Tony Kaye dirige en 2011 El profesor, que tiene como protagonista principal a Henry Bathes, al que da vida Adrien Brody y que llega a un instituto lleno de alumnos problemáticos y con resultados académicos muy bajos. Este profesor posee un auténtico don para conectar con los alumnos, pero él prefiere ignorar su talento. Solo trabaja sustituciones, por lo que nunca permanece bastante tiempo en un instituto como para mantener una relación afectiva con sus alumnos o compañeros. Cuando llega a este instituto, se da cuenta de que la frustrada administración ha conseguido volver totalmente apáticos a los alumnos, y es un lugar donde los profesores agonizan y quienes aún mantienen la ilusión en su trabajo y en su vocación, ven como sus esperanzas en un futuro mejor se ahogan entre sus estudiantes. A pesar de ello y del recibimiento del alumnado, bastante hostil, Henry conectará con ellos, aunque sin dejar que nadie se acerque a su historia. De hecho conseguirá en poco tiempo en un ejemplo a seguir para los adolescentes, logrando una conexión emocional con ellos, con los otros profesores y con una adolescente prostituta a la que recoge en la calle.
En una gran escena, Henry entra en clase y recibe improperios desde el inicio de varios alumnos, a uno lo echa, pero otro exige un folio para hacer la actividad que ha mandado, al final llegan a un acuerdo.
Como llevo diciendo estos días, en 1976 John Schlesinger dirige Marathon Man que nos cuenta la historia de Babe Levy, al que da vida Dustin Hoffman, un universitario que está haciendo el doctorado en la Universidad de Columbia y que pasa parte de su tiempo libre preparándose para correr maratones. Conoce a Elsa Opel (Marthe Keller), una extraña mujer suiza con la que inicia una relación amorosa. A su vez recibe la visita de su hermano Henry "Doc" (Roy Schreider), y ambas cosas serán la piedra de toque de una muy peligrosa trama en la que Babe se verá angustiosamente atrapado y cuestionando todo lo que creía saber sobre las personas a las que quiere. También vive algo atormentado y obsesionado por el suicidio de su padre veinte años atrás.
Pero el auténtico tema del film es la pervivencia de los nazis en Sudamérica y Norteamérica y los trucos que las naciones supuestamente democráticas tienen con ellos.
La banda sonora corrió a cargo de Michael Small, y pone al servicio del tremendo thriller una música perfecta, enigmática cuando toca, y muy adecuada para cada escena.
Como decía ayer, en 1976 John Schlesinger dirige Marathon Man que nos cuenta la historia de Babe Levy, al que da vida Dustin Hoffman, un universitario que está haciendo el doctorado en la Universidad de Columbia y que pasa parte de su tiempo libre preparándose para correr maratones. Conoce a Elsa Opel (Marthe Keller), una extraña mujer suiza con la que inicia una relación amorosa. A su vez recibe la visita de su hermano Henry "Doc" (Roy Schreider), y ambas cosas serán la piedra de toque de una muy peligrosa trama en la que Babe se verá angustiosamente atrapado y cuestionando todo lo que creía saber sobre las personas a las que quiere. También vive algo atormentado y obsesionado por el suicidio de su padre veinte años atrás.
Pero el auténtico tema del film es la pervivencia de los nazis en Sudamérica y Norteamérica y los trucos que las naciones supuestamente democráticas tienen con ellos.
En otra escena mítica, Christian Szell (Laurence Olivier) un criminal nazi apodado El Ángel Blanco (Der Weiße Engel), claramente inspirado en Josef Mengele, que tiene que abandonar su escondrijo en Sudamérica por temor a que los diamantes que él expolió a los judíos le sean a su vez robados, va a ver a un tasador de joyas pero el ayudante le reconoce (es judío) y él intenta hacerse pasar por inglés y se va en cuanto puede. Por la calle otra mujer desde la acera contraria le reconoce claramente, dice ver al Ángel Blanco, pero la toman por loca, hasta que sufre un semiatropello, pero el hombre de la casa de tasación le sigue y le delata, entonces Szell se saca un cuchillo del brazo y le degolla, a la vez que se va a toda prisa en un taxi.
En 1976 John Schlesinger dirige Marathon Man que nos cuenta la historia de Babe Levy, al que da vida Dustin Hoffman, un universitario que está haciendo el doctorado en la Universidad de Columbia y que pasa parte de su tiempo libre preparándose para correr maratones. Conoce a Elsa Opel (Marthe Keller), una extraña mujer suiza con la que inicia una relación amorosa. A su vez recibe la visita de su hermano Henry "Doc" (Roy Schreider), y ambas cosas serán la piedra de toque de una muy peligrosa trama en la que Babe se verá angustiosamente atrapado y cuestionando todo lo que creía saber sobre las personas a las que quiere. También vive algo atormentado y obsesionado por el suicidio de su padre veinte años atrás.
Pero el auténtico tema del film es la pervivencia de los nazis en Sudamérica y Norteamérica y los trucos que las naciones supuestamente democráticas tienen con ellos.
En una escena mítica, conocida también como "la escena del dentista", Babe es torturado por Christian Szell (Laurence Olivier, muy difícil de reconocer, tenía ya cáncer), un criminal nazi apodado El Ángel Blanco (Der Weiße Engel), claramente inspirado en Josef Mengele, que tiene que abandonar su escondrijo en Sudamérica por temor a que los diamantes que él expolió a los judíos, le sean a su vez robados. Después de que Szell asesine a Doc, un agente secreto del gobierno y hermano de Babe, hace que sus secuaces los secuestren para averiguar que pudo haberle dicho de los diamantes antes de morir, esgrimiendo la famosa frase: ¿están a salvo?. Obviamente Babe no tiene ni idea de nada, ni de lo que Szell le pregunta, ni de la situación.
Como decía ayer, La delgada línea roja de 1998 es la tercera película dirigida por Terrence Malick, veinte años después de la segunda Días de cielo. El autor de Badlands (1973) compitió con este film con la obra maestra de Steven Spielberg, aquel Salvar al soldado Ryan, siendo ésta última más exitosa en taquilla y premios. Ambas películas se parecían en la digamos etiqueta, iban sobre la Segunda Guerra Mundial y están incluidas dentro del cine bélico, pero la distinción es que el cine de Malick juega en una liga diferente, su visión del mundo es completamente distinta a la de otro cineasta, todo ello con sus cosas a favor y sus cosas en contra. De hecho, hubo actores que querían trabajar con él sin condiciones, una vez se supo que volvía a dirigir después de tanto tiempo, incluso Sean Penn dijo que lo haría por un dólar, y gente de la talla de Nick Nolte, George Clooney o John Cusack ni se lo pensaron.
Sea como fuere, La delgada línea roja centra su mirada en el año 1942, en la batalla de Guadalcanal, en esa Isla en el Pacífico, donde un grupo de hombres de la compañía de fusileros del ejército americano "C de Charlie" combate contra el ejército japonés por la conquista de una estratégica colina. Este batallón forma parte de las tropas que fueron enviadas para relevar a las unidades de infantería de Marina, que estaban agotadas por el combate. Muchas películas han reflejado esta batalla, o historias relacionadas, etc., Pero la mirada del director hace más hincapié en las consecuencias de la guerra en el ser humano, que en la guerra en sí.
La banda sonora fue encargada a Hans Zimmer, que ya por entonces tenía un currículum envidiable, pero pienso que en este film se doctora, musicando de manera sublime todo el metraje, una música estremecedora.
La delgada línea roja de 1998 es la tercera película dirigida por Terrence Malick, veinte años después de la segunda Días de cielo. El autor de Badlands (1973) compitió con este film con la obra maestra de Steven Spielberg, aquel Salvar al soldado Ryan, siendo ésta última más exitosa en taquilla y premios. Ambas películas se parecían en la digamos etiqueta, iban sobre la Segunda Guerra Mundial y están incluidas dentro del cine bélico, pero la distinción es que el cine de Malick juega en una liga diferente, su visión del mundo es completamente distinta a la de otro cineasta, todo ello con sus cosas a favor y sus cosas en contra. De hecho, hubo actores que querían trabajar con él sin condiciones, una vez se supo que volvía a dirigir después de tanto tiempo, incluso Sean Penn dijo que lo haría por un dólar, y gente de la talla de Nick Nolte, George Clooney o John Cusack ni se lo pensaron.
Sea como fuere, La delgada línea roja centra su mirada en el año 1942, en la batalla de Guadalcanal, en esa Isla en el Pacífico, donde un grupo de hombres de la compañía de fusileros del ejército americano "C de Charlie" combate contra el ejército japonés por la conquista de una estratégica colina. Este batallón forma parte de las tropas que fueron enviadas para relevar a las unidades de infantería de Marina, que estaban agotadas por el combate. Muchas películas han reflejado esta batalla, o historias relacionadas, etc., Pero la mirada del director hace más hincapié en las consecuencias de la guerra en el ser humano, que en la guerra en sí.
En una escena mítica y después de las bombas lanzadas por el apoyo aéreo, es el momento del avance del batallón, y alguno no anda muy bien, pero el Sargento Keck (Woody Harrelson) ordena salir en grupos de diez y pide no avanzar a ráfagas ya que parados son blanco perfecto, por lo que pide correr sin parar. La cámara se adentra junto a los soldados como uno más y describe perfectamente el movimiento de todo el batallón, que se ha dividido en grupos, como el del Capitán Staros (Elias Koteas), cuando se detienen, parece que no ven al enemigo...
Gabriele Muccino dirige en 2006 En busca de la felicidad, que nos presenta a Chris Gardner, a quien da vida Will Smith, un padre de familia sometido a una gran presión financiera ya que, pese a que su mujer hace doble turno, él intenta vender con muy poco éxito un innovador escáner portátil en cuyas unidades ha invertido todo su dinero con el fin de salir adelante, y no pueden ni llegar a fin de mes ni pagar el alquiler de su piso, ni la guardería de su pequeño hijo Christopher, interpretado por Jaden Smith. Después de muchos intentos de vender el escáner, Chris acaba frente a un edificio de oficinas donde los hombres, todo ellos trajeados, entra y salen sonrientes, montándose en lujosos coches, descubriendo que es una empresa que se dedica a invertir en bolsa, algo para lo que, según le dicen, no hace falta formación específica, solo don de gentes para conseguir inversores.
Su mujer Linda, no aguanta más y se separan, y después de un largo tira y afloja, Chris consigue quedarse con la custodia del niño, a pesar de que por impago les echan del piso. Él se vuelca en conseguir su trabajo en la empresa inversora de bolsa, pero a ese contratiempo de la vivienda se le unirá (cosa con la que no contaba) que deberá superar un curso de un mes, sin sueldo y ser el mejor de los veinte candidatos para obtener el contrato.
En una escena mítica, el jefe de la empresa Martin Frohm (James Karen) le llama al despacho el último día de prácticas, para lo que Chris se ha puesto una bonita camisa, temiéndose que le van a dar una despedida sin vuelta, pero es todo lo contrario, es el elegido, su cara de ojos llorosos lo dice todo, su nerviosismo y luego su salida a la calle festejando para sí su gran logro.
Este pasado domingo 15 de marzo se ha celebrado la gala de los Oscars en el Dolby Theatre de Los Ángeles, 98º edición, con el cómico y presentador Conan O'Brien, (en su segundo año consecutivo, después de que en los dos años anteriores lo hiciera Jimmy Kimmel) como presentador de la ceremonia. En tiempos de guerra la gala estaba bajo supuesta amenaza de Irán de atacar California con drones, pero se celebró con normalidad y Hollywood se autoreivindicó en días de mirar hacia el futuro pensando en la supervivencia de la industria. Una batalla tras otra de Paul Thomas Anderson fue la película más premiada con seis galardones de los trece a los que optaba, entre ellos mejor película y mejor casting, convirtiéndose en la primera ganadora de esta recién estrenada categoría. Otros ganadores fueron Los Pecadores con cuatro estatuillas, aunque partía con 16 nominaciones (récord absoluto hasta ahora), El Frankestein de Benicio del Toro se llevó tres, Las guerreras K-Pop dos y luego ya repartidos con una All the empty rooms, Avatar: Fire and ash, F1, Hamnet, Weapons, Valor sentimental, etc.,
A sus 30 años Thimotée Chalamet se convirtió en el actor más joven en obtener tres nominaciones interpretativas desde Marlon Brando, y también en la persona más joven en ser nominada tanto por actuación como por producción en el mismo año, superando a Warren Beatty. A los 37 años Emma Stone, nominada a mejor película y mejor actriz, se convirtió en la segunda persona más joven en la historia de los Óscars en acumular siete nominaciones a lo largo de su carrera, después de Walt Disney. Como anécdota también decir que Wagner Moura se convirtió en el primer brasileño nominado a mejor actor y Valor sentimental se convirtió en la primera película noruega en ganar el premio a mejor película internacional, a la que estaba nominada también la española Sirât de Oliver Laxe.
Quizás el momento más político de la noche fue cuando el actor español Javier Bardem salió a presentar el premio de mejor película internacional apelando al No a la guerra y Palestina libre.
Ésta fue la lista de ganadores:
*Mejor Película: UNA BATALLA TRAS OTRA
*Mejor Actor: MICHAEL B. JORDAN por Los pecadores
*Mejor Director: PAUL THOMAS ANDERSON por Una batalla tras otra
*Mejor Actriz: JESSIE BUCKLEY por Hamnet
*Mejor Guión original: RYAN COOGLER por Los pecadores
*Mejor Guión adaptado: PAUL THOMAS ANDERSON por Una batalla tras otra
*Mejor Actor de reparto: SEAN PENN por Una batalla tras otra
*Mejor Actriz de reparto: AMY MADIGAN por Weapons
*Mejor Diseño de vestuario: KATE HAWLEY por Frankestein
*Mejor Diseño de producción: FRANKESTEIN de Tamara Deverell, Decorados: Shane Vieau
*Mejor Maquillaje y peluquería: FRANKESTEIN de Mike Hill, Jordan Samuel y Cliona Furey
*Mejor Dirección de Fotografía: SINNERS de Autumn Durald Arkapaw
*Mejor Montaje:UNA BATALLA TRAS OTRA de Andy Jurgensen
*Mejor Sonido: F1 de Al Nelson, Gwendolyn Yates Whittle, Gary Rizzo, Juan Peralta y Gareth John
*Mejor Banda sonora: LOS PECADORES de Ludwig Göransson
*Mejor canción original: Golden de Las guerreras K-Pop, Música y letra por Ejae, Mark Sonnenblick, Joong gyu Kwak, Yu Han Lee, Hee Dong Nam, Jeong Hoo Seon y Teddy Park
*Mejores Efectos visuales: AVATAR: FIRE AND ASH de Joe Letteri, Richard Baneham, Eric Saindon y Daniel Barrett
*Mejor Corto de animación: THE GIRL WHO CRIED PEARLS de Chris Lavis y Maciek Szczerbowski
*Mejor Película animada: LAS GUERRERAS K-POP de Maggie Kang, Chris Appelhans y Michelle L.M. Wong
*Mejor Corto documental: ALL THE EMPTY ROOMS de Joshua Seftel y Conall Jones
*Mejor Largometraje documental: MR. NOBODY AGAINST PUTIN de David Borenstein, Pavel Talankin, Helle Faber y Alzbèta Karàskovà
*Mejor Cortometraje de ficción: THE SINGERS de Sam A. Davis y Jack Piatt
*Mejor Película de habla no inglesa: VALOR SENTIMENTAL de Joachim Trier por Noruega
*Mejor casting (nuevo): UNA BATALLA TRAS OTRA por Cassandra Kulukundis
Santiago Segura ha dirigido, escrito el guión y protagonizado Torrente presidente, la sexta entrega de su film más laureado, por lo menos en cuanto a taquilla se refiere. Parecía que el propio creador del personaje había ido dejando caer que no haría más partes de la saga, además no le iba nada mal con Padre no hay más que uno, que han sido todas las partes grandes éxitos cambiando completamente el registro.
Esta saga que tiene como personaje central a José Luis Torrente, empezó siendo una clara parodia satírica de cierto sector de la sociedad española y en su segunda parte siguió a gran nivel lo expuesto en la primera, esa digamos caspa del nuevo rico estaba muy bien planteada dentro de su aventura que siempre tenía algo de locura, pero seguía siendo atractivo. El problema vino con las entregas tercera y cuarta, plagadas de cameos y bajando mucho el nivel de la historia, además a Santiago le costaba mucho escribir en esa época admitido por él mismo. La quinta parte era una mezcla de todo, pero volvió a subir el nivel, estaba resultona, y ahora en esta sexta el cambio del enfoque y el centrarlo en el tema político creo que ha sido un acierto, aunque vuelve a abusar mucho de cameos, sinceramente.
A estas alturas no nos vamos a engañar, superar los gags de la primera, y algunos de la segunda es una operación casi imposible, pero aquí Santiago consigue reinventarse en muchos momentos y a pesar de que hay guiños constantes a todas las partes anteriores, el resultado creo que es bastante satisfactorio, de hecho yo pasé un buen rato. La recuperación de Gabino Diego en el papel de Cuco es un absoluto acierto, un tipo que es ideal para la comedia. Pero a partir de determinado momento del film hay como una concatenación de cameos, que parecen tener que entrar uno tras otro, lo que le quita agilidad, aunque muchos cumplen bien. Sinceramente lo de meter al Pequeño Nicolás no lo vi, sus labores como actor dejan bastante que desear.
Eso si, en su crítica que la tiene, tira dardos a todos por igual y no se deja a nadie, otra cosa es como lo ordena, a veces es un poco deslabazado.
La película se ve con facilidad, aunque la historia por momentos no esté demasiado trabajada, y cuando quiere dar giros, recurre con extrema facilidad al cameo de turno para solucionarlo. Pero al final una película de este tipo, lo que importa es que te haga reír, esta lo consigue con holgura, y es que creo que este personaje ha calado tanto en la sociedad, que a mucha gente le cae bien, e incluso se le aplauden sus salidas de tono y sus frases políticamente incorrectas, que de eso en este film hay unas cuantas.
Para mí Torrente presidente que está arrasando en taquilla, tiene todo lo que esperas de la saga, y con un nuevo enfoque hacia la política bastante acertado.
La 40 edición de la gala de los Premios Goya 2025 celebrada en el Auditorio Forum CCIB, regresando a la Ciudad Condal 25 años después y que tuvo como presentadores a la cantante Rigoberta Bandini y el actor Luis Tosar. Con récord de audiencia (26%) se conmemoró los cuarenta años de la Academia y de estos premios Goya, una efeméride especial a la que se refirió obviamente el presidente de la institución, Fernando Méndez-Leite que destacó que dicha entidad tiene "un proyecto consolidado y prestigioso, que sigue adelante con paso firme y seguro y un cine español que goza de buenísima salud".
Los Domingos fue la triunfadora de la gala, ese drama dirigido por Alauda Ruiz de Azúa sobre el conflicto familiar provocado por el anuncio de una menor de convertirse en monja de clausura, logrando cinco de los trece premios a los que optaba, entre ellos mejor película, dirección y guión original y también mejor actriz protagonista para Patricia López Arnaiz y mejor actriz de reparto para Nagore Aranburu. Esta directora en su discurso dijo que "había podido escribir su guión sin miedo", e hizo un llamamiento a "no cultivar la indiferencia ante las injusticias". Alauda es la cuarta mujer que recibe el Goya a mejor dirección después de Isabel Coixet, Pilar Miró e Icíar Bollain. Por su parte Sirât, el otro film con más nominaciones y seleccionada por la Academia para representar a España en los Óscars y que compite en las categorías de Mejor película internacional y Mejor sonido se llevó seis de los once premios a los que optaba, todos ellos técnicos como Música original, Dirección de producción, Fotografía, Montaje, Dirección de Arte y Sonido. Sorda de Eva Libertad que aspiraba a siete cabezones se llevó tres.
Por otro lado el propio Fernando Méndez-Leite fue el encargado de hacer entrega a Susan Sarandon del Goya Internacional de esta edición, con el que dijo: "Reconocemos hoy su extraordinario talento como actriz y su compromiso como mujer y ciudadana en muchas de las causas que nos apenan y avergüenzan".
Gonzalo Suárez recibió el Goya de Honor a sus 91 años, el director, guionista, productor, escritor y periodista deportivo lo hizo de manos de María de Medeiros. En su breve discurso dedicó el premio a su mujer Hèlené y destacó que lo recibía en Barcelona "la ciudad donde escribí mis primeros libros, realicé mis primeras películas y tuvimos nuestros cuatro hijos".
Aquí está la lista de ganadores:
*Mejor película: Los Domingos *Mejor dirección: Alauda Ruiz de Azúa porLos Domingos
