Las mejores películas de 2023 (1-5) (Parte 1)

Bien, el grueso de películas que dominan esta lista las vi en esos últimos seis o siete meses del año, salvo alguna que otra excepción, pero también digo que alguna de las que están en los puestos más altos se estrenaron a mediados del año. Aquí tenemos un film que para mí es indiscutiblemente la mejor película del año, lo tiene todo, luego una cinta que me resultó muy impactante viendo la guerra desde el lado perdedor, la triunfadora de los Oscars que es una película muy divertida, un film que desde mi punto de vista pudo ser mejor de lo que fue sobre una figura importantísima de la historia y por último la película española que más me gustó de un director siempre interesante.

1. OPPENHEIMER de Christopher Nolan

Christopher Nolan estrenó su última película titulada Oppenheimer allá por el mes de julio, un biopic acerca del brillante físico estadounidense que lideró los ensayos nucleares para construir la bomba atómica, que luego sería utilizada por el ejército norteamericano en el final de la II Guerra Mundial, cuando las lanzó sobre Hiroshima y Nagasaki. Nolan hace este film basándose en American Prometheus, la biografía escrita por Kai Bird y Martin J. Sherwin en torno a la figura de Julius Robert Oppenheimer. El director británico ha realizado una obra realmente potente, en la que además ha contado con un elenco extenso y de primer nivel de actores de varias generaciones.

Pero Nolan ha conseguido algo increíble con este film, ya que se reafirma su estatus autoral, que con una ya dilatada trayectoria que abarca casi 25 años, poco le queda por demostrar. Ha hecho thrillers enrevesados, se ha metido con aventuras cuánticas, escenificó un duelo de magos de manera genial, ha explorado como nadie a un gran superhéroe y se ha acercado al cine bélico de manera sublime. Aquí hace una exploración de la figura del padre de la bomba atómica que le consagra definitivamente en un estilo propio y genuino (enseguida te das cuenta de su sello personal) que es amado y odiado a partes iguales por el consumidor (yo soy de los primeros), y que ha conseguido convertir un biopic con una premisa algo sosa, en uno de los espectáculos más intensos, transcendentales y arrolladores de los últimos tiempos, que pienso, creará unanimidad.

Se trata de una cinta de tres horas, que a priori podría parecer un ladrillo, y nada más lejos de la realidad, se te hacen muy llevaderos esos 180 minutos, ya que la historia te engancha de una manera arrebatadora y una de las claves es que con un elenco de hombres salpicado con dos o tres mujeres se inventa una suerte de thriller de acción que tiene un evidente trasfondo bélico pero en el que no se dispara una sola bala. Pero una de las claves de esta obra es el ritmo (algo en lo que me gusta hacer hincapié), y aquí está muy logrado y es implacable, con un montaje excelente en el que se incluyen los juegos temporales que tanto gustan al director, los flashbacks y unos diálogos empleados de tal forma que consiguen moldear un relato tenso y a la vez afilado.

La banda sonora corre a cargo de Ludwig Göransson, que es de una gran calidad e interesante con cosas parecidas de Tenet o Interstellar.

Os dejo con el tráiler del film.

2. IM WESTEN NICHTS NEUES de Edward Berger

Edward Berger dirigió el año pasado Sin novedad en el frente (aunque yo la vi ya este año), una película alemana que relata desde ese lado lo cruenta que fue la Primera Guerra Mundial, pero desde el lado perdedor, aunque en realidad, perdedores fueron todos. Un film que ha tardado muchos años en hacerse en aquel país, en concreto se hace 90 años después de que la novela de 1929 de Erich Maria Remarque, en la que se basa, impactara en una Alemania nacionalista al describir con detalle como de brutal fue el envío masivo de jóvenes para que fueran masacrados en las trincheras de una guerra que fue una absoluta carnicería y en la que murieron 17 de millones de personas, que se dice pronto, por lo que fue vetada en su día.

De hecho la primera parte del film demuestra la aparente alegría de jóvenes de 17, 18 o 19 años por ir al frente, sin saber lo que se iban a encontrar y sobre todo las calamidades de todo tipo que iban a tener que sufrir, quizás diría que es la única parte no dramática de la cinta.

Para mí fue inevitable hacer una comparativa con la maravillosa 1917 de Sam Mendes, tres años anterior y que justamente estaba enfocada a la misión de dos chavales jóvenes británicos de llevar misivas a un general para detener una ofensiva, y francamente son dos caras de la misma moneda, ya que en ambas reina la desolación, la muerte y las miserias del ser humano, algo así como el reverso sombrío.

Esta adaptación se zambulle de manera directa en los horrores de lo que fue esa guerra, a través de los ojos del protagonista Paul Bäumer al que da vida un extraordinario Felix Kammerer, y además se atreve a añadir un contexto político que hoy en día tiene un reflejo en el paisaje europeo actual, y esa forma de adentrarnos y de mirar desde el otro lado (aquí me recuerda a como Clint Eastwood en Cartas desde Iwo Jima miraba desde el lado japonés, siendo la antagonista de Banderas de nuestros padres) es novedosa con respecto a la perspectiva contraria y más habitual, que se nos muestra desde el lado ganador.

La película trata de manera desgarradora como ese grupo de jóvenes que comienzan ilusionados, van paso a paso, batalla a batalla, perdiendo la vida, sufriendo avatares terribles y situaciones realmente brutales que tienen como único objetivo sobrevivir a esa masacre que, por otro lado, consentían y alentaban desde los altos mandos (y ahí si que me recuerda a la mítica Senderos de Gloria de Stanley Kubrick). 

Por si fuera poco, desde el inicio de la película, escuchamos una banda sonora realmente notoria y apabullante, con un sonido de órgano machacón que define lo siniestro que vamos a ir viendo a lo largo de todo el metraje, una música compuesta por Volker Beltermann y que me ha resultado especialmente impactante.

Os dejo con el tráiler del film.

3. EVERYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE de Daniel Kwan y Daniel Scheinert

Todo a la vez en todas partes es una película de 2022 (hace ya casi dos años del estreno) que fue la auténtica ganadora de la gala de los Oscars, como contamos aquí en su momento, con siete estatuillas, entre ellos mejor película, mejor dirección (Daniel Kwan y Daniel Scheinert), mejor actriz para Michelle Yeoh, que es la segunda actriz no blanca en ganar ese premio tras Halle Berry, y los galardones al montaje, guión original e intérpretes de reparto Ke Huy Quan y Jamie Lee Curtis. Muchas veces se acusa al cine actual de falta de creatividad, pero de lo que realmente adolece es de riesgo, y de vez en cuando sale alguna joyita en la que ese riesgo tiene su recompensa, y aquí hay riesgo, originalidad y mucho divertimento. Sobra decir que había escuchado algo sobre el film, pero su abrumador éxito en los Oscars te lleva inevitablemente a verla y entender su éxito. 

El punto de partida de la historia es que Evelyn (Michelle Yeoh) que regenta una lavandería, es una inmigrante china en Estados Unidos, que se verá envuelta en una aventura salvaje, cuando su única intención es pagar sus impuestos en la oficina destinada a tal efecto, y cuya persona encargada de recibir y tramitar su papeleo es Deirdre Beaubeirdre, a la que da vida una maravillosa Jamie Lee Curtis. Esa aventura salvaje de la que hablaba antes surge en dicha oficina, en la que solo Evelyn podrá salvar el mundo, por lo que se encuentra perdida en los mundos infinitos del multiverso, convirtiéndose es una heroína inesperada que debe canalizar sus nuevos poderes para luchar contra los extraños y desconcertantes peligros que hay en ese multiverso. Ahí es donde los directores, comúnmente conocidos como Los Daniels muestran una muy envidiable libertad artística, se quitan cualquier complejo y dan rienda suelta a su genialidad, que sinceramente no dejó de sorprenderme en toda la cinta.

Os dejo con el tráiler del film.

4. NAPOLEON de Ridley Scott

Napoleón es un personaje histórico indudable que merecía un biopic dirigido por un director contrastado. Ya tuvo la idea Stlanley Kubrick en su día pero no tuvo éxito o no llegó a conseguir rematar el trabajo, y desde entonces se había convertido de manera extraña en un asunto tabú dentro del mundo del cine. Ridley Scott fue el elegido para su dirección, y desde que trascendió que su montaje original era de cuatro horas y diez minutos, lo que supone que ha tenido un recorte hasta las dos horas y media, ha terminado de confirmar mis sospechas sobre la solidez de la cinta, a la que me temo se le han recortado partes de cohesión del film, por lo que ha quedado en cuanto a narrativa algo cojo, y se queda lejos de la ambición del título y del talento de su máximo responsable, aunque vestuario, fotografía y puesta en escena con unas batallas rodadas de manera extraordinaria salvan en parte a la película. Ni que decir tiene, que cuando se hacen esa clase de recortes, mucho cuidado hay que tener para no afectar al tronco de la historia, ni a subtramas enteras, y creo que algo de eso hay en este caso.

El film narra los orígenes del líder militar francés y su rápido e imparable ascenso de oficial del ejército a emperador de Francia. Aquí me detengo, primero se nos muestra la toma de Tolón, pillando a los ingleses desprevenidos por la noche, de ahí se le sube de cargo y ya tiene tropas de gran calado a su mando, para ganar ya batallas importantes. Se hace referencia a su expedición a Egipto a finales del siglo XVIII, por la cual pierde Italia a manos de los austríacos, que recupera a su vuelta ganando varias batallas. Por entonces ya era primer cónsul y en 1804 se autoproclamaría Emperador de Francia, cosa que ansiaba desde el inicio, pero todo esto va a una velocidad de vértigo, no hubiera estado mal detallarlo algo más. Austerlitz sería su primera gran victoria como Emperador, excelente recreación de la batalla en la película. Todo esto va mezclado con su historia de amor con Josefina (a la que se nos presenta como bastante promiscua y poco fiel), pero que fue su gran amor, a pesar de que le puso cuernos en varias ocasiones y nunca le dio un heredero, algo que atormentaba a Bonaparte. En este asunto, hay una de esas licencias que como dice Ridley Scott tienes que hacer, porque el rigor histórico te encorseta, y es que se ve en el film como Napoleón guiado por su madre tiene un hijo con otra mujer, para probar que quien tenía el problema era Josefina, a pesar de que ella tenía hijos con su primer marido, algo que no es cierto, ya que el único heredero que tuvo fue con su segunda mujer María Luisa de Austria, Napoleón II, que solo vivió 21 años y no pudo reinar, pero de esto no se dice nada en la cinta (no sabemos si también fue recortado). Para mi gusto la historia con Josefina ocupa demasiado metraje y ralentiza el ritmo del film.

Os dejo con el tráiler del film.

5. MANTÍCORA de Carlos Vermut

Carlos Vermut es un director al que tengo en un gran lugar desde que viese allá por 2015, su película de 2014 Magical girl, un film que me dejó de lo más descolocado, pensativo y a la vez con un gran regusto, cine diferente y de calidad. Si es cierto, que en todo lo que ha hecho este director, se caracteriza por sacar lo más decadente de la sociedad y abrir como si fuera una operación, con su cámara, para mostrarnos su visión del tema en cuestión. Aquí, ante un tema bastante feo, se arma de sutileza para contarnos la vida de Julián, al que da vida Nacho Sánchez, un exitoso diseñador o modelador de bestias de videojuegos, cuya vida está atormentada por un oscuro secreto que esconde.

La definición de Mantícora es: "criatura mitológica, un tipo de quimera con cabeza humana, el cuerpo de un león, y la cola de un dragón o escorpión, capaz de disparar espinas venenosas para incapacitar o matar a sus presas". En la Edad Media la mantícora era la personificación del mal, por ejemplo. Este film se pudo ver en el Festival de Sitges, ese extraordinario festival de cine de terror, pero aquí el terror no está en lo que se muestra, si no en lo que todos pensamos cuando vemos como transcurre la historia. Hablamos de monstruos interiores, los exteriores que dibuja el protagonista son la fachada para esconder su horrible interior, por lo que no hay nada de efectos especiales, ni falta que hace.

La primera escena de la película, muestra a Julián creando un monstruo desde cero, con las herramientas de las que le provee la empresa. Es una metáfora, ese monstruo interior que él tiene, irá creciendo a lo largo del metraje. A partir de ahí se viven situaciones incómodas, pero que el director sabe llevar de manera perfecta, como si de un sabio anciano se tratase. La historia de como se conocen Julián y Diana (una gran Zoe Stein), es la apropiada en principio para que él intente dejar atrás todo lo que lleva dentro y poder ser feliz. Hasta la mitad del film, todo se lleva de manera consecuente, pero hay una nube negra que sobrevuela constantemente, que hace que la tensión vaya creciendo, e intuyes que hay algo en la relación que la va a acabar matando.

Quizás la primera parte es algo monótona (en general el film tiene poco ritmo), donde permite que conozcamos a los personajes, sus vidas, etc., toda una gran cortina de humo, para que en el último tercio, ese nubarrón descargue y nos suelte una tormenta virulenta.

Os dejo con el tráiler del film.