Escenas míticas del cine (CLXXIX)

Como decía ayer, Peter Farrelly dirige Green Book en 2018, un biopic con tintes dramáticos pero con grandes dosis de humor. Ya el tráiler anunciaba una gran película, pero después de ver ayer el pre-estreno en el cine, he de decir que me parece una película extraordinaria y seria candidata a los Oscars. Viggo Mortensen y Mahershala Ali hacen un ejercicio interpretativo de mucho nivel, el primero interpretando a Tony Lip, un tipo duro e italoamericano del Bronx, que pasó poco por la escuela, y cuyos puños arreglan todo tipo de problemas, mientras el segundo da vida a Don Shirley, un sofisticado pianista, de refinados gustos musicales y también personales, que es afroamericano y de fama mundial. Tony, después de una pelea en un club nocturno donde trabajaba, busca trabajo, y de las muchas ofertas que tiene, decide ser chófer de Don, y realizar juntos una gira por el Sur de Estados Unidos, los estados más racistas, es decir, Pennsylvania, Alabama, Indiana, Carolina del Norte, etc... Hablamos del año 1962... Pero esta película, y lo digo para calibrar si es una gran joya (que para mi sí lo es) o no, tiene un guión extraordinario, dos actores maravillosos, con gran química y en estado de gracia y una banda sonora memorable.

El film trata una historia real, la de la amistad que acabó surgiendo entre el refinado pianista y su chófer, relaciones públicas y demás cargos que fue sumando, y que se forjó en esa gira de unos dos meses de duración aproximada. Tony es algo racista, pero cuando empieza a escuchar a Don en sus conciertos, queda prendado, y acabará defendiéndole a capa y espada.

Lo mejor de esta historia y de la película, es que todo fluye de manera natural, no hay nada impostado y los pasos que se dan son coherentes y hacen que te creas la historia de principio a fin. Es tan así, que los propios personajes van sufriendo una evolución que permite que sus personalidades antagónicas, vayan poco a poco teniendo acercamientos y puntos de encuentro.
Todo esto se debe también a las magníficas interpretaciones de ambos, añadiendo matices propios de cada actor que hacen de su trabajo algo impecable como en la escena donde Tony escribe la carta a su mujer pero guionizado por el músico.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (LXXXIII)

Peter Farrelly dirige Green Book en 2018, un biopic con tintes dramáticos pero con grandes dosis de humor. Viggo Mortensen y Mahershala Ali hacen un ejercicio interpretativo de mucho nivel, el primero interpretando a Tony Lip, un tipo duro e italoamericano del Bronx, que pasó poco por la escuela, y cuyos puños arreglan todo tipo de problemas, mientras el segundo da vida a Don Shirley, un sofisticado pianista, de refinados gustos musicales y también personales, que es afroamericano y de fama mundial. Tony, después de una pelea en un club nocturno donde trabajaba, busca trabajo, y de las muchas ofertas que tiene, decide ser chófer de Don, y realizar juntos una gira por el Sur de Estados Unidos, los estados más racistas, es decir, Pennsylvania, Alabama, Indiana, Carolina del Norte, etc... Hablamos del año 1962... Pero esta película, y lo digo para calibrar si es una gran joya (que para mi sí lo es) o no, tiene un guión extraordinario, dos actores maravillosos, con gran química y en estado de gracia y una banda sonora memorable.

El film trata una historia real, la de la amistad que acabó surgiendo entre el refinado pianista y su chófer, relaciones públicas y demás cargos que fue sumando, y que se forjó en esa gira de unos dos meses de duración aproximada. Tony es algo racista, pero cuando empieza a escuchar a Don en sus conciertos, queda prendado, y acabará defendiéndole a capa y espada.

La música corre a cargo de Kris Bowers que la conduce y tiene piezas extraordinarias.

Os dejo con el Old Black Magic de la Green Book Copacabana Orquestra.

Bandas sonoras míticas del cine (LXXXII)

Quizás estemos ante la película menos reconocida de la filmografía de Quentin Tarantino, pero  que para mí, es un enorme film. La película es un tributo a los muscle cars y los géneros de exploitation y slasher de los año 70. Para ello, Quentin escribió y dirigió el film, y su amigo Robert Rodríguez le ayudó en la producción, y las dividieron en dos, una ésta y la otra Planet Terror que dirigió Robert. Una de las cosas que más me gustaron la primera vez que la vi, fue como recuperó el director para este film a un actor un tanto denostado en los últimos tiempos como Kurt Russell, que la verdad lo borda, interpretando a un psicópata especialista (Doble Mike) que asalta chicas jóvenes antes de asesinarlas con su coche "A prueba de muerte". Con su look retro de los años 70, una cicatriz en el lado izquierdo de la cara que le atraviesa verticalmente la misma, conduce su muscle car, recordando su época de doble de acción de pelis de Hollywood, especializado en escenas peligrosas, su presencia y carisma encandilan.

La banda sonora es otra selección tremenda de Quentin Tarantino, desde T-Rex, Joe Tex, Willy Deville, Eddie Floyd, Ennio Morricone, Pino Donaggio o The Coasters.

Precisamente el Down in Mexico de The Coasters suena en un sensual baile de una de las chicas a Kurt Rusell, excelente tema.

Os dejo con Down in Mexico de The Coasters.

Bandas sonoras míticas del cine (LXXXI)

En 1988 Clint Eastwood dirige y produce Bird, el biopic sobre Charlie Parker, al que da vida un magnífico Forest Whitaker. Aquí se narra la corta pero intensa vida de este mítico saxofonista considerado uno de los mejores intérpretes del saxofón alto y padre del bebop junto a Dizzy Gillespie. Nacido en Kansas City, ya desde joven destaca y su fama se desata en su llegada a New York en 1940. Toda esa fama no es bien digerida por la persona, que comienza a abusar del alcohol y las drogas, por lo que su vida se acaba convirtiendo en un infierno. 

La banda sonora, como no podía ser de otra forma, está compuesta de temas de Charlie Parker, que estaban supervisados por Lennie Niehaus, como este Parker's Mood que lo cierra.

Os dejo con Parker's Mood.

Bandas sonoras míticas del cine (LXXX)

Como decía ayer, Florian Zeller dirige El Padre, ópera prima de este director que se maneja como un auténtico veterano curtido en mil obras. Ejerce un dominio impropio de un debutante, y nos muestra con muchos recursos una situación dramática para que tengamos todos los puntos de vista posibles ante una situación muy difícil, generando un ejercicio muy inmersivo de la circunstancia. La puesta en escena, el trabajo de cámara (en ocasiones sublime) y la planificación son perfectos y sirven para que nos introduzcan de lleno en la realidad de un hombre enfermo en el que reinan la desorientación, las incongruencias, los desajustes temporales y los cambios que afectan a la voluntad de una mente que se deteriora día a día.

La música de ópera mezclada con las composiciones de Ludovico Einaudi, es el complemento perfecto, suaves y sensibles melodías de piano que nos describen situaciones de un mal que transforma la realidad del paciente en un laberinto, en el que cada vez ve menos salidas, y del familiar en una lucha constante y dura.

Os dejo con el tema principal del film.

The Father (2020)

Florian Zeller dirige El Padre, ópera prima de este director que se maneja como un auténtico veterano curtido en mil obras. Ejerce un dominio impropio de un debutante, y nos muestra con muchos recursos una situación dramática para que tengamos todos los puntos de vista posibles ante una situación muy difícil, generando un ejercicio muy inmersivo de la circunstancia. La puesta en escena, el trabajo de cámara (en ocasiones sublime) y la planificación son perfectos y sirven para que nos introduzcan de lleno en la realidad de un hombre enfermo en el que reinan la desorientación, las incongruencias, los desajustes temporales y los cambios que afectan a la voluntad de una mente que se deteriora día a día.

El reparto deslumbra, Anthony Hopkins interpreta a Anthony, esa persona mayor que empieza a tener serios problemas seniles que afectan a su vida diaria. Recibió el segundo Óscar de su carrera por esta interpretación, que en algunos rasgos parece querer ser él mismo en la película, por diversos detalles, como por ejemplo cuando dice su fecha de nacimiento que es la del propio actor, quién reconoció que le diagnosticaron Síndrome de Asperger ya mayor, de ahí su actitud solitaria y de pocas relaciones durante años. Ese aspecto de la personalidad de Hopkins también está sumado al de Anthony, al que da vida en esta película. Olivia Colman es Anne su hija, quien se desvela por cuidar a su padre y que antepone su propia vida al cuidado de su progenitor. La relación entre ella y él es muy difícil, y pasa por momentos terribles con afilados diálogos, donde incluso Anthony ofende a su hija con comentarios muy hirientes. Esta es la parte que más se entronca con el teatro, sus espacios cerrados y su poco escape.

La música de ópera mezclada con las composiciones de Ludovico Einaudi, es el complemento perfecto, suaves y sensibles melodías de piano que nos describen situaciones de un mal que transforma la realidad del paciente en un laberinto, en el que cada vez ve menos salidas, y del familiar en una lucha constante y dura. El film es un crescendo constante llevado magistralmente, hasta explotar en un tercer acto devastador que provoca lágrimas en la butaca. Me resultan especialmente impactantes los flashbacks, la repetición de escenas de atrás hacia adelante y al revés, para entender en qué estado tan tremendo se encuentra el protagonista, recursos del director brutales que hacen este trabajo único y que si se hubieran narrado de forma cronológica no hubiera tenido gancho seguramente.

Una gran película que tuvo seis nominaciones a los Óscars, de los que salió victoriosa en mejor actor principal y mejor guión adaptado de la propia obra del director.

Os dejo con el tráiler del film.

Bandas sonoras míticas del cine (LXXIX)

En 1972, un comando compuesto por cuatro de los mejores hombres del ejército americano fueron encarcelados por un delito que no había cometido. No tardaron en fugarse de la prisión en la que se encontraban recluidos. Hoy, buscados todavía por el gobierno, sobreviven como soldados de fortuna. Si usted tiene algún problema y si los encuentra, quizá pueda contratarlos. Después de esa introducción que comenzaba cada capítulo de esta mítica serie de El Equipo A, estaba la sintonía inmortal de Mike Post, que se convirtió en referente absoluto. El Equipo A estaba formado por el coronel "Hannibal" Smith (George Peppard) fumando su puro y con su eterna frase "me encanta que los planes salgan bien", El teniente Templeton Peck "Fénix" (Dirk Benedict) el sex symbol del grupo, el capitán H. M. Murdock (Dwight Schultz) y el sargento MA Barracus (Mr. T). Esta serie se emitió durante cinco temporadas en la cadena  NBC y daba mucha paz, aunque parezca un contrasentido, ya que siempre transcurría en términos parecidos de guión, es decir, alguien tenía un problema, una familia de granjeros acosada por una banda mafiosa, o gente que debe dinero a alguien, que no dudaban en contactar con el Equipo A que les solucionaba el problema.

Recordemos aquella mítica sintonía de comienzo de cada capítulo compuesta por Mike Post.

Bandas sonoras míticas del cine (LXXVIII)

Como dije hace pocas fechas, la reciente ganadora de tres Oscars muy importantes, mejor película, mejor dirección y mejor interpretación femenina protagonista es Nomadland, dirigida por Chloé Zhao, que llegó a nuestras pantallas ya en este 2021, a pesar de ser un film de 2020. Como dije en mi crónica de los Oscars, es increíble si pensamos que en la temporada de premios de hace 3 años, Frances McDormand, que se disponía a ganar su segundo Oscar por mejor actriz en Tres anuncios a las afueras, se acercó a Chloé Zhao (que recibía honores por The Rider) y le dijo que quería adaptar el libro "País Nómada, Supervivientes del siglo XXI" de Jessica Bruder. De ese gérmen nació Nomadland, donde Frances incluso está como productora, es decir puso dinero por un proyecto en el que creía ciegamente y adquirió los derechos del libro.

La película nos cuenta la historia de Fern, una mujer a la que da vida Frances McDormand, que después de perderlo todo durante la crisis anterior que comenzó en 2008, a lo que se le añadió la muerte de su marido, se embarca en un viaje hacia el Oeste americano, viviendo como una nómada en su furgoneta. Tras el colapso económico que afectó también a su ciudad Empire, en la zona rural de Nevada, ella decide irse a la aventura de explorar una nueva forma de vida fuera de la sociedad convencional, como una nómada del Siglo XXI. Va encontrando trabajos temporales que le permiten ir tirando, pero cuando viene un revés su penuria es grande. No es una vida repleta de comodidades, ni mucho menos, pero va conociendo a gente muy humana en su camino. Evidentemente ella es la absoluta protagonista y todo gira a su alrededor, un papel que Frances borda desde el minuto uno.

La música corre a cargo de Ludovico Einaudi, y desarrolla unas melodías al piano que son una auténtica maravilla como en el tema Low mist que me cautivó mientras veía el film.

Os dejo con Low mist.

Mejores escenas cómicas del cine (XC)

En 1985 Luis García Berlanga dirige La Vaquilla, ambientada en la Guerra Civil Española (1936-1939). En el frente, los soldados de uno y otro bando se intercambian tabaco, escriben cartas o dormitan. Pero esa calma chicha, se rompe cuando un altavoz de la Zona Nacional anuncia que con motivo de la Virgen de Agosto, se van a celebrar fiestas en el pueblo incluyendo orquesta, bailes y corrida de toros. Es entonces cuando un grupo de combatientes republicanos comandados por el Teniente Broseta (José Sacristán) y el Brigada Castro como cerebro (Alfredo Landa) idean robar la vaquilla para arruinarle la fiesta al enemigo y a la vez conseguir la comida que necesitan en tiempos de penuria.

En la escena inicial del film todo lo dicho está reflejado, pero cuando idean el plan, miran un plano y el Teniente reclama ¿dónde está el topógrafo?... momento mítico donde los haya.

Os dejo con la parte inicial del film, como tramo de muchos momentos cómicos y sirva de homenaje a su director Luis García Berlanga que ayer habría cumplido 100 años.

Contagion (2011)

Steven Soderbergh dirige en 2011 Contagio, una película que vista ahora 10 años después cobra un significado muy diferente a cuando se estrenó y que según hemos vivido en este último año y medio tiene un sentido de lo más actual. Un gran director que contó con una tirada de actores de primer nivel como Matt Damon, Kate Winslet, Laurence Fishburne, Marion Cotillard, Jude Law o Gwyneth Paltrow. Hace 10 años, la gripe aviar asustó bastante al mundo y lo que sucede aquí es quizás algo llevado al extremo peor de los posibles, pero que desgraciadamente hemos visto que se podía hacer realidad en un futuro no tan lejano y cuales serían sus consecuencias.

La historia del film era ambientada en nuestros días y se centra en la aparición y rápida propagación de un virus que provoca fiebre intensa, dolores de cabeza y una muerte más bien rápida, centrándose en cómo se origina y en su rápida propagación que desencadena una grave crisis a nivel planetario. Beth Emhoff (Gwyneth Paltrow) es una mujer norteamericana que vuelve de un viaje de negocios en Hong Kong, se cae en casa, es ingresada de urgencias muriendo sin saberse las causas exactas. El mismo caso se va repitiendo en otros países, sube el número de casos, las víctimas se multiplican y surge el pánico. La comunidad médica mundial concentra sus esfuerzos en encontrar una cura o vacuna ante el potente virus, las autoridades intentan tranquilizar y controlar a la población, pero el miedo al contagio (y a una muerte segura) crece de manera imparable, en concreto cuando la información oficial es poca y se mezcla con rumores en internet infundados, que se les da valor cuando llegan a los medios de comunicación... ¿os suena? El caos impera y la sociedad se desmorona...

Varias historias paralelas sobre esta grave cuestión, provocan una tensión constante en el film, siendo un relato coral y que hace hincapié en una cosa muy importante, en el egoísmo del ser humano en la mayoría de los casos (salvo honradas excepciones) y en que la sociedad se acaba dividiendo entre los que tienen la información y los que no la tienen. Eso provoca que los primeros intentan controlar la pandemia y piden paciencia, pero los segundos (la mayoría) se sienten desamparados, ven morir gente y que no hay solución inmediata, lo que provoca toma de decisiones egoístas y desesperadas en muchos casos. Lo que queda muy claro es que nada se expande tan rápido como el miedo...

Os dejo con el tráiler de este interesante film.