sábado, 22 de julio de 2017

Dunkirk (2017)


Christopher Nolan dirige Dunkerque, basada en los hechos que ocurrieron entre mayo y junio de 1940, en esa localidad francesa, dentro de La Segunda Guerra Mundial. La Alemania Nazi había invadido Francia y antes Holanda y Bélgica, echando al ejército británico y francés hasta Dunkerque. Allí tuvo lugar uno de los episodios más difíciles de la historia de la Guerra, al tratar de evacuar a esa gran cantidad de soldados, que se encontraban allí acorralados y en una ratonera. Pero claro, ésto podría ser una película bélica sin más si no tuviera de director a Nolan, que además de hacerlo a su manera, por tierra, mar y aire (en tres historias paralelas), lo hace manteniendo el suspense y sin dejar de mostrar el horror, acompañado además por una acertadísima como siempre banda sonora de Hans Zimmer.


Mucha gente para embarcar y pocos barcos, mientras los alemanes siguen atacando, hundiendo barcos, y matando soldados, de todas las formas posibles, o bien atacando con la aviación, y con artillería o lanzando torpedos que hunden los barcos. Toda esa odisea está retratada de manera sublime por Christopher Nolan, que consigue tenerte enganchado los 106 minutos de proyección, y que sientas el terror de aquella gente que está continuamente con el aviso de la muerte a las puertas. Hay muchos héroes en todo el proceso, y esa transmisión de la humanidad de muchos de esos soldados británicos y franceses está perfectamente conseguida. Al final no hablamos de una batalla solo, sino de una evacuación dentro de una batalla, lo que se llamó la Operación Dinamo.


Pero disociar la narración en bloques, es algo intrínseco a la manera de hacer cine de Nolan, que además hace que pienses, siempre que veo una película de este este director me hace pensar y eso es algo por lo que siempre le estaré agradecido. Aquí esos tres bloques los marcan los tres frentes de ataque, tierra, mar y aire, y desde luego que el aire tiene un peso muy importante, ya que los aviones ingleses, los míticos spitfire, se las tienen que ver con los stukas alemanes, y desde luego que no pueden ser más realistas las imágenes de las batallas aéreas, y el mérito de aquellos pilotos era descomunal. Luego estuvo la ayuda de embarcaciones civiles, algo que el mismo Wiston Churchill calificó de milagro. Es importante recordar, que Estados Unidos aún no había entrado en conflicto.


La sensación de opresión y encerrona domina el film, todos los soldados sin salida más que el mar, y los alemanes hundiendo sus barcos y rematándolos en la playa. Y allí abajo, todos los soldados intentan resguardarse y esperar, pero en medio de todo eso funciona la solidaridad, y como no, el sálvese quien pueda, se ven rostros abatidos, bajos de moral, gente cuya cordura emocional está ya rota para siempre por lo vivido.
En ese aspecto, uno de los protagonistas del film, un joven oficial británico, sufre desde el inicio la persecución de la muerte, desde la primera escena, y todos sus intentos de huída, los irá salvando con el resultado de regresar a Dunkerque, salva la vida una y otra vez, pero vuelve atrás.


La tirada de actores es larga y una mezcla de curtidos y veteranos, con nuevas figuras británicas que están despuntando. Así a Kenneth Branagh o Mark Rylance, a los que un Tom Hardy o Cillian Murphy dan la transición por edad a los jóvenes Harry Styles, Fionn Whitehead o Jack Lowden, todos en magníficas interpretaciones en tono coral ya que la película trata el tema como un todo, del que se desprenden historias particulares.
Incluso la heroicidad de algunos como Farrier (Tom Hardy), piloto aéreo, tiene como final ser apresado por el bando enemigo.


En resumen un film antológico, que disfruté mucho en mi butaca, y que consigue tenerte en vilo todo el metraje a base de buen cine.
Desde el punto de vista técnico, la utilización de cámaras IMAX y de barcos y aviones reales, es de agradecer, porque el producto final es brutal, ese sonido real de los aviones es impagable. El jaleo de los soldados a las pequeñas embarcaciones que acudieron en su ayuda, los que se quedaron varados en la playa, todo un cuadro dantesco, dibujado de manera soberbia por este magnífico director.


Os dejo con el tráiler de esta maravilla de película que desprende mucha verdad.

jueves, 20 de julio de 2017

Viven? (2015)


Ernesto Sevilla, el famoso, ahora, humorista y actor, rodó en el año 2015 un cortometraje que tenía dos peculiaridades, la primera es que estaba rodado con un smartphone LG G3. Este corto fue presentado en su día al concurso Notodofilfest, donde Ernesto era miembro del jurado pero también había creado su propio corto.
Se trata de una parodia de la película Viven, en la que si recuerdan, un grupo de supervivientes de un accidente aérero en la Cordillera de los Andes, no tienen más remedio que comerse a otros pasajeros muertos en el accidente para poder sobrevivir (basada en hechos reales).
Aquí el tema es mucho menos dantesco y más tonto, ya que tres amigos van por la nieve y uno muere, y deciden empezar a cocinar partes de su cuerpo mientras discuten si echarle orégano o no... luego se arrepentirán...
Lo protagonizan el propio Ernesto Sevilla, Pablo Chiapella (famoso por su papel de Amador en La que se avecina) aunque empezó de colaborador de La Hora Chanante y Muchachada Nui, y Rubén Tejerina que hace de Juanra, el pobre que muere.


Os dejo con este increíble cortometraje.

lunes, 17 de julio de 2017

Fallece Martin Landau.


Este pasado sábado 15 de julio fallecía el actor norteamericano Martin Landau, a la edad de 89 años, por complicaciones inesperadas con las que entró ya grave en el hospital, en la ciudad de Los Ángeles, California.
Nacido en New York el 20 de junio de 1928, en una familia de inmigrantes judíos, ya a los 17 años empezó a trabajar como dibujante y caricaturista en el New York Daily News, aunque influido por Charles Chaplin, se propuso convertirse en actor. Para ello recibió clases en el Actors Studio, donde coincidió con Steve McQueen, y en 1955 debutó en Broadway, en la obra Middle of the night. También dio clase en esa misma escuela a Jack Nicholson o la hija de John Houston, Angelica Houston. En 1959, hace su debut en el cine con un papel en la película North by Northwest (Con la muerte en los talones) del maestro Alfred Hitchcock, y de secundario también estuvo en 1963, en el film Cleopatra. Pero lo que es la vida, rechazó interpretar el papel de Spock en Star Trek, a la vez que aceptaba el de Rollin Hand, el maestro del disfraz, en la serie televisiva Misión Imposible, lo que le llevó al estrellato.


A mediados de los años 70, después de dejar (nunca se supieron las razones) Misión imposible, junto con Barbara Bain, la que sería su mujer, regresaron a la pequeña pantalla con una serie británica llamada Espacio 1999, una serie muy criticada en su día, y que con el paso del tiempo se convirtió en serie de culto. También estuvo en Bonanza, Colombo o Se ha escrito un crimen, que compaginaba en el cine con papeles de secundario.
En los primeros ochenta su situación era actor con talento pero sin trabajo (me suena eso), pero claro eso hace que el público se olvide de ti. En 1983 volvió a la televisión con Búfalo Bill y al teatro con Drácula, pero en 1988 Francis Ford Coppola le llama para Tucker: Un hombre y su sueño, que le hizo tener su primera nominación al Oscar y ganar su segundo Globo de Oro, para al año siguiente repetir candidatura a la estatuilla por Delitos y faltas de Woody Allen, donde encarnaba a un marido adúltero. En ese ascenso imparable solo faltaba ganar el Óscar y lo consiguió con su papel de Bela Lugosi en Ed Wood, dirigida por Tim Burton en 1994 (curiosamente recién divorciado un año antes de su mujer).
En los últimos años hizo colaboraciones esporádicas en Expediente X: la película, o poniendo voces en Tim Burton Frankenweenie.


En homenaje os dejo con una escena de la película Delitos y faltas dirigida por Woody Allen en 1989. Martin Landau interpreta a Judah, un oftalmólogo y vive de manera muy desahogada, es de formación religiosa, pero sufre una situación generada por su adulterio, su ex-amante (Angelica Houston) le asosa, y le amenaza con destruir su matrimonio y su reputación si no la elige a ella por su mujer. Judah acude a su hermano, metido en el mundo del crimen, quien le aconseja matarla. Al principio le cuesta aceptar el consejo, aunque al final decide que es lo mejor, a partir de ahí tendrá un tremendo cuestionamiento moral, está atormentado, recuerda su pasado, su formación judía y va a la casa donde vivió su familia y él de pequeño, recordando momentos pasados.

Os dejo con la mítica escena.

jueves, 13 de julio de 2017

El Ministerio del Tiempo (Serie).


En los tiempos que vivimos, donde a las televisiones les da desde hace ya una buena tirada de años por poner morralla y realities espantosos con sus versiones innumerables y patéticos personajes, hay que rebuscar mucho para encontrar cosas buenas, y en el mundo de las series y concretamente de las españolas (que no sean la eterna Cuéntame) eso es más complicado aún, pero hace dos años apareció un oasis en el desierto, una gloriosa serie llamada El Ministerio del Tiempo. Dicha serie se emite en la 1 de TVE, cuando al ente público le place, ya que empezó siendo emitida los lunes, luego la han colocado los jueves para sustituir a Cuéntame, y cuando vuelvan después del parón veraniego a saber donde la ponen. Está creada por los hermanos Pablo y Javier Olivares y está producida por Onza Partners y Cliffhanger.


Su primera temporada se estrenó el 24 de febrero de 2015, la segunda el 25 de febrero de 2016 y la tercera (actualmente en emisión) el 1 de junio de este 2017, y que justo hoy han decidido partir los responsables de el canal público en dos, y emitir los seis capítulos restantes después del estío, contando esta última con un mayor presupuesto gracias a un acuerdo con Netflix, lo que ha permitido rodar más exteriores y tener mejoras en la producción, osea la gloria.
El argumento principal de la serie gira en viajes a través del tiempo, con la intención de que la historia no cambie y siga su curso natural. El Ministerio en si, es una institución gubernamental secreta dependiente de La Presidencia del Gobierno español, por lo que solo monarcas, presidentes y un número reducido y exclusivo de personas saben de su existencia. El paso hacia otras épocas, se realiza a través de puertas vigiladas por las patrullas del propio ministerio, cuyas misiones serán impedir que cualquier intruso del pasado llegue al presente o al revés, con el fin de cambiar la historia para su beneficio, lo que alteraría la realidad actual. Los agentes del ministerio son personas de diferentes épocas como Rodolfo Sancho (Julián), Aura Garrido (Amelia), Nacho Fresneda (Alonso) o Hugo Silva (Pacino), mientras sus superiores son Juan Gea (Ernesto) y Cayetana Guillén Cuervo (Irene), quienes rinden cuentas al subsecretario Jaime Blanch (Salvador) cuya secretaria es Francesca Piñón (Angustias).


Pero diréis, ¿qué es lo que hace tan especial a esta serie? Pues vamos por partes como dijo Jack El Destripador, primero y para mi la clave, los guiones son fantásticos, incluso se han hecho guiones exclusivos para capítulos, y están hilados de manera perfecta. Segundo las interpretaciones son perfectas, e incluso se permiten el lujo de tener alardes cómicos y tercero y no menos importante es muy didáctica, ya que sabiendo distinguir de lo que se está hablando en cada capítulo, y sobre todo saber cual es la historia real, puede servir y de hecho sirve en escuelas como ejemplo gráfico de la existencia de personajes históricos como El Empecinado, Napoleón, Cervantes, Lope de Vega, Gustavo Adolfo Becquer, Francisco de Goya, Pablo Picasso, etc...


Si que es cierto que la serie que mantiene unas audiencias de entre el 10 y el 12% de cuota de pantalla con audiencias medias de dos millones de personas, ha tenido multitud de repercusión en las redes sociales y de hecho hay fanáticos en internet llamados los ministéricos, a los que no tengo el placer de conocer aún. Por si fuera poco en esta tercera temporada se ha activado una aplicación para el móvil que te cuenta secretos de cada capítulo, que para los súper fans es algo maravilloso.
En cuanto a las situaciones peculiares que se producen en la serie, que hay muchas, sobra decir que da muchísimo juego, ya que tener a un agente en el ministerio, como por ejemplo Alonso de Entrerríos, un soldado de los Tercios de Flandes condenado a muerte en 1569 y que es salvado por el Ministerio, un tipo de valores de su época (antiguos), de mucho honor, gran soldado, experto tirador y estratega, que aprende que es la televisión, internet, un pen-drive y comenta con toda tranquilidad que las cosas pueden buscarse en la "red de redes", es algo la mar de divertido.


En homenaje a esta magnífica serie que ojalá siga más temporadas, os dejo con un capítulo 1 de la primera temporada, titulado El tiempo es el que es.

miércoles, 12 de julio de 2017

Baby Driver (2017)


Edgar Wright dirige este cinta, que tiene varias cualidades muy buenas, aunque parte de una historia algo ya conocida desde tiempos lejanos, desde luego tiene una innegable cualidad y es que divierte mucho, con momentos espectaculares, escenas de acción rodadas a la perfección y con un montaje realmente bueno, es digamos una de esas películas en las que el envoltorio es maravilloso, pero cuando te adentras en el regalo, no todo es de color de rosa, y tiene sus dimes y diretes, con un guión que cojea a veces. Es un film con guiños a varias películas, a Bonnie and Clyde, Le llaman Bodhi, Heat, incluso Pulp Fiction, pero claro, también Drive.


Un chico joven, Baby, encarnado por un gran Ansel Elgort, es un chico algo perdido que de pequeño vio como sus padres morían en un accidente, y que posee un problema auditivo que le lleva a obsesionarse con la música, hasta tal punto que vive recluido en ella y con su padre adoptivo mudo y en silla de ruedas al que cuida. Pero él tiene un don, ese es el de conducir de manera fastuosa, cosa que le lleva a trabajar para un excéntrico mafioso, Doc (Kevin Spacey brutal como siempre) que construye equipos de actuación para robar, con la singularidad de que en cada atraco cambian los elegidos. Es Baby, el encargado de librar al equipo de la persecución policial tras cometer el robo. 


La primera parte de la película es realmente buena, y mezcla de una manera bastante acertada, aunque con matices, un thriller de atracos con música, claro que ésto es algo que va intrínseco en el personaje del protagonista, que tiene la peculiaridad de que para cada trabajo pone un tema, para cada situación tiene un ipad diferente, graba las conversaciones y compone música con esas grabaciones, pero que a veces resulta cargante. Es cierto que toma riesgos, pero calculados, y la relación entre Baby y Debora (guapísima Lily James) hace que todo tenga su lado tierno bien medido.


Pero a mitad del film hay cosas que descolocan un poco, el guión se empieza a tambalear, a pesar de que la actuación de los actores raya la perfección, con un Jon Bernthal excepcional, un Jamie Foxx brutal (cada vez se me parece más a Denzel Washington), en dos papeles casi idénticos, un Jon Hamm (Buddy) que se come la pantalla junto a una sexy y potente Eiza González (Darling). Pero hay una atmósfera en el film, que es el que me genera dudas, parece como si el director ha visto muchas películas y refleja sus ideas en la suya, pero sin saber de como se desarrollan estos temas en la realidad, de ahí las salidas de tono o por peteneras de Baby cuando actúa bajo presión.


Hablamos de un guión sencillo, que no destaca, algo muy habitual en los films de hoy día, pero que muy bien embadurnado y lleno de escenas efectistas, además de una espectacular banda sonora, te puede hacer creer que estás ante una película de ensueño, pero le faltan cosas, hay una pata que cojea, y cuando eso pasa el resultado no es del todo completo.
Eso si, el o la que quiera pasar un rato divertido en el cine lo va a conseguir, con sus toques de humor justos (pero muy buenos) y una ironía latente, que dan empaque al conjunto.


Os dejo con el tráiler de Baby Driver.

jueves, 29 de junio de 2017

Wonder Woman (2017)


Ayer pude ver Wonder Woman, la nueva y esperada película de DC que viene precedida por buena taquilla y grandes críticas. El film que dirige Patty Jenkins es un divertimento absoluto, que en mi caso particular he disfrutado mucho, eso si, tiene para mi dos peros, primero una duración algo larga, para mi sobran 15 minutos de metraje, y segundo la parte final de la película es la que menos me gustó, como si hubiera faltado el remate final.
Recordemos que los dos últimos títulos de la franquicia, fueron mal recibidas (hablé de ambas aquí), Batman vs Superman que para mi es muy buena, pero tuvo malas críticas y Escuadrón suicida, que ahí se coincide en floja y muy criticada. Evidentemente con esta cinta el salto de calidad es obvio, pero tampoco la pondría como estratosférica.


La dirección del film desde el inicio quiere contar una historia, y ese tesón de la protagonista, Diana, que quiere recibir formación como amazona, a pesar de la negativa inicial de su madre, pero como explicación crucial de lo que luego será su misión. Esa intro, sirve como prólogo lógico, y está perfectamente rodado, visualmente genial, con la escena de la lucha en la playa como momento álgido. Gal Gadot, interpreta a Wonder Woman con dos características que le engrandecen, por un lado su cabezonería, y por otro su ingenuidad, cosas que aprovecha de manera sublime la actriz. Se trata de una defensora de la justicia, que quiere que reine la paz en el mundo, para lo que sus súperdoderes serán muy necesarios. El abandono de Themyscira y el inicio de su propia aventura es algo natural y lógico, que su madre deberá aceptar.


Luego está el protagonista masculino, Chris Pine, que está realmente perfecto y que encima despacha una química fantástica con Gal Gadot. Ambos tienen un cruce, y sus misiones conectan, uno es espía británico en la Primera Guerra Mundial, y ella cree ver que en los alemanes está Ares (hijo de Zeus), Dios de la Guerra, al que debe eliminar. 
Todo este tramo del film funciona por dos cosas, primero porque no se hace nada pesado, el relato es ligero, todo conecta, y segundo porque no hay cosas que sobren, ni historias fuera de contexto. Cuando la película lo requiere hay una escena de acción muy bien rodada, que sube el ritmo, y cuando esta se pausa, los puntos están sobre las ies.


Luego está el tema de los espacios temporales. Cuando Pine entra con el avión que ha robado en suelo turco y llega traspasando las líneas del tiempo, como es lógico alucina cono todo lo que hay en aquella isla llena de amazonas, y en el que solo importan la reina, su hermana que las enseña a luchar y como no, sobre todas ellas Wonder Woman. Hay un momento donde él le dice a ella, que su labor es en el presente y que ella puede modificar el futuro. En mi opinión, eso pierde peso a medida que avanza la película, cuando te das cuenta de que la resolución final se atañe exclusivamente a normas de la época en cuestión, y se separa la lucha entre Wonder Woman y Ares, con la que tienen los soldados británicos contra los alemanes. Aunque los momentos de humor están bien salpicados a lo largo del film, eso ayuda.


Pero esta película, a la que yo le quitaría un cuarto de hora de metraje como decía, para no hacer un pelo largo el final, aporta momentos de mucha intensidad, la batalla en pleno frente de la Primera Guerra Mundial es gloriosa, quizás un poco abrupta la batalla en el pueblo, con ella un poco borriquita con el francotirador del campanario, pero están rodadas de lujo, y se trata de una cinta ante todo divertida. Quizás Diana es demasiado heroína a veces, quiere ella solucionar todo, pero no es algo malo, pero resta protagonismo a los demás. Eso si, pudiendo haber sido un referente absoluto, se queda a las puertas. Por otro lado, esa declaración de que ella cree en el amor, terminó por hacer que cayera rendido y enamorado de Wonder Woman ya para siempre y de su belleza.


Os dejo con el tráiler del film.

miércoles, 28 de junio de 2017

Se nos va Michael Nvqvist a los 56 años.


El actor sueco Michael Nyqvist ha fallecido de cáncer del pulmón a los 56 años de edad, que se había convertido en secundario de lujo en repartos de carácter internacional en la última década, tras una carrera de menos a más en su país. Su papel encarnando a Mikael Blomkvist en las tres películas suecas (aquí fueron tres films, pero allí era una para cine y dos para televisión), aquel periodista amenazado por una investigación capaz de tambalear la sociedad sueca, le dio un salto cualitativo en su carrera muy importante. Así llegaron sus papeles en John Wick, Colonia, Sin salida, Misión: Imposible. Protocolo fantasma, etc...
Nacido en 1960, se formó en la Escuela de Arte Dramático de Malmö, y se dio a conocer en la serie Beck de 1997, haciendo el papel de Banck. Gracias a la película El clavel negro ganó el Premio Guldbagge, al mejor actor masculino 2003, interpretando a un diplomático y humanitario sueco llamado Harald Edelstam. Pero su fama mundial vino con Millenium, escrita por el difunto Stieg Larsson.


En homenaje os dejo con la escena de la película John Wick de 2014, donde interpreta a un mafioso ruso llamado Vigo, cuyo hijo ha robado el coche y ha matado al perro de Wick... a lo que el padre le dice "No es lo que hiciste hijo, lo que me enoja tanto, sino a quién se lo hiciste" después de golpearle.

Bandas sonoras míticas de películas (XVI)


En 1992 Peter Kosminsky dirige Cumbres borrascosas, basada en la novela de Emily Brontë, con el dueto protagonista de Juilette Binoche y Ralph Fiennes. La novela trata principalmente entre Catherine Earnshaw y Heathcliff. El padre de Catherine y Hindley Earnshaw trae a Heathcliff, un niño que encontró abandonado en las calles de Liverpool. Así empieza la relación de celos entre Hindley y Heathcliff, y a la vez surge la relación de amor entre Heathcliff y Catherine. La desaparición durante un tiempo de Heathcliff hará que muchas cosas cambien y haya acontecimientos turbulentos que él intentará resolver a su vuelta.
Una historia donde los celos, el amor, las venganzas, son los protagonistas y que está musicado de manera soberbia por el compositor japonés Ryuichi Sakamoto, un auténtico genio.


Os dejo con el tema central de Wuthering heights (título original) por el músico japonés.

domingo, 25 de junio de 2017

Mejores escenas cómicas del cine (LVI)


En 1995 Woody Allen dirige y protagoniza Poderosa Afrodita, una estupenda película en la él interpreta a Lenny, un periodista deportivo casado con la propietaria de una galería de arte (a la que da vid Helena Bonham Carter). Su mujer quiere adoptar un niño y a pesar de las primeras reticencias, Lenny acaba aceptando a regañadientes. Con el paso del tiempo se vuelve loco con el crío y se mostrará soprendido por su inteligencia, su talento y sentido del humor. Convencido de que su madre biológica tiene que ser extremadamente inteligente, decide averiguar su identidad y conocerla, cuando por fin lo consigue, descubre que es una prostituta y actriz porno llamada Linda Ash y a la que da vida una fantástica Mira Sorvino.
La escena en que ambos se conocen es chanante, ya que Lenny nada más verla se le nubla la vista y le entra sed, mientras que ella le enseña sus relojes picantones, y le habla de alguna de sus juergas eróticas... a medida que a él le aumenta la sed...


Os dejo con la graciosa escena.

viernes, 23 de junio de 2017

Daniel Day-Lewis se retira del cine.


Esta semana saltaba la noticia del anuncio del actor británico de 60 años Daniel Day-Lewis, a través de su representante, de que deja el cine por razones privadas. Hablamos, del que para muchos es uno de los mejores actores de la historia, no en vano es el único que ha alzado tres veces la estatuilla de Hollywood como actor protagonista, a saber, Mi pie izquierdo (1989), Pozos de ambición (2007) y Linconl (2012), más otras dos nominaciones por En el nombre del padre (1993) y Gangs of New York (2002).
Sabida es su curiosa personalidad, que ya le llevó en el año 1999 a retirarse durante un tiempo de la interpretación, para irse a Florencia a trabajar como zapatero en el taller de Stefano Bemer y a recorrerse en moto la Península Ibérica de arriba a abajo, en plan hippie.
Hablamos de un actor versátil como pocos, camaleónico y que ha sabido adaptarse perfectamente al paso del tiempo, cambiando sus registros, sus tipos de papeles, pero a la vez siempre siendo él mismo, algo que pocos consiguen. Me refiero, a que es conocida su implicación en los personajes y el estudio de los mismos, devoción e investigación absoluta en cada uno de sus papeles en la gran pantalla, cosa que incluso afectaba a su salud.


Daniel es hijo de un poeta Cecil Day-Lewis y una actriz Jill Balcon, por lo que de familia ya le venía cierta vocación, así solo con 14 años debutó en el film Domingo, maldito domingo. Fue admitido en la prestigiosa escuela de teatro Britol Old Vic.
Ya durante la década de los 80 su trabajó se alternaba entre cine y teatro como miembro de la Royal Shakespeare Company, donde interpretó a Romeo en Romeo y Julieta y a Flauta en El sueño de una noche de verano, antes de debutar en la gran pantalla, ya con un papel en la película Gandhi (1982). Con Mi hermosa lavandería (1985) donde interpretaba a un punk homsexual consiguió excelentes críticas y en Una habitación con vistas (1985) se consolidó como una figura de primera línea. A partir de ahí, su primer Óscar por Mi pie izquierdo en 1989, lanzó su carrera de forma meteórica. Luego llegarían dos nominaciones y dos estatuillas más, la de Linconl merecidísima bajo mi punto de vista.
Como anécdota decir que deja una película por estrenar, Phantom Thread, una historia ambientada en el mundo de la moda de los años 50 en Londres, dirigida por Paul Thomas Anderson y que se estima llegará a las pantallas en el mes de diciembre. 


En homenaje a este actorazo os dejo con una escena de Linconl, donde discute con su mujer Mary Todd (interpretada por Sally Field).

martes, 20 de junio de 2017

Escenas míticas del cine (LVIII)


En 1972 Francis Ford Coppola dirige una obra maestra, El Padrino, basada en la novela de Mario Puzo, que participó en el guión junto al propio director. Hay una escena, después de que se haya presentado a la familia a través de una larga introducción, donde se produce la entrevista entre la familia Corleone (sin Michael, que no entraba todavía en los negocios) y el narcotraficante Virgil Sollozzo (interpretado magistralmente por Al Lettieri). En este encuentro, Sollozzo ofrece a la familia Corleone un trato, del cual Don Vito (Marlon Brando) pronto se descuelga al no gustarle la división del dinero, y le acusa de que tendrá que financiarle influencia política y protección legal en la operación, a cambio de un porcentaje bajo de beneficios. Es un negocio de importación de heorína que el narco tiene pactado con la familia Tattaglia. Esta negativa de Don Vito, desencadenará toda la espiral de crímenes que ya no para en todo el film, que tocará al propio Don Vito y hará que la figura de Michael Corleone crezca de forma exponencial.


Sin duda el momento más mítico es la metedura de pata de Sonny (James Caan), algo habitual en el impetuoso hijo mayor de El Padrino, al que su padre echará la bronca pertinente a solas después de la reunión. Pero hay una frase, después del discurso de Sollozo donde dice necesitar a una persona con "amigos influyentes y un millón de dólares en la mano" en la que Don Vito deja claro que perdería el apoyo de esos políticos si le relacionan con asuntos de drogas, en vez de con el juego, que es por donde él se los metió en el bolsillo, en pocas palabras considera el asunto del narcotráfico algo sucio, algo que no gusta nada al narco, aunque deja claro que a él le es indiferente lo que un hombre haga para vivir. También es una contraposición de una ideología más antigua, con una más moderna. Se estrechan las manos, pero Don Vito no se fía de Sollozo y hace llamar a Luca Brasi, para que investigue sobre él, ya que no le parece de confianza...


Os dejo con la mítica escena.

sábado, 17 de junio de 2017

Escenas míticas del cine (LVII)


Harold Ramis, dirige en 1999 Una terapia peligrosa, donde Paul Vitti (Robert de Niro) es un importante mafioso de New York, que sufre una aguda crisis de ansiedad. El motivo es que está cercana una reunión donde se elegirá al nuevo capo de todos los capos, y eso le tiene bloqueado. Aterrado por la situación, contrata a Ben Sobol (Billy Cristal), un psiquiatra divorciado que está a punto de casarse y que le impone una terapia. Pero es entonces, cuando empieza a seguir el tratamiento, que Sobol se dará cuenta de que tiene que olvidarse de su vida privada y estar disponible 24 horas para Vitti, para cualquier emergencia, una negativa podría acabar mal.
Vitti está contento con su trabajo y confía ciegamente en su psiquiatra al que le dice que (en una escena mítica) "eres muy bueno, usted tiene un don, tiene un don cojonudo... es bueno".
Pero también hay otra escena chanante, que tiene a Billy Cristal como protagonista, y es cuando una pareja de edad cincuentera larga, acude a su consulta con el fin de animar su vida sexual, algo estancada en los últimos tiempos. El remedio del doctor Sobol no tiene desperdicio, les anima a comerse la vida, ya que es muy corta... "fúmense unos porros, beban un poco de vino, hagan lo que sea para satisfacerse mutuamente y ser felices. Vamos mírense a los ojos, ¿hacia donde se dirigen? Es el momento de ser felices, porque la vida es muy cirta, esta puta vida es demasiado corta"...


Os dejo con la maravillosa escena.

lunes, 12 de junio de 2017

Muere Adam West, el primer Batman televisivo.


Adam West falleció este viernes a los 88 años de edad a causa de una leucemia en Los Ángeles, California. Hablamos del actor que encarnó al primer Batman televisivo, cosa que marcaría ya su carrera para bien y para mal.
En los años 60, varias de sus interpretaciones en películas y series llamaron la atención de William Dozier, e hizo una audición para el papel del hombre murciélago, en la serie de televisión Batman. Dijo rechazar James Bond, para reemplazar a Sean Connery en aquella época, y la serie fue un éxito internacional, durante los años 1966 a 1968, donde salieron los capítulos originales, con inolvidables personajes junto a él como Robin, Catwoman, etc...
Tras el final de la serie, West tuvo problemas para alejarse del personaje que le dio la fama, quedó tan marcado por el personaje, que le gente le identificaba de manera bestial con él. Todo lo que hacía, quedaba ensombrecido por la popularidad en ese personaje concreto, y eso que hizo sesenta películas y ochenta series de televisión.


Pero William West Anderson, su verdadero nombre, tiene una historia muy grande detrás del papel que le marcó. Era estudiante de literatura y psicología, dj de radio, y como no, era amante de los cómics, por lo que dio bastantes tumbos hasta llegar a protagonizar a Bruce Wayne y su alter ego en la pequeña pantalla. Antes, estuvo dos años enrolado en el ejército, trabajó en cadenas militares de televisión, y con su primera esposa viajó por Europa hasta cepillarse todo el parné.
Pero su llegada a Hollywood en 1960, ya casado con su segunda esposa (tuvo tres, la tercera le ha visto morir), le abrió puertas participando en películas como Gerónimo o series como Perry Mason, Bonanza, El Virginiano, Embrujada, etc... Pero a partir de 1966 él mismo se hizo un clásico interpretando a Batman, y ya pasó a la historia.


En homenaje a Adam West, os dejo con esta escena de un capítulo de Batman, donde llega a un bar, el camarero le pone su bebida favorita, y tiene una chisposa conversación con una mujer de rojo... a la que saca a bailar... sin desperdicio el baile... con música de batusi...


jueves, 8 de junio de 2017

The Promise (2017)


Terry George dirige este film llamado La Promesa, y al que curiosamente llegué por la canción compuesta por Chris Cornell para la película del mismo título del film, y que a la postre fue su último tema grabado en vida. Pero la historia me interesaba, basada en hechos reales y ambientada en 1914, justo en los albores de la I Guerra Mundial.
La narración empieza en el pueblo natal, Siroun, al sur de Turquía y de mayoría armenia, de Mikael Boghosian, interpretado por un magnífico Oscar Isaac, cuya meta es estudiar medicina (ya hacía de boticario), para lo cual se traslada a Constantinopla (todavía es el final del Imperio Otomano) para titularse en medicina, con el dinero de la dote que le da el padre de su prometida, que le espera a su vuelta.


Una vez llega a Constatinopla, allí se instalará en casa de su tío (primo de su padre), que posee una tienda dentro del mítico gran bazar, y será donde conozca a Ana Khesarian (Charlotte Le Bon) francoarmenia, que da clases de baile a las niñas de su tío. Empieza a salir con un compañero de facultad, Emre Ogan (Marwan Kenzari) un juerguista turco, que está en medicina por obligación familiar, y también conoce a Chris Myers (Christian Bale), pareja de Ana, y periodista americano de la Associated Press.
Pero estalla la guerra y Turquía entra en el lado alemán, al caos del momento por las calles, se suma el del triángulo amoroso que se forma. Ana y Mikael se enamoran en un bajón de la relación entre Ana y Chris, pero los tres personajes son buenos de corazón, ya que salvan vidas, se pelean por amparar niños huérfanos de los ataques turcos, difunden el genocidio, etc., pero lo que es más increíble, es que el asunto sentimental lo llevan sin herirse, conviven con ello.


Pero es a partir de aquí, donde la película irá girando a la tragedia. Los turcos musulmanes inician una exterminación de la población armenia cristiana, que como es obvio afecta a Mikael de lleno, que al principio es salvado de entrar al ejército por su amigo Emre, al que su padre dará un primer aviso de que deje de ayudar al armenio. Las tiendas de los armenios son saqueadas, sus pueblos son quemados, y sus habitantes ejecutados o mandados a campos de trabajo inhumanos. Cuando Mikael intenta salvar a su tío de su cautiverio, es apresado y mandado a uno de esos campos, del que logra escapar después de más de seis meses allí de forma casi milagrosa.


Mikael regresa a Sirou, después de mil peripecias, y su madre Marta le obliga a casarse con la chica con la que estaba prometido antaño, viviendo en una casa de la montaña alejados del pueblo, en plan casi de hermitaños. Pero el destino hará que pronto se vuelvan a encontrar Mikael, Ana y Chris, todos involucrados en salvar vidas de niños huérfanos que cada vez es más numeroso. Siroun será masacrado y la familia de Mikael asesinada, cuando éste quería llevarles a sitio seguro. Chris será detenido y encarcelado, acusado de espía por generales turcos, que están decididos a ejecutarle. Emre, jugándose la vida, hará saber al embajador americano (James Cromwell) su situación, algo que le salvará a la postre a Chris.


En resumen, al final se trata de una huída haca el mar, atacados por el ejército turco, mientras los armenios se defienden con lo que pueden. Una situación de refugiados, que un siglo después se me emparenta con la de los de Alepo en Siria, por ejemplo. Todas las guerras son fatales, y todas tiene consecuencias nefastas, pero el hombre se empecina en repetir la historia una y otra vez. A día de hoy, según se explica al final, Turquía no reconoce ese genocidio.
La película es un poco larga, aunque la historia se cuenta bien y no tiene altibajos, le falta capacidad de resumen o síntesis. También es un poco alucinante como entre 4000 personas que huyen y anocheciendo los protagonistas se encuentren sin google maps y tal... Los actores, sobre todo el trío principal, están a gran nivel, destacar la primera aparición de Christian Bale, icónico como pocos, y unos secundarios que no son nada desdeñables, además de las aportaciones de James Cromwell, Jean Reno, etc...


En los créditos suena la versión a piano de The Promise, el tema que Chris Cornell compuso para la película.

Os dejo con el tráiler.