sábado, 31 de mayo de 2014

Escenas míticas del cine (XXI)


 
 
En 1990, y después de dos películas que no tuvieron el éxito deseado en taquilla como "La lista negra" y "El Cadillac rosa", Clint Eastwood se metió de lleno en uno de sus proyectos más personales. Para ello eligió la novela de Peter Viertel, Cazador Blanco, Corazón Negro, en la que narraba las experiencias vividas en el rodaje de la mítica cinta de John Houston de 1951 "La Reina de África", una de las más perfectas películas de aventuras jamás hecha. Viertel, en dicha novela, mezclaba hechos reales con inventados (cambiando incluso nombres de personajes por otros) y se centró ante todo en su relación personal y profesional con John Houston, un director amado y odiado a la vez, y sobre todo se centró en la obsesión de éste por irse de caza en África durante el rodaje del citado film. Eastwood, ferviente admirador de Houston, no desaprovechó tal ocasión para dar su punto de vista y hablar de si mismo.
 
 


 
 
 
Eastwood hace una interpretación sublime de John Wilson (Alter Ego de Houston), dónde su sentido del humor se agudiza al máximo, ¡ojo! sin ser una comedia, como en la escena de la que hablo hoy, en la que el protagonista mantiene una conversación con Mrs. McGregor o Margaret (interpretada por Mel Martin), como ella prefiere que la llamen, en presencia de Pete Verrill (Alter ego de Peter Viertel interpretado por Jeff Fahey), acerca de su pensamiento sobre los judíos y lo que pasó con ellos en la época de Hitler.
La anécdota que le cuenta John a la señora... no tiene desperdicio.
 
Disfrutad de esta mítica escena.
 
 

jueves, 29 de mayo de 2014

20 Feet from Stardom (2013)

 Cartel del film
 
 
 
Morgan Neville dirige esta película documental, que está dedicada a la figura de las coristas, que en el escenario ocupan un segundo plano con respecto a las figuras o cantantes famosos, en definitiva un grupo de voces que se encarga de armonizar vocalmente la melodía de ese cantante principal. Sus testimonios, a lo largo de la cinta, sirven para conocer mejor ese oficio, sus momentos de recompensa y los de menos gloria (por desgracia más de los debidos), y descubrir a la vez a esas personas que con sus tremendas voces acompañan a gente de la talla de Bruce Springsteen, Sting, Rolling Stones, Tina Turner o Elton John.
 





Darlene Love, Merry Clayton, Claudia Lennear, Tata Vega o Lisa Fischer (¡¡¡qué voz la suya!!!) son nombres que poco suenan a la mayoría de la gente, pero sus voces si que están en muchas de las canciones más conocidas de la historia como Gimme Shelter de los Stones, Sweet home Alabama de Lynyrd Skynyrd, Young Americans de David Bowie, etc., también siguen haciendo coros a Bruce, Sting o el propio Stevie Wonder. Esa función aparentemente tan oscura y gris, que tiene sus momentos de gloria en el escenario, es un trabajo poco reconocido por la mayoría del público, pero muy agradecido por los cantantes con los que trabajan, que los consideran parte imprescindible.
Aconsejo olvidarse de que esta película es un documental, esta obra está por encima de separaciones de ficción o no ficción, tiene momentos de relato cautivador y fascinante, con risas abundantes, aunque el poso de cierta tristeza sobrevuela sobre la mayoría de los protagonistas.
 






El film es un homenaje en toda regla y todo un reconocimiento a estas y muchas coristas americanas, e incluso con descripciones de sus propias vidas. Las más veteranas comenzaron a cantar en iglesias y posteriormente grabaron algunos temas, que los productores musicales como Phil Spector difundían con el nombre de otros artistas o cantantes, por cierto el creador del muro de sonido queda bastante mal parado en esta película (y no es la primera vez). Al verse ninguneadas como solistas, decidieron participar como coristas con cantantes míticos de la Motown como Ray Charles o Stevie Wonder en los 60, para luego durante los 70-80 secundar a Bowie, Michael Jackson, Stones, Talking Heads, etc...




 
El film tiene la virtud de no quedarse sólo en una didáctica lección de historia reciente. Va más allá, mucho más allá, ya que nos revela las verdades de estas mujeres y, aprovechando la ocasión, también tenemos la deliciosa oportunidad de entender un poco mejor a algunos iconos como Bruce, Sting o Mick Jagger.
 
Os dejo con el tráiler de este gran documental que recomiendo a todo el mundo y que fue premiado con el Oscar a mejor documental en la gala celebrada hace pocos meses.

 

martes, 27 de mayo de 2014

Die Büchse der Pandora (1928)

Cartel del film
 
 
Esta mítica cinta del año 1928, alemana, e inscrita dentro del cine mudo y por supuesto rodada en blanco y negro, puede ser quizás una de las películas más cargadas de erotismo y a la vez inusual realismo en el contexto del cine romántico de la época. Su título "La caja de Pandora" (Lulú) dirigida por George Wilhelm Pabst, muestra a Lulú, una mujer magnética y hechizante que hace a todas las personas que la rodean caer rendidas ante su encanto y con ello en la perdición. Pero a la vez está rodeado de ambigüedad, ya que te hace dudar de si se trata de una mujer que se aprovecha de su belleza o, por el contrario, no es consciente de la misma y son los demás que se aprovechan de ella.
 


Louis Brooks (Lulú)
 
 
 
Por el año de su producción, se trata de un producto cinematográfico de condiciones singulares. En aquella época, en el contexto de la República de Weimar, Alemania vivió un florecimiento cultural notable y eso se nota en grado sumo. El desarrollo de las artes plásticas se extendió al cine, y se formó la corriente del expresionismo, dónde destacaron directores como Fritz Lang (Metrópolis, película de la que hablé aquí) y Fiedrich Wilhelm Murnau (Nosferatu, de la que hablaré en su día) realizadores de cintas sombrías con cualidades románticas, de una expresión objetiva frente a la representación de la objetividad. Quizás este director siempre estuvo a la sombra de los otros dos nombrados, pero para mi es muy reivindicable.
 
 
 

 
Lulú (Louise Brooks) es una mujer ambiciosa y sin moral que usa a los hombres a su voluntad. Desinhibida y atractiva, el aprovechamiento de sus encantos conllevará también sus peligros. La Caja de Pandora es recordada hoy día fundamentalmente por servir de plataforma de lanzamiento a la personalidad de su protagonista, una Louise Brooks que ofrece con su presencia, magnetismo y singular personalidad, todo un extraño icono del erotismo cinematográfico que ha transcendido a lo largo de los años. Ese icono, que pese a ubicarse en rasgos muy definitorios de finales de los años 20, tampoco hemos de engañarnos de que su poder de fascinación permanece inalterable con los años, su mirada provocadora, desprejuiciada, y un peinado que potencia una belleza singular, con rasgos andróginos (el director la presenta casi sin pechos, y no lo oculta). Lo que no se escapa a nadie, es incluso el personaje de la amiga protectora (quizás una idea de lesbianismo le rondaba), lo que sin duda es algo que en aquellos años era muy impactante para las mentalidades de la época.
 




La Caja de Pandora destaca por el aprovechamiento que Pabst brinda a la expresividad de los rostros y una cuidada composición del encuadre que se sirve fundamentalmente del uso de las sombras y las líneas verticales que ofrecen puertas, habitáculos y otros objetos.
En definitiva, una obra que conviene repasar, ya que para mi es un punto indudable de referencia.

Disfrutad de esta obra maestra, cuya música corre a cargo de Peer Raben.

 

jueves, 22 de mayo de 2014

Antonio Vega - Tu voz entre otras mil (2014) (Documental)

Cartel del film

 
Mucho se había hablado sobre el estreno de este documental, acerca de la vida y obra de Antonio Vega, dirigido por la periodista Paloma Concejero, por un lado un trabajo para el que la familia había cedido material personal, vídeos caseros en súper 8, fotos familiares, sus propios testimonios, y por otro el resultado final que no parecía dejar a dicha familia muy satisfecha por centrarse, según ellos, más en la faceta de drogodependiente que en la del músico. Desde luego, yo soy de aquellas personas que hasta que no ve algo no da su opinión seria y sopesada, o por lo menos así intento que sea. Y en este caso, yo entiendo perfectamente a la familia de Antonio Vega, porque le querían, pero para mi el documental es muy bueno, y diré varias de las claves por las cuales así me lo parece.
Lo que si me ha quedado claro, es nos encontramos ante un trabajo dónde se trata de arriba a abajo, tanto a la persona como al músico, con opiniones de casi todos los que le conocieron de verdad, desde su madre (emotiva persona ella), sus hermanos vivos, Carlos y sus dos hermanas, los dos grandes amores de su vida, Teresa Lloret (su primera esposa) y la madre de Marga del Río, su novia fallecida, muchos de los músicos que trabajaron con él, productores y demás, los que él mismo llamaba su "otra familia".


Nacha Pop

 
Es por esto, que el retrato que se nos hace de Antonio, a nadie se le ha de escapar que es muy fidedigno, por descontado, pero no sólo eso, sino que la propia voz del protagonista va describiendo todas las etapas de su vida, salpicando el documental con relatos exactos de la época que en ese momento se estaba tratando, descritas por el propio Sr.Vega, lo que es una larga entrevista, que va siendo diseccionada en las dos horas de duración. Este gran acierto, se basa en un proyecto de 4 años del escritor Bosco Ussía, que fue registrando con su grabadora, en una serie de encuentros (de ahí las recurrentes imágenes de dicho artefacto en el film), los aspectos más personales, divertidos y especiales del maestro.
Escribir su biografía, era un proyecto del músico largamente aplazado, hasta que conoció a Bosco, quien se convirtió en su confesor. Es muy curioso, escuchar de su propia voz aspectos desconocidos de su personalidad y como desmiente falsos mitos con un sentido del humor, que para muchos resultará insólito, pero hemos de recordar que el propio Antonio durante muchos años, decidió mantener su figura en la penumbra.





 
A nadie escapa que personajes míticos del mundo del espectáculo y de la música en particular, han sido presa de su propia manera de ser, que les ha llevado al absoluto desastre en sus vidas, siendo auténticos genios en su trabajo, y en el caso de Don Antonio así era, un tipo de familia bien asentada, con 5 hermanos, sietemesino, con un coeficiente intelectual muy alto, aficionado a la astronomía y la física (temas recurrentes en su discografía, sobre todo en solitario), a la escalada y hacer deporte, pero que cuando agarraba una guitarra y componía era el número 1, pero no por preferencia sobre otros, simplemente porque era un don, y ese don él lo tenía y a expuertas. Es evidente, que en todo resumen de la vida de una persona, pueden faltar algunos detalles o sobrar otros, desde luego el tema de la droga ha de ser contado porque afectó en mucha parte de su vida al músico, aunque su legado está por encima de todo, y siempre intento separar ambas cosas, pero como única pega me sobra el personaje de Will More (actor underground de la época de la movida) o por lo menos el poco tacto que tiene al hablar de una persona ya fallecida. Quizás también, hecho en falta algo más de detalles musicales del germen de Nacha Pop, su gran grupo, como sus influencias y demás, y se deja notar que siempre hubo ciertos problemas en la banda, tanto de presencia de Antonio o Nacho en los temas, como de manera de encauzar el proyecto por parte de todos. Como no podía ser menos, los tiempos de la transición en los que el músico salió a la luz, se describen con tino, además del tema de la movida, del que Antonio formaba parte, pero de manera diferente a otros. Además, como no podía ser de otra manera, la música de Antonio suena en toda la cinta, con imágenes de actuaciones míticas, tanto de Nacha Pop, como suyas en solitario.



 Don Antonio Vega

 
Lo que ante todo ha de quedar muy claro, es que esta figura de la música de nuestro país es para mi insustituible, única y está bastante bien diseccionada en el documental, con sus genialidades y sus desastres, con sus filias y sus fobias, con sus momentos de ira o de calma.
Especialmente llamativos me resultan los momentos en que explica como compuso "El sitio de mi recreo", como siente que "La Chica de ayer" empezó a ser reconocida casi 10 años después de ser editada, cuando para mi quizás sea una de las mejores composiciones hechas en castellano, además de la descripción de su madre y su primera mujer como personas que mejor le entendieron y sufrieron de su figura. También destaca esa sensación de protección de muchos de sus allegados hacia él, una persona especial sin duda.
 
Os dejo con el tráiler del documental.
 
 

domingo, 18 de mayo de 2014

Partly Cloudy (2009)

Cartel del corto
 
 
Sigo con esta segunda trilogía de cortos de animación de Pixar, y en este caso con Parcialmente nublado, que fue el que acompañó en su estreno a la película Up. Muchas veces la factoría había acompañado los estrenos, con cortos que poco tenían que ver con el film en cuestión, pero en este caso si que hay relación. Este notable trabajo de Peter Sohn (en cuyo rostro se basaron para crear la cara de Russell en Up, todo sea dicho) es una fantástica obra dónde se analiza el milagro de la vida, en tono tragicómico, introduciendo los valores de la amistad en un trabajo de guión perfecto. Esa es la diferencia con Up, donde había una exploración del final de la vida hasta la muerte.




 
En el cielo, las nubes se encargan de crear bebés y animales para que las cigüeñas los repartan por la Tierra, llevando a cada uno a su casa. El problema surge cuando algunas tienen la misión de crear cocodrilos, tiburones, erizos, etc., que también son criaturas de la Tierra... El corto es mudo y está acompañado de una música instrumental, estilo bossanova, de Michael Giacchino, que es realmente excelente.




Disfrutad de esta simpático, divertido y ameno corto.

 

miércoles, 14 de mayo de 2014

Tin Toy (1988)

Cartel del corto

 
Tin Toy fue el primer corto de animación creado por la factoría Pixar en 1988, y consiguió en su momento el Óscar a mejor cortometraje animado. En 2003, fue seleccionado para formar parte del Registro Nacional de películas. Como se puede ver, es un corto que con el paso de los años técnicamente ha sido superado por otros muchos, pero le doy bastante valor por el momento en el que se realizó, ya que abrió caminos hasta entonces insospechados. Fue el corto previo al estreno de Toy Story.



Tin Toy

 
Tin Toy es un juguete recién comprado que llega a una casa, donde hay un bebé que empieza a romper juguetes, esto lo ve Tin Toy que a su vez es visto por el bebé y va a por él. Asustado, el juguete empieza a correr por toda la habitación hasta que se esconde debajo del sofá, dónde hay otros muchos juguetes totalmente asustados que se esconden también del bebé. Cuando el bebé empieza a llorar Tin Toy siente una tierna compasión, sale del escondite y juega con él. El bebé zarandea a Tin Toy, pero lo deja y ya no juega con él porque se pone a jugar con otras cosas, es entonces cuando Tin Toy se enfada con el bebé ya que no le hace caso, tiene celos.



Bebé
 
 
 
Os dejo con este simpático cortometraje de animación.
 
 

lunes, 12 de mayo de 2014

One Man Band (2005)

    Cartel del corto
 
 
Después de haber visitado la exposición de Pixar en el Caixa Fórum de Madrid (recomiendo a aquellos que no la hayan visto que es muy interesante), sigo con mi repaso a cortos de animación de la factoría, en este caso con One Man Band, El Hombre Orquesta, que en su día acompañaba al estreno de la película Cars. Se trata de un corto de un nivel altísimo, para mi debe estar en el Top 5 sin duda. Dirigido por Mark Andrews y Andrew Jiménez, nos cuenta una historia que no tiene desperdicio.
 


Tippy

 
Situada en Italia. Bass es un hombre orquesta que toca en la plaza donde ha tocado ahí varios años. Justo ese día llega Treble, un nuevo hombre orquesta que parece superarlo. Ahí entra Tippy, una niñita que quiere pedir un deseo a la fuente con una moneda. Ya que ambos necesitan una moneda, Bass y Treble empiezan a competir por la atención de Tippy, haciendo que ella tire la moneda por accidente. Molesta, Tippy le pide uno de sus violines a Treble, y sorprendentemente la toca como una verdadera profesional, haciendo que un hombre le dé una enorme bolsa de monedas. Tippy saca dos y con éstas tienta a Bass y Treble, sin embargo ella las lanza al tope de la fuente. Después de los créditos, se ve a ambos tratando de obtener las monedas.


Bass
 
 
Tremenda metáfora la del corto, y extraordinario otra vez por muchos motivos, pero ante todo por su magia. Perfectamente descritos los personajes de los dos músicos callejeros y su lucha enconada, y la niña cuya única intención era echar su moneda a la fuente. Todo se pervierte desde el momento en que los músicos desatan la batalla por dicha moneda.
Con una animación impecable y un trabajo musical al mismo nivel, "El hombre orquesta" es uno de los mejores cortometrajes animados del estudio, así de claro.
 
 
 
Treble
 
 
Os dejo con el maravilloso corto de animación.
 
 

viernes, 9 de mayo de 2014

Fading Gigolo (2013)

Cartel del film

 
Esta es la quinta película del actor y director John Turturro, con guión exclusivamente suyo cuya filmación comenzó en octubre de 2012 y tuvo su estreno en USA el año pasado y ahora llega a nuestras pantallas. Turturro le comentó a su barbero su idea de interpretar a un hombre que se prostituye, y el barbero, el mismo de Woody Allen, se lo comentó al genio, a quien le gustó la idea, y quiso interpretar a su proxeneta o chulo. Ambos comenzaron a trabajar en el guión, la que sería segunda colaboración juntos desde Relativity Speaking en 2011, una obra de Broadway que dirigía John y donde Allen dirigió una pequeña parte.
La explicaicón del propio Turturro sobre este film fue: "Es un género del que no se ve mucho, y cuando lo ves, quizá a excepción de Midnight Cowboy, lo único que ves son mujeres como prostitutas. ¿Por qué no hombres?".
 


John Turturro & Woody Allen

 
En esta nueva película de John Turturro (el actor fetiche de los hermanos Cohen), hay muchas similitudes con películas de Woody Allen de los años setenta, la música de Jazz, las calles de Nueva York, el retrato de la comunidad judía, y la presencia del propio Allen, que hace ese personaje que tantas veces ha hecho en sus propias películas, pero que aquí está realmente clavado, le viene al pelo. La onda de comedia-homenaje está evidentemente, hay diversión, detalles sutiles, pero además John añade su propia nota, con temas en italiano en la banda sonora, pone una mujer negra al judío del personaje de Woody, describe a las mujeres siempre empezando por los zapatos...




 
La historia trata de dos amigos judíos de edad avanzada (Allen y Turturro) que se encuentran ante una desesperada situación financiera, es entonces cuando deciden probar suerte con el negocio de las prostitución masculina, uno como gigoló y el otro como "representante". Un asunto que no acaba siendo bien visto por la comunidad judía más recalcitrante. Turturro interpreta a Fioravante, un tipo de lo más corriente que de repente se da cuenta, animado por Murray (Allen), su neurótico chulo, de que es un gran seductor y sabe entender a las mujeres y complacerlas en la cama. Todo va como la seda, con ricachonas como la Dra. Parker (Sharon Stone) una psicóloga a la que vuelve realmente loca y que propone incluso un trío con su amiga Selima (Sofía Vergara, en su eterno papel de latina explosiva).
Fioravante, el aprendiz de gigoló, inicia así un recorrido por los entresijos del sexo y del verdadero amor bajo la amenazante mirada de la comunidad judía de Brooklyn, perfilando un borroso personaje cuyo encanto reside en poseer una sólida seguridad en sí mismo y repetir numerosas frases en español e italiano.
 




 
La actuación de Sharon Stone es realmente espectacular, en su línea, para que nos vamos a engañar. Está espléndida, mantiene para su edad un tipazo, e incluso sale desnuda, cosa que no hace (y es una auténtica pena) Sofía Vergara (me refiero totalmente desnuda).
Caso aparte es el de la casi olvidada Vanesa Paradís que interpreta a Abigail, una viuda inmersa en el colectivo judío del barrio.
En la parte negativa, el film es de desarrollo lento y algunas escenas, sobre todo con Abigail, caen demasiado, pero gracias a las chispa de Allen y destellos de calidad, la película sale a flote, como la descripción de las familias judías. Nunca se ha de olvidar la mirada inteligente y cuidada que hace el director de un tema que no es fácil de tratar.
 


Sharon Stone & Sofía Vergara
 
 
Os dejo con el trailer de esta interesante película.
 

martes, 6 de mayo de 2014

El Episodio VII de Star Wars ya está en marcha.

 
 
 
Muchos eran ya los rumores sobre la nueva entrega de Star Wars, manejada por Walt Disney, ya que se había visto por diferentes partes de Londres a varios actores que estarán en el reparto, y en efecto en semana y media comenzará el rodaje. Allí se han reunido, para establecer toda la agenda del proyecto.
Walt Disney Pictures y Lucasfilm decidieron acabar de una vez con los rumores y anunciaron a los actores que componen el reparto de Star Wars-Episodio VII que dirige J.J. Abrams.
Mediante una foto publicada en su página web oficial, se mostró a las personas que conformaran el nuevo elenco, y entre el grupo figuraban los tres protagonistas originales de la película: Harrison Ford, Carrie Fisher y Mark Hamill. Lo de Mark Hamill ha sido bastante curioso porque fotos de hace un año le daban un aspecto horrible, pero las recientes parece que le muestran bastante recuperado, supongo que gimnasio y dieta tendrán mucho que ver.
 


 
 
Entre los nuevos actores integrantes están: Adam Driver, John Boyega, Oscar Isaac, Daisy Ridley, Andy Serkis, Domhnall Gleeson y el gran Max von Sydow.
Sin embargo, diferentes medios, entre ellos The Hollywood Reporter informan sobre que el casting no está cerrado. Al parecer debe cubrirse todavía un papel importante para una joven actriz negra, y dos actrices se disputan el puesto, la desconocida Maisie Richardson-Sellers y la reciente ganadora del Óscar Lupita Nyong'o por Doce años de esclavitud.
Para la música estará el ya eterno y muy mayor John Williams que tiene 82 años, y esperemos que pueda cumplir su tarea.
El estreno tiene fecha de 18 diciembre de 2015.
 
Os dejo con el tráiler que se tiene a fecha de hoy.
 
 

viernes, 2 de mayo de 2014

Se nos fue Robert William "Bob" Hoskins Jr.

Bob Hoskins

 
El actor británico Bob Hoskins ha muerto a los 71 años tras una neumonía, este martes 29 de abril, según informó la familia en un comunicado difundido por su agente. El actor, director y productor británico se retiró de la actuación en 2012, al serle diagnosticada la enfermedad de Parkinson. El actor, que fue candidato a un Óscar por el film Mona Lisa en 1987, por el que ganó un premio de cine británico Bafta, será siempre recordado por películas familiares como ¿Quién engañó a Roger Rabbit? de 1988, Hook de 1991 o Super Mario Bros de 1993.
Bob, nació en el condado de Suffolk (sureste de Inglaterra) en la localidad de Bury St Edmunds, el 26 de octubre de 1942, después de que su familia abandonase Londres a raíz de los bombardeos durante la II Guerra Mundial (1939-1945). Pasó gran parte de su infancia en el norte de Londres y abandonó el colegio a los 15 años. Acto seguido, inició su carrera artística haciendo actuaciones en teatro en los años sesenta, y con papeles menores en series de televisión hasta protagonizar la miniserie On the Move (1975-1976) para la BBC y la exitosa serie Dinero caído del cielo (1978) de Dennis Potter, un drama musical por el cual fue nominado para el premio Bafta como mejor actor de televisión.
 
 



 

Sobre todo a mediados de los 70 y comienzos de los 80 compagina su trabajo en televisión con el cine británico. Así en 1981 participa con Anthony Hopkins en la versión de Otelo para la BBC, y en filmes como El Largo Viernes Santo (1980) con Helen Mirren y Mona Lisa (1986) donde los críticos cayeron rendidos ante su trabajo. También aparece en la película de Pink Floyd "The Wall" de 1982. Muy destacable su actuación en 1984 en The Cotton Club de Francis Ford Coppola y también su papel cómico en Brazil de Terry Gilliam en 1985. En 1987, se doctoró juanto a Mickey Rourke, Liam Neeson y Alan Bates en "A prayer for the dying" dirigida por Mike Hodges.
Tras conocerse el fallecimiento de Hoskins, el actor británico Stephen Fry dijo en su cuenta de Twitter que esta es "una noticia horrible" y destacó que El largo Viernes Santo es "una de las mejores películas británicas de la era moderna".
Bob Hoskins fue sobre todo famoso por interpretar a líderes oscuros, además de ser conocido por ponerse en la piel de Smee, el contramaestre del capitán Garfio (Dustin Hoffman) en Hook, de Steven Spielberg.

 
 

 ¿Quién engañó a Roger Rabbit?



El actor tuvo una gran capacidad para imitar el acento estadounidense, hasta el punto de que mucha gente pensaba a veces que tenía esa nacionalidad. También hizo varios anuncios de publicidad, en el Reino Unido, a finales de los años ochenta y principios de los noventa.
En 2002, le fue entregado el Premio Donostia en la 50 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

 

Super Mario Bros
 
 
 
Os pongo una mítica escena de El largo viernes santo, dirigida por John Mackenzie, dónde Bob Hoskins interpreta a Harold Shand, un gángster inglés bien establecido, que está a punto de cerrar un lucrativo negocio con la mafia estadounidense. Aquí, sufre el secuestro de su mujer, a manos de un grupo de activistas irlandeses que rompen su apacible vida de los últimos diez años. Curioso ver en esta escena a un muy joven Pierce Borsnan.
 
 




También os dejo con la película Super Mario Bros de 1993, dirigida por Annabel Jankel y Rocky Norton basada en el famoso videojuego de la compañía Nintendo. Dos hermanos fontaneros se adentran en un mundo paralelo para salvar a la princesa Daisy de las garras del rey Koopa y su ejército de reptiles.