuesta y mucho.


Cuando me refiero a cosas intrascendentes, digo que cuando la pantalla la ocupan personajes muy secundarios que se ponen a bailar, para mi el film pierde todo el interés, pero si eso se hace aquí al principio, con un baile de inicio, y al final con otro de cierre, me parece perfecto. 
Hay que admitir que el tema coreografías está espléndido, y que los números musicales son una auténtica delicia, aunque domine la melancolía sobre todo en el tema que toca Gosling al piano. 
Por último, en este film hay muchas lecciones de vida para quien quiera leerlas, y una de ellas es que quien persigue un sueño y se esfuerza, persevera y es cabezota, suele conseguirlo, eso si, algo te tienes que dejar por el camino.
Me quedo con varias escenas de este film, y eso que el final es agridulce, cosa que todavía me gusta más, no es el típico cuento de hadas.


Os dejo con el tráiler del film.


martes, 7 de febrero de 2017

Los Goya 2017


El sábado se celebró la 31 edición de los premios Goya del cine español, como siempre más industria que otra cosa, pero que también sirve para galardonar a aquellas películas que según la Academia han hecho grandes trabajos. La gala fue presentada por tercera vez consecutiva por al actor Dani Rovira, quien ya desde el inicio dejó claro con varias puyas a la clase política, que el apoyo a la cultura sigue siendo ínfimo.
Las claras favoritas eran dos, a tenor de las nominaciones, 12 tenía Un monstruo viene a verme de J. A. Bayona y 11 la ópera prima de Raúl Arévalo, esa Tarde para la ira. También sabíamos que el Goya de honor a toda su carrera era para Ana Belén.


Pues bien, la gala transcurrió sobre ese escenario lleno por una orquesta, que reducía el ya poco espacio que hay, por lo que es casi increíble que nadie se tropezara en las entradas y salidas para dar premios, con esos trajes que llevan para la ocasión y tacones infinitos, etc... Pero ahí radica el problema de esta gala, que cada vez es más evidente, se convierte en un desfile de idas y venidas, premiados, encargados de dar esos premios, pero que ante todo no tienen alma, sin personalidad ni emoción, cosa que de vez en cuando rompe alguien, y ésta vez fue la maravillosa Emma Suárez, que fue la primera actriz que se llevó dos Goyas por mejor actriz principal y otro por mejor actriz de reparto, la que rompió esa sosería.


Es más que evidente, por lo menos desde mi punto de vista que la gran triunfadora de la gala fue Tarde para la Ira, que se llevó 4 de los premios a los que optaba. Y dirán muchos, pero si ¿Un monstruo viene a verme se ha llevado 9? En efecto, pero la importancia que tienen los cuatro del film de Raúl Arévalo, siendo su primera película, me parecen impresionantes. Ojo, mejor película, mejor dirección novel, mejor guión y mejor actor de reparto a Manolo Solo, que vaya diez minutos de este hombre en esa película, ya lo dije cuando la vi en el cine, que merecía un Goya. El film de Bayona abruma en Goyas técnicos, efectivamente es una película de gran presupuesto hecha técnicamente de manera fantástica, pero me llega más el thriller rural de Arévalo.


En el apartado de actores muy merecido Goya para Roberto Álamo sin duda, por su papel en Que Dios nos perdone, aunque para mi Eduard Fernández se sale en El Hombre de las mil caras también. Anna Castillo por El Olivo se hizo con el Goya a mejor actriz revelación y Carlos Santos el de mejor actor revelación por El Hombre de las mil caras, film que también se llevó el premio al mejor guión adaptado.
El Goya de honor fue para Ana Belén, actriz que dijo en una de sus declaraciones que agradecía el premio a toda la gente que había confiado en ella en toda su carrera, y que gracias a ellos ha tenido trabajo y oportunidades, cosa que dice que ahora no lo ve por ningún lado, y en cierta manera tiene razón, los tiempos han cambiado mucho.


Pues aquí está la lista de ganadores:


*Mejor película: Tarde para la Ira


*Mejor dirección: J. A. Bayona por Un monstruo viene a verme


*Mejor interpretación femenina protagonista: Emma Suárez por Julieta


*Mejor interpretación masculina protagonista: Roberto Álamo por Que Dios nos perdone


*Mejor interpretación femenina de reparto: Emma Suárez por La Próxima piel


*Mejor interpretación masculina de reparto: Manolo Solo por Tarde para la Ira


*Mejor actriz revelación: Anna Castillo por El Olivo


*Mejor actor revelación: Carlos Santos por El hombre de las mil caras


*Mejor guión original: David Pulido y Raúl Arévalo por Tarde para la Ira


*Mejor guión adaptado: Alberto Rodríguez y Rafael Cobos por El hombre de las mil caras


*Mejor película Iberoamericana: El Ciudadano Ilustre (Argentina)


*Mejor película europea: Elle (Francia)


*Mejor película de animación: Psiconautas, los niños olvidados de Alberto Vázquez y Pedro Rivero


*Mejor música original: Fernando Velázquez por Un Monstruo viene a verme


*Mejor canción original: Ai, ai, ai por Silvia Pérez Cruz de Cerca de tu casa


*Mejor dirección de producción: Sandra Hermida Muñiz por Un monstruo viene a verme

*Mejor montaje: Bernat Vilaplana y Jaume Martí por Un monstruo viene a verme


*Mejor dirección de fotografía: Oscar Faura por Un monstruo viene a verme


*Mejor dirección artística: Eugenio Caballero por Un monstruo viene a verme


*Mejor diseño de vestuario: Paola Torres por 1898. Los Últimos de Filipinas


*Mejor maquillaje y peluquería: David Martí y Marese Langan por Un monstruo viene a verme


*Mejor sonido: Oriol Tarragó y Peter Glossop por Un monstruo viene a verme


*Mejores efectos especiales: Pau Costa y Félix Bergés por Un monstruo viene a verme


*Mejor película documental: Frágil Equilibrio de Guillermo García López


*Mejor cortometraje de ficción: Timecode de Juanjo Giménez Peña


*Mejor cortometraje de animación español: Decorado de Alberto Vázquez


*Mejor cortometraje documental español: Cabezas habladoras de Juan Vicente Córdoba



*Goya de Honor: Ana Belén

Os dejo con el tráiler de Pisconautas, los niños olvidados.

jueves, 2 de febrero de 2017

Split (2016)

Cartel del film 

Recordemos que M. Night Shyamalan es un director de cine y guionista que saltó al estrellato más absoluto con El Sexto Sentido (1999). A partir de ahí cualquier producción suya era esperada como un gran acontecimiento, El Protegido (2000) es otro gran film, acogido con no tanto entusiasmo. Lentamente fue cayendo la atención que se prestaba a sus nuevas películas, que en algunos momentos resurgió, como en Señales (2002) o El Bosque (2004). Pero claro, la pobre repercusión de Airbender, el último guerrero (2010) y After Earth (2013) volvieron a llevar casi al olvido al director de origen hindú. Ya con La Visita (2015), su anterior film, algo cambió a mejor, y ahora llega Múltiple, y vuelven las alabanzas.


Aquí vuelve con un thriller de terror, donde Kevin (James McAvoy) lleva en tratamiento muchos años con su psiquiatra de confianza, la Doctora Fletcher (Betty Buckley), y le ha demostrado que posee hasta 23 personalidades diferentes, pero que aún queda por emerger otra, que dominará a todas las demás. Así secuestra a tres chicas adolescentes, encabezadas por la decidida y observadora Casey (Anya Taylor-Joy), a las que encierra en una especie de cuartel bastante raro, oscuro y deprimente. Kevin lucha por sobrevivir contra todas sus personalidades y la gente que le rodea, a medida que sus comportamientos mentales empiezan a sufrir serios problemas, y sus llamadas a la doctora empiezan a reproducirse como constantes. 


En el apartado psicológico del film, que de hecho se trata bastante e incluso se ve a la doctora Fletcher en una conferencia por skype interviniendo en un congreso acerca de esas actitudes y comportamientos, y su opinión sobre los mismos, se hace hincapié en las divisiones mentales de personas que sufren trastornos de identidad disociativa. La ciencia investiga, pero no da respuestas con base sobre ello. En algunos casos, incluso se llegan a manifestar atributos físicos únicos correspondientes a cada personalidad. Evidentemente, el caso de Kevin rompe el molde, y la doctora se adentra de lleno en éste, que le fascina, ya que siendo soltera y sin hijos, puede dedicarle todo el tiempo a su disposición.


Recordaba a James McAvoy por su trabajo excelente en El Último Rey de Escocia, o Trance, pero aquí parte la pana de verdad. Interpretar a un personaje que tiene 23 personalidades diferentes, os aseguro que no es fácil, pero hay momentos del film, donde las encadena de una manera impresionante, y eso tiene para mi un mérito brutal. Su trabajo es brutal, y desde luego de los más atronadores en mucho tiempo. El gran descubrimiento es la actriz Anya Taylor-Joy, cuyo papel tampoco es fácil, y siendo la más inteligente de largo de las tres chicas raptadas, en su caso se unen sus abusos sufridos cuando era pequeña por su tío, a lo que nos llevan flashback continuos, pero necesarios.


En el apartado técnico se trata de una gran película, desarrollada casi todo el metraje en espacios cerrados, centrándose en la angustia y el desamparo de las chicas encerradas y en el progresivo deterioro del protagonista que se acaba convirtiendo en una auténtica bestia. La verdad es que el trabajo de McAvoy es increíble, dota a cada personalidad de un tono, gesto, etc., que hace que ya distingamos a cual de las personalidades está interpretando. Una auténtica coronación como actor sin duda, que me temo hará que le lluevan papeles de inmediato y suba su caché de manera impresionante.
Por cierto, atentos a la sorpresa del final... os recordará algo del pasado.


Os dejo con el tráiler del film.

martes, 31 de enero de 2017

Bandas sonoras míticas de películas (VIII)


Ennio Morricone ha trabajado para enormes directores, y en 1987 lo hizo con Brian de Palma en Los Intocables de Eliot Nees, maravillosa cinta donde Sean Connery, Andy García y Kevin Costner van detrás de Al Capone, interpretado por un maravilloso Robert de Niro. Centrada en el Chicago de los años 30 y la época de La Ley Seca, el agente federal Elito Ness al que da vida Kevin Costner persigue de manera implacable a Al Capone, amo absoluto del srimen organizado en la ciudad, y que maneja con mano de hierro su organización. La falta de pruebas le impide acusarlo de asesinato, extorsión y comercio ilegal de alcohol, pero Ness en su infatigable lucha recibe la ayuda de un par de intachables policías (Andy García y Charles Martin Smith), reclutados con la ayuda de un astuto agente de origen irlandés (Sean Connery), hasta que consigan inculpar al capo por toda clase de delitos.
La banda sonora es, como el film, intachable, y con la batuta para la composición y dirección de orquesta del gran Ennio Morricone.


Os dejo con el tema central de la película.

lunes, 30 de enero de 2017

Bandas sonoras míticas de películas (VII)


La unión entre Steven Spielberg y John Williams ha dado siempre grandes frutos, y uno de ellos fue sin duda Tiburón (Jaws) en 1975. En el film se relatan los hechos ocurridos en la costa de un pequeño pueblo del Este de Estados Unidos, donde un enorme tiburón ataca a varias personas. Por miedo a los nefastos efectos sobre el negocio turístico que este hecho tenía, el alcalde se niega a cerrar las playas y a difundir la noticia. Pero un nuevo ataque del escualo termina con la vida de un bañista. Cuando ya el terror ha invadido la zona, hay 3 hombres que irán a su caza, un veterano cazador de tiburones (Robert Shaw), un oceanógrafo (Richard Dreyfuss) y el jefe de la policía local (Roy Scheider).


John Williams pone música de manera maravillosa, no se podía hacer mejor. Os dejo con el tema central.

domingo, 29 de enero de 2017

Esta semana se nos fue John Hurt.


El pasado 25 de enero falleció el actor británico John Hurt, según informó su esposa, por culpa de un cáncer de páncreas detectado hace dos años, en su domicilio de Norfolk, Inglaterra. En su amplia y magnífica carrera hay papeles que le marcaron para siempre, como el de Kane en Alien, el octavo pasajero, El expreso de medianoche, El hombre elefante, 1984, V de Vendetta, o la saga de Harry Potter.
John estudió en Kent y en Londres y trabajó como tramoyista en el Lincoln Repertory y estudió en la Saínt Martin School, antes de obtener una beca para la Royal Academy of Dramatic Art (RADA). Así, debuto en diferentes compañías de teatro, realizando obras de Shakespeare o Marlowe. Debutó profesionalmente en 1962, obteniendo premios importantes.
En 1966 dio vida a un joven Richard Rich, en la cinta A man for all seasons, la historia de Sir Tomas Moro, muy premiada.


Comenzó a trabajar para televisión en 1961 y acutó en papeles como el de Calígula en Yo, Claudio, y como Raskolnikov en Crimen y Castigo. Pero su papel de Quentin Crisp en la miniserie de la BBC The Naked Civil Servant, fue la que le dio el BAFTA al mejor actor de televisión.
En cine saltó al estrellato con Midnight Express (1978) en el papel de Joseph Merrick en El Hombre Elefante (1980), con premios BAFTA por ellos incluso nominaciones a los Óscar. En 1979 fue Kane en Alien: El octavo pasajero, de Ridley Scott, del que nunca se supo si se recuperó del parto del bicho. En 1984 protagonizó el film del mismo nombre de ficción y distopía junto a Richard Burton, basada en la mítica novela de George Orwell. La serie Storyteller (el cuentacuentos) fue estrenada en 1988 y contaba con él. En los 90 protagonizó Frankestein Unbound de Roger Corman, destacan films como Rob Roy (1995) junto a Liam Nesson y Tim Roth, y ya entrados en este siglo, La mandolina del capitán Corelli (2001), de John Madden. En 2001 participó en Harry Potter y la piedra filosofal, donde dio vida a Garrick Ollivander, propietario de la tienda especializada en creación de varitas mágicas de mayor calidad en el mundo mágico. En 2007 Los Crímenes de Oxford con Alex de La Iglesia, y su participación en Indiana Jones y la calavera de cristal fueron sus descansos activos, antes de volver a la saga de Harry Potter.


En recuerdo suyo os dejo con esta escena mítica de la película Alien, el octavo pasajero, el nacimiento de la bestia de la tripa de Kane.


jueves, 26 de enero de 2017

The Last Jedi, título oficial del Episodio VIII de Star Wars.


Como muchos sabréis, ya ha sido revelado el título del Episodio VIII de Star Wars el pasado lunes, The Last Jedi, que la verdad suena fenomenal, y tiene una coherencia lógica.
La octava película de la saga galáctica está escrita y dirigida por Rian Johnson (Bojack Horseman, Breaking Bad...) y empieza como es normal justo después de lo ocurrido en el final del Episodio VII en cuya escena última se veía al mítico Mark Hamill. Está producida por Kathleen Kennedy y Ram Bergman y de productores ejecutivos andan J.J. Abrams, Jason McGatlin y Tom Karnowski.
El estreno será el 15 de diciembre, faltan casi 11 meses, pero ya surgen las primeras preguntas, sobre a quién se refiere el título, ¿quién es realmente el último Jedi? En un tiempo no muy lejano, todos dirían Luke Skywalker sin rechistar, pero ahora se añade como candidata Rey (Daisy Ridley), que descubre en El despertar de la fuerza, unos poderes que antes jamás había imaginado tener.
Lo de Rogue One ha estado muy bien, para que dos años no se nos hagan eternos, pero estos 10 meses y pico van a parecer siglos.


Os dejo con las primeras imágenes que se han filtrado.


miércoles, 25 de enero de 2017

Hell or High Water (2016)

Cartel del film

Ayer por fin pude ver el film dirigido por David Mackenzie y que ha durado escasas tres semanas en cartel, traducida aquí como Comanchería. Se trata de un thriller violento, que se atempera por un toque de humor continuo, muy americano eso sí, y que tiene tintes de los hermanos Cohen por momentos (hay alguna parte que me recuerda a No es país para viejos), pero que he oído por ahí que lo meten en el género western, y siento discernir, yo no tengo ese concepto de western, se trata de un drama criminal que se desarrolla en la actualidad en pueblos del oeste de Texas, muy tocados por la crisis, y que en el caso de los protagonistas se ven forzados a robar bancos para, sobre todo uno de ellos, salir de su atoyadero económico.


La pareja de hermanos protagonistas, Tanner (un ex-convicto) y Toby Howard (padre divorciado), encarnados por unos magníficos Ben Foster y Chris Pine, enganchan al público desde ese lado romántico por el que roban a los bancos, que antes les habían robado a ellos. Defender tus tierras luchando contra el sistema, a base de pequeños robos en efectivo, sin utilizar la violencia, es en principio un plan perfecto, pero claro empiezan a ser perseguidos y todo se va complicando, por ahí hay siempre algo de Bonnie & Clyde, donde ya sabemos que el final nunca es bueno.
Eso si, es enorme la descripción de esos pueblos pequeños que han quedado desiertos, donde se podría empezar una nueva vida a partir de un pedazo de tierra, pero eso es imposible ya que los grandes ladrones, es decir, las grandes corporaciones han ido barriendo para si todo, y expropiándolo.


Por otro lado está la parte policial, encarnada por los Rangers de Texas, Marcus Hamilton al que da vida el gran Jeff Bridges (cuanto más mayor, todavía mejor) y Gil Birmingham que encarna a Alberto Parker. Ellos son los encargados de perseguir a los dos hermanos. El problema del personaje de Bridges, es que desde que le comunican que le van a prejubilar, está un poco limitado, aunque eso si, saca adelante a su personaje gracias a sus maravillosas cualidades adquiridas con el paso de los años y la experiencia. Sus conversaciones con su ayudante, siempre con toque de humor y con referencias raciales y culturales, relentizan el film, y le quitan tensión, al igual que paralelamente se produce una situación parecida entre los Howard.


Lo que no escapa a nadie, es lo bien ambientado que está el film, donde se describe de manera precisa la vida cotidiana de esa zona de Estados Unidos, con guiños continuos a frases hechas o a la manera de ser de aquella parte del país, la fotografía ténue de Giles Nuttgens lo clava y las escenas de acción, tanto en el robo de los bancos como en la persecución del final, a pesar de que se ve venir, están muy bien filmadas.
Es una buena película, con la violencia justa y necesaria (podía ser peor), pero ante todo nostálgica y reflexiva, y que se engloba más dentro del género de película pequeña que llega a grandes logros, que el de una superproducción que no llega a convencer a todo el público.
La banda sonora perpetrada por Nick Cave y Warren Ellis en el score y cantantes countries es excelente, le va como un guante al film.


Os dejo con el tráiler del film.


martes, 24 de enero de 2017

Bandas sonoras míticas de películas (VI)


Si en la anterior entrega de esta sección teníamos a Blake Edwards y Henry Mancini como pareja de baile de director y compositor de banda sonora, dos años antes ya habían colaborado, con un éxito brutal que les ocasionó Óscars, por su fantástico trabajo en Desayuno con diamantes, una adaptación bastante libre de la novela de Truman Capote del mismo título.
Audrey Hepburn interpreta a Holly Golightly, una bellísima joven neoyorkina que, aparentemente, lleva una vida fácil y alegre, con un comportamiento extravagante, como desayunar contemplando el escaparate de la joyería Tiffanys, muy lujosa. Un día se muda a su mismo edificio Paul Varjak, interpretado por un increíble George Peppard, un escritor en busca del éxito que no llega, y que vive a costa de una mujer madura, pero que acabará por enamorarse perdidamente de Holly. Entre los secundarios estaban Patricia Neal, Martin Balsam, Mickey Rooney y José Luis de Villalonga (si, el aristócrata español).
La banda sonora de Henry Mancini es maravillosa, y en ella estaba la famosa canción Moon river, con letra de Johnny Mercer, ambas canción y banda sonora, fueron galardonadas por la Academia.
Sirva esta entrada de pequeño homenaje a Audrey Hepburn, que el día 20 se cumplieron 24 años de su muerte.


Os dejo con esa joya que es Moon River.


lunes, 23 de enero de 2017

Bandas sonoras míticas de películas (V)


En el año 1963 Blake Edwards dirige La Pantera Rosa. La guapísima y seductora Princesa Dala interpretada por Claudia Cardinale, llega con su preciosa pantera rosa (una joya) a un lujoso hotel, en el que conoce al elegante y amable Sir Charles Litton (David Niven), un tipo con fachada de apariencia inofensiva, pero bajo el que se esconde la personalidad del más despiadado ladrón profesional, que es conocido como "el fantasma", que causa pavor en las fiestas de alto copete ya que se apodera de todo tipo de joyas. Para impedir que el astuto ladrón consiga sus objetivos, está el inspector más torpe de la policía francesa, el famoso Jacques Clouseu de la Sûreté, maravillosamente interpretado por Peter Sellers, quien aquí está de secundario y acompañado por su esposa Simone (Capucine). En las posteriores entregas, el fantástico inspector quedaría como estrella sin acompañamiento femenino.
Y la banda sonora... ayyy la banda sonora corría a cargo de Henry Mancini, simplemente descomunal. Como es lógico, esta sintonía se extendería a la serie de dibujos animados, pero que aquí salía en los títulos de crédito... increíble.

Os dejo con el Pink Panther theme song, mítico es poco.


viernes, 20 de enero de 2017

Passengers (2016)

Cartel del film

Ayer por fin pude ver la película Passengers, dirigida por Mordem Tyldum, y donde hay dos actores claramente protagonistas, Jennifer Lawrence y Chris Pratt. Me llegaban impresiones bastante pesimistas de un film con, al parecer, un presupuesto enorme dentro del que se incluía los emolumentos que cobra una actriz de la talla de la Lawrence (dos Óscars acumula ya la nenita), que va actualmente por los 20 millones de dólares en caché, aproximadamente, y los de Mr. Pratt que tampoco debe andarle a la zaga.
Esta película mezcla por un lado el show galáctico, el de ir en una nave que surca el espacio a través del tiempo para llegar a un remoto planeta, y por otro el de una historia romántica que tiene un dudoso inicio, un tremendo paso atrás y un final feliz.


La historia trata de una nave espacial, el Avalon, perteneciente a una compañía por la que 5000 personas han pagado para viajar a un planeta lejano a lo largo del tiempo, para lo que lo hacen en estado de hibernación. Supuestamente el viaje debe durar 120 años, pero un pasajero, después de que la nave choque contra una nube de meteroritos, se despierta 90 años antes del final del viaje, debido a un fallo en su cápsula de hibernación.
Esto provoca que tenga que hacerse a vivir sólo en la gigantesca nave espacial, y sólo pueda hablar con un androide interpretado por Michael Sheen, aparte de darse cuenta de que lo que le queda de vida lo pasará en esa nave.


A partir de ahí la función tiene un problema, y es que el guión va forzado y a trompicones. Me explico, una vez que el protagonista masculino, Jim Preston (Chris Pratt), lleva más de un año viviendo sólo y lo pasa tan mal que incluso piensa en el suicidio, decide después de mucho pensarlo, que debe sacar a alguien de una de las cápsulas para que le acompañe, y esa es Aurora (Jennifer Lawrence), de la que se informa convenientemente de su estatus de escritora, de lo guapa que es, etc... Como es lógico, su decisión a la larga traerá consecuencias.


Una vez los dos en la nave, surge la inevitable historia de amor, que se pone bastante calentona, y hace que llegue un momento a mitad del film que se estanque un poco. Cuando ella se entera de que su cápsula no se abrió accidentalmente, como es lógico arde en cólera. Pero es entonces cuando la nave empieza a tener serios problemas y empieza a sufrir apagones, pérdida de gravedad, caída de aparatos, etc., Es entonces cuando también accidentalmente se abre la cápsula de Gus Mancuso (Lawrence Fishburne), miembro de la tripulación, que sale bastante enfermo, y en su breve estancia dará las claves para intentar solucionar las averías.


Sin duda, los dos actores principales salvan el film, su química es más que evidente (Pratt y Lawrence se lo han pasado pipa), pero el guión naufraga, ya que el tema de el viaje, la reparación de la nave y demás es bastante forzado y poco creíble, sinceramente. La película está bien, es disfrutable, pero es mejor visionarla sin muchas espectativas, porque además te hace pensar poco, cuando realmente una buena película de ciencia ficción, te deja preguntas en el aire y te hace darle al tarro.

Os dejo con el tráiler.