domingo, 28 de febrero de 2016

Ex_Machina (2015)

Cartel del film

No sé en qué momento de 2015 tuve una pérdida temporal o ida de olla, o mi agetreada vida me lo impidió, pero he de fustigarme, y de hecho ya lo he hecho, por no haber sido consciente en ningún momento del estreno, ni paso por cines, de Ex_Machina, un film de cine de ciencia ficción en el salón, que a la vez es un thriller psicológico de una calidad soberbia.
La cinta está dirigida por Alex Garland y nos viene a decir algo así como que la inteligencia artificial era algo inevitable, una cuestión de "cuándo", no de si "si" o "no". Es curioso como la ficción nos ha ido preparando para ella desde mucho antes de que fuera una realidad, y aquí es ya una realidad que asusta.
Se nota que la película me ha dejado marcado e iría más allá... directamente me ha volado la cabeza, y digo sin rodeos que de haberla visto en su momento habría cambiado mi lista de mejores películas de 2015.

Domhnall Gleeson & Oscar Isaac

Sucede, y es un hecho, que las grandes películas de Ciencia Ficción, véase 2001 Una odisea en el espacio, Blade Runner o cualquier otra obra maestra del género, tienen la cualidad de ser atemporales, y ser muchas de ellas visionarias de un mundo que nos sucederá unos cuantos años más tarde. Es el caso de Ex-Machina, que tiene mimbres de sobra para convertirse en otra más del género, aunque yo diría que aquí no se adelanta muchos años, sino que realmente puede incluso que ya esté pasando en estos momentos, lo que acontece en este film.
Pero ojo, no nos olvidemos de un detalle, la propia novela de Frankestein trata de la creación de un ser artificial, eso si, a partir de un ser humano, y de ahí en adelante, la ficción y la ciencia han establecido unas conexiones o eslabones que nos conducen hasta la actualidad, en la que internet y lo digital, han creado una relación tan íntima que plantea todo tipo de cuestiones culturales, filosóficas, científicas, económicas, etc...


Alex Garland se doctora en esta cinta, después de haber colaborado con Danny Boyle, y es una de esas producciones que fascina ya desde el inicio. Desde el principio de la historia, con un guión de quitarse el sombrero, no dejamos de pensar a la vez que lo hacen los protagonistas, sobre todo los dos masculinos, Domhnall Gleeson y Oscar Isaac. Pero ante todo, esta película reúne, no sólo dentro del género, sino dentro del cine en general, unos valores artísticos de un nivel estratosférico. De hecho, se pone sobre la mesa un eterno debate, aquel de la moralidad sobre la creación de la inteligencia artificial, esa ácida crítica a la sociedad por su machismo, ya que en la creación de las identidades de hombres y mujeres, está la clave de todo.


Sonoya Mizuno & Alicia Vikander

La historia trata sobre un programador multimillonario, Nathan (que fue un niño prodigio en su día), y con tendencia a empinar al codo al que interpreta un soberbio Oscar Isaac, que selecciona a Caleb (Domhnall Gleeson), un jóven empleado de su empresa, para que pase una semana con él en un lugar remoto, donde reside (una paradisíaca y gigantesca finca) con el objetivo de que participe y realice un test de Turing, en el que está involucrada su última y revolucionaria creación, una robot-mujer, de nombre Ava, a la que da vida Alicia Vikander, cuya inteligencia artificial lo es todo y la cual tendrá que evaluar Caleb. Kyoko es la cuarta protagonista, pero con menor relevancia, interpretada por una brutal Sonoya Mizuno.



Pero lo que más me gusta de esta película, en la que el triángulo de actores principales están brutales, es que la idea de la creación de inteligencia artificial y androides sirve como evidente reflejo de la condición humana, de nuestras mezquindades sobre todo, y de nuestras escasas bondades, lo que resulta clave en el alucinante final del film. A ver, no hablamos de algo nuevo, pero aquí se torna interesantísimo, ya que Alex Garland consigue hacer una película que funciona de lujo en la parte intelectual, pero que no se queda en una muestra fría de ciencia ficción, sino que consigue transmitirte claustrofobia, dentro de un thriller psicológico con grandes tintes de morbo. La puesta en escena es fría aposta, la película lo requiere, pero cuida la dirección de actores hasta el último detalle.



La película lanza, y en ese sentido me encanta (que te hagan pensar), preguntas para todos sobre los motores de búsqueda en internet, si nosotros usamos internet o nos usa él a nosotros, ¿dejará de necesitar usuarios cuando nos haya engullido? Y lo que inquieta aún más... una vez que estos robots inteligentes adoptan apariencia humana total y se mezclan entre nosotros... ¿sabremos distinguirlos? Ahí os dejo el futuro.

Os dejo con el tráiler de esta alucinante película.

jueves, 25 de febrero de 2016

Deadpool (2016)

Cartel del film

Muchas eran las ganas que un servidor había acumulado de ver Deadpool, no sólo por su éxito, sino porque ya desde que vi su tráiler, me atrajo su humor ácido y me dio la impresión de que visualmente me iba a gustar, y leches que si me ha gustado, me ha encantado.
Conocer la génesis y evolución de este personaje se me antoja esencial, ya que Deadpool representa una conjunción o mezcla de varios temas clásicos en la era moderna del cómic, por un lado el humor negro, la sexualidad por otro, el "anti heroísmo" (el menos convencional de Marvel sin duda) además de la reflexión y la crítica.
Incluso y por si fuera poco, hay una similitud curiosa con otro antihéroe de la literatura universal, el Quijote de Cervantes, con el que comparte el delirio y el humor.



Deadpool es un mercenario bocazas al que interpreta Ryan Reynolds como Wade Wilson, un ex-operativo de las fuerzas especiales, reconvertido a mercenario y que tras ser sometido a un cruel experimento por Francis, alias Ajax, el villano interpretado por Ed Skrein, adquiere poderes de curación rápida, pero volviendo su rostro y su cuerpo agrietado, adoptando entonces el alter ego de Deadpool, con un disfraz rojo y negro que le cubre el cuerpo. Armado con esas nuevas habilidades que le dio el experimento y que por contra le eliminó el cáncer que padecía, además de su oscuro, ácido y retorcido sentido del humor, intentará dar caza al hombre que casi destruye su vida.


No olvidemos que todo parte de un cómic de Marvel, y que Fabian Nicieza y Rob Liefeld han creado el personaje al que Paul Wernick y Rhett Reese han guionizado. Pero se trata de un personaje en cierto modo ninguneado durante mucho tiempo por Marvel, no teniendo confianza en él, pero Joe Kelly es el escritor que mejor lo supo entender. Pero el producto final, que es lo que interesa realmente, por un lado es atípico, poco común, pero consigue que el espectador no pierda detalle de lo que sucede en pantalla ya desde los créditos iniciales (chanantes a más no poder), los cientos de chistes, guiños, la irreverencia continua, etc...



Por otro lado el film empieza con una escena de acción trepidante y perfectamente rodada, que se rompe y vuelve con constantes flash-backs que pudiendo parecer mal encajados, consiguen justo el efecto contrario, ya que te explica de donde viene todo, y sirve de rampa de lanzamiento de presentación de todos los personajes, que fueron camuflados a posta en la humorística presentación de créditos, es decir, el villano Ajax al que da vida Ed Skrein, la guapísima Vanessa interpretada por Morna Baccarin, y los dos mutantes que son los únicos habitantes de la mansión de los X-Men, Colossus y la jóven Negasonic Warhead (Brianna Hildebrand), otro punto fuerte dentro de la originalidad que envuelve a toda la cinta. Todos los personajes están perfectamente desarrollados.


En el plano actoral, Deadpool en manos de Ryan Reynolds es una gozada, ya que aporta al personaje lo mejor de si, y hace que le admiremos. Ed Skrein como el malo lo clava, hacer de villano demuestra la calidad de un actor y sin duda este la tiene. Morena Baccari, a parte de desplegar belleza por todos sus poros, está colosal como la chica del protagonista, de hecho me he enamorado de ella. Por otro lado, los secundarios funcionan a la perfección como Lesli Uggans, en el papel de la ciega compañera de piso del protagonista, llamada Blind Al o Karan Soni en el papel de Dopinder, el taxista hindú que siempre lleva a Deadpool y en los cameos destaca el de Stan Lee como Dj del club de streptease.


Los chistes sexuales, el poco descanso que se da al espectador y el trepidante ritmo, hace que el film se te haga cortísimo. Un disfrute absoluto, no exenta de mucha violencia, con la duración correcta, altas dosis de humor, gran dirección de un Tim Miller novel, que quien lo diría... hace su primera película.

Os dejo con el tráiler.


miércoles, 24 de febrero de 2016

Hail, Caesar! (2016)

Cartel del film

La nueva película de los hermanos Cohen es una disparatada comedia, cuyo título es ¡Ave, César! Es evidente que estos grandes cineastas adoran el cine y lo veneran, con un elenco espectacular que parodia el Hollywood de la edad de oro. En esta incursión en la comedia, hay constantes guiños a los realizadores de aquella época, que comprende los 40 y 50 y donde era un clásico las grandes superproducciones.
El guión de los Cohen lanza diferentes hilos argumentales que confluyen en un día en la vida del productor ejecutivo de Capitol Pictures, Eddie Mannix (interpretado por Josh Brolin) y que nos lleva a las entrañas de un gran estudio de Hollywood, en un momento muy prolífico de la fábrica de sueños.


Toda la parafernalia de ese ambiente y entre musicales, westerns, películas épicas y algunos dramas, Mannix intenta resolver los contínuos escándalos que amenazan a sus estrellas y por tanto la reputación del estudio. La estrella masculina del momento, Braid Whitlock (George Clooney le da vida de manera maravillosa), es secuestrado por un grupo de guionistas de ideología comunista, durante el rodaje de una película muy en la onda Quo Vadis. La actriz DeeAnna Moran (Scarlett Johanson sacando un partido descomunal a su papel) ha de encontrar un marido, antes de que la prensa se entere que está embarazada de otro. Por otro lado Hobie Doyle (Alden Enrenreich) es un actor mediocre y encasillado en westerns de medio pelo, al que meten con calzador en una película seria y Eddie debe interceder por él. Por si fuera poco Mannix también ha de lidiar con las gemelas Thora y Thessaly Thacker (Tilda Swinton), periodistas sabuesas y ya en el colmo, él mismo intenta dejar de fumar.


La película, es más que evidente que lleva la firma de sus directores, ya que hay malentendidos, secuestros, diálogos ingeniosos, pero la narrativa tiene desconexiones entre las diferentes historias, y ahí es donde no alcanzo a entender si es porque lo han querido hacer así aposta, o porque directamente apuestan por la locura, antes de que el film sea más coherente y estructurado. Hay momentos brillantes como el baile de sirenas que protagoniza Scarlett Johanson o la escena musical de Channing Tatum que interpreta a Burt Gurney, un personaje que resulta clave en el desenlace, incluso la escena del rodaje entre Ralph Fiennes y Alden Enrenreich.
Sin duda se trata de una película coral, donde tanto al comienzo como al final tenemos la voz del narrador que abre y cierra la función.


Desde luego uno de los puntos fuertes, es la atmósfera recreada de manera genial de ese Hollywood de la edad de oro, retratada con grandeza y fidelidad. Muy buena la fotografía de Roger Deakins. También me parece muy destacable el experimento, dentro de la incursión en varios géneros, de practicar eso del cine dentro del cine, algo que durante el visionado me parece estar muy bien ejecutado.
Otro clásico de los Cohen es utilizar personajes de una tontuna realmente espectacular, tremendos imbéciles y aquí los que interpretan George Clooney y Alden Enrenreich merecen un caso aparte.


En cuanto al reparto actoral Josh Brolin (el único real) está perfecto, a pesar de ser un hombre algo atormentado, pero muy eficaz en su labor. Alden Enrenreich es para mi un gran descubrimiento, teniendo mucho protagonismo tanto en las escenas divertidas como en el desenlace de la trama. Scarleet Johanson y Channing Tatum tienen presencia puntual, así como Ralph Fiennes o Tilda Swinton, tremendos ambos.
Tema aparte son los cameos de Christopher Lambert, Dolph Lundgren o Clancy Brown, todos ellos disfrutables, aunque alguno casi imperceptible.



Os dejo con el tráiler del film.


martes, 23 de febrero de 2016

Mejores escenas cómicas del cine (XXXV)


En el año 2012 Quentin Tarantino dirige Django Desencadenado, una venganza contra la esclavitud y el racismo de los Estados Unidos de 1858, dos años antes de que estallara la Guerra Civil, cuyo ejecutor es Django interpretado por Jamie Foxx.
Se trata de un film con cosas muy buenas y otras no tantas, momentos tremendos y otros que sobran, pero en definitiva se trata de una película excesiva, hilarante, hermosa y tratándose de Tarantino... violenta, bastante violenta.
Una de las escenas más chanantes es cuando hay una discusión por las máscaras del Ku Kux Klan, las cuales ha hecho la mujer de uno de los del grupo y todos protestas, el primero el personaje al que interpreta un renacido Don Johnson (Big Daddy), convertido en un payaso convincente.


Os dejo con esta tronchante escena que no tiene desperdicio.


domingo, 21 de febrero de 2016

Der Name der Rose (Le nom de la rose) (1986)

Cartel del film

Ayer se conoció la noticia de la muerte del escritor italiano Umberto Eco, fallecido el viernes en Milán, Italia. Quizás uno de los literatos más importantes del siglo XX, y una de cuyas obras cumbre fue El Nombre de la Rosa, la cual llevó al cine el director francés Jean-Jacques Annaud en 1986, bajo una producción, de la por entonces República Federal Alemana. La novela de Eco data de 1980, un escritor excepcional que combinaba literatura, historia, investigación y academia. El éxito del film, sucedió al de la novela, no sin las consiguientes críticas claro está, diciendo que traicionaba al libro y bla bla bla, cosa en la que no puedo estar más disconforme. Se trata de una película que refleja de manera increíble el libro, pero para llevar el libro entero se hubiera requerido de tres films, al menos, de ahí que esta cinta concrete de manera fantástica el contenido de la novela.


Los hechos que se narran acontecen en el siglo XIV, plena Edad Media, y se centra en dos personajes fundamentalmente, el monje franciscano Guillermo de Baskerville, interpretado por un sublime Sean Connery y su discípulo, el joven novicio Adso de Melk (Christian Slater), quienes llegan a una abadía benedictina en las montañas italianas, famosa por su biblioteca, llena de obras únicas y restringidas a los especialistas. Guillermo ha venido a la abadía, en principio, para participar en una reunión de los delegados del Papa y los líderes de la orden franciscana, con el fin de resolver problemas doctrinales. Pero este encuentro, quedará relegado a un segundo plano, en cuanto empiezan a suceder extrañas muertes en la abadía. Es entonces cuando Fray Guillermo, ayudado por Adso, se sirve de su enorme inteligencia y astucia, de su capacidad de observación y ante todo, de su sentido común, para dar solución a esos lúgubres acontecimientos. La narración corre a cargo de Adso de Melk, ya mayor.


Pero claro, no todo iba a ser tan fácil, ya que esa inteligencia y los métodos racionales del protagonista en su investigación, toparán con las supersticiones, la ignorancia, el fanatismo, y sobre todo con una institución como la Iglesia que está en plena decadencia, tanto sus monjes, inquisidores como prelados. Es entonces, donde el personaje de Sean Connery adquiere tintes de Sherlock Holmes adelantado a su tiempo. 
Es aquí, en la recreación de la época medieval, donde el film lo borda y el director francés se sale del tiesto. La puesta en escena de la abadía (que era una maqueta), la descripción de la biblioteca, como nos presenta a cada uno de los personajes que allí viven, monjes, abades, y esa irrupción descomunal de Bernardo Gui, el Inquisidor, interpretado por un soberbio F. Murray Abraham. También muy destacable Ron Perlman en el papel de Salvatore, un pobre monje chepudo, al que acusarán de brujería junto a una joven mujer (Valentina Vargas) que no sabía ni hablar, ni leer, pero con la que Adso tiene un interesantísimo encuentro sexual.


Es esta una película de laberintos. Un laberinto es un lugar formado por pasajes y encrucijadas, intencionadamente enredadas para confundir a quien se atreva a adentrarse. Eso es la Edad Media con sus eternos debates teológicos, morales y filosóficos. Aquí la Inquisición y sus modos de operar, las mentes de los monjes atormentadas por miedos, soledades, dudas, fanatismos, egoísmos y frustraciones conforman el laberinto de la abadía, donde su compleja estructura se nutre de imágenes, ritos, cantos, prohibiciones, oficios, etc... Digo todo esto, porque la clave final del film es el laberinto que hay en la propia biblioteca, que está casi sacada de un dibujo o cómic. Fantástica escena la del maestro y el novicio buscando la parte alta de la biblioteca, donde se esconde el Abad ciego (Jorge de Burgos) interpretado por Feodor Chaliapin Jr., que guarda escrupulosamente un libro sobre la risa de Aristóteles... un libro prohibido. Fotografía y maquillaje son memorables.



A pesar de que la actuación central de Connery y Slater sobresale, y es excelente, no menos lo es el reparto que les acompaña. Tanto Valentina Vargas como la chica, Ron Perlman como Salvatore, cuyos personajes acaban en la hoguera por orden de Bernardo de Guy (F. Murray Abraham), Helmut Qualtinger en el papel de Remigio Da Varagine a quien Guillermo acusa de cosas banales, pero le exime de los crímenes acaecidos en la abadía, Volker Prechtel como Malaquías, etc...


Obra brutal esta que sirve para recrear el sentido de la búsqueda razonada de las verdades ocultas, con su dosis de humor que no debe faltar, con sentido respetuoso por las personas y los hechos, con curiosidad y propósito inagotables. Y como no, el director extraordinario en transmitir y llevar con cuidado el libro a la pantalla.

Os dejo con el tráiler-resumen.

miércoles, 17 de febrero de 2016

The Damned United (2009)

Cartel del film

En el año 2009 Tom Hooper dirige este atípico biopic sobre Brian Clough, un entrenador de fútbol de la liga inglesa, que a finales de los años 70 ganó dos copas de Europa con el Nottingham Forest. Su vida ha dado para libros, infinidad de artículos, homenajes, reproches y por fin salió la película acerca de él. Sin duda un personaje que merecía una película, pero curiosamente en ella no se habla de su época gloriosa, sino que empieza justo cuando ficha por el Leeds United y sus 44 días al frente del mítico club de Ellan Road, después de haber dirigido con éxito también al Derby County, primer equipo donde creció su leyenda a comienzos de la década de los 70. El film es una adaptación del best-seller de David Peace que lleva el mismo título. Michael Sheen interpreta de manera brutal a Brian Clough.


Justo un año después Tom Hooper haría El discurso del rey, y es curioso, porque ambos personajes, a pesar de ser completamente distintos, Bertie y Cloughie se parecen, aunque parten también de guiones muy distintos. Hay una orgullosa personalidad que no les trae más que problemas, y la incapacidad para superarlos por si solos, es el mayor obstáculo al que se enfrentarán en sus vidas, esa barrera que les impide avanzar y los hunde en la soledad y la impotencia. Aquí en concreto, el personaje de Clough que tiene una gran incontinencia verbal, es incapaz de manejar al mejor equipo de la liga inglesa en ese momento, a pesar de su impresionante currículum, todo ello si el apoyo de su leal socio, Peter Taylor (Timothy Spall) que minimizaba sus defectos y potenciaba sus virtudes.


Y esa es la moraleja del film, ya que muchas películas que tratan de la superación personal, centrándose en la genialidad de los individuos, no hacen lo de esta película, que habla de como podemos ser mejores si compartimos nuestra vida y nos dejamos ayudar. Normalmente cuando se cuentan historias de este tipo, a principio hay problemas, se superan, hay un bache y se logra el éxito final, sin embargo aquí es al revés, el entrenador viene del éxito y se convertirá en un perdedor ya que nada cuadra en el gran club al que ha llegado.
El reparto es excelente (Timothy Spall, Colm Meaney o Jim Broadben), pero la actuación de Sheen vale por si sola, de lo excelente que es, es maravilloso ver toda su transformación, que siendo un enorme motivador se acaba convirtiendo en una sombra de si mismo. Su arrogancia y egoísmo y menospreciar a todos lo que no van de su lado, le acaban dejando completamente solo.


Un dato muy importante es que de fútbol hay muy poco en el film, curiosamente, se centra en la personalidad del entrenador dentro y fuera del campo, y todo lo que hay detrás de un equipo, partidos y demás.

Os dejo con el tráiler del film.


miércoles, 10 de febrero de 2016

Spotlight (2015)

Cartel del film

El periodismo, esa profesión que mucha gente estudia con entusiasmo y que al llegar al mundo laboral sienten una profunda decepción, es la protagonista de este film. Pues bien, con esta película su autoestima subirá seguramente y está basada en un equipo de reporteros del Boston Globe, que destaparon unos escándalos de pederastia cometidos durante décadas por curas católicos de Massachussets. Estas publicaciones de los hechos, que la archidiócesis de Boston intentó ocultar, pero que sacudió de manera tremenda a la Iglesia como institución y como se consiguieron, son la base de esta cinta.
Thomas McCarthy dirige este film, de una forma, que el tema que es de una gravedad terrible, sea fácilmente asimilable y digerible, basando su fuerza en la búsqueda de la verdad a través de datos.


No es un film fácil de ver, sobre todo para aquella gente que considera o tiene en alta estima a la Iglesia Católica. A día de hoy, de hecho, a pesar de las pruebas y testimonios encontrados, la historia no es reconocida por muchos cristianos, que niegan sistemáticamente todo lo que ha salido a la luz. Pero claro, no hay peor ciego que el que no quier ver... Es más que evidente el poder de la Iglesia sobre la sociedad, haciendo todo aquello que sea necesario para que su imagen no quede manchada. Y en este trabajo se hace especial hincapié, en como los curas que abusaban lo hacían siempre sobre personas de perfil pobre, gente desarraigada, con problemas y totalmente desprotegidos, que serían difíciles de creer si abrían la boca. Pero por suerte para todos, siempre nos queda la esperanza de personas valientes que luchan porque la verdad salga a la luz y se haga justicia, a pesar de que la Iglesia siempre tuvo bien controlados todos los recovecos legales. Pero hablamos de hechos tan graves, que han de salir a la luz, para que el mundo lo sepa, y conozca los peligros a los que están expuestos miles de niños.


Uno de los grandes puntos fuertes de la película, sin duda alguna, es el gran elenco de actores. Todos son protagonistas, es un reparto coral, y nadie queda relegado a un segundo plano, algo complicado sabiendo que son bastantes actores. Pero claro, aquí cada uno tendrá su favorito, pero vayamos por partes como dijo Jack el Destripador. Michael Keaton como editor del departamento, encarna de manera brutal a Walter "Robby" Robinson, de lo más creíble. Mark Ruffalo que interpreta al periodista Mike Rezendes, es completamente absorvido por su trabajo, dejando su vida personal (pareja incluida) en un segundo, incluso tercer plano. Rachel McAdams en el papel de Sacha Pfeiffer, demuestra muchas capacidades y amplitud de paleta, y no quedarse encasillada para películas romanticonas. Liev Schreiber interpreta a Marty Baron, que entra como director del periódico y redirige la investigación y la asigna a Spotlight, en un papel maestro donde aúna templanza, serenidad y seguridad. Otro papel muy destacado es el del abogado armenio clave, Mitchell Garabedian interpretado por un magnífico Stanley Tucci.


Otro apartado importante, es en el que el director nos muestra cómo los sucesivos acontecimientos afectan a los protagonistas, la mayoría de ellos católicos ya no practicantes. Desde el entusiasmo inicial de descubrir un tema tan importante, al descontento de cuando descubren el filón tan enorme, y que el tema es mucho peor de lo que se creía, y como todo ello afecta a sus personalidades, e incluso a las relaciones entre ellos o a su posición como periodistas. Pero todo esto, fuera de cualquier sensacionalismo, mostrando casos concretos y desgarradores, que dan dimensión del asunto.


En definitiva un film, cuyo guión escrito por el director junto a Josh Singer, donde las interpretaciones sobresalen y hacen que sea lo mejor sin duda, logrando que no haya ningún momento de aburrimiento y mantener la constante intriga, a pesar de la gran cantidad de datos, personajes y situaciones que nunca es confusa.

Os dejo con el tráiler del film.


lunes, 8 de febrero de 2016

Los Goya 2016


Este sábado (los domingos han pasado a la historia) se celebró la gala de la 30º Edición de los Premios Goya, dónde la película triunfadora y que se llevó los premios más importantes fue "Truman" de Cesc Gay que se llevó mejor película, director, actor protagonista, actor de reparto y además de mejor guión original. Nadie quiere la noche de Isabel Coixet se llevó tres premios, mejor dirección de producción, mejor diseño de vestuario, mejor maquillaje y peluquería, mientras que A cambio de nada fue la gran revelación, llevándose premios importantes como mejor director novel, Daniel Guzmán o mejor actor revelación Miguel Herrán. La gran derrotada fue La novia, que sólo se llevó dos estatuillas a la mejor interpretación femenina de reparto en la actriz Luis Gavasa, y a la mejor fotografía y Un día perfecto que se llevó el mejor guión adaptado.
Techo y comida sólo obtuvo un Goya a la mejor actriz principal, Natalia de Molina y El Clan fue la mejor película iberoamericana, de nacionalidad argentina. Mustang se llevó la mejor película europea.
El Goya de honor fue para Mariano Ozores cuyo presencia, flanqueado por Emma y Adriana Ozores fue muy emotivo.


La gala comenzó a ritmo de musical, ante la atónita mirada de Juliette Binoche, nominada como mejor actriz por Nadie quiere la noche, quien estaba sentada al lado de otro soprendido y simpático Tim Robbins. Pero la gala fue arrítmica, e irregular, sólo salvada por Dani Rovira simple y llanamente por su improvisación y espontaneidad. Pero hubo fallos de sonido, de realización, hasta retiradas de micrófonos a importantes premiados (Natalia de Molina) y espectáculos que no pegaban como la tamborrada de Calanda o números de magia. A lo que hay que añadir la larga duración del evento, algo ya clásico y eso que Antonio Resines no dio un discurso excesivamente largo.
Pero bueno, hay cosas del directo que no deberían pasar en una gala así, como que Dani Rovira se quede sin sonido en pleno monólogo, que las cámaras apunten a lugares extraños o no enfoquen bien, o simplemente mostrar el rostro adecuado en el momento justo y no 10 segundos después, cosas todas ellas muy mejorables.


Pero es cierto, que los agradecimientos se alargan en exceso y hacen tediosas las galas. Pronto se empezó a ver a galardonados que consumían demasiado tiempo en dar las gracias a sus conocidos. Hubo una decisión salomónica que fue empezar a cortar por lo sano, y cuando alguien se alargaba más de la cuenta, tajo, se metía un vídeo, sonaba música o una voz en off anunciaba el siguiente premio (de esto nada se dijo, obviamente, en el telediario de TVE). Pero en estos temas pagan justos por pecadores, y especialmente brutal fue el corte a Natalia de Molina, ganadora el Goya a la mejor actriz. En ese sentido urge buscar una fórmula para acortar los agradecimientos, pero no deje con la palabra en la boca a los premiados, que lógicamente están nerviosos y emocionados.


Sin duda, no puedo estar más conforme con que Truman se llevara los premios gordos. Aunque estuvieron muy repartidos, Truman se llevó 5 de los 6 a los que optaba, y desde luego los más significativos. Javier Cámara como mejor actor de reparto, muy merecido, Cesc Gay como guionista y director, también enorme, y sobre todo Ricardo Darín, que por fin recibe un Goya, quien pronunció un discurso bestial, conciso, crítico y con agradecimiento a la industria del cine y no exento de una puyita a esos cortes de los discursos.


En cuanto a otros premios reseñables, la mejor película de animación fue para Atrapa la bandera, la mejor película documental para Sueños de sal, el mejor corto de ficción para El Corredor, el mejor corto de animación para Alike y el mejor cortometraje documental para Hijos de los tierra.




Esta fue la lista de ganadores:


*Mejor película: Truman


*Mejor dirección: Cesc Gay por Truman


*Mejor interpretación femenina protagonista: Natalia de Molina por Techo y comida


*Mejor interpretación masculina protagonista: Ricardo Darín por Truman


*Mejor interpretación femenina de reparto: Luis Gavasa por La Novia


*Mejor interpretación masculina de reparto: Javier Cámara por Truman


*Mejor actriz revelación: Irene Escolar por Un otoño sin Berlín


*Mejor actor revelación: Miguel Herrán por A cambio de nada


*Mejor guión original: Tomás Aragay y Cesc Gay por Truman


*Mejor guión adaptado: Fernando León de Aranoa y Diego Farias por Un día perfecto


*Mejor película Iberoamericana: El Clan (Argentina)


*Mejor película europea: Mustang (Francia)


*Mejor película de animación: Atrapa la bandera de Enrique Gato


*Mejor música original: Nadie quiere la noche compuesta por Lucas Vidal


*Mejor canción original: Palmeras en la nieve


*Mejor dirección de producción: Marta Miró y Andrés Santana por Nadie quiere la noche

*Mejor montaje: Jorge Coira por El desconocido


*Mejor dirección de fotografía: Miguel Ángel Amoedo por La Novia


*Mejor dirección artística: Antón Laguna por Palmeras en la nieve


*Mejor diseño de vestuario: Clara Bilbao por Nadie quiere la noche


*Mejor maquillaje y peluquería: Sylvie Imbert, Pablo Perona y Paco Rodríguez por Nadie quiere la noche


*Mejor sonido: D. Machado, J. Fernández y N. Arenas por El desconocido


*Mejores efectos especiales: Lluís Rivera y Lluís Castells por Anacleto, agente secreto


*Mejor película documental: Sueños de Sal de Alfredo Navarro


*Mejor cortometraje de ficción: El Corredor de José Luis Montesinos


*Mejor cortometraje de animación: Alike de Rafael Cano Méndez y Daniel Martínez Lara


*Mejor cortometraje documental: Hijos de la Tierra




Os dejo con el momento en el que Ricardo Darín recoge su Goya a mejor actor protagonista.

sábado, 6 de febrero de 2016

The Revenant (2015)

Cartel del film

Alejandro González Iñarritu, el director mexicano, ha realizado la película El Renacido, después de su éxito del año pasado con Birdman, por la que recibió el Óscar a la mejor película. Este film se basa en la novela de Michael Punke, que a su vez está inspirada en un hecho histórico real. Iñarritu, no sé si conscientemente o no, ha hecho un remake, ya que la historia que nos cuenta del trampero Hugh Glass, metido a la peletería, ya nos fue contada en 1971 cuando Richard C. Sarafian realizó "El hombre de una tierra salvaje (Man in the wilderness)" que protagonizaba Richard Harris. Pero por si fuera poco, se emparenta muchísimo también con otro título un año posterior, de 1972, "Jeremiah Johnson" donde Robert Redford da vida a un hombre que ha decidido vivir en las montañas, donde dominan los violentos indios, y gracias a un viejo trampero consigue sobrevivir. 

Tom Hardy & Leonardo Di Caprio

Hasta aquí, lo que digamos es la parte explicativa inicial, pero ahora vayamos al film en concreto, que sin duda es de una gran calidad. Evidentemente, el ramillete de actores es de primer nivel, con Di Caprio haciendo de Glass, Tom Hardy de John Fitzgerald, Domhnall Gleeson como el capitán Henry y Wild Poulter como Bridger, entre otros. Pero ante todo, se trata de un trabajo visualmente exquisito, a lo que ayuda mucho la excelente fotografía de Emmanuel Lubezki, quien te sumerge en esos parajes nevados, para que sientas incluso el mismo frío que los protagonistas. Para redondear, tenemos la atmósfera que crea la música de Carsten Nicolai y Ryûichi Sakamoto, que relatan a la perfección la violencia y crudeza visual de todo lo que hay en la película, que es bastante.


La historia en si se desarrolla en 1823, en las profundidades de la América salvaje, donde el explorador Hugh Glass paraticipa junto a su hijo mestizo Hawk en una expedición de tramperos que recolecta pieles. Glass es el guía del grupo, que primero sufrirá el ataque de los indios reduciendo en número considerable al contingente y luego el propio Glass resulta gravemente herido por el atque de un oso. Al principio el grupo transporta al explorador malherido, hasta que se dividen y es abandonado a su suerte por un traicionero miembro del equipo, John Fitzgerald interpretado de manera magistral por Tom Hardy. A partir de aquí, el instinto de supervivencia y la fuerza de voluntad harán que Glass se enfrente a un territorio hostil, a un invierno muy duro y a la guerra constante entre indios nativos americanos, para tratar de conseguir acabar su venganza. Una trama relativamente sencilla expuesta de manera brutal.


Sin embargo, hay dos cosas de la cinta que me dejaron algo inquieto, por un lado las constantes referencias en forma de alucinaciones o sueños del protagonista que recuerda a su mujer asesinada por los franceses, que para mi repite en demasiadas ocasiones y ralentiza el ritmo, y por otro la cuestión del metraje, algo largo bajo mi punto de vista, que viene influido por mi primer apunte. Esta película, con poquito más de dos horas hubiera estado cercana a la obra maestra, así no deja de ser un gran film, pero con cosas mejorables.

Domhnall Gleeson

En cuanto al plano actoral, posiblemente estemos ante el papel que por fin le de el ansiado Óscar a Leonardo Di Caprio después de 4 nominaciones. Es curioso como en el éxito de Titanic en su día, él ni estuvo nominado, y luego tanto en El aviador, Diamante de sangre o El Lobo de Wall Street rozó la estatuilla, sin llegar a conseguirlo. Aquí parece que puede haber un momento de inflexión, ya que todo lo que tiene que pasar en este papel, y como lo interpreta, realmente es impresionante. Por otro lado Tom Hardy, que también está nominado como mejor actor de reparto, lo borda haciendo de malvado. Ambos personajes se parecen en el instinto de supervivencia, sin embargo sus motivos son bien distintos. Glass busca vengar la muerte de su hijo, y Fitzgerald sólo mira el dinero y no a las personas.


El director mexicano ha demostrado en algunas ocasiones lo de ir de sobrado, incluso ser algo arrogante, si se me permite la expresión, cosa a lo que ayuda mucho la seguridad que tiene uno en si mismo, sin duda. Pero para mi, precisamente eso es lo que hace que sus dos o tres voladas en el film, no consigue que sea una obra redonda e inolvidable. Esas idas de olla de espiritualidad trascendental me temo que le restan empaque al film, que sólo con la crudeza visual y el sencillo guión, se bastaban solos para crear algo grande. Eso no quita, para que cuando hay que rodar los momentos más físicos, se baje cámara en ristre y ruede como pocos, tanto en el ataque del inicio del film, como en el ataque del oso, ambas escenas habría que ponerlas en las escuelas de cine.


 Os dejo con el tráiler de este gran film que es El Renacido.

miércoles, 3 de febrero de 2016

Creed (2015)

Cartel del film

Ayer tuve la oportunidad de ver Creed. La Leyenda de Rocky, que cronológicamente se sitúa en séptimo lugar de la saga que comenzara en 1976 con Rocky, siguiera con Rocky II en 1979, Rocky III en 1982, Rocky IV en 1985, Rocky V en 1990 y Rocky Balboa en 2006. Pero aquí hablamos de un spin-off, donde Sylvester Stallone sólo actúa, cuando recordemos que aquella primera entrega de hace 40 años era guionizada y protagonizada por él.
Esta nueva y especial película es dirigida, y de qué manera, por Ryan Coogler, en el que es su segundo trabajo cinematográfico. Pero además, aquí hay un dato que llama poderosamente la atención, y es el hecho de que que Stallone no tenía necesidad de poder estropear su legado, cediendo el control de su creación más querida, cosa que a Ryan Coogler le costó años, pero os puedo asegurar que ha sido un rotundo éxito. Sus premios, críticas y nominaciones a Globos de Oro y Óscars, así lo refrenda.


Este segundo film de Ryan Coogler nos presenta a Adonis Johnson (interpretado por Michael B. Jordan), el hijo del campeón del mundo de los pesos pesados Apollo Creed, quien fuera desposeído de su corona por Rocky Balboa en un combate mítico y épico. Adonis no llegó a conocer a su padre, pero tiene su indudable talento sobre el ring. De pequeño tuvo una vida difícil, ya que era hijo de un lío de Apollo, aparte de su matrimonio. Su madre no biológica le dará cobijo, hasta que ya mayor decide caminar sólo. El jóven irá a Filadelfia, desde Los Ángeles, para pedirle a Rocky Balboa que le entrene. Lo interesante del chaval, es que quiere ser el número 1, algo que lleva en la sangre, pero sin aprovecharse de su apellido para lograrlo.

Sylvester Stallone & Michael B. Jordan

Esto confiere al film un retrato dramático distinto, bien tratado en el guión del propio Coogler y Aaron Covington, donde sólo puede ponerse una pega en la parte romántica, que carece de fuerza, que sí tiene el resto del relato, pero por desgracia no acompaña, y eso que Tessa Thompson no lo hace mal, en el papel de Bianca, la cantante de la que se enamora Creed. Pero el relato atrapa, con el viaje del protagonista y también con el de Balboa más tarde, y ante todo tiene fuerza.
Aquí, como no, hay un componente de nostalgia grande, pero lo bueno y grande de la película bajo mi punto de vista, es que sale a flote mirando al futuro, a las nuevas expectativas, pero teniendo claro que lo clásico es la base, y siempre funciona. Así Coogler, sabe muy bien lo que quiere contar y como hacerlo.

Tessa Thompson & Michael B. Jordan

Desde luego una de las cosas que más me han impactado es la actuación de Stallone, su valentía para mostrarnos sus horas emocionales más bajas, un despliegue dramático de altos vuelos y aceptando ese nuevo rol, donde cede su testigo a una nueva generación, pero bajo su tutela. No sé si le darán el Óscar, pero estar nominado entre los 5 mejores me parece justo, y seguramente tenga sus opciones.
A destacar también el buen feeling entre él y Michael B. Jordan, que establece una gran dinámica entre los dos, en ese proceso primero de conquista de Creed a Balboa y luego como ambos pasan su vía crucis particular, uno por llegar en plena forma a su pelea más difícil, y el otro por seguir luchando por la vida. Esa amistad desde el respeto, que a veces cuesta mantener por las circunstancias, está perfectamente reflejada.


En cuanto a la realización del film, gratísima sorpresa en ese aspecto, sobre todo en la primera pelea importante, descrita a través de un plano secuencia, que me parece simplemente soberbio, donde la cámara se acerca y aleja a los boxeadores con una maestría alucinante. Otro tema que me encantó, fue el de poner las características de cada púgil, con sus apodos, combates ganados por KO, etc., algo que hace que el protagonista pase de ser un chulito más, a forjarse como una verdadera leyenda que no para de crecer.


En resumen, estamos ante una película que sin ser nueva es lo suficientemente diferente a la primera entrega y es capaz de conquistar tanto a los viejos fans de la saga, como a los nuevos espectadores. Aunque ayer la asistencia a la sala era ínfima, pero claro supongo que no a todo el mundo le interesa el boxeo.

Os dejo con el tráiler de este gran film.