Escenas míticas del cine (CDIX)

En el año 1953 Henry Coster dirigió La túnica sagrada (The Robe), primera película hecha en Cinemascope, innovadora tecnología para la época de imagen panorámica y sonido estereofónico. El film estaba basado en el libro de Lloyd C. Douglas y se hizo acreedor de dos Óscars menores (mejor dirección artística y mejor diseño de vestuario) y cinco nominaciones más, una superproducción con un considerable presupuesto y un buen reconocimiento en taquilla y crítica. La película es una mezcla de relatos históricos narrados en la Biblia, con una buena dosis de ficción aportada por el libro homónimo anteriormente mencionado. El libro tenía textos con contenidos espirituales más profundos y casi teológicos, que la película sacrificó en muy buena parte para agilizar la acción, siendo el decorado y la ambientación lo que llamase la atención del espectador, algo que fue un acierto.

La cinta relata en el Siglo I d.C la historia del joven y noble Marcelo Galio (al que da vida Richard Burton) en la Roma de Tiberio (Ernest Thesiger), que encuentra en una subasta de esclavos a la bella Diana (Jean Simmons), enamorada de él desde que eran niños y ahora es pupila del emperador. Marcelo se enfrenta en una violenta puja con Calígula (Jay Robinson), hijo y sucesor de Tiberio y consigue quitarle al esclavo griego Demetrio (Victor Mature). El emperador se entera de la disputa y castiga a Marcelo enviándolo a Palestina en calidad de tribuno, al llegar, Poncio Pilato, gobernador de la zona, acaba de condenar a Cristo a morir en la cruz, encargando a Marcelo que comande la crucifixión, teniendo como hilo conductor la túnica del nazareno que obtuvo antes de su muerte, algo que posteriormente atormentará al tribuno.

En una escena mítica Diana va a ver a la cárcel a Marcelo, que ha sido apresado por los soldados de Calígula y va a ser juzgado, por ser ya cristiano convencido. Ella intenta convencerle de que no desafíe a Calígula.

Os dejo con la mítica escena.

Val (2021)

En el año 2021 Ting Poo y Leo Scott dirigieron un documental sobre la vida del actor Val Kilmer, basada sobre todo en grabaciones caseras, hechas por el actor con su propia cámara durante casi cuarenta años de carrera. Val, es ante todo un viaje nostálgico en el que el actor recuerda su infancia, marcada ya por una afición al séptimo arte que llevaba a que él y sus dos hermanos filmaran pequeñas películas en formato casero que salen en el documental, haciendo referencia también a la muerte de su hermano Wesley de un ataque epiléptico, algo que le afectó mucho y que rompió esa afición que tenían. 

Al parecer Val Kilmer tuvo que protagonizar este documental para digamos 'ajustar cuentas' con la leyenda de problemático y divo caprichoso que al parecer se había granjeado en los platós desde que debutara en la divertida Top Scecret! en 1984, de hecho esa mala reputación ya venía de antes ya que él mismo cuenta que abandonó la grabación de su primer trabajo pagado, que era un anuncio para la televisión. En el documental salen testimonios de compañeros actores que le defienden, como su amigo Robert Downey Jr., que dicen que cuando uno actúa de verdad y no se pliega a directores o contratos, se le acusa de problemático.

Por supuesto también está el lado familiar, muy presente en toda la cinta, donde habla de sus padres, Eugene Dorris Kilmer, un agente inmobiliario y su madre de origen sueco Gladys Swanette, ama de casa, que salen en diferentes grabaciones, aunque se divorciaron en 1968. También sale su esposa desde 1988 a 1996, la también actriz Joanne Whalley, con la que tuvo dos hijos, Mercedes y Jack Kilmer, este último ayuda a Val poniendo voz de narrador en el film debido a los problemas de habla que ya tenía el actor debido a su cáncer de garganta que le dejó afectado y con un aparato para hablar.

Hay un extenso recorrido por anécdotas de todos los rodajes, sobre todo de la época noventera, donde Val Kilmer se convirtió en una de las estrellas más populares de Hollywood, después de haber participado en numerosas películas de gran presupuesto, algunas de las cuales han terminado considerándose pequeños clásicos, The Doors (1991), Tombstone (1993), Batman forever (1995), Heat (1995), La Isla del Doctor Moreau (1996) o El Santo (1997). Alguna de las anécdotas se ven por ejemplo con grabaciones de la época, como conoció a Marlon Brando en la grabación de La Isla del Doctor Moreau, sus problemas con el director inicial Richard Stanley, que no le dejaba grabar con su cámara. Kilmer tenía a Brando como ídolo, pero se decía que había rivalidad entra ambos, lo que si es cierto es que durante ese rodaje Kilmer sufrió el divorcio de su mujer, y por ello quería reducir su personaje en un 40%, pero Stanley vio que era imposible recortar escenas del personaje, ya que afectaría a la integridad de la película, por eso para no perder a su estrella, tuvo la idea de intercambiar los papeles de Kilmer y Morrow en el film, ya que el personaje de Montgomery tenía menor presencia que el de Pendrick. Para colmo Brando sufrió la pérdida de su hija Cheyenne por suicidio, interrumpiendo el rodaje que se llevaba a cabo en Cape Tribulation, Queensland (Australia). Todo acabó con Stanley despedido a los cuatro días, después de cuatro años de preparación, y sustituido por John Frankenheimer, quién volvió a lidiar con esos problemas y algunos más, pero acabó el film.

También llama la atención su composición, por ejemplo de Jim Morrison en The Doors, una interpretación increíble, fruto de largas horas de visionado de vídeos del cantante y asimilación de todos y cada uno de sus gestos, una labor tan enorme que ya provocó en su mujer más de una queja.

También se pueden observar los momentos duros del actor ya enfermo, como cuando va al cine de verano en Texas para ver con el público una reposición de Tombstone y firmar autógrafos y reconocer que le daban bajones porque era lo único que le quedaba, recordar cosas de su pasado glorioso pero efímero. Su presencia en el Comic-Con para firmar a mucha gente, su indisposición y vuelta a la firma después de ausentarse, e incluso cuando va a recoger las cenizas de su madre cuando muere y se le ve llorar. Aún así siempre era positivo, y la cinta está salpicada de muchos momentos de humor.

En definitiva un documental realmente humano, y que nos describe la vida y obra de un actor que tuvo momentos de mucho éxito, y unos últimos años duros a causa de su enfermedad.

Os dejo con el tráiler de Val.

Muere Val Kilmer.

El 1 de abril falleció el actor Val Kilmer a los 65 años de edad, según confirmó su hija Mercedes, aunque padecía un cáncer de garganta desde hace más de diez años, parece que la causa oficial ha sido una neumonía.

Nacido en Los Ángeles (donde también ha muerto) en 1959, era el segundo de tres hijos de el matrimonio formado por Eugene Dorris Kilmer, un agente inmobiliario y su madre de origen sueco Gladys Swanette, ama de casa. Fue educado en Chatsworth en el Valle de San Fernando, al norte de Los Ángeles, allí tuvo de compañero de escuela a Kevin Spacey y vivía en la misma calle que Roy Rogers, el famoso vaquero cantante de la pantalla. Entró con dieciséis años becado en la prestigiosa Julliard School.

Comenzó a ser popular tras su interpretación en la obra teatral Slab Boyes, representada en Broadway, con compañeros como Kevin Bacon o Sean Penn. También rodó documentales y publicó un libro de poesía, además de intervenir en comedias en el principio de su carrera cinematográfica, como en su debut Top Secret! de 1984. En 1986 llegó su primer papel serio con Top Gun haciendo de Iceman Kazanski, que le reportó importante éxito, e hizo Willow en 1988. Bordó el papel de Jim Morrison en el biopic The Doors dirigido por Oliver Stone en 1991, también estuvo en Amor a quemarropa escrita por Tarantino y dirigida por Tony Scott en 1993,en Tombstone también en 1993, hizo de Batman en Batman Forever (1995) y trabajó con Al Pacino y Robert de Niro en Heat (1995), también actuó en el desastre épico de La Isla del Doctor Moreau (1996) film de John Frankenheimer en el que compartió pantalla con Marlon Brando, fue un convincente ladrón y maestro del disfraz en El Santo (1997), además de Planeta Rojo (2000), Alejandro Magno (2004), Cazadores de mentes (2005), Déjà Vu (2006) donde repetía con Tony Scott, Kill The Irishman (2011) o la vuelta como Iceman en Top Gun: Maverick en 2022.

En 1984 Jim Abrahams, y los hermanos David Zucker y Jerry Zucker guionizan y dirigen la disparatada historia de Top Secret!, donde Val Kilmer tiene el papel protagonista interpretando a la estrella del rock americano Nick Rivers, que inicia un viaje a Alemania Oriental para presentarse a un importante festival cultural, pero es una tapadera para distraer la atención mundial sobre las ideas del Alto Mando de Alemania Oriental, encabezados por el general Streck, que quiere reunir las dos Alemanias bajo un sólo gobierno. Nick se involucra de tal manera, que ayuda a la resistencia francesa. Omar Sharif interpreta al Agente Cedric, los Zucker querían a un actor de prestigio que nunca hubiera participado en una comedia loca, en palabras de David Zucker: "creo que el director de casting sugirió a Omar Sharif", y reaccionamos ": ¿Estás bromeando? ¡Nunca tendremos a Omar Sharif!, pero ellos mismos se quedaron sorprendidos de la gente que se puede conseguir. Se reunieron con él y entró en el juego, ya que le gustó el guión. Quién iba a decir que el Doctor Zhivago terminaría recogiendo zurullos de coña.

Bien, pues en una escena tremenda Nick está con Martin (Billy J. Mitchell) y hablando en la cárcel Martin reconoce que su mujer no llega al orgasmo, por lo que Nick le ofrece un remedio y le da una caja en la que se lee "The anal intruder".

Os dejo con la escena en homenaje al gran Val Kilmer.

Escenas míticas del cine (CDVIII)

Christopher Nolan dirige en 2008 El Caballero Oscuro, su obra cumbre de la trilogía sobre Batman, que empezara a un altísimo nivel con Batman Begins dos años antes, pero que aquí por diversas cuestiones supera y alcanza la excelencia. Aquí expande sus grandes cualidades y se abre totalmente en un lucimiento espectacular. Desde la escena inicial del atraco a un banco,  el film no decae ni un sólo instante, haciendo que mantengas la atención sin pestañear todo el metraje, con un ritmo trepidante, un montaje bestial y una fotografía fuera de serie, que además se irá tornando oscura hacia la parte final.

El choque que se produce entre Batman (Christian Bale) y el Joker (Heath Ledger) es brutal, ya que ambos se rigen por principios que les obligan a no acabar de forma voluntaria con el otro. Aquí Bruce Wayne es más humano y no puede permitirse dejar morir a los villanos, los necesita. En este punto, Joker es una bomba de relojería a punto de explotar, algo impredecible, como un accidente que puede suceder en cualquier momento. El trabajo de Heath Ledger fue colosal, haciendo de un Joker llevado continuamente por una locura controlada, que le hacía ser enormemente peligroso. 
Batman es el azote de la delincuencia en Gotham, y será el Joker quien proponga a la mafia de la ciudad acabar con el hombre murciélago. Pero al final, después de volver a salvar a la ciudad de los malos, él no es un héroe, y así se lo hace saber a Gordon (Gary Oldman) en la escena final, es un guardián silencioso, un protector vigilante... un caballero oscuro. 

En otra escena mítica Gordon entra a la caja fuerte del banco (lavadero de la mafia dice) a ver lo que queda del robo del Joker y sus secuaces, y allí aparece Batman sin avisar y tener una charla con él, decidiendo a por quién van, si a por la mafia entera o a por el Joker.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CDVII)

Como he dicho alguna vez, James Cameron hace el guión (junto a Gale Anne Hurd) y dirige The Terminator en 1984, un film donde el eje principal es el conflicto entre la humanidad y la tecnología que en un futuro acabará dominando el mundo. El cineasta, rodea el núcleo de la película con dos factores que serán constantes casi siempre en su filmografía, es decir, una protagonista de fuerte carácter y una sub-trama amorosa de gran incidencia en el transcurso del relato. En esa fortaleza de los personajes de Sarah Connor (Linda Hamilton) y Kyle Reese (Michael Biehn) se basa y sustenta la grandeza de la producción y todo lo que su relación provocará dentro de la historia de la mitología del universo Terminator.

Es el año 2029 y las máquinas dominan el mundo mientras los rebeldes luchan contra ellas con un líder que es John Connor, un hombre nacido en los años 80. Para acabar con dicha rebelión las máquinas deciden enviar al pasado a un robot (Terminator) interpretado por Arnold Schwarzenegger, cuya misión será eliminar a Sarah Connor, la madre de John, y así impedir su nacimiento. Pero en el comienzo de su misión tira de listín telefónico y mata a otras dos Sarahs Connor, antes de ir a por nuestra protagonista, matando a todo aquel o aquella que se pone en su camino, incluidos policías y departamentos enteros.

En otra escena mítica el Terminator anda detrás de Sarah y Kyle la lleva en el coche para salvarla, en el garaje y después de haber recibido balazos de la máquina, Kyle le explica que clase de bicho trata de matarla, y cuya apariencia es humana, pero no sólo en la piel, sino hasta en el aliento, y cuyo objetivo es eliminarla.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CDVI)

En 1976, Martin Scorsese dirigió a Robert de Niro, como protagonista principal de Taxi Driver, la historia de un ex-combatiente de Vietnam, Travis Bickle (personaje bordado por Robert de Niro) que trabaja como taxista en Nueva York. Se trata de un tipo insociable, un hombre solitario al borde de la locura, ya que se pasa los días en el cine y vive prendado de Betsy (Cybill Shepherd), una atractiva rubia que trabaja como voluntaria en una campaña de un partido político.

La figura del combatiente que regresa perturbado, a la vez que encuentra vacía su existencia, ya ha sido muchas veces tratada en cine y literatura, pero tal vez ésta sea una de las más acertadas. El contacto con las calles de Nueva York le acaba transmutando en un psicópata, un hombre violento que no ve más forma de solucionar los males de la sociedad que pasando a la gangsteril venganza, ya que su obsesión es comprobar como la violencia, la sordidez y la desolación dominan la ciudad.
Por si fuera poco, la banda sonora del film, compuesto por el gran Bernard Herrman, sería perfecta, en un trabajo que sería reconocido por el Oscar póstumo, ya que falleció al poco de terminar de componerla. Una música que materializa de manera brillante la densa y particular atmósfera de la Nueva York en la que se ambienta la historia del protagonista.

En una escena mítica Travis queda con un tipo llamado Andy (Steven Prince) que le ofrece una amplia gama de armas para que vea cual le gusta más, Travis pregunta el precio de todas las que le ofrece juntas.

Os dejo con la mítica escena.

Mejores escenas cómicas del cine (CX)

La segunda parte de Deadpool tenía novedades con respecto a la exitosa primera, por un lado el cambio de director, ya que Tim Miller, por desavenencias creativas con el propio Ryan Reynolds, que aquí es uno de los guionistas, fue sustituido por David Leitch, al que recuerdo por Atomic Blonde y la primera parte de John Wick. El resultado era un film muy divertido, que no acaba de llegar al nivel de la primera, pero que asegura entretenimiento.

Conocer la génesis y evolución de este personaje se me antoja esencial, ya que Deadpool representa una conjunción o mezcla de varios temas clásicos en la era moderna del cómic, por un lado el humor negro, la sexualidad por otro, el "anti heroísmo" (el menos convencional de Marvel sin duda) además de la reflexión y la crítica. Incluso y por si fuera poco, hay una similitud curiosa con otro antihéroe de la literatura universal, el Quijote de Cervantes, con el que comparte el delirio y el humor.

Pero el problema que le vi a esta secuela es que metía referencias y parodias a mucha velocidad sin pisar el freno, disfrazándolo de ficción superheróica, aunque por encima de la calidad de esos chistes o gags. Aquí el protagonista, Wade Wilson (Deadpool) es otra vez irrespetuoso, sanguinario, mal hablado e irreverente, de hecho en muchos momentos no cumple en absoluto con las reglas que debe cumplir un superhéroe, se las salta a la torera. Y es ahí, donde parece precisamente que la película resbala, porque se acaba convirtiendo en una historia de redención personal para quizás acoger a otro tipo de público, todo ello mezclado con el personaje que vimos en la primera entrega, y su naturaleza ya conocida.

Una cosa he de dejar clara, hay violencia, mucha, hay extremidades que vuelan, cabezas cortadas y demás, pero digamos que ya desde el principio y provocado por la escena inicial, Deadpool va a contracorriente durante toda la historia, lo que hace que el tono del film cambie debido a su nueva situación. La calidad de los gags sigue siendo buena y en cierta forma eso hace que muchos momentos del film rebajen la intensidad violenta o dramática de ciertos pasajes, pero mientras en la primera parte era la sorpresa, ese factor ya no es una novedad y se esperaba, formaba parte de lo que vamos a ver. Evidentemente la película seguía dirigida a un público adulto, en eso no ha cambiado nada.

Aquí la misión será salvar a un chico llamado Russell (Julian Dennison) que es FireFist un niño mutante de considerables poderes, al que Cable (Josh Brolin) quiere aniquilar, para ello Wilson reclutará a un grupo llamados los X-Force. Antes ha tenido unos desmanes con los X-Men muy graciosos y la descripción de algún personaje secundario es bestial.

En una de las escenas cómicas Deadpool hace un casting para elegir a gente con superpoderes, para formar su grupo con el nombre de X-Force, secuela de la exitosa película de 2016, parodia de los superhéroes mutantes.

Os dejo con la chanante escena.

Escenas míticas del cine (CDV)

Como decía el otro día, Blade Runner fue dirigida por Ridley Scott y estrenada en 1982, está considerada como una de las mejores películas de la era moderna, y un título absolutamente de referencia a la hora de hablar de ciencia ficción en el cine. No en vano, la historia está inspirada en una novela de Philip K. Dick, autor de referencia para los aficionados a este género que tantas historias aporta y del que el cine bebe cada vez más. Dicha novela se titulaba "¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?", pero Scott buscó y buscó un título más atractivo y potente, hasta que dio con este de mayor relevancia. Blade Runner nos sitúa en un futuro distópico, aproximadamente en el año 2019, donde la ciencia ha avanzado tanto que se pueden crear copias casi exactas de los seres humanos que se dediquen a los trabajos más arriesgados. Estos seres, que reciben el nombre de replicantes, son como una versión mejorada del ser humano en el aspecto físico, pero también tienen carencias a la hora de sentir y expresar emociones, eso si, el modelo Nexus 6 tiene el problema de que sólo tiene 4 años de vida. Aún así, debido a que su número ha crecido tanto en los últimos años, se acaban convirtiendo en una minoría que puede resultar peligrosa, o revoltosa al menos, y se prohíbe su presencia en La Tierra, si bien son esenciales en otras colonias fuera de nuestro planeta. La banda sonora de Vangelis, es simplemente espectacular. Hay muchas veces que las bandas sonoras de las películas son un apoyo sin más, en este caso forma parte, o es la médula espinal de lo que se nos cuenta. Para ello Vangelis, que venía de ganar el Óscar con Carros de fuego el año anterior, define el tempo de la narración, contribuye de manera decisiva a la ambientación, y sobre todo nos sumerge en unas sensaciones que nos meten de manera definitiva en el universo futurista que propone el director, sin que nos demos cuenta.

En una escena mítica a Deckard (Harrison Ford) que es un ex-Blade Runner es llamado de vuelta al servicio para retirar a unos replicantes rebeldes, y le intenta explicar a Rachael (Sean Young) porqué él cree que es una replicante a través de los recuerdos que tiene de pequeña, que se los han implantado de otra persona, haciéndola llorar. Deckard le pide perdón... y le invita a una copa.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CDIV)

Juan Antonio Bayona dirigió en 2012 una película basada en hechos reales sucedidos en 2004 en Tailandia, cuando un Tsunami (el mar convertido en un violento y enorme muro) sorprendió a multitud de turistas que estaban hospedados junto al mar pasando sus vacaciones de navidad. Aquí en concreto, se cuenta la historia de una familia de procedencia española que se trasladan desde Japón dónde trabajaban para una multinacional. La odisea de ésta familia de matrimonio y tres hijos es el núcleo central del film. 

María (Naomi Watts) y Henry (Ewan McGregor) más sus tres hijos pequeños Lucas (Tom Holland), Thomas (Samuel Joslin) y Simon (Oaklee Pendergast) pasan sus vacaciones de Navidad en la playa, y una mañana del 26 de diciembre mientras se encuentran todos en la piscina del complejo hotelero dónde están alojados a orillas del mar, un gigantesco tsunami destroza el hotel y gran parte de la costa del sudeste asiático, lo que provocó que la vida de millones de personas cambiaran para siempre.

La supervivencia de la familia que se produce por separado es el tema central de la película. Por un lado la madre (bastante herida) y el hijo mayor arrastrados por la corriente son rescatados por lugareños que los dejan en un hospital, por otro lado el padre y los dos pequeños están en las inmediaciones del hotel, con la gran duda de si la otra parte de la familia ha sobrevivido. 

La escena inicial de la venida del Tsunami sigue siendo una escena mítica que hoy quería recordar, está rodada de manera espectacular.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CDIII)

Blade Runner fue dirigida por Ridley Scott y estrenada en 1982, está considerada como una de las mejores películas de la era moderna, y un título absolutamente de referencia a la hora de hablar de ciencia ficción en el cine. No en vano, la historia está inspirada en una novela de Philip K. Dick, autor de referencia para los aficionados a este género que tantas historias aporta y del que el cine bebe cada vez más. Dicha novela se titulaba "¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?", pero Scott buscó y buscó un título más atractivo y potente, hasta que dio con este de mayor relevancia.

Blade Runner nos sitúa en un futuro distópico, aproximadamente en el año 2019, donde la ciencia ha avanzado tanto que se pueden crear copias casi exactas de los seres humanos que se dediquen a los trabajos más arriesgados. Estos seres, que reciben el nombre de replicantes, son como una versión mejorada del ser humano en el aspecto físico, pero también tienen carencias a la hora de sentir y expresar emociones, eso si, el modelo Nexus 6 tiene el problema de que sólo tiene 4 años de vida. Aún así, debido a que su número ha crecido tanto en los últimos años, se acaban convirtiendo en una minoría que puede resultar peligrosa, o revoltosa al menos, y se prohíbe su presencia en La Tierra, si bien son esenciales en otras colonias fuera de nuestro planeta.

La banda sonora de Vangelis, es simplemente espectacular. Hay muchas veces que las bandas sonoras de las películas son un apoyo sin más, en este caso forma parte, o es la médula espinal de lo que se nos cuenta. Para ello Vangelis, que venía de ganar el Óscar con Carros de fuego el año anterior, define el tempo de la narración, contribuye de manera decisiva a la ambientación, y sobre todo nos sumerge en unas sensaciones que nos meten de manera definitiva en el universo futurista que propone el director, sin que nos demos cuenta.

En una escena mítica a Deckard (Harrison Ford) que es un ex-Blade Runner es llamado de vuelta al servicio para retirar a unos replicantes rebeldes, en esa escena le presentan a esos replicantes y le explican que las mentes que los crearon les dotaron de un dispositivo de seguridad, el cual era que su vida duraba cuatro años. A la salida Deckard va con Gaff  (Edward James Olmos) en la nave que este pilota, y las imágenes y la música son un disfrute memorable.

Os dejo con la mítica escena.

Mejores escenas cómicas del cine (CIX)

En 1996 Tim Burton dirigió Mars Attacks! una parodia de los films de ciencia ficción de los años 50. La película está inspirada en la famosa serie de cromos que la compañía Topps lanzó en 1962, ideada por el diseñador Len Brown a partir de la portada que el dibujante Wally Wood realizó para el nº16 de "Weird Science", el ilustre cómic de EC. Le presentó el proyecto al editor y artista Woody Gelman y ambos crearon la historia de fondo y los bocetos, contratando a Wood y Bob Powell para terminarlos. Los 55 cromos de que constó la colección fueron comercializados por Topps a través de la empresa ficticia Bubble Inc bajo el nombre "Attack from Space", aunque se cambió a "Mars Attacks" cuando las buenas cifras de ventas permitieron ampliar la distribución y la publicidad. Pero el entusiasmo de los niños se topó con la censura, lo que hizo que al final un fiscal detuviera la producción y retiró de la venta lo ya distribuido.

En 1994 Topps relanzó la serie original con 45 cromos nuevos, por aquello de la nostalgia y tal...

Pero Mars Attacks!, la película, se aprovechó de ese interés renovado, aunque su origen parte de mucho tiempo atrás cuando el director y guionista británico Alex Cos presentara la idea en 1985 a Orion-Tristar Pictures. En 1993 Jonathan Gems, un guionista que había escrito para Tim Burton varios libretos que nunca se rodaron, le propuso la idea de convertir "Mars Attacks" y otras serie clásica de cromos Topps, "Dinosaurs Attack", en un film. Burton descartó la segunda por su parecido con Parque Jurásico (1993), pero creyó que la primera si podía funcionar, como homenaje a aquellas películas de desastres de la década de los 70 con un reparto coral como Aventura del Poseidón (1972) o El coloso en llamas (1974). Burton habló con Warner Bros y el estudio compró los derechos cinematográficos de la colección de cromos.

La trama era que cientos de platillos volantes procedentes de Marte sobrevuelan todas las capitales del mundo. La población aterrada, espera conocer sus intenciones que al principio parece que vienen en son de paz, sin embargo, tras aterrizar en el desierto del sudoeste americano, los marcianos incineran con sus pistolas de rayos al enviado del gobierno y el comité de bienvenida, dando comienzo a un ataque global a la especia humana. Los asesores militares del presidente de Estados Unidos recomiendan aniquilar a los marcianos antes de que sea demasiado tarde.

En una escena mítica el profesor Donald Kessler (Pierce Borsnan) está en televisión con Nathalie Lake (Sarah Jessica Parker) y su conexión se empieza a cortar porque aparece el líder de los marcianos soltando un discurso.

Os dejo con la cómica escena.

A complete unknown (2024)

James Mangold dirige este biopic titulado A complete unknown, centrado en una época concreta de Bob Dylan la que va desde 1961 hasta 1965, con su cambio del folk al formato eléctrico, y que está basado en un libro de Elijah Wald titulado Dylan goes electric!, al que es bastante fiel. Mangold que es un director norteamericano cuyos registros son bastante variados, lo mismo te hace la última de Indiana Jones "Indiana Jones y el dial del destino" (2023), que te hace una de Marvel como "Logan" (2017), dramas policíacos como "Copland" (1997), una de terror y thriller psicológico como Identity (2003), es tan versátil, que en el terreno de los biopics ya había dejado un magnífico retrato de Johnny Cash con "Walk the line" (2005), traducida aquí como "En la cuerda floja" dónde curiosamente le dieron el Oscar a Reese Whiterspoon por su papel de June Carter y no a Joaquin Phoenix por el del propio Cash. Es por tanto un género este, que no le era nada hostil al buen director, aunque aquí la diferencia con aquel es que se centra en una época concreta del artista, lo que en cierta forma es más cómodo para el director, ya que no tiene que narrar varias épocas con auges y caídas, que quizás suelen complicarlo todo, y empieza a ser la moda, de hecho al parecer el próximo sobre Bruce Springsteen también lo hará sobre un tramo concreto de su carrera.

Timothée Chalamet es el actor francés que da vida al joven Bob Dylan y su trabajo es realmente extraordinario, en estos casos es importante estudiarse los movimientos, gestos e incluso poses del artista, y francamente esos detalles están pulidos al máximo por parte del actor. James Mangold explicaba en unas declaraciones que había contado con la ayuda directa de Bob Dylan, que se mostró colaborador e incluso dejó entender que es un gran cinéfilo. Añadía que la aproximación al cantante no se ha hecho desde la óptica de un fan, porque de hacerlo así su figura hubiera quedado distorsionada, por contra ha buscado mostrar a Bob Dylan a partir de las reacciones que provoca en los demás. Y sinceramente, el resultado es bueno, bastante bueno.

Una de las mejores características del film es la ambientación, la de esa influyente escena musical de Nueva York de principios de los 60, como Dylan llega allí con 19 años, y empieza visitando a un artista enfermo como Woody Guthrie (al que da vida Scoot McNairy) pero reconocida gran influencia, conociendo a la vez a Pete Seeger (Edward Norton), a los que deja ya impresionados con algunos temas. El ascenso meteórico del músico procedente de Minnesota, aunque en su primer disco le "obligan" a hacer versiones y adaptaciones de temas tradicionales, está muy bien contado, y como también sus relaciones amorosas se mezclan, la de Sylvie, su primera novia a la que da vida Ell Fanning, o su turbulento romance con Joan Baez (Monica Barbaro) con la que compartió muchas veces escenario, dentro del mundo del folk.

Las canciones y la mística de Dylan, el paso del anonimato a la fama, están muy bien reflejados en el film, de hecho eso es algo que se deja claro que no llevó muy bien (como es lógico) ya que no podía ni ir a un concierto de forma tranquila sin ser reconocido. También se nota que la personalidad del músico es bastante rara, como por otra parte suele ser habitual en este tipo de celebridades.

Es curioso que Johnny Cash, que aparece en el film y al que da vida un buen Boyd Holbrook, es una de esas estrellas que le da siempre apoyo y respaldo al joven músico, y cuya relación era por carta, hasta que se conocen personalmente en el Festival de Newport.

Precisamente el momento culminante del film es la actuación en dicho festival, donde Dylan cambia al formato eléctrico lo que le generó múltiples protestas del público y los organizadores, entre ellos Pete Seeger.

Os dejo con el tráiler del film, al que me extrañó mucho que no le dieran ni un solo premio en la reciente gala de los Oscars.

Los Oscars 2025.

Este pasado domingo 2 de marzo se ha celebrado la gala de los Oscars en el Dolby Theatre de Los Ángeles, 97º edición, con el cómico y presentador Conan O'Brien, (después de que en los últimos dos años lo hiciera Jimmy Kimmel) como presentador de la ceremonia. El film Anora dirigido por Sean Baker se ha convertido en la gran vencedora de la noche tras conseguir 5 estatuillas, de las 6 nominaciones que tenía, entre las que destacan Mejor película, Mejor director, Mejor actriz principal, Mejor guión original y Mejor montaje, destacando esos 4 Oscars a título individual para el propio director, algo que no sucedía desde... Walt Disney. Las otras películas con más nominaciones como The Brutalist, Emilia Pérez y Wicked no se fueron de vacío y consiguieron importantes premios, mientras que Demi Moore se quedó sin estatuilla, que fue para la protagonista de Anora, Mikey Madison, Zoe Saldaña se llevó el de mejor actriz de reparto por Emilia Pérez, Adrien Brody por The Brutalist como mejor actor principal y Kieran Culkin como mejor actor de reparto por A real pain. A complete unknown, el biopic sobre el músico Bob Dylan, para mi sorpresa se fue de vacío. 

Quizás el momento más político de la noche fue cuando el documental palestino No other land, se alzó con el galardón en esa categoría y sus directores, procedentes de Palestina e Israel, pidieron que se trabajara en una solución conjunta para poner fin al conflicto entre sus países.

Ésta fue la lista de ganadores:

*Mejor Película: ANORA

*Mejor Actor:  ADRIEN BRODY por The Brutalist

*Mejor Director: SEAN BAKER por Anora

*Mejor Actriz:  MIKEY MADISON por Anora

*Mejor Guión original: SEAN BAKER por Anora

*Mejor Guión adaptado: PETER STRAUGHAN (Basada en la novela de Robert Harris) por Cónclave

*Mejor Actor de reparto:  KIERAN CULKIN por A real pain

*Mejor Actriz de reparto:  ZOE SALDAÑA por Emilia Pérez

*Mejor Diseño de vestuario: WICKED de Paul Tazewell

*Mejor Diseño de producción: WICKED de Nathan Crowley, Decorados: Lee Sandales   

*Mejor Maquillaje y peluquería: LA SUSTANCIA de Pierre-Oliver Persin, Stéphanie Guillon y Marilyne Scarselli

*Mejor Dirección de Fotografía: THE BRUTALIST de Lol Crawley

*Mejor Montaje: ANORA de Sean Baker

*Mejor Sonido: DUNE: Part Two de Garteh John, Richard King, Ron Barlett y Doug Hemphill

*Mejor Banda sonora: THE BRUTALIST de Daniel Blumberg

*Mejor canción original: El mal de Clément Ducol y Camille: Música, Clément Ducol, Camille y Jacques Audiard: Letra.

*Mejores Efectos visuales: DUNE: PART TWO de Paul Lambert, Stephen James, Rhys Salcombe y Gerd Nefzer

*Mejor Corto de animación: IN THE SHADOW OF THE CYPRESS de Shirin Sohani y Hossein Molayemi

*Mejor Película animada: FLOW de Gints Zilbalodis, Matïss Kaza, Ron Dyens y Gregory Zalcman

*Mejor Corto documental: THE ONLY GIRL IN THE ORCHESTRA de Molly O'Brien y Lisa Remington

*Mejor Largometraje documental: NO OTHER LAND de Basel Adra, Rachel Szor, Hadman Ballal y Yuval Abraham

*Mejor Cortometraje de ficción: I'M NOT A ROBOT de Victoria Warmerdam y Trent

*Mejor Película de habla no inglesa: AÚN ESTOY AQUÍ de Walter Salles por Brasil

Os dejo con un resumen de la gala.

Nos deja Gene Hackman.

Este pasado miércoles 26 de febrero por la tarde Gene Hackman, una leyenda como intérprete, ha sido encontrado muerto junto a su esposa Betsy Arakawa en su casa de Santa Fe (Nuevo México), dentro de la colonia en la que vivía el matrimonio (casados en 1991) desde que en 2004 Hackman anunció su retirada, Hackman tenía 95 años y Arakawa 63. El laureado actor consiguió dos estatuillas de Hollywood por The French Connection (Contra el imperio de la droga) de 1971 y Sin Perdón de 1992, además de que fue nominado otras tres veces por Bonnie and Clyde de 1967, por Nunca canté por mi padre de 1970, y por Arde Mississippi de 1988.

Según la autoridades "no hay indicios de acto delictivo", es decir, la apariencia es de que no entró nadie en la casa,  aunque han reconocido que es "una situación fuera de lo común". Se investigan las causas de las muertes, y se asegura que no existen señales obvias de fuga de gas. La pareja fue encontrada en habitaciones separadas, Arakawa junto a un calentador caído y un bote de pastillas desperdigadas y su cuerpo en descomposición lo que podría indicar que ya llevaba varios días fallecida. También estaba el cadáver de uno de sus perros, los otros dos andaban dando vueltas. Según las autopsias llevaban nueve días muertos ya que el marcapasos del actor dejó de funcionar el pasado 17 de febrero.

Eugene Allen Hackman, que era su verdadero nombre, nació en San Bernardino, California, el 30 de enero de 1930. Sus antepasados eran neerlandeses, ingleses y escoceses asentados en Pensilvania, aunque su madre era canadiense de nacimiento. Fueron bastante nómadas, hasta que se asentaron en Danville, Illioins, en casa de la abuela materna, donde su padre trabajó como jefe de imprenta en un periódico local. Cuando Gene tenía trece años sus padres se divorciaron, viviendo con su madre hasta los dieciséis años, para a esa edad alistarse en Los Marines, sirviendo como operador de radio en China (mintiendo sobre su edad), Hawái y Japón.

Después vivió en New York, haciendo trabajos de poca relevancia, regresó a Illinois donde estudió televisión y periodismo en la universidad, aprovechó la ayuda que para los estudios daba el Gobierno a los antiguos militares, de hecho fue a la School of Radio Technique de Nueva York, lo que le llevó a trabajar en emisoras de radio de Florida e Illinois.

Pero Hackman tuvo vocación tardía en el cine, después de los 30 años ingresó en la escuela de interpretación Pasadena Playhouse en Los Ángeles, donde forjó amistad con otra promesa de entonces Dustin Hoffman. Hizo algún trabajo televisivo en series como FBI o Los Invasores, y debutó en el cine con un pequeño papel en el film de gángsteres Mag Dog Coll en 1961, sin ni siquiera aparecer en los créditos.

Tras la muerte accidental de su madre en un incendio en 1962, volvió a New York, donde estudió con George Morrison y actuó en teatros de poco relieve, hasta que en 1964 le llegó la primera oferta para trabajar en Broadway, el éxito que cosechó le abrió definitivamente las puertas del cine.

Primero intervino en un film llamado Lilith, de Robert Rossen, en 1964 junto a Warren Beatty y Jean Seberg. Precisamente Beatty le recomendó para el papel del hermano de Clyde Barrow en Bonnie and Clyde de 1967, dirigida por Arthur Penn, de la que Beatty era protagonista y además productor. Su espectacular interpretación de Buck Barrow, convenció a la crítica y Hackman obtuvo su primera nominación al Oscar como mejor actor de reparto. A partir de ahí su ascenso y línea de trabajo no se interrumpió, trabajó con Robert Reford en 1969 en El descenso de la muerte, volvió a ser nominado como mejor actor de reparto por el film Nunca canté por mi padre de Gilbert Cates, en 1972 si recibió su primer Oscar como mejor actor por su papel en The French Connection de William Friedkin interpretando a 'Popeye' Doyle. Le siguieron La aventura del Poseidón en 1972, Espantapájaros en 1972, La conversación en 1974, salió en un pequeño papel de ciego ermitaño (relatado aquí) en El Jovencito Frankestein de Mel Brooks en 1974, La noche se mueve en 1975, aunque ya se haría megafamoso al interpretar el villano Lex Luthor en el Superman de Richard Donner en 1978. Muy destacable también su participación en secuelas de Superman II y IV, pero fue con Arde Mississippi (1988) de Alan Parker,  con la que volvió a ser nominado a mejor actor. Su éxito definitivo le llegó con su segundo Oscar en 1992 por la película Sin Perdón dirigida por su amigo Clint Eastwood, donde daba vida a un sheriff sádico y violento. Eso reavivó su carrera con films como The firm de 1993 de Sidney Pollack, Rápida y mortal en 1995, Marea roja en 1995 también, , The birdcage en 1996 y en 1997 volvió a trabajar con Eastwood en la fantástica Poder Absoluto.

Siguió haciendo cine hasta el año 2004, destacando su participación en Bajo Sospecha y The Replacements, ambas del año 2000 o Tras la línea enemiga en 2001.

En 1992 Clint Eastwood, que hasta ese momento no tenía el reconocimiento por su carrera de actor y mucho menos por la de director, hizo Sin Perdón, que revitalizó de manera increíble el western, aunque años antes con El Jinete Pálido ya tuvo un gran intento, pero en este trabajo confluyeron varias circunstancias que hicieron que fuera un éxito absoluto y que recibiera Oscars y premios de toda índole. Pero cuidado, estamos hablando de que Clint en ese momento llevaba ya dirigiendo películas desde 1971, ahí es nada, 21 años, y con una calidad muy buena. De hecho esto no fue más que un espaldarazo a su carrera, y desde entonces no ha dejado de seguir haciendo grandes films.

En este interpretaba a William Munny, que junto a Ned Logan (Morgan Freeman) vuelven a cabalgar juntos después de años, por una recompensa de 1000 dólares que unas prostitutas ofrecen por matar a dos tipos que acuchillaron a una de sus compañeras y la desfiguraron, a ellos llega esta información por The Schofield Kid (Jaimz Woolvett), que irá junto a ellos. El sheriff del pueblo en cuestión Big Whiskey, Little Bill Daggett (Gene Hackman), que no permite armas ni delincuentes en su ciudad, había indultado a esos dos hombres, a pesar de sus hechos. Esa ayuda exterior que las mujeres piden, hará que William vuelva con su amigo Ned, recaiga en la bebida, y se convierta en el asesino implacable que fue.

Para recordarle pongo una escena mítica de esta película, esa secuencia inolvidable del tiroteo final de colores oscuros, en la que William Munny (Clint Eastwood), rifle Spencer en mano, emerge entre las sombras y la tormenta mientras en el bar el Sheriff Little Bill celebra con sus acólitos que cazaron a Ned. Munny parece aparecido de ultratumba, para vengar la muerte de su amigo y dice unas palabras lapidarias: "He matado a mujeres y niños, he disparado sobre cualquier cosa que tuviera vida o se moviera, y hoy he venido a matarle a usted, por lo que ha hecho a Ned". El duelo interpretativo entre Clint y Gene es de mucha altura.

Os dejo con la mítica escena y descanse en paz Gene Hackman.

Escenas míticas del cine (CDII)

En 1974, Francis Ford Coppola realiza la segunda parte del Padrino, basado igualmente en la novela de Mario Puzo. Aquí se desarrolla la continuación de la historia de los Corleone, por medio de dos historias paralelas, primero la elección de Michael Corleone como jefe de los negocios familiares y por otro los orígenes del patriarca, el ya fallecido Don Vito a quien da vida un inmenso y muy joven Robert de Niro, primero en Sicilia y luego en Estados Unidos, donde empezando desde abajo llegó a ser el capo de la mafia de New York.

Aquí suceden hechos realmente importantes en el devenir de la familia, y la película relata el reinado de Michael con todos sus problemas, y su manera de manejar todo.
En una escena inolvidable que en la cinta recrea la noche del 31 de diciembre de 1958 en La Habana, los protagonistas son Michael Corleone (Al Pacino) y Fredo Corleone (John Cazale). Ambos han transitado un largo camino en la ciudad cubana, que les lleva a descubrir una traición que cambiará para siempre la historia de la poderosa familia. Mientras los invitados empiezan a abrazarse y desearse feliz año, en el fondo se ve a Fulgencio Batista, el anfitrión y dictador de la isla cubana, quien manejó sus designios durante casi una década con mano dura. En ese mismo instante Michael busca a Fredo, le toma del cuello y le besa en la boca mientras le dice "Sé que fuiste tú, ¡me destrozaste el corazón!". Es así como Michael descubre a su hermano, quien había mandado a unos matones a matarle en su propia casa. Mientras tanto, un matón de la familia intenta cargarse a Hyman Roth sin éxito.

Pero todos esos acontecimientos provocan que el matrimonio de Michael se tambalee, y su mujer Kay empiece a alejarse bastante de él. En una escena sin diálogos (no hacen falta), Michael llega a su casa, le abren la puerta al coche, se baja del mismo, ve el coche de juguete del niño lleno de nieve sin nadie y entra en la vivienda donde no hay nadie (los niños no están) y sólo suena el ruido que hace la máquina de coser de Kay, que está cosiendo, una tremenda escena que escenifica el divorcio creciente en la pareja.

Os dejo con la mítica escena.